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Carne: Un mediometraje Francés (Spoiler)

Carne es un mediometraje de origen francés, lanzado en el año 1991 que cuenta la historia de un Carnicero (Philippe Nahon) que debe hacerse cargo de su hija que, al parecer, sufre de algún tipo de autismo. La trama muestra la etapa de crecimiento de la chica, desde su niñez, hasta su juventud, donde casi es violada por lo que parece ser un obrero, cerca de la carnicería de su padre. La chica llega al local de su padre sin mediar palabras y con su falda manchada de sangre, por lo que el carnicero va en busca de aquel desgraciado que le hizo daño a su hija. Al encontrarlo, el carnicero atraviesa su cuchillo en la boca del trabajador y golpea en repetidas veces hasta que es detenido por otros 2 hombres que pasaban por el lugar. Este es detenido por las autoridades y pasa un tiempo en prisión. Al momento de salir, se da cuenta que está en la ruina, con su hija en un orfanato y con la necesidad de conseguir un nuevo trabajo. Cerca del local de carnicería, el padre consigue un empleo en un bar como limpiador y allí tiene relaciones sexuales con su jefa, por lo cual esta queda embarazada. El final del mediometraje nos deja con la despedida del padre hacia su hija en el orfanato y este viajando a otra ciudad de Francia con su nueva esposa.

El film fue dirigido y escrito por el escritor Gaspar Noé quien contó con varios premios, gracias a este trabajo:

Premio de la crítica - Festival de Cannes

Premio SACD (1991)

Rencontres franco-américaines d'Avignon

Mejor actor masculino (Philippe Nahon)

En mi opinión, soy amante de las películas con niveles de crudeza altos, en cuanto a imágenes y diálogos se refiere, y por tal motivo me pareció que este mediometraje es muy bueno. Primero en resaltar es su aspecto visual y Gaspar Noé logra captar la atención de sus espectadores con posiciones de cámara fija, algo difícil en el cine, sobre todo si quieres mantener el dinamismo en tu film donde necesitas de movimientos de cámara. Por otro lado, el trabajo de fotografía es excelente donde la paleta de colores con un estilo “vintage”, permiten situar al espectador en la época que se encuentra, además de combinarse con un juego de luces interesantes en varios pasajes del film.  En segundo lugar, como dije a principio de mi opinión, los diálogos de la película son bastante crudos y pesados pero creo que fueron bien manejados por Noé, debido a que primero se encarga de presentarnos al personaje y su carácter, combinado con ciertas imágenes fuertes y cambios de sonidos altos para crear esa atmósfera tensionante, incómoda y necesaria del mediometraje, y captar la idea que el director intenta transmitir. Por último, algo que me pareció muy interesante fueron los carteles, sonidos altos y la voz en off del personaje principal que hacen que el espectador se enganche más y de cierta forma reafirmar el mensaje que el director desea transmitir. En aspectos generales, Carne es una película no apta para gente sensible y algo asqueante a ver sangre y diálogos subidos de tonos, pero que tiene cosas buenas y de apreciar. Un 8/10

Toda la información referente a la film fue tomado de los siguientes links: https://es.wikipedia.org/wiki/Carne_(mediometraje)  http://en.unifrance.org/movie/9942/carne

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Los pájaros: Una película de terror interesante

Los pájaros es un thriller de origen estadounidense, lanzada en 1963, que cuenta la historia de Melanie Daniels (Tippi Hedren), una mujer hermosa, hija de un periodista de gran poder. En el transcurso de la historia conoce a un hombre, llamado Mitch Brenner (Rod Taylor), el cual se enamora a primera vista de Daniels. Luego de que el gusto entre ambos naciera, comenzaron a pasar cosas extrañas con todos los pájaros del pueblo, donde estos se organizaban en grandes grupos para atacar a la población civil. Daniels y Brenner intentarán encontrar la razón de estos ataques de las aves, aun si su vida corre peligro.

La película fue dirigida por el gran director Alfred Hitchcock, del cual toma referencia el libro homónimo de esta. El film logró un premio, en los globos de oro, a la actriz más promisoria (1964).

La película en mi opinión es excelente, ya que logró hacerme entender el gran potencial de los Thriller y el suspenso que se manejan en las películas de este género. Primero,el film maneja unos colores grises en sus tomas, dándole al espectador, ese aspecto tétrico de los lugares visitados por los personajes, además de ayudar con la tensión existente en el ambiente, cada vez que aparecían los centenares de pájaros. Segundo, los lugares de las películas son excelentes, la fotografía usada es bastante buena, logrando variabilidad de planos, sin perder la belleza de los espacios. Por último, Hedren hace un excelente papel, debido a que hay una evolución del personaje de principio a fin, algo muy positivo para la película. En aspectos generales, la película logró tensionarme en varios momentos de la aparición de los pájaros, ya que el sonido era muy penetrante, logrando que las manos te sudaran y te sintieras realmente incómodo. Un 7.5/10

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The 400 Blows: El primer largometraje de Truffaut

The 400 Blows es una película de origen francés, lanzada en 1959 y del género drámatico. Cuenta la historia de Antoine Doinel, un joven de parís que le toca afrontar miles de problemas y dificultades a tan temprana edad (de allí el nombre), esto forjando un carácter inadecuado para él, que lo llevará a vivir muchas experiencias en la ciudad de París.

La película fue dirigida y escrita por Francois Truffaut, el cual realizaba su primer largometraje con un carácter serio, logrando un excelente trabajo audiovisual. En mi opinión, es de las pocas películas en blanco y negro que logran engancharme a su trama, que es lo más relevante del film, ya que Truffaut logra crear un personaje bastante increíble que llega a identificarse con uno mismo a partir de sus actitudes de una persona jóven. Por otro lado, se puede llegar a comparar esta película con la de “El Odio”, dirigida por Mathieu Kassovitz, en los personajes que ambas películas manejan, ya que estos se ven enfrentados a las problemáticas que el entorno les ofrece, y cómo tratan de escapar de estas. Además, la ambientación y el uso de planos de ambas películas también logran tener similitudes, como los zooms y unos planos medios que van directo al personaje.

En aspectos generales, la película cuenta con un argumento muy interesante que podría enganchar fácilmente a cualquier espectador, maneja un dinamismo bueno y una planimetría sin manchas. Un 8/10. Más que recomendad.

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El Odio (La Haine)

El Odio (La Haine como su nombre original) es una película de origen francés, lanzada en el año 1995, que narra la historia de 3 jóvenes de diferentes descendencias. Uno era Vinz (Vincent Cassel), el joven francés y rebelde de la época, Said (Said Taghmaoui), un chico Árabe y Hubert (Hubert Koundé), el chico negro del grupo. Francia se encuentra en constantes protestas y motines por parte de los jóvenes, que están cansado de los abusos policiales a los que son sometidos. La historia se encaminara 24 horas donde conoceremos más a fondo a nuestros personajes y cómo se desenvuelven en ese ambiente turbio y tenso que nos presenta la película.

El film fue dirigido y escrito por el director Mathieu Kassovitz, además la fotografía estuvo a cargo de Perre Aim. Por otro lado, Kassovitz se le fue entregado el premio a Mejor Director en la edición de 1995 del Festival Internacional de Cine de Cannes, además de que la película obtuvo múltiples premios en montajes y fotografía en los Premios César del año 1996.

Desde que inicié mi clase de “Análisis Cinematográfico” no ha habido una película que me haya enganchado más que esta. El odio es una película que camina sola, sin necesidad de mucho, logra contar una historia fascinante con personajes que, si bien es cierto que pueden llegar a ser un poco toscos y algo simple, esta logra una compenetración entre ellos para que el argumento fluya y se logre apreciar el trasfondo de la misma. A pesar que muchos pueden irse de cabezas contras los personajes ya que, su lenguaje y expresividad pueden ser repetitivos, estos tienen momentos de lucidez, momentos donde logras captar sus sentimientos, esa hermandad que por pasajes sientes que tiembla pero que luego te da una cachetada y te das cuenta que son más unidos de lo que parece y por ello, para mi, un gran acierto de la película es la compenetración entre personajes. Por otro lado, el montaje es magnífico, cada movimiento de cámara, sus dollys, paneos y traveling son sensacionales ya que logran captar la esencia de los personajes y el paisaje rustico de parís, además de la hermosa fotografía, acompañada de este blanco y negro que logra un ambiente de tensión en toda la película. En aspectos generales, es una película que disfruté mucho, sobre todo una escena donde Vinz está hablando con el espejo y la cámara está en un over the shoulder pero que luego hace un Dolly In hacia el espejo quedando en un plano medio del personaje y con la sensación de que el espejo eres tú como espectador. Un 9/10. Recomenda sin ninguna duda.

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Gone Girl

Gone Girl es una película de origen Estadounidense, lanzada el 3 de Octubre del año 2014, que nos cuenta la historia de una pareja de esposos, Nick Dunne (Ben Affleck) y Amy Elliott (Rosamund Pike). El día de su aniversario número 5, Nick regresa a su hogar pero se percata que su esposa Amy no está, además de encontrar la vivienda desorganizada y algunos muebles roto. Se crea un operativo por parte de la policía para encontrar a Amy pero cada día que pasa estos empiezan a sospechar de Nick, ya que este toma una actitud extraña y desatendida del caso alrededor de la desaparición de su esposa.

La película es una adaptación de la novela homónima, escrita por la propia Guillian Flynn y dirigida por David Fincher, famoso director de películas como “El extraño caso de Benjamin Button” y “The Social Network”, además de conocer el género Thriller a la perfección, con películas como “Fight Club” y, por supuesto, “Gone Girl”. El reparto de la película es uno de sus grandes aciertos, especialmente por sus protagonistas interpretados por Ben Affleck (Nick) y Rosamund Pike (Amy), esta última, nominada a los premios Oscars a mejor actriz. Entre sus grandes nominaciones, Gone Girl llegó a estar en Los Globos de Oro, en categorías como mejor actor, mejor actriz, mejor guión adaptado, mejor película, mejor director y mejor fotografía, demostrando la gran calidad del film.

En mi opinión, está película es excelente en todos sus aspectos, desde su reparto bien escogido, hasta el ambiente propicio para una historia llena de tensión y suspenso. Empecemos por sus personajes, Affleck y Pike hicieron un magnífico trabajo desde sus papeles. Affleck siendo el esposo cansado de su esposa, harto de la vida conyugal y querer cambiar de ambiente y Pike, una esposa psicópata que se entera de la infidelidad de su marido y busca darle una lección a como dé lugar. Ambos lograron crear el ambiente de tensión que la historia requería, además de estar acompañados por otro puñado de actores que, en vez de entorpecer con la trama, aportaron significativamente a la historia. En cuanto la música, se defendía por sí sola, siempre logró crear ese ambiente de suspenso que ameritaba en varios tramos de la película. Sin embargo, a pesar de la buena historia, toca puntualizar en su duración, lo cual son 149 minutos (dos horas con 29 minutos) y por momentos la película perdía dinamismo y empezaba a ser plana luego de la hora y media pero cabe resaltar que los giros argumentales ayudaban a no perder el hilo de la historia y retomar el ritmo normal que se llevaba. En aspectos generales, esta película es recomendada para todo amante de las historias tensionantes y alto nivel de suspenso, eso sí, no espere un final feliz, porque quedarás con muchos sentimientos, menos de felicidad.

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La Mujer del Animal

La Mujer del Animal es una película de origen colombiano, lanzada el 1 de Mayo del 2016, que nos cuenta la historia de Amparo, una joven chica de las comunas de Medellín - Colombia, que decide irse de su colegio de Monjas. Amparo no contó con suerte, ya que “El Animal”, un hombre de aspecto temible y amante de las chicas muy jóvenes, la obliga a convertirse en su esposa y abusar sexualmente de ella. Desde ese momento, la vida de Amparo no será la misma.

Este film fue dirigido y escrito por el gran director Víctor Gaviria, famoso por sus historias intensas y llenas de dramas como La Vendedora de Rosas o Rodrigo D. La Mujer del Animal participó de varios festivales internacionales de cine y obtuvo premios como Premio Coral a Mejor Director y Mención Especial de Actuación Femenina, en 38 Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana, Cuba, 2016, además de un amplio recorrido en festivales de México, Italia y precisamente en Colombia.

Mi experiencia con esta película fue bastante particular. Era la última proyección de la Cinemateca del Caribe en Barranquilla y fui con unos amigos a verla por cosas del destino, ya que me llamaba la atención más que nada por el director. Al salir de la proyección me di cuenta que nuestro país está lleno de historias buenas por contar en el cine y que se están desaprovechando al no salir directores que se interesen por ellas.

En mi opinión, La Mujer del Animal no es una película que todo el público colombiano vaya apreciar, ya que cuenta con escenas de bastante crudeza y lenguaje muy explícito pero que no le restan puntos a tan buen argumento. Cuenta con un guión acorde a lo que se quería contar, mostrando el contexto en que se desarrolla la historia. Sus actores (que tengo entendido son naturales) fueron tan buenos que nunca vi sobreactuación, se notaron tan naturales que el espectador se transportaba al entorno en que se encontraban. Por último, pero lo más importante, en mi opinión, fue el sonido, cada detalle fue cuidado de forma brillante. Desde el crujir de las botas de Libardo por el camino lleno de piedras, hasta el sonido de las puertas de madera abriendo y cerrando, lograron envolverme en una atmósfera de tensión y drama que esta película nos ofrecía. En general, Víctor Gaviria nos sigue trayendo, a la pantalla grande, historias intensas pero retratando ese contexto que se vive en las comunas de Medellín y muchas partes de nuestro país que poco a poco, quiere salir de ese pasado tan violento. Un 8.5/10. Excelente.

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Vivir su vida

Vivir su vida fue una película de origen francés, lanzada en el año 1962, que nos cuenta la historia de Nana (Anna Karina), una joven francesa que sueña con ser actriz pero que debe dejar de lado a su marido e hijo. En el transcurso se encuentra con una vieja amiga, de nombre Yvette (Guylaine Schlumberger) que le cuenta la vida de ser prostituta y Nana opta por ejercer también dicha profesión para financiar su carrera de actriz.

La película fue dirigida por Jean-Luc Godard, un director de cine vanguardista y amante al montaje clásico de los films de la época. En mi opinión, esta película es hermosa de apreciar, a partir del montaje y la posición de la cámara. Disfrutas de la sencillez de sus personajes que, sin exagerar, logran transportarte a la época, a la historia que cuenta, ya que es contada con tanta naturalidad por parte de los personajes que da la sensación de pertenecer a ella. Además, es interesante saber que la película solo fue contada en 12 secuencias, suficientes para dejar una obra maestra del cine clásico y para todos los amantes e historiadores del séptimo arte esta es una opción que no pueden dejar pasar por alto. Un 8/10

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Planet Terror

Planet terror es una película estadounidense, lanzada el 6 de abril del año 2007, que cuenta la historia de un mundo post apocalíptico invadidos de zombies, creados por una extraña sustancia de color verde. Un grupo de sobrevivientes tratan de alejarse del pueblo para evitar un trágico final como la gran mayoría de los pobladores.

El film fue dirigido y escrito por Robert Rodriguez, además de hacer parte de “Grindhouse”, un homenaje de 2 películas, realizado por Quentin Tarantino (dirigiendo Death Proof) y Rodriguez (con Planet Terror) para exaltar películas de los años 70, desde el género terror-zombie.

En mi opinión, está película no fue buena por muchos aspectos pero recalco momentos de chispas donde me causó una que otra carcajada. Primer punto negativo fue el guión, ya que contaba con muchos clichés, diálogos vacíos y absurdos en varios tramos de la película. Segundo punto negativo, sus actores ninguno fue destacado, muy planos y que no enganchaban al espectador. Sí, la película fue de un bajo presupuesto pero si la comparamos con Death Proof de Tarantino, que tuvo los mismos inconvenientes, su guión y actores aportaron mucho en la historia y logró ser entretenida a pesar del gore y las escenas sangrientas que, en Planet Terror, fue un abuso y no logró el objetivo. En aspectos generales, la película te deja con mal sensación de boca, puede llegar a aburrir y hasta fastidiar, pero es una apuesta diferente donde se combina terror, sangre y supuestamente “humor”. Un 5 de 10

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GasLand

Gasland es un documental de origen estadounidense, lanzado el 15 de Septiembre de 2010, que relata la investigación de Josh Fox sobre el uso del Fracking, una modalidad de extracción de gas, en varios lugares de Estados Unidos y que está afectando a la población americana. Desde llamas que produce el agua de la comunidad, hasta tonos de colores amarillentos de la misma, Josh descubrirá qué está pasando, confrontara a varias compañías de gas y llegará hasta las últimas instancias para buscar responsables sobre la situación.

Este documental fue escrito y realizado por el director Josh Fox, del cual ganó dos premios: Premio Primetime Emmy por Mejor Dirección de Programación No Ficción y en el Sundance Film Festival Awards. Además, Gasland fue nominado en los premios Oscars a Mejor Documental largo en el año 2011.

En mi opinión, el documental cumple con su propósito y es el de denunciar el uso del Fracking, para la extracción de gas, en zonas aledañas a comunidades de Estados Unidos. Fox logra fundamentar sus argumentos y denuncias recogiendo documentos, entrevistas con los afectados y con políticos que logran un trabajo excepcional de investigación.

Sin embargo, cabe resaltar que este documental fue denunciado por Phelim McAleer, un periodista que afirma que todos los documentos y testimonios recogidos por Fox son completamente falsos y manipulados, y todo esto fundamentado en un documental llamado “FrackNation”.

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Berlín: Sinfonía de una gran ciudad

Berlín: sinfonía de una gran ciudad es un documental alemán lanzado en el año 1927, dirigido por Walter Ruttmann, que nos cuenta la vida de la vieja Berlín, desde la vida laboral, maquinarias, industrias, etc, hasta la vida cotidiana de las personas de la ciudad alemana.

Para los amantes del cine y su historia, este es una gran opción para conocer las primeras referencias a montajes de planos e imágenes en una gran secuencia para contar algo, además de la gran importancia en la escogencia del material, ya que era una época donde el cine aún era mudo. El documental logra captar de buena manera cómo es el día a día de una ciudad que está en plena etapa de desarrollo, cada plano está ubicado de tal forma que logre contarte lo que quiere transmitir.

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The King’s Speech

The King's Speech es una película lanzada en el año 2010, de origen Británico, que cuenta la historia del príncipe Alberto (Colin Firth), duque de York, que pronto pasaría a llamarse Jorge VI debido al fallecimiento de su padre, Jorge V y la renuncia de su hermano mayor al trono. Como todo rey de la época, debía demostrar su capacidad oral y de discurso, dos cosas que Jorge VI carecía, ya que sufría de tartamudez desde los 4 años. En el camino, y gracias a su esposa Isabel (Helena Bonham Carter), encuentran a un doctor, cuyo nombre era Lionel Logue (Geoffrey Rush), que le ayudará con esta difícil y penosa situación.

El largometraje fue dirigido por Tom Hooper, ganador del Oscar en el año 2010 a mejor director con dicha cinta, producido por Joel Abalos, Emile Sherman y Gareth Unwin, y escrito por David Seidler, ganador al Oscar como mejor guión original. Entre su Reparto, se destacan Colin Firth, ganador al Oscar como Mejor Actor, Helena Bonham y Geoffrey Rush. La película a su vez, logró el Oscar a Mejor película, dandole un total de 4 estatuillas en los premios de la Academia. Entre otras premiaciones, se destaca un galardón en los Globos de Oro (mejor actor), siete en los premios BAFTA (mejor película, película británica excepcional, mejor actor, mejor actor de reparto, mejor actriz de reparto, mejor guión original y mejor música) y demás festivales de cine Internacional.

El film es de genero Drama-Histórico, contado en el contexto político previos a la Segunda Guerra Mundial y con una historia real de la vida del Rey Jorge VI de Inglaterra. Cabe resaltar en un tramo de la película, una referencia por parte del Rey Jorge VI, sobre un Rey que se volvió loco, el cual era Jorge III, que además también cuenta con un film y obra de teatro en el año 1994. Además, la historia de Jorge VI también fue contada en otra película llamada “Bertie y Elizabeth” que, a diferencia de The King’s Speech, nos cuenta el florecimiento del romance entre el duque de York y su amada Elizabeth.

En mi opinión, la película cuenta con una historia fascinante y de superación, además de sentir empatía con sus personajes. Si bien es cierto, el inicio del film es algo lento, poco a poco la historia se vuelve atractiva que te deja enganchado, diversos escenarios que le permite dinamismo a la película. En términos generales, The King’s Speech, es una buena película, perfecta para ver en compañía de tus hijos, ya que deja un excelente mensaje para cualquier tipo de audiencia.

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Soplo de Vida

Soplo de vida fue una película colombiana lanzada en 1999 a manos del director reconocido, Luis Ospina. Ganadora de varios premios nacionales, esta película, enmarcada en el género del cine negro, nos cuenta la historia de un investigador privado llamado Emerson Roque (Fernando Solórzano), que se encuentra investigando el extraño asesinato de “golondrina” (Flora Martínez), una joven mujer, en un hotel de la ciudad de Bogotá. A lo largo de su travesía va consiguiendo todas las piezas, testimonios e implicados del caso hasta descubrir el macabro desenlace.

Soplo de vida contó con un reparto de excelentes actores colombianos que le permitió, a mi juicio, una película con mucho dinamismo y variedad de personajes que enganchan al espectador. Entre los destacados tenemos a sus actores principales, Fernando “el flaco” Solórzano, que interpretó a Emerson Roque, y Flora Martínez en su papel de “golondrina”. Solórzano logra crear a este investigador rígido, muy serio e inexpresivo de las películas del cine negro, de excelente manera que no noté errores en su interpretación. Por otro lado, Flora, con su papel de “Golondrina”, fue mi personaje favorito, debido a que crea una combinación de una mujer prostituta pero sin perder la esencia de una mujer delicada, suave y hasta cierto punto, tímida, es decir, sentí ver a dos personas en un solo personaje. Sin embargo, hago una mención especial al gran Robinson Días, que interpretó al gay que administraba el hotel del film, el cual por momentos llegaba a molestar pero que poco a poco te das cuentas de su importancia en la historia.

Por otra parte, en aspectos audiovisuales, la película cuenta con un trabajo de fotografía impecable, planos bastantes llamativos que demuestran el gran trabajo de producción que la película tiene encima, acompañado por una banda sonora que, en mi opinión, quedó debiendo en algunos pasajes de la película, pero en términos generales cumplió su cometido. Cabe mencionar de la importancia en el trabajo en su guion, producido por Sebastián Ospina, que logra mantener ese equilibrio entre lo entendible y las jergas usadas de nuestro querido país Colombia, además de ser un guion bastante premiado.

En conclusión, Soplo de vida es una película de bastante talla nacional, con una historia llamativa en un género no tan explorado en el cine colombiano, además de saber que en este país también se pueden producir buenas películas, no las típicas de humor sin sentido, narcos y drogas.