#aquafortist

[sengreyergnes]

Here's another work made on a plastic piece and then printed on wet paper

[cma-prints]

The Shepherd and the Shepherdess, Charles François Daubigny, 1874, Cleveland Museum of Art: Prints

Although etching had fallen into disfavor in France, Daubigny began to produce original etchings in the 1840s. The revival of this technique began to accelerate, and in 1862 the Société des Aquafortistes (Society of Etchers) was organized by Alfred Cadart, who was instrumental in publishing many albums of prints. In addition, periodicals such as L'Artiste (The Artist) included original etchings, which also helped to generate interest in the medium. The countryside around Barbizon (a village about 30 miles southeast of Paris) provided a refuge from the urbanization and industrialization of modern life and offered landscape etchers a vast array of scenery—from wild forest to rocky gorges. Daubigny, who wanted to retain the immediacy of the direct observation of nature, used a flat-bottomed boat as a floating studio on the rivers of France in order to capture the momentary effects of light and atmosphere. Size: Sheet: 32.6 x 24 cm (12 13/16 x 9 7/16 in.); Plate: 28.4 x 21.6 cm (11 3/16 x 8 1/2 in.) Medium: etching

https://clevelandart.org/art/1956.656

[miscellaneous-art]

Daniel Hopfer (aquafortiste), Vénus et l'Amour, 1530-1550. Petit Palais, musée des Beaux-arts de la Ville de Paris

[george-steel-armours]

Stefano Della Bella.

XVIIe siècle.

France, Paris, Musée du Louvre.

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• Le chevalier Nevers.

• Le chevalier Orléans.

• Le chevalier Bretagne.

• Le chevalier Champagne.

• Le chevalier Normandie.

• Le chevalier Bourgogne.

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📜 Stefano Della Bella ou Étienne de la Belle (à la cour de France), né le 18 mai 1610 à Florence où il est mort le 12 juillet 1664 (à 54 ans), est un graveur aquafortiste italien de l'école florentine de la Renaissance, de style maniériste et baroque.

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[marciamattos]

Edgard Tytgat - Self portrait

Self portrait with his wife of the Belgian artist Edgard Tytgat (1879-1957). Fauvism, 1948

Edgard Tytgat est un peintre belge né à Bruxelles (28 avril 1879) et décédé à Woluwe-Saint-Lambert (10 janvier 1957).

Son père était graveur en taille-douce et imprimeur. Il est apprenti chez un horloger de 1893 à 1895, puis travaille chez son père. De 1897 à 1900, Tytgat suit les cours du soir à l’Académie royale des beaux-arts de Bruxelles. En 1901 il suit les cours à plein temps, notamment chez Constant Montald. C’est là qu’il noue des amitiés avec d’autres futurs peintres, dont Rik Wouters et Fernand Verhaegen. Il les représentera d’ailleurs tous deux, accompagnés de leur épouse, dans un dessin à l’encre de Chine « La ligue des peintres wallons, Doe stil voort » vers 1907.

Il quitte la Belgique pour l’Angleterre pendant la Première Guerre mondiale et ne revient qu’en 1920, pour s’installer définitivement à Woluwe-Saint-Lambert en 1923.

Tytgat est à la fois peintre, graveur, dessinateur, aquafortiste, aquarelliste et graveur sur bois. Comme graveur et xylographe, il a illustré de nombreux ouvrages (« Le petit chaperon rouge », « La flûte enchantée »,etc …). L’imagerie était son point fort. Son ami Verhaegen a d’ailleurs gravé une eau-forte le représentant, portant le titre « L’imagier ».

Sa peinture, d’allure impressionniste, est souvent qualifiée de peinture naïve, avec des scènes de la vie quotidienne, des intérieurs, des kermesses, des amoureux, mais non dépourvues d’une douce poésie. À partir de 1950 il aborde la représentation de légendes mythologiques baignant parfois dans un certain érotisme.

Edgard Tytgat a participé à de nombreuses expositions, tant personnelles que collectives, en Belgique et à l'étranger.

D’une nature très retenue, il était cependant très attaché à ses amis jusqu’à réaliser des œuvres dans lesquelles ceux-ci sont repris. Le musée communal de Bruges détient une œuvre de lui, représentant Aline, l’épouse de son ami Fernand Verhaegen, au balcon, lors de la kermesse de Watermael-Boitsfort en 1911.

Œuvres dans les musées de: Anvers, Bruges, Bruxelles, Gand, Ixelles, Liège et Mons

Son frère, Médard Tytgat (1871-1948) et le petit-fils de ce dernier, Médard-Siegfried Tytgat (1916-1997), sont également peintres.

[vincentdelaplage]

OISEAUX SELON REMBRANDT Regardez "Telemann Concerto en Ré Majeur" sur YouTube https://youtu.be/Vu9n3LsnA80 Rembrandt Harmenszoon van Rijn habituellement désigné sous son seul prénom « Rembrandt », né à Leyde le 15 juillet 1606 ou 1607 et mort à Amsterdam le 4 octobre 1669, est généralement considéré comme l'un des plus grands peintres de l'histoire de la peinture, notamment de la peinture baroque, et l'un des plus importants peintres de l'École hollandaise du xviie siècle. Rembrandt a également réalisé des gravures et des dessins et est l'un des plus importants aquafortistes de l'histoire. Il a vécu pendant ce que les historiens appellent le siècle d'or néerlandais, durant lequel culture, sciences, commerce et influence politique des Provinces-Unies ont atteint leur apogée. #culturejaiflash https://www.instagram.com/p/Cag7OchsFkG/?utm_medium=tumblr

[radiobigworld]

Headquarters of the Société des Aquafortistes (Paris), 1864, Adolphe-Martial Potémont, called Martial

The Met Fifth Avenue

[pilferingapples]

A collection of Celestin Nanteuil’s illustrations, including the many he did for Victor Hugo.  Black and White, unfortunately, but so were a lot of the original illos, too. 

[sengreyergnes]

Finally got to the last part of making that metal plate and yesterday i cleanded from the vernics... But that metal plate wasn't the final product of that process, which was my assumption, but it was just to print it on a piece of paper :((

I guess whenever i get to do it again i will focus on that metalic plate to make it an end product.

That chonky black part was the result of removing vernics/verniks fukin... Couch drop smelling substance and the acid got to work with it.

I forgot to make a photo of the plate so amma show it whenever i get the chance (sorry)

[louisstephaneulysse]

Par Patrick Corneau.

Lorsque j’ai reçu ces Heures de Paris : les nouvelles minutes parisiennes, 1900-2020 des Éditions La Bibliothèque, après l’avoir soupesé, humé, tourné, retourné, feuilleté, lu la préface, rêvassé autour des illustrations et photographies, je me suis dit : voilà le livre-cadeau idéal pour un(e) ami(e) ! Que l’heureux récipiendaire soit parisien ou pas, amoureux de notre capitale ou la détestant (ou pire : indifférent), ce bouquin est du nanan…

Décrivons et expliquons d’abord. Tout part de l’éditeur bien évidemment. Mais avant de parler de Jacques Damade le dynamique directeur des éditions La Bibliothèque, initiateur, concepteur et créateur multitâches (stylo, clavier, mise en page, promotion, etc.), transportons-nous dans le passé… Un soir de 1898, à la librairie de Minuit, rue de la Chaussée d’Antin à Paris, l’éditeur Ollendorff (Maupassant, Jules Renard, Colette…) imagine Les Minutes parisiennes, un livre qui racontera la capitale heure par heure. Chaque heure est confiée à un écrivain et à un dessinateur (buriniste, aquafortiste, graveur). Un an plus tard, commence la publication de petits livres illustrés, d’une soixantaine de pages, très soignés. Chacun évoque un moment particulier de la vie parisienne : le déjeuner des petites ouvrières, la presse populaire, le Grand Prix de Paris… Ils font voyager le lecteur de l’île de la Cité à Belleville en passant par la Bourse et les Batignolles. De 1899 à 1903, dix ouvrages sont édités. Et puis l’entreprise connaît des difficultés, peut-être parce que ce projet de grande ampleur, de nature polyphonique est complexe à mener collectivement.

Revenons à Jacques Damade des éditions La Bibliothèque. Fin 2018, Jacques Damade conçoit le projet de ressusciter Les Minutes parisiennes avec le concours d’écrivains et d’illustrateurs actuels. L’objectif est de répondre, heure par heure, aux écrivains et dessinateurs de 1899 : Paris 2020 dialoguera ainsi avec Paris 1900. Huit volumes sont prévus avec 28 auteurs et illustrateurs. Chacun mettra en regard Les minutes parisiennes (textes et images) de 1899 et celles de 2020. Un financement participatif est lancé en 2019 pour engager la production. En octobre 2020, La Bibliothèque fait paraître le tome un. Un dialogue saisissant s’ouvre entre le Paris 1900 et celui de 2020. Premiers spots : Belleville-Ménilmontant, les fortifs, la Gare du Nord, la Bastille et le quartier de Grenelle.

Déroulé de cette flânerie entre deux rives du temps et les quatre points cardinaux de la capitale (la chronologie n’est pas celle du temps ni celle du livre). – Vers 9 heures du soir, Jean-Philippe Domecq scrute la gare du Nord, son trafic, ses ciels, ses quais depuis la fenêtre de chez lui et répond aux déambulations tardives de Jean Lorrain autour des fortifs. – Nadja fréquente un café de la Bastille vers 8 heures du matin, observe, dessine, s’interroge sur son art et voisine avec les 10 heures du soir de Huysmans, et l’ambiance chaude, saturée du bal de la Brasserie européenne sur la Seine à Grenelle. – À 7 heures du soir, Louis-Stéphane Ulysse arpente le Belleville qu’il connaît comme sa poche et sa population métissée, ses tribus qu’il confronte en miroir aux sept – neuf heures du soir de Gustave Geffroy, bellevillois aussi lyrique que naturaliste.

Pour des raisons de domiciliation (Paris-Est), je m’attarderai davantage sur Une histoire irracontable de Louis-Stéphane Ulysse. Disons d’emblée que sa vision est cash. Elle est réaliste et véridique. Je peux l’affirmer car je vis aujourd’hui au cœur du XXe arrondissement et, après m’en être éloigné (comme lui), je fais les mêmes constats. Impression d’ensemble qui relève d’une sensation étrange, comme d’un décalage topographique : « … une ville portuaire, un bord de frontière fantasmé, la Méditerranée au Mexique, La Soif du mal, Wall of Voodoo et Gun club, une épicerie tenue par Akim Tamiroff, un mélange de Vintimille et Tijuana en plus grand, les arrières-cours humides, les orages de juin qui laissent leur couleur sur le bitume, cette odeur acide de relent de batterie éventrée. » Et puis ce qui retient l’œil, ajoute-t-il « c’est la multiplication des magasins bio, le renouvellement des brasseries, comme si les cultures alternatives blanches avaient été digérées, englobées, refinancées, bons points à la clef. Vues de l’extérieur, elles semblent avoir moins de mélange… Les héritiers, le pedigree, la traçabilité propre au bio sans doute. Belleville n’échappe pas à la règle même si la frontière de ce nouveau monde semble, pour le moment, piétiner aux alentours d’Oberkampf. Le Quick est devenu un Sephora mais le Nani et ses cornes de gazelle, sur le boulevard est toujours là. Des falafels à ciel ouvert. » On appréciera le style coloré de Louis-Stéphane Ulysse qui mesure avec perspicacité au fil des vagues migratoires les transformations d’un Belleville où s’affirme « l’âpreté urbaine, confuse, bruyante, débraillée, toujours dans ce brouillard lumineux. Les nourritures abondantes, exotiques, et l’addiction sordide. » Remarquant que Belleville se construit davantage sur un modèle anglo-saxon que français : un bout de New York… Mais l’explication la plus convaincante est socio-démographique : « Belleville semble condamné à la gentrification généralisée ». Qu’on me permette de citer intégralement l’éclairante description que Louis-Stéphane Ulysse fait de ce processus si souvent pointé sans être toujours compris : « Finalement, c’est toujours la même chanson qui se joue dans les capitales occidentales. Un quartier en bordel, insalubre, déserté par ses ouvriers, où plus personne ne veut habiter, mais avec une forte capacité d’absorption, des communautés étrangères dans l’obligation d’organiser leur quotidien, des marginaux, des artistes qui apportent la profondeur par le détournement des espaces et parfois des matières, des associations ou des collectifs qui organisent des circuits courts, des artistes plus riches et des économies nouvelles qui viennent s’encanailler le soir, avant de reprendre peu à peu les lieux en faisant grimper les prix. La modernité sans progrès, ligne privée de rails… Sans doute pour ça que ceux de la Petite Ceinture, recouverts de mousse, longtemps abandonnés, puis oubliés, les tunnels qui les abritent, se visitent désormais comme des musées. » Et Louis-Stéphane Ulysse de conclure par cette anecdote bien parlante : « Au bas de la rue de Ménilmontant, une petite agence immobilière façade blanche, store rouge. Je regarde la vitrine. Trente mètres carrés pour trois cent cinquante mille euros… Je demande à la fille à l’intérieur. Elle explique que les prix iront plus haut lorsque les immeubles de marchands de sommeil encore présents ici auront dégagé. Mais il y aura une limite à cause du nombre important de logements sociaux dans le secteur. » Plus inquiétante, cette incidente : après nous avoir confié qu’en 2000 il ne s’était « jamais senti autant en sécurité qu’ici », il déclare « Je me lève. Je n’entends plus Geffroy. Je marche mais je ne le retrouve pas. Le temps nous sépare. Avant, on pensait que tout était possible ; aujourd’hui, on pense que tout est à craindre. » Inutile de préciser que le simple indigène que je suis ne peut qu’entériner cette appréhension…

De ces échos entre quartiers au tonalités si contrastées, de ce choc temporel entre la fin du XIXe siècle et le début du XXIe s’extrait un étonnant précipité, un condensé plein de bruit et de fureur et qui signifie beaucoup… Nonobstant l’alchimie du temps, Paris peut-être change moins que ses Parisiens dont les générations se succèdent par vagues, et infatigablement arpentent sa forme, égrènent et fouillent son intimité. Mélangeant expérience et mémoire, flânerie et rêverie, Heures de Paris en forme le guide singulier et précieux. Oui, vraiment ce bouquin – malgré masques et bergamasques – est un cadeau !

Heures de Paris : les nouvelles minutes parisiennes, 1900-2020. Volume 1, Collection Capitale, avec des textes de Gustave Geffroy, Jean Lorrain, Joris Karl Huysman,s Louis-Stéphane Ulysse, Jean-Philippe Domecq, Nadja, des illustrations de Joaquim Sunyer, Thomas Beulaguet, Théophile-Alexandre Steinlen, Charles Jouas, Nadja, des photos de Jean Philippe Domecq, Magali Croset-Calisto, présentations de Douban, conception de Maurice Miettte, éditions de La Bibliothèque, 2020.

Patrick Corneau / Le Lorgnon mélancolique

[cma-prints]

Canal at Pont Sainte-Maxence, Maxime Lalanne, c. 1878, Cleveland Museum of Art: Prints

Lalanne made an important contribution to the etching revival in mid-19th-century France. In 1862, he was one of the founders of the Etching Society (Société des Aquafortistes) with whom he published numerous landscape and architectural prints. Medium: etching on chine collé

https://clevelandart.org/art/1942.745

[dutch-and-flemish-painters]

Photography of Piet Verhaert

Piet Verhaert (Antwerp, 25 February 1852 – Oostduinkerke, 4 August 1908) was a Belgian painter. He was a member of Les XX.

Verhaert was a painter and etcher of townscapes, interiors, figures and portraits. He was also a notable painter of decorative panels. Trained at the Academy of Antwerp, he originally studied sculpting but switched to painting. He was part of a group of young artists known as the "Van Beers Clique", led by Jan van Beers. This group included the artists Alexander Struys and Jef Lambeaux. They were well known for their mischievous and eccentric behaviour, which included walking around Antwerp dressed in historic costumes. He travelled to The Netherlands, Italy and later Spain. He debuted in 1873 at the Triannual Salon van Antwerpen. He stayed for a year in Paris in 1876. During his time in Spain (1882–83), he made copies from Velazquez. He was a member of Les XX ("The Twenty"), a founder of the Society Aquafortistes and a teacher at the Academy of Antwerp from 1886. He painted, predominantly, genre scenes of the 17th and 18th centuries. From the beginning of the 1880s he painted his own designs, working in plein-air style. Later, brown became the dominant colour of his work. He is best known for his depictions of the old street districts of Antwerp, was considered to be a powerful colourist and was a virtuoso with a pencil. He painted a fresco in the Antwerp City Hall (1899) and made an album of etchings on the old districts of Antwerp. His works may be found in the museums of Antwerp, Brussels, Doornik and Ghent.

[vincentdelaplage]

OISEAUX SELON REMBRANDT Regardez "G.PH.TELEMANN: Oboe Concerto in E minor TWV 51:e1, Patrick Beaugiraud Formosa Baroque（ＨＤ）" sur YouTube https://youtu.be/ayI4c7JWTWw Rembrandt Harmenszoon van Rijn habituellement désigné sous son seul prénom « Rembrandt », né à Leyde le 15 juillet 1606 ou 1607 et mort à Amsterdam le 4 octobre 1669, est généralement considéré comme l'un des plus grands peintres de l'histoire de la peinture, notamment de la peinture baroque, et l'un des plus importants peintres de l'École hollandaise du xviie siècle. Rembrandt a également réalisé des gravures et des dessins et est l'un des plus importants aquafortistes de l'histoire. Il a vécu pendant ce que les historiens appellent le siècle d'or néerlandais, durant lequel culture, sciences, commerce et influence politique des Provinces-Unies ont atteint leur apogée. #culturejaiflash https://www.instagram.com/p/Cag65jksWkQ/?utm_medium=tumblr

[nofomoartworld]

Hyperallergic: Diversity and Fraternity in 19th-Century French Prints

Henri Guérard, “An African Woman, after Eva Gonzalès” (ca. 1888), etching and aquatint on gray paper, Image/plate: 37.5 x 29.2 cm (14 3/4 x 11 1/2 inches), Esther Mauran Acquisitions Fund 2016.107, Museum of Art, Rhode Island School of Design, Providence

PROVIDENCE — By the mid-nineteenth century in France, the art of making prints was at a low ebb.  Photography threatened to monopolize the reproductive function of the print, and there were no prominent practicing peintre-graveurs — painter-printmakers — in the tradition of Rembrandt or Goya. A lack was sensed; a printmaking society was formed by publisher Alfred Cadart and printer Auguste Delâtre, the Société des Aquafortistes; and, remarkably, a revival was engendered. Some of the fruits of this revival are on view in Altered States: Etching in Late 19th-Century Paris at the RISD Museum in Providence.

Coaxed entirely from RISD’s permanent collection, the exhibition includes some expected names in French printmaking, such as Degas, Cassatt, and Daumier, but it is the lesser-known artists who entirely steal the show. Insulated by their medium from the politics of the brushstroke roiling the world of Salon painting at the time, the artworks skew neither proto-Modernist nor conventional, offering a glimpse at the underexposed diversity of French 19th-century art.

Take, for instance, Charles-François Daubigny, whom I heretofore knew only as the Barbizon artist whose landscapes usually include ducks. In fact, he was an avid printmaker with a sustained interest in moody lighting effects. In “Interior of an Inn” (1861-62), for instance, a lantern at the top of a flight of stairs hollows out a dim view down a hallway, catching a feather duster (are they duck feathers?) and a few pairs of shoes in its light. This evocative, liminal non-place is rendered with a welter of parallel marks that seem to revel in the irony of suggesting bright, amorphous light through straight, dark lines.

Adolphe Martial Potémont, “Letter on the Elements of Etching” (1864), etching on paper, Image/plate: 29.7 x 20 cm (11 11/16 x 7 7/8 inches), gift of the Fazzano Brothers 84.198.797, Museum of Art, Rhode Island School of Design, Providence

Daubigny’s prints are etchings, a traditional technique. Other artists in the show employ experimental methods — such as aquatint, chine collé, cliché-verre, roulette — use tin, steel, and zinc plates (instead of the typical copper), and exploit different inks and papers. These produce not only interesting images, but also lists in the wall text of materials and techniques lengthy enough to satisfy any art nerd’s soul — for example, “Etching printed in metallic gold ink on blue-colored, moderately textured wove paper; mounted on sheet with border toned with bronzing powders and printed in white by the artist” or “Etching, aquatint, drypoint, and roulette on beige-colored, slightly textured laid paper.”

The latter describes a print by Félix Hilaire Buhot who specialized in complex, kaleidoscopic compositions of moody, urban vistas, in which he juxtaposes resolved scenes with quick studies. In “Winter in Paris” (1879), a view down a crowded, snow-choked boulevard is limned by a series of sketchy, concatenated vignettes: a postage-stamp-sized scene of stick-figure skaters on the frozen Seine; a pictorial essay in different footwear, from sabots to furred boots; men warming their hands around a fire. Above, in the left margin, are two subordinate scenes tasked with heightening the print’s the emotional effect. In one, a driver cradles the head of his dying horse; in the other, the horse lies dead, awaiting disposal, dark against the snow.

Félix Hilaire Buhot, “Winter in Paris or Paris in the Snow” (1879), etching, aquatint, drypoint, and roulette on paper, Image/plate: 24 x 34.9 cm (9 7/16 x 13 3/4 inches), gift of the Fazzano Brothers 84.198.825, Museum of Art, Rhode Island School of Design, Providence

Several of the works are portraits or character studies. Some, including a portrait study by Rodin, exploit the spontaneity that results from the glide of the etching needle over the waxy coating of the plate. Other works are more formal, like a print of an African woman from the French colonies by Henri Guérard, after a now-lost painting by his wife, Eva González (the latter related to a painting by González’s teacher Manet). It’s amazing its wire can hold it on the wall, with all the weight of its appropriations. At the show’s opposite end (literally and figuratively) is Félix Bracquemond’s large and masterful print of the art critic Edmond de Goncourt, all mustaches and sinuous cigarette smoke, at home among his bibelots.

Bracquemond and Buhot were both primarily printmakers. For others in the exhibition, such as Albert Besnard, printmaking was an adjunct to a vital painting practice. Like Daubigny, Besnard pursued different directions in his prints and paintings, favoring facile, impressionistic brushwork and bright colors in the latter. Printmaking seems to have allowed him to tap a darker mood. “Morphinomanes (The Morphine Addicts)” (1887) depicts two women smoking morphine — then a fad among society ladies. They gaze, heavy-lidded, at the viewer, wreathed in opiate smoke rendered by “stopping out”: painting varnish over the etched plate before printing. The women’s unnerving, alluring beauty, the light wisps of smoke, and the richly dark, almost furry lines creates the illusion of a blurred, narcotized experience for the viewer.

Albert Besnard, “Morphine Addicts” (1887), etching and drypoint on paper, Image/plate: 24 x 37.3 cm (9 7/16 x 14 11/16 inches), Mary B. Jackson Fund 81.206, Museum of Art, Rhode Island School of Design, Providence

It is clear that the Société des Aquafortistes encouraged not only the printmaking arts, but also a sense of fraternity among its artists. “Etching Study by Four Artists” is pulled from a plate divided into panels in which the artists, gathered for an evening, each drew a picture. Another set of prints is part of an etching instruction manual by Adolphe Potémont, conceived as a charming illustrated letter to a friend (an impressive feat, as the writing would have been inscribed backwards on the plate). In the cozy rooms dedicated to print exhibitions at RISD, visitors feel among new friends they wish they had known all their lives.

Altered States: Etching in Late 19th-Century Paris continues at RISD Museum of Art (20 North Main Street, Providence, Rhode Island) through December 3.

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[cma-prints]

The Shepherd and the Shepherdess, Charles François Daubigny, 1874, Cleveland Museum of Art: Prints

Although etching had fallen into disfavor in France, Daubigny began to produce original etchings in the 1840s. The revival of this technique began to accelerate, and in 1862 the Société des Aquafortistes (Society of Etchers) was organized by Alfred Cadart, who was instrumental in publishing many albums of prints. In addition, periodicals such as L'Artiste (The Artist) included original etchings, which also helped to generate interest in the medium. The countryside around Barbizon (a village about 30 miles southeast of Paris) provided a refuge from the urbanization and industrialization of modern life and offered landscape etchers a vast array of scenery—from wild forest to rocky gorges. Daubigny, who wanted to retain the immediacy of the direct observation of nature, used a flat-bottomed boat as a floating studio on the rivers of France in order to capture the momentary effects of light and atmosphere. Size: Sheet: 32.6 x 24 cm (12 13/16 x 9 7/16 in.); Plate: 28.4 x 21.6 cm (11 3/16 x 8 1/2 in.) Medium: etching

https://clevelandart.org/art/1956.656