#Nuevo cine mexicano

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challengers is literally y tu mama tambien for people who are scared of subtitles

[sergioosvaldovaldesarriaga]

Construyendo una identidad cinematográfica

Escrito originalmente en diciembre de 2020

Según las cifras del Anuario Estadístico de Cine Mexicano 2019, Nuevo León es el estado con menor número de asistentes a estrenos nacionales, a pesar de ser la segunda entidad con mayor número de pantallas de cine en el país.

De los más de 23 millones de espectadores de cine en el estado, tan sólo el 8% vieron cine mexicano.

El anuario también señala que, ese año, “se contabilizaron 216 largometrajes nacionales producidos, es decir, terminados o en proceso de rodaje o postproducción, de acuerdo con las películas registradas en la Dirección General de Radio, Televisión y Cinematografía (RTC)”.

En Nuevo León, el porcentaje de largometrajes filmados que se registraron es del 1.4%, mientras que, en la Ciudad de México, la cifra es del 42.6%, siendo la más alta del país.

¿Tendrá esto que ver con el bajo porcentaje de asistentes de cine nacional? Es decir, si la gente en Nuevo León dificilmente ve cine mexicano, ¿les interesará producirlo?

“Hay interés, hay gente capaz, hay buenos crews” señala Carlos García Campillo, Coordinador de Programación y Acervo de la Cineteca Nuevo León.

“Yo creo que, a partir del año 2000, empezó a haber más interés en la producción. Obviamente hay casos aislados que prefieren producciones más pequeñas, pero de repente se ha puesto un énfasis en producir a lo grande, digamos, grandes presupuestos, con estímulos fiscales o con fondos públicos, y también eso ha sido un problema porque las películas que dependen de eso, normalmente, tienen períodos de producción más largos, ¿no? Porque tienen que esperar ciertas condiciones, decisiones de jurado, convocatorias, etc.”.

¿Pero qué pasa entonces cuando eres un realizador emergente, quizás sin algún tipo de formación en el medio, y que, por lo tanto, desconoce del registro que se hace en RTC después de terminar una película, entre otros procesos, rutas y protocolos industriales para ser tomado en cuenta por el Instituto Mexicano de Cinematografía (Imcine) y su anuario estadístico? ¿Qué es lo que hace que una película exista, verdaderamente, en México?

“Sí había como un sesgo, precisamente, por lo que dices” menciona Campillo. “De tener que estar registrado en RTC o el haber participado en alguno de los festivales más notorios del país, como Guadalajara, Morelia, Guanajuato, Monterrey, etc. Yo lo he hablado con gente de varios estados que dicen ‘es que nosotros tenemos más producciones de cortometrajes que no están registrados’, etc. Y era por esos temas.”.

Un ejemplo de un tipo de producción totalmente independiente, que no sigue los paradigmas industriales previamente designados, ni forma parte del anuario del 2019, es el documental Distrito Olvido que, desde su estreno en agosto de 2019, se ha proyectado en la Cineteca Nuevo León en otras dos ocasiones ante una buena respuesta del público.

Este es el primer largometraje del director Thom Díaz —que, sin haber estudiado una carrera de cine o producción audiovisual, se ha desempeñado como fotógrafo y cineasta—, aborda las experiencias de distintos jóvenes en un contexto de rezago social y entornos adversos, posterior al periodo más violento e inseguro de la ciudad de Monterrey.

Al preguntarle sobre sus objetivos con el proyecto, para Díaz era muy importante tener un estreno local porque lo que pasa en el documental “es un tema generacional que sucede y acontece en Nuevo León, pero que es un eco de lo que sucede a nivel nacional o latinoamericano”, y agrega qué es lo que más le enorgullece de esta experiencia.

“Me hace feliz el hecho de conocer la brillantez de la juventud y que, ante las más complejas vicisitudes, no se doblegan. Y por otro lado, al vivir al margen de una industria tan compleja como es el cine, [Distrito Olvido] se logró realizar de una manera libre, cauta y armoniosa”.

Por otra parte, durante la 17º edición del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM) en octubre de 2019, sucedió algo sin precedentes: 4 largometrajes de directores neoloneses formaban parte de la selección oficial, tres de ellos siendo de la compañía productora Bengala: Muerte al verano, de Sebastián Padilla, Territorio, de Andrés Clariond Rangel y el documental Vaquero del mediodía, de Diego Enrique Osorno, así como La Paloma y el Lobo, de Carlos Lenin, en producción con Huasteca Casa Cinematográfica.

También cabe resaltar que la película Esto no es Berlín, de Hari Sama, que igual formó parte de la selección oficial, fue producida por la regiomontana, Ale García, cuya presencia consolida lo que, en apariencia, podría considerarse como un resurgir de talentos y, en algunos casos, historias con un sello distintivo de la región noreste de México.

Sobre esto, Campillo nos comparte su opinión: “Obviamente es el reflejo del esfuerzo de los que más han estado empujando y haciendo cine en los últimos años. Fue una muy buena camada de películas, pero no es indicativo de lo que está pasando aquí y, además, la mayor parte de esos esfuerzos realmente están surgiendo desde el DF. Es gente de aquí, pero Bengala está en el DF, Sebastián Padilla vive en el DF, las dos películas de Andrés Clariond fueron filmadas allá, con crew mayormente de allá”.

Esto incluye el caso de Ya no estoy aquí, de Fernando Frías, también en coproducción con Bengala, un director que, a pesar de ser de la Ciudad de México y combinar un equipo de producción mixto entre gente de Nuevo León y Ciudad de México, tiene a la ciudad de Monterrey como eje central de su narrativa durante el mandato del ex-presidente Felipe Calderon y la guerra contra el narcotráfico, explorando los últimos meses de una de las subculturas más populares en la historia reciente del estado, coronándose en las categorías de “Premio del Público” y “Ojo al Largometraje Mexicano” del mismo festival en una situación que no sucede muy a menudo.

Aunado a esto, La Paloma y el Lobo —a la que Campillo describe como “la película de Nuevo León de lo que va del siglo”—, Esto no es Berlín, Vaquero del mediodía y Ya no estoy aquí fueron nominadas en distintas categorías a los Premios Ariel 2020, siendo esta última la más galardonada de la ceremonia y cuyo estreno en Netflix, en mayo de 2020, generó un diálogo que despertó el interés del público mexicano y, sobre todo, del público neolonés.

Más allá de si la gente disfrutó o no la película, el mayor éxito de Ya no estoy aquí fue el de propiciar este valioso diálogo porque, por primera vez en años, los neoloneses mantuvimos una participación activa (ya fuera en redes sociales o en nuestros círculos más cercanos) sobre una misma película mexicana que, además, tenía que ver con nosotros mismos; con cómo vivimos ese periodo de violencia y, sobre todo, el cómo esta guerra afectó en particular a un sector con fuerte rezago de la población.

De haber tenido un estreno tradicional en salas, este diálogo difícilmente hubiera sido posible pues, como las estadísticas de Nuevo León indican, no hay interés por ver cine mexicano, a pesar de que existe un gran catálogo de producciones que bien podrían detonar nuevas conversaciones en torno a las múltiples realidades que vivimos y que no siempre nos representan en el cine de la capital.

“A pesar de que se dice que el cine mexicano es un reflejo de nuestra identidad y tal, realmente es un reflejo de la identidad del centro del país porque ahí es donde se produce la mayor parte del cine” opina Campillo.

“Yo creo que lo importante también es escuchar diferentes acentos, ver diferentes locaciones. No tiene que salir el Cerro de la Silla en todas las películas de Nuevo León, tienen que ser simplemente historias auténticas y yo creo que eso va a resonar, ¿no? Si los personajes son auténticos y se sienten auténticos, van a resonar más”.

Pienso que, a pesar de seguir caminos diferentes, tanto Distrito Olvido como Ya no estoy aquí son igual de importantes, pues comparten su aproximación por la juventud de los “barrios” de Nuevo León y la visibilización de sectores excluidos; si aparecen o no en las cifras de un anuario estadístico es lo de menos, siempre y cuando se mantengan vivas en la memoria de las personas.

Pero para ello, necesitan verse y ser discutidas y analizadas de la misma manera en la que se estudian clásicos hollywoodenses y de cine extranjero, de lo contrario, estaríamos atentando contra un pedazo de nuestra propia historia, un indispensable acervo cinematográfico en perpetuo crecimiento y con identidad propia.

“El cine es una herencia. Es como ir heredando un lenguaje, un libro, tienes que comunicarlo para que no muera” enfatiza Díaz sobre la responsabilidad que tiene la sociedad de preservar el cine mexicano.

“Las instituciones tienen el deber de preservar y presentar este lenguaje cinematográfico de la mejor manera porque es una semilla de lo que fuimos en algún momento y así las personas en un futuro puedan conocer, en cierta medida, de dónde vienen”.

Para Campillo, este tema no es una novedad, sobre todo, al tomar en cuenta su experiencia en la Cineteca: “Sí sería importante que la gente sepa que en la Cineteca hay un acervo, que hay una parte importante del cine de Nuevo León, que existe el cine de Nuevo León porque mucha gente ni siquiera sabe eso, y darle un sentido mucho más dinámico, mucho más vivo al acervo. Nosotros tenemos que resguardar nuestro cine, que ya de por sí es frágil, y creemos que ahí, en ese aspecto, la Cineteca tiene que ser aliado de los cineastas, que sientan que es un lugar en el que pueden depositar sus películas”.

Como parte de las estrategias del Consejo para la Cultura y las Artes de Nuevo León (Conarte) ante la contingencia sanitaria por el Covid-19, durante los viernes de mayo a diciembre de 2020, se implementó la iniciativa de Cineteca En Casa, a través de la cuenta de Facebook de Conarte, la cual presentó largometrajes y cortometrajes de talentos locales. “Nos tardamos un poquito en montarlo porque al principio estábamos viendo cómo trasladábamos la operación completa de Cineteca al área virtual” comenta Campillo.

“Había muchas iniciativas de cine virtual, de películas liberadas, casi casi cada distribuidora empezó a sacar su plataforma de streaming, ya sea gratis o de cobro, y no queríamos agregar más a la saturación, más bien queremos distinguirnos por algo que fuera nuestro. ¿Y qué es más nuestro que el cine de casa, de Nuevo León?”.

Las funciones eran acompañadas de una charla con sus respectivos realizadores, entre ellos, directores como José Luis Solis, Luis R. Garza, Pablo Chavarria, Janett Juárez, Ricardo Serna y Jesus Mario Lozano.

“La verdad es que fue una experiencia muy buena y la idea es continuar con funciones de Cineteca en Casa. Estamos analizando si seguirán siendo en Facebook o a lo mejor nos integramos a FilminLatino (plataforma de streaming de cine mexicano renombrada ahora como Nuestro Cine MX), que eso nos ayudaría a llegar a otro tipo de público. Los diálogos seguirían en las redes de Conarte y la idea también sería aumentar los diálogos, no nada más al diálogo con el director, sino a lo mejor, otros oficios, otras mesas redondas, etc. La verdad es que creo que ya es una de las cosas que llegaron para quedarse”.

Asimismo, el 29 de septiembre de 2020, el Imcine publicó desde sus redes sociales un video titulado RUTA ANUARIO 2020: Ayúdanos a que todo cuente, en el que integrantes de su equipo de investigación presentaron 4 formularios que invitaban a realizadores cinematográficos, festivales de cine y espacios de exhibición, así como el público en general, a participar en las estadísticas que conformarán el anuario 2020, sobre todo, considerando el impacto que pudo tener la pandemia por Covid-19 en el panorama cinematográfico del país.

“Yo creo que ahorita el esfuerzo que se va a hacer a partir de este año para incluir más cosas, más películas, más esfuerzos, más iniciativas de proyección, etc., va a ser muy importante” agrega Campillo.

“También creo que no deberíamos de dejarle toda la responsabilidad al Imcine, ¿no? Yo creo que debería de haber esfuerzos estatales o regionales que apoyen ese esfuerzo nacional. Por ejemplo, la Comisión de Filmaciones de Jalisco hace un esfuerzo así cada año, aunque es menos detallado. Pero sí creo que nosotros deberíamos de hacer algo así, ¿no? Porque sí es algo importantísimo y, si no queda registrado, pues no existe en el gran esquema de las cosas”.

No cabe duda de que la producción de cine en Nuevo León cada vez se vuelve una realidad más latente en México, siendo este el fruto del empeño y la dedicación de distintas generaciones que han aportado en su producción, promoción y desarrollo. “Hace 15 años pensamos que íbamos a ser punta de lanza” dice Campillo riendo.

“Yo creo que la generación que va a salvar entre comillas el cine de Nuevo León viene más abajo. Y es gente que está picando piedra y haciendo cortos en la FAV (Facultad de Artes Visuales) y en otras universidades”.

Quizás en este sentido no sorprenda que el estado ocupe el 5to lugar del anuario con el mayor número de carreras y posgrados en materia cinematográfica y audiovisual, con un total de trece.

En cuanto al tema gubernamental, existen 2 iniciativas de ley en el Congreso de Nuevo León, que buscan convertir el estado en una industria y destino cinematográfico: la Ley para la Promoción, Fomento y Desarrollo para la Industria Cinematográfica y Audiovisual y la Ley de Filmaciones del Estado de Nuevo León, de las que Campillo no comparte mucho entusiasmo: “Lamentablemente, las iniciativas no creo que cumplan del todo con el cometido, pero eso no quiere decir que, si se pasan, no sean unos buenos puntos de partida para poco a poco ir perfeccionando. De repente hay muchos puntos de vista encontrados, gente que piensa que el cine debe ser más hacia lo cultural, hacia lo comunitario, gente que va más hacia lo económico, y yo creo que debería hacerse un consenso entre todos estos puntos de vista para llegar realmente al meollo del asunto”.

La responsabilidad gubernamental es un punto importante para asegurar una mejora, sin embargo, para que la comunidad cinematográfica de Nuevo León pueda seguir creciendo, desarrollándose y que sus historias tengan una visibilidad digna, no pueden perder de vista el público del estado y su poca asistencia en estrenos nacionales.

“Somos un estado donde la oferta cultural es muy escasa” comenta Diaz sobre este tema. “Muchas personas, artistas, están sumando esfuerzos cada vez más notorios para intentar revertir esta lamentable situación y quizá, ante este esfuerzo, cada vez haya más interés en asistir al cine y a muchos otros espacios de expresiones artísticas donde se presenten cosas nacidas en México”.

El potencial de Nuevo León es indiscutible, pero, al final del día, el reto sigue siendo el mismo: tenemos que construir audiencias que estén dispuestas a valorar quiénes somos, a cuestionar lo que somos y que no dejen de preguntarse qué es lo que somos.

Sólo así construiremos una verdadera identidad cinematográfica que pueda trascender en la memoria estatal y que disponga de un respaldo social, gubernamental e institucional.

Porque la verdad es que el futuro del cine de Nuevo León no se esconde en sus talentosos creadores, dado a que estos son más bien una constante que se seguirá repitiendo a lo largo de los años, especialmente, en un mundo cuya demanda de producciones audiovisuales y cinematográficas es cada vez más alta, sino en la permanencia que tenga a nivel local para abrir nuevos ojos y generar nuevos diálogos, en la habilidad que tengamos de ser receptivos, empáticos y de, finalmente, poder identificarnos en la gran pantalla.

Agradecimientos especiales a Thom Díaz y Carlos García Campillo por su colaboración y tiempo

Bibliografía:

Instituto Mexicano de Cinematografía (Imcine) y Secretaría de Cultura. (2020, mayo). Anuario Estadístico de Cine Mexicano 2019. http://www.imcine.gob.mx/wp-content/uploads/2020/05/Anuario-Estad%C3%ADstico-de-Cine-Mexicano.pdf

[jartita-me-teneis]

"Los Olvidados" es considerada la cinta culpable del declive de la época de oro.

Estuvo sólo tres días en cartelera, la prensa y la clase alta estaban vueltas locas, querían quemar a Luis Buñuel y todo lo que oliera a él.

Era 1950 y el cine mexicano estaba en su esplendor , el cineasta español Luis Buñuel ya tenía éxito, pero estaba enamorado de nuestro país, grabada en Nonoalco, en lo que entonces eran los límites norteños de la Ciudad de México. Y tenía un propósito, una visión desgarradora de los niños de la calle en las grandes urbes; Aquellos de los que nadie habla, los que callan, los olvidados.

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El poeta Octavio Paz escribió: “Pero Los Olvidados es algo´más que un filme realista. El sueño, el deseo, el horror, el delirio el azar, la porción nocturna de la vida, también tiene su parte. Y el peso de la realidad que nos muestra es de tal modo atroz, que acaba por parecernos imposible, insoportable. Y así es: la realidad es insoportable; y por eso, porque no la soporta, el hombre mata y muere, ama y crea”.

Su nombre original era "La Manzana Podrida" y en realidad, no tenía ningún nombre de peso, se tenía a Estela Inda, Miguel Inclán y Alfonso Mejía, además de un grupo de niños comandado por Roberto Cobo, un chico que había salido como extra en varias cintas y un día que audicionó para una película de Tin Tan se enteró que Buñuel estaba entrevistando para su nuevo filme, hizo la audición y se quedó con el rol de “El Jaibo”.

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Sin embargo, desde su inicio, la cinta tenía problemas, dentro y fuera. El productor Oscar Dancingers se opuso a que se incluyeran muchos detalles que resultaban amorales; Jorge Negrete, líder del Sindicato de Actores, quería evitar su grabación e instó a técnicos y camarógrafos a abandonarla; una de las peinadoras renunció por la escena en que la madre de Pedrito, le niega la comida.

Pedro de Urdimalas, escritor de la cinta al lado de Buñuel, pidió que su nombre no apareciera en los créditos y en la primera función privada que se hizo, Lupe Marí, esposa de Diego Rivera, y Bertha, esposa de León Felipe, reclamaron al director que era un miserable y lo que mostraba no era México. David Alfaro Siqueiros por su parte aplaudió el trabajo asegurando que Luis era un genio nacido para el cine.

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Los Olvidados era la primera producción sería de Luis Buñuel y quería hacerlo todo al máximo de sus posibilidades, la filmó en 21 días entre el 6 de febrero y el 9 de marzo de 1950, pero aunque la cinta es posiblemente una de las más galardonadas de su cine, él solo recibió dos mil dólares por ella y no pudo participar en las ganancias de la misma.

Ante las críticas, Buñuel respondió durante una entrevista que estaba orgulloso de su filme “La libertad total no existe, yo jamás he sido libre, yo soy libre cuando cierro mis ojos y estoy conmigo mismo sin que sepa que ya estoy viejo; El sistema de inconformidad es esa tendencia a romperse la cabeza por recuperar la propia libertad, lo que es imposible, es por tanto una inconformidad permanente de la realidad exterior”.

En los albores de los 50, el presidente mexicano Miguel Alemán estaba planeando la industrialización en el país, para dejar atrás la agricultura como primera fuente de recursos de los nacionales, pero el cine estaba en su apogeo, por ello las reacciones ante la cinta eran tan violentas.

Se tiene registro de que algunos cines fueron destruidos por los asistentes al estreno en noviembre de ese 1950, los fanáticos salían furiosos, la llamada “Liga de la Decencia” intentó expulsar a Buñuel del país y aunque no lo lograron, el director si dejó el territorio.

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A pesar de los múltiples problemas, Luis Buñuel estrenó su cinta en Europa y la crítica mexicana tuvo que aceptar la gran equivocación cuando el gran jurado del Festival de Cannes le dio el premio como Mejor Director en 1951.

La película tiene una trama dura, y a diferencia, por ejemplo de "Nosotros los pobres" no busca causar lástima sino presentar una realidad diferente a la que se creía que existía en el país.

La historia nos lleva por los barrios más pobres de la Ciudad de México, donde los niños de la calle son una plaga para las altas esferas de la sociedad. Jaibo (Roberto Cobo) es un adolescente que escapa de un correccional para reunirse con Pedro (Alfonso Mejía). En presencia de él, Jaibo mata a Julián, el muchacho que supuestamente le delató. También intenta robar a un ciego (Miguel Inclán) al que finalmente maltrata. Acompañados de Ojitos y Meche (Alma Delia Fuentes), el destino del Jaibo y Pedro están marcados por la muerte."

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Para muchos expertos en cine de la época consideran que la película terminó con idiosincrasia qué se tenia de México en el extranjero, México había pasado de ser la nación rural donde el romanticismo ranchero era el emblema, las comedias rancheras pasaron a ser del pasado, para dar paso al verdadero país que se tenia olvidado, una sociedad muy corrompida.

Sin embargo la nueva forma de hacer cine gracias al ojo del director Buñuel, con el paso de los años se fueron realizando producciones crudas sobre la sociedad mexicana.

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Si bien el termino de la era dorada del cine fueron más factores internos y externos, como la sobre explotación de comedias rancheras, la pobreza de recursos y el que Estados Unidos de alguna manera haya retomado la industria cinematográfica después del conflicto mundial.

epoca de oro Los Olvidados luis buñuel

Cine Mexicano Cine Dorado Mx

[gamboagarcia]

Gracias de antemano por sus comentarios Tenoch Huerta, el mexicano que aprendió a nadar a los 40 años para triunfar en Hollywood El actor Ténoch Huerta, de origen mexicano, es uno de los nuevos actores latinos de la más reciente generación del cine en Estados Unidos que se ha abierto paso junto a otros nombres como Ana de Armas o Diego Calva. Miami, Fl. (VOA) - La pasión por el cine de Tenoch Huerta se inició en su Ecatepec natal, en México, cuando su padre lo ins... Sigue leyendo: https://www.adiario.mx/click/tenoch-huerta-el-mexicano-que-aprendio-a-nadar-a-los-40-anos-para-triunfar-en-hollywood/?feed_id=168074&_unique_id=66b99243c5d87

[humbe413]

HUMBE

Humberto Rodríguez Terrazas, mejor conocido como Humbe, es un cantante, compositor y productor mexicano independiente, nacido el 11 de Noviembre de 2000 en Monterrey, Nuevo León, es conocido por canciones cómo "Amor de cine", "Fantasmas", "Bien hecho" y "Te lo prometo".

Desde pequeño comenzó a cantar, componer y tocar el piano en casa de su abuela en Chihuahua, a partir de ese momento se abrió en el aprendizaje de otros instrumentos como la guitarra, batería y el ukulele.​

[lespicybrocoli]

Compi como dato curioso, recuerdo que hace tiempo estaba viendo videos relacionados a square enix y su historia, salieron en un momento unas escenas de la movie Advent children, cuando sale mi papá de su cuarto y dice " Ah es Cloud" a lo que digo "¿¡Cómo?!"

MI PAPÁ NO SABE NADA DE JUEGOS O COSAS DE ESE ESTILO JAJSJAJDJABKDBAJDJJE ME SACÓ DE ONDA

Aparentemente mis papases, o la vieron en el cine (si es que salió por qué nunca me explica nada, solo dice mensajes ocultos y deja a la imaginación el contexto) o la consiguió de manera ilícita....

(Lo que si recalcó es que la vieron por que "parecían personas" ya que no les gustan las películas animadas XD)

COMPIIIIIII, NO MAAAAAA adasdasda

Eso le dice su pa pero ha de ser fan dasdasda

Pero fijese que intente hacer memoria, cuando salio la primera version de Advent Children, esa solo se podía ver si la conseguías ilegalmente o si te parabas afuera de un Steren (historia real), sería como despues de 2 años que la película llegaria aquí en formato DVD.

Al mismo tiempo ya en Japon andarian anunciando Advent Children Complete, y que saldria de nuevo en cines.

Y ahora, esto ultimo tomelo con una pisca de sal (porque no pude encontrar informacion en internet lo cual creo que tambien puede ser porque no fue popular aca) pero estoy segura que si salio acá, en cines mexicanos solo por el lado de Cinepolis (ya ve que les dio por un tiempo, estar teniendo como domingos de sacar pelicuas anime??)

Anyways, a estas alturas, Blockbuster no pudo ser, asi que le apuesto a ese misterioso domingo de pelicula en Cinepolis dasdasdas

[charopchan]

‘Macario’, este es el significado la cinta que inmortalizó a Ignacio López Tarso

“¡Bienvenido a mi gruta, Macario!”, es una de las frases más conocidas de la película que convirtió a Ignacio López Tarso en una estrella de fama mundial y que, con el reciente fallecimiento del actor, es recordada por su relación con la muerte. 

Con 98 años de edad, el famoso histrión del Cine de Oro mexicano falleció este 11 de marzo, dejando un gran vacío en la escena artística nacional e internacional, quienes lo vieron brillar en la cinta ‘Macario’ dirigida por Roberto Gavaldón en 1960 y que fue la primera cinta mexicana en tener un lugar en los Premios Oscar. 

El largometraje está inspirado en la novela homónima de B. Traven, quien tomó como referencia el cuento “La muerte madrina” de los Hermanos Grimm, y esta es la importante reflexión que nos deja sobre vida y la muerte. 

Ignacio López Tarso quedó en la memoria nacional por su interpretación en “Macario”

“Macario, un aldeano sumamente pobre, desea comerse él solo un pavo, el cual comparte con la Muerte, quien, como agradecimiento, le entrega un agua curativa con la que hará milagros.”, es la argumento principal que sigue la cinta. 

En la historia, que cuenta con un inesperado giro hacia el final, nuestro protagonista vive obsesionado con la idea de poder comer todo un banquete el solo, puesto que siempre ha vivido en la miseria, por lo que su esposa se roba un guajolote para poder cumplirlo.

Sin embargo, Macario y su familia no esperarían que esto los llevaría a enfrentarse con un destino del que, aunque él lo intenta, no se puede escapar: la muerte. 

Esta es la reflexión que nos deja “Macario”

El largometraje aclamado por su impecable fotografía, es una pieza imperdible del cine nacional, no solo por desarrollarse durante la época virreinal durante el Día de Muertos, sino por retratar la cosmovisión que existe en la cultura mexicana sobre ese plazo que nos llega a todos en algún momento. 

“Hay que tener consideraciones con los muertos, porque pasamos mucho más tiempo muertos que vivos.”, es una de las reflexiones que La muerte le dice a Macario.

Representadas con velas en una cueva, la historia nos recuerda la débil línea que hay entre la vida y la muerte, lo frágil que puede ser la condición humana y que, sin importar cuanto se intente, el final de nuestra vida es algo que pasará inevitablemente.

“Esta es la humanidad. Aquí ves arder las vidas tranquilamente. A veces soplan los vientos de la guerra, los de la peste y las vidas se apagan por millares al azar.”, se expresa en el filme.

Esta emblemático relato fue una de las más importantes de Ignacio López Tarso, y consciente de su importancia cultural siguió representando con entusiasmo en eventos como el “Festival de Vida y Muerte”, donde dio vida de nuevo a su legendario personaje.

"Cuando nacemos ya tenemos nuestra muerte escondida en el hígado, o en el estómago, o acá, en el corazón, que algún día va a pararse."

Fuente: https://laverdadnoticias.com/espectaculos/Macario-este-es-el-significado-la-cinta-que-inmortalizo-a-Ignacio-Lopez-Tarso-20230311-0232.html

El texto fue hecho como parte de mi trabajo y con admiración a una de mis cintas favoritas del cine mexicano. La película se puede encontrar completa en YouTube.

Imagen tomada de un post realizado en la página Leonora Carrington, el actor Ignacio López Tarso, una figura que dedicó su vida a la actuación en la obra 'El Rey se Muere', donde la misma Leonora Carrington trabajó como escenógrafa y vestuarista, además de realizar el cartel que se comparte aquí.

[cinemedios]

Las 10 mejores películas de Gael García Bernal

¿Eres fan de Gael García Bernal? Checa nuestro top 10 de las mejores películas de este talentoso actor mexicano.¡Gael siempre nos impresiona! 🎬🌟

La magia del cine mexicano sigue en auge, y cada vez nos entrega más historias que nos tocan el corazón. Desde hace poco, ya podemos disfrutar del biopic de Cassandro, ese luchador que todos reconocemos, y no podría ser otro que Gael García Bernal quien le dé vida en la gran pantalla. Recordando este nuevo papel de Gael, es imposible no pensar en todas las veces que nos ha sorprendido con su…

[xanbexck]

[Ian Beck 26 Empleado en teatro y cine Orion]

¡Evan por estos lares! En los siguientes parrafos les describire un resumen de bebé Ian por si gustan empatar algo, alguna conexión que podría servir para dramas y amistades. Es un bello paraiso mexicano así que el cielo es limite. ¡Solo denle al corazoncito y vamos a charlar a ver como hacemos la conexión perfecta!

Lo mejor para empezar es el principio, Ian viene de un pueblecito a las afueras de New York pero su relevancia viene con su hermana la cual por motivos de la vida ya no tiene contacto con nadie, y luego de un evento desastroso para el chico se mudó hasta Real del Valle por compañías que le incitaron a comenzar allí de nuevo. (Ocupa amistades por internet que le escuchen en sus momentos más vulnerables y básicamente sean su paño de lágrimas de madrugada y fiestas cada que se pueda).

Sobre su tiempo en Real del Valle tiene bastantes meses así que podría decirse que conoce una parte del lugar y de sus personas, aunque tiene a ser muy hermético y poco hablador, carece de la habilidad social para iniciar una conversación, pero es un amor escuchando a las personas y preguntando por cómo están una vez que los conoce, jamás deja un mensaje sin respuesta ni una foto de internet sin una reacción.

Suele usar una cámara fotográfica muy de vez en cuando, pero sus fotos son buenísimas (Para un gusto aficionado y promedio) aunque sus fotos son muy privadas y suele firmarlas bajo otros nombres. Le encanta la música de las películas y así es como conoce de todo y de todas las épocas. Trabajar en el cine no es su pasión ni meta de vida pero le encanta ir por allí con dulces de cereza así que si le hablan de cerca pueden sentir el aroma así todo bonito.

En cuanto a las conexiones, además de un grupo de amigos super reducido e íntimo (De esas que hablan toda la noche donde Ian escucha más que charlar y café en la mañana donde el invita el desayuno), debe tener algo de romances desastrosos, tipo citas que terminaron super bien pero que Ian ya no volvió a llamar o amigos que en el momento donde mas necesitaban de él, no se presentaba y se le guarda rencor. En realidad, se tiene una carta abierta para conexiones que demuestren mas su forma de ser. Compañeros de piso maybe y sería un compañero de esos que tiene su cuarto siempre cerrado y se sabe que esta por que la luz esta siempre encendida (Tiene miedo a la obscuridad por lo que en el cine tiende a llevar una lampara chiquita de pinguino)

¡Si tienen alguna idea que sirva para drama estamos mas que receptivos a crear o cambiar un poco su estilo de vida!

[zerounotvadri]

“UN REINO PARA TODOS NOSOTROS” 

Película bajo el sello “Entretenimiento con causa”, producida por Fotosíntesis Media en alianza con el Alto Comisionado de las Naciones Unidas para los Refugiados (ACNUR) en México.

Dirigida, producida y escrita por el dos veces ganador del Ariel por Mejor Largometraje Animado, Miguel Angel Uriegas.

Una fantástica aventura que busca concientizar y sensibilizar a la audiencia sobre el fenómeno de las personas refugiadas y las poblaciones en situación de movilidad. 

Dejar de ser “ellos” y “nosotros”, para ser “todos nosotros”.

En su  38va edición, que va del 3 al 9 de junio, el Festival Internacional de Cine de Guadalajara celebra al cine internacional en todas sus formas, siendo los proyectos de animación una creciente rama dentro de la industria. Un reino para todos nosotros de Miguel Ángel Uriegas se posiciona dentro de este encuentro cinematográfico como el único proyecto animado mexicano en competencia dentro de la Selección Oficial en la categoría Largometraje Internacional de Animación.

Fran y Serendín son hermanos y viven en el Gran Arrabal. Ambos sueñan con algún día dejar su pueblo y viajar a El Reino, un paraíso en la tierra resguardado detrás de grandes murallas. Para eso tendrán que montar a La Bestia, una criatura enorme que los mercaderes usan para transportar mercancías hacia El Reino. Una situación inesperada complica los planes de Fran y Serendín, separándolos. Hermana y hermano emprenderán una aventura  para encontrarse de nuevo y al mismo tiempo encontrarse a sí mismos, en un mundo fantástico dividido por fronteras visibles e invisibles.   Tercer proyecto de la casa productora Fotosíntesis Media que corre bajo el sello “Entretenimiento con causa”, cuya misión principal es la realización de películas que generen un impacto social. Un largometraje que, en alianza con el Alto Comisionado de las Naciones Unidas para los Refugiados (ACNUR) en México, busca llamar a la acción, concientizar y sensibilizar a la audiencia sobre el fenómeno de las personas refugiadas y las poblaciones en situación de movilidad.    Criaturas fantásticas, magia curativa, escenarios coloridos y la lucha por una vida digna para todos se mezclan en esta aventura llena de acción. Una historia escrita, dirigida y producida por el mexicano Miguel Ángel Uriegas, reconocido en el mundo de la animación por La Increíble Historia del Niño de Piedra (2016), ganadora a un Ariel a Mejor Largometraje Animado; El Ángel en el Reloj (2018), nominada al Ariel y  Un Disfraz para Nicolás (2020), proyecto que le otorgó su segundo Ariel a Mejor Largometraje Animado. Un reino para todos nosotros cuenta con la partición de profesionales del doblaje mexicano como Alondra Hidalgo (Sam Puckett en iCarly), Alan Velázquez (Billy en Las sombrías aventuras de Billy y Mandy), Salvador Delgado (la voz del Dr. Gregory House), Rebeca Manriquez (voz recurrente de Michelle Pfeiffer) y Blas García (Optimus Prime en Transformers).   El objetivo primordial de esta película animada de 80 minutos, es la visibilización y sensibilización de la situación de las personas refugiadas y las poblaciones en situación de movilidad, un camino complejo que dará sus primeros pasos en México dentro del marco del FICG 38. Una colaboración con el ACNUR que invita a público de todas las edades a sumarse a la causa y a la aventura.

[videoartejujo]

Bitácora documentada

Algo que me gusta

En lo particular me gusta recurrir a una iluminación más natural, aunque esta puede ser en ocasiones una desventaja, igual depende mucho lo que quieras hacer en tu trabajo, es una decisión más personal.

Este pequeño documental me parece muy interesante como referencia ya que retomo a Lev Manovich cuando menciona "Con el tiempo el medio se convierte en el mensaje", considero que esto es importante pues ahora los nuevos medios nos dan más posibilidades de innovar, al igual que los contextos en los que vivimos nos dar la pasibilidad de experimentar y crear algo no nuevo, pero si una sustitución de lo que ya existía anteriormente.

Noche de Fuego es una referencia muy importante para mí, desde la narrativa que se va teniendo, al igual que dentro de lo que busco me parece importante en contexto u entorno en el que la narrativa se desarrolle, el cine de Arte en lo particular es muy meticuloso y las tomas y planos en cada escena me gustan, me gusta que lo visual se vaya volviendo parte de la historia.

Victoria Villasana es una de mis artistas favoritas desde que vi su trabajo se generó en mi un acercamiento más cercano con los textiles, pues se tejer y estoy aprendiendo a bordar, el hilo siento que es algo muy bonito y con lo cual se podría hacer un gran proyecto y pues dentro de esto también valoro mucho los textiles mexicanos como artesanía y esta artista en una referencia para el planteamiento de nuevas ideas.

El sonido es algo muy importante me gusta pensar es esta idea de que imagen y sonido se construyen de sí mismas al igual que el sonido es movimiento como en un video, el trabajo de Manuel Ponce me gusta pues esta música "clásica", es una particularidad que muy pocos conocen, como se habrán dado cuenta me gusta más que nada resaltar estas características más culturales y pasadas de México, como que en este momento esa es mi línea de interés que busco reflejar.

Planos de la Fotografía

Gran Plano General:Es un plano descriptivo donde se desarrolla la acción.

Plano general:Describe el lugar figura humana cobra mayor protagonismo.

Plano Americano: Corta el personaje por las rodillas

Plano Medio: Corta al sujeto por las rodillas.

Primer Plano: Corta al personaje por los hombros.

Picada: La acción es grabada o tomada desde arriba.

Contrapocada: La acción se graba desde abajo.

Cenital: La acción se graba o toma desde arriba .

Pola Weiss Álvarez, (1947-1990) México

El trabajo que hizo Pola en su tiempo fue muy interesante, pues fue una de las pioneras del videoarte en México, lo que me llamo más la atención fue que como principal recurso para su trabajo ocupa al cuerpo, en sus videos hace referencia a que el arte y el cuerpo son uno mismo, conformando una nueva visión del cuerpo femenino.

Bill Viola

El trabajo de este artista contemporáneo diría que interesante, pero a mí me parece extraño, pues su trabajo va un poco a sus experiencias o traumas de su infancia, me parece raro, pues en lo personal, a quien le gusta recordar sus traumas del pasado, específicamente de la infancia, pero al mismo tiempo es innovador trabajar con tu pasado, para plasmarlo en tu presente y contexto contemporáneo.

¿Que es la armonía cromática?

Los tonos verdes producen sensación de frescura y equilibrio, aunque combinados con amarillos resultan más estimulantes. El azul es el color más frío, sugiere calma, reposo, quietud. Combinado con verde se reduce su frialdad y austeridad, equilibrando y aportando frescura al espacio

EJEMPLOS:

La armonía cromática es muy importante dentro de una producción de video arte, para tener clara la paleta de colores que deseamos seguir dentro de nuestra producción y que se vea más profesional.

Pantone Ejemplos:

Alicia en el país de las Maravillas

El cadáver de la novia

Importancia del sonido e imagen dentro de la producción artística.

Es fundamental que exista cierta armonía entre ambos elementos para crear un buen proyecto audiovisual. Un sonido que no encaja, o que no está sincronizado con la imagen, hará que tu vídeo pierda calidad, eston dos elementos deben ser importantes para que ambos se puedan complementar y no exista un desfase en tu resultado final.

Dato:

En freesound.com puedes encontrar una gran variedad de sonidos para tu producción artística de manera gratuita

[boomgers]

Netflix anuncia un fondo económico para la Equidad Creativa en México

La plataforma de streaming anunció el Fondo Netflix para la Equidad Creativa en México, un compromiso de $22 millones de pesos a lo largo de dos años para construir nuevos caminos para comunidades diversas dentro del entretenimiento. Este fondo es parte de una iniciativa global lanzada en 2021. Con su introducción en el país, Netflix busca seguir impulsando lo hecho en México y desarrollar a los futuros talentos.

Junto a organizaciones que ya trabajan a favor de una industria más diversa, como la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC), el Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC) y el Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), Netflix apoyará programas que identifiquen, formen y brinden oportunidades al talento que aún no ha encontrado su espacio en el sector.

Nuevas Fronteras de la Producción Audiovisual en México: Diseñado por la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC) y Netflix, con la colaboración de Pimienta Films, siendo este último quien lo implementará. Se trata del primer curso de capacitación en producción ejecutiva en México con enfoque en diversidad. El temario se conforma por módulos sobre tendencias actuales, visión artística, modelos de producción y financiamiento, temas legales y de innovación, entre otros. Expertos nacionales e internacionales serán los invitados especiales para compartir sus experiencias con los 30 participantes.

Programa con el Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC): En colaboración con la Secretaría de Cultura, el Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE), el Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC) y Netflix, se desarrollará un programa integral de cursos de capacitación y charlas magistrales en la nueva sede del CCC en Chapultepec. Este programa tiene la finalidad de abrir nuevas oportunidades laborales dentro de la industria audiovisual. Además, en otoño de este año, se lanzará una convocatoria nacional, con foco en diversidad e inclusión, para que 30 personas provenientes de comunidades diversas en el país se capaciten como asistentes de producción.

Laboratorio de Desarrollo de Proyectos Cinematográficos para Cineastas Indígenas y Afrodescendientes de América Latina: Netflix refuerza su alianza con el Festival de Cine de Morelia, y se suma como copatrocinador de este programa que forma parte de las actividades de Morelia Pro y que se desarrollará en el marco del festival, del 16 al 20 de octubre de 2024. Su objetivo es apoyar el desarrollo de proyectos fílmicos a manos de cineastas indígenas y afrodescendientes, aportándoles las herramientas necesarias para la producción, así como consultoría sobre la preparación de presupuestos y esquemas financieros, asesoría sobre derechos autorales y patrimoniales, así como recomendaciones para promoción, distribución y exhibición, entre otros.

Estos proyectos se suman a otros esfuerzos de Netflix para que la industria alcance su potencial y de esta forma México se vea.

[sergioosvaldovaldesarriaga]

Del pueblo para el pueblo

Escrito originalmente en septiembre de 2020

En la actualidad, México produce más cine del que se ve, registrando un nuevo récord en el año 2019 con 216 largometrajes producidos.

Esto supera los 135 del año de 1958, uno de los mejores dentro del período que comprende la tan añorada Época de Oro, en donde se consolidaron grandes talentos cinematográficos a nivel nacional e internacional, a causa de la baja producción de los territorios estadounidenses y europeos durante la Segunda Guerra Mundial.

Sin embargo, de la cifra señalada por el Anuario Estadístico de Cine Mexicano 2019, elaborado por el Instituto Mexicano de Cinematografía (Imcine) y la Secretaría de Cultura, 101 largometrajes llegaron a salas, compitiendo frente a otros 353 estrenos internacionales (siendo la mayoría de ellos producciones hollywoodenses), además de verse limitados a un reducido tiempo de exhibición en pantallas.

La investigadora de la Universidad Autónoma de Nuevo León (UANL) y académica del Consejo Nacional de Ciencia y Tecnología (Conacyt), Lucila Hinojosa Córdova, señala que, previo a la firma del Tratado de Libre Comercio en América del Norte (TLCAN) en 1992, existía “una ley que reservaba 50% de las salas para las películas nacionales”.

La situación cambió al aprobarse una ley interna “que establecía que a partir de 1993 las salas de cine en México sólo debían exhibir en no más del 30% películas mexicanas”, reduciendo paulatinamente este porcentaje a un lamentable 10% en 1997, cifra que desde entonces se mantiene vigente.

La generación a la que pertenezco, aquella nacida a mediados de los noventas, forma parte de un México globalizado que abrió sus fronteras en aras del desarrollo y el primer mundo, creciendo ya no sólo entre marcas, productos, cadenas y los grandes emporios comerciales, sino también volviéndose un consumidor de sus contenidos en cine y televisión.

Nos desarrollamos en un entorno audiovisual principalmente estadounidense desde muy temprana edad, en especial todos aquellos que venimos de un contexto de clase media, desconociendo nuestro valioso acervo nacional ante el bombardeo mediático que veíamos en la publicidad, los aparadores y en cualquier tipo de pantalla.

Si a esto le sumas ser originario del estado de Nuevo León (como lo es en mi caso), que tiene más parecido con Texas que con el México folclórico del centro y sur del país, los viajes de compras a McAllen, la visión empresarial y emprendedora infundida en nuestros valores y el ostentar al municipio más rico de América Latina, casi resulta inevitable que muchos aprendiéramos inglés antes que ver una película de Pedro Infante o Cantinflas, íconos que considerábamos como anticuados sin comprender bien su valor histórico en el país y en el mundo.

Entretanto, el cine mexicano de finales del siglo XX y principios del siglo XXI, pasaba por un período de transición y ambivalencia: por una parte, debutaban una nueva generación de talentos en la pantalla grande, entre ellos directores —Alfonso Cuarón, Guillermo del Toro, Luis Estrada, Alejandro González Iñarritú y Carlos Reygadas—, cinefotógrafos —Rodrigo Prieto, Guillermo Navarro y Emmanuel “El Chivo” Lubezki— y actores y actrices —Demián Bichir, Damián Alcázar, Jesús Ochoa, Daniel Giménez Cacho, Salma Hayek, Cecilia Suárez, Gael García Bernal y Diego Luna—, mientras que, por otra, iba recuperando su ritmo en la producción tras haber llegado a su punto más bajo en 1996 con tan sólo 16 largometrajes producidos, gozando de un par de éxitos en cartelera que dieron de qué hablar en su momento y para la posteridad, como lo fueron: Sexo, Pudor y Lágrimas (1999), La Ley de Herodes (1999), Amores Perros (2000), Y Tu Mamá También (2001) y El Crimen del Padre Amaro (2002).

Podríamos decir que, a partir del 2005 en adelante, el cine mexicano fue creciendo renovado en cuanto a versatilidad de géneros y propuestas, viajando a través del mundo por medio de los distintos festivales de cine y obteniendo tanto reconocimientos como preseas dentro de las selecciones de Cannes o Venecia —dos de los festivales de cine más consagrados a nivel internacional—, todo esto sin mencionar el acentuado éxito de los paisanos que han triunfado en Hollywood.

Aquí es donde yo considero que inició una ruptura con las audiencias mexicanas, puesto que este cine autoral, independiente y de vanguardia quedó reducido a un tiempo máximo de 2 semanas en carteleras (a excepción de que sea un éxito en taquilla), horarios cuestionables en salas y nula promoción.

Si bien existen estudios creativos como Piano o Cine Caníbal, que fungen como productoras y distribuidoras de películas arriesgadas, originales y audaces, entre ellas producciones y co-producciones mexicanas y que, en conjunto, suman una larga lista de premios y nominaciones internacionales, la oferta del duopolio conformado por Cinépolis y Cinemex da prioridad al tan infame cine comercial mexicano, popularizado por sus comedias románticas, que, por más que indigne y sea criticado, sigue sumando butacas al disponer de los recursos económicos apropiados para su correcta difusión.

La costumbre al cine norteamericano, la falta de representación en el cine comercial nacional y de acceso al cine alternativo han alimentado una perversa aversión por el cine mexicano, una aversión que incluso se vio reflejada en estrenos recientes como Roma (2018) y Ya no estoy aquí (2019) que, luego de ser multipremiadas a lo largo del mundo, en México desataron conversaciones que no podían darse en ningún otro lugar y que iban desde su “calidad” hasta revelar el severo colonialismo, clasismo y racismo internalizados en nuestra afligida sociedad.

Más allá de si estas películas gustaron o no, ambas tuvieron un impacto sin precedentes gracias a su distribución en Netflix y, en lo personal, creo que necesitamos más diálogos como estos en el país, diálogos que incomoden nuestros prejuicios, que vislumbren nuestra realidad multifacética.

Porque suele hablarse de cine mexicano como si este fuera un solo género que replica las mismas convenciones y estereotipos, cuando la realidad indica lo opuesto: que el panorama es mucho más diverso que nunca.

Si hay algo que los últimos 20 años nos demuestran, es que existe una sana abundancia de producciones cuyo potencial ha sido desaprovechado a manera industrial, sobre todo, si consideramos que somos el cuarto consumidor de cine más importante en el mundo, con un derrame económico en 2019 de $19,050 millones de pesos, de los cuales, el cine mexicano recaudó $1,767 millones de pesos, según los resultados de la Cámara Nacional de la Industria Cinematográfica (Canacine), además de registrar 7,493 pantallas en el país y 615 espacios de exhibición alternativos.

Por su parte, el documental ha logrado llevarnos fuera la capital para observar las historias que están sucediendo a lo largo y ancho de la República, conformando a su vez un amplio catálogo que ha traspasado rincones y temáticas sociales que, en ocasiones, han sido inexploradas en la ficción.

Directores como Eugenio Polgovsky, Everardo González y Tatiana Huezo han trazado desde sus ópticas las fallas estructurales de un país cambiante, mientras que la directora y actriz oaxaqueña, Ángeles Cruz, se ha convertido en una de las pocas cineastas cuya filmografía tiene como enfoque a las comunidades indígenas, explorando los múltiples tabúes de nuestra sociedad.

Sin embargo, también es importante señalar que, de los 216 largometrajes producidos el año pasado, 92 fueron historias ubicadas en la Ciudad de México y el área metropolitana, 44 fueron dirigidos por mujeres y 14 cuentan con temática indígena.

Es evidente que falta mucho camino por recorrer pero tal parece que la descentralización del cine mexicano, asunto que se ha venido discutiendo con frecuencia entre la comunidad de cineastas en los últimos dos años, es el primer punto de partida para generar condiciones más justas y equitativas.

Porque la descentralización del cine empieza por un cine de barrio, uno que pueda realizarse con sus propios recursos, sin depender de tantos apoyos para tener que ser tomado en cuenta; uno que se permita ser del pueblo para el pueblo, en el que aquellos cuya voz todavía no ha sido contemplada dispongan de las mismas oportunidades para contar sus propias historias sin ser víctimas de los mecanismos elitistas que rodean al séptimo arte; en otras palabras, un cine que busque la honestidad, más no la perfección.

Asimismo, los esquemas de cine digital y las plataformas de streaming han llegado para revolucionar el cómo pensamos el quehacer cinematográfico y trasladarlo a tan sólo un clic de distancia.

Por ejemplo, FilminLatino es una plataforma digital del Imcine, en colaboración con la Secretaría de Cultura, que tiene 5 años creando un extenso catálogo que lleva cine mexicano (de todas las épocas) hasta nuestras pantallas y dispositivos móviles.

Este año supieron aprovechar la situación de la pandemia con distintas muestras, selecciones y funciones especiales, a la par de ser sede del Festival Internacional de Cine de Monterrey, DOQUMENTA (Festival Internacional de Cine Documental), Macabro: Festival Internacional de Cine de Horror de la Ciudad de México, entre otros.

La presentación del documental El sembrador (2018) de Melissa Elizondo, ópera prima sobre el método humanista de un docente rural de Chiapas, como parte de la programación en línea del Festival Internacional de Cine de Morelia, fue un éxito tras volverse tendencia en Twitter y repetir funciones a través de FilminLatino. Uno pensaría que de haber tenido un estreno habitual en salas, quizás no se hubiera replicado el nivel de atención tan merecido que obtuvo a lo largo de estos meses.

De la misma manera, el Centro de Apoyo a la Postproducción (CAAP) es un proyecto del Imcine en proceso de consolidación, ubicado en el estado de Chiapas, que se dio a conocer este año a través de talleres en línea gratuitos sobre tópicos relacionados con cine documental, carpetas de producción, fotografia, sonido, montaje y postproducción, corrección de color, etc.

En el portal del Imcine es descrito como “un espacio para impulsar, de manera prioritaria, la producción de cine y audiovisual de pueblos indígenas y afrodescendientes”.

Esfuerzos tan valiosos como estos merecen un digno reconocimiento y celebración ante uno de los años más adversos para la historia reciente de la humanidad en el que, a pesar de estar resguardados, instituciones como el Imcine, la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC), el Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC), la Escuela Nacional de Artes Cinematográficas (ENAC) de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), Filmoteca UNAM y DocsMX, se han mantenido activos mediante las redes sociales con actividades como charlas, talleres, convocatorias, ciclos y funciones de películas.

La razón primordial por la que lo resaltó es porque no podemos olvidar que el cine es un medio colaborativo que permite acercarnos con otros mediante su realización y proyección en pantallas; no hay mejor manera de incentivarlo que por medio de actividades de formación y promoción de la mano de profesionales y apasionados, que inviten a cualquiera que tenga el interés, porque como cada vez se demuestra en números, existen muchos, pero muchos allá afuera.

Considero que aquellos que vemos cine mexicano es porque así lo decidimos, porque hemos tenido que informarnos y descubrirlo de nuestra propia mano; para quienes siguen recordando con nostalgia las películas de la Época de Oro, que sin duda son una pieza invaluable para nuestra memoria histórica, quizás ya sea hora de ponerle atención a lo que nos trae el presente, compartir lo mejor de ambos mundos y proponernos visualizar un futuro descentralizado, en el que los extranjeros y foros internacionales no sean los únicos que valoren nuestro cine, en el que tanto el gobierno como los espectadores reconozcan el potencial que resguardan las historias que abundan en cada región; donde podamos verdaderamente reconocernos en las pantallas, aprender a reír de nuestras idiosincrasias y contradicciones, así como cuestionar las circunstancias que nos agobian o compartir nuestros temores.

En la medida en la que esto sea posible, el cine mexicano por fin tendrá la relevancia que tanto se merece: pero no entre estatuillas, sino en la comunidad, memoria y corazones de aquellos a quienes más ha inspirado.

Bibliografía:

El cine mexicano sufrió un duro golpe con el TLCAN: perdió espacios de exhibición. (2019, 25 enero). infobae. https://www.infobae.com/america/mexico/2019/01/25/con-el-tlcan-el-cine-mexicano-produjo-mas-peliculas-pero-tuvo-menor-exhibicion-en-salas/

Lara, R. (2018, 15 agosto). La nueva «Época de Oro» del cine mexicano. Expansión. https://expansion.mx/empresas/2018/08/15/la-nueva-epoca-de-oro-del-cine-mexicano

Instituto Mexicano de Cinematografía (Imcine) y Secretaría de Cultura. (2020, mayo). Anuario Estadístico de Cine Mexicano 2019. http://www.imcine.gob.mx/wp-content/uploads/2020/05/Anuario-Estad%C3%ADstico-de-Cine-Mexicano.pdf

El CAPP ofrece aprendizaje gratuito en línea. (s. f.). imcine. http://www.imcine.gob.mx/el-capp-ofrece-aprendizaje-gratuito-en-linea/

[acapulcopress]

Develan bustos de la Reina Isabel II, Silvester Stallone y María Elena Marqués en el Parque de la Reina

ACAPULCO, Gro. * 2 de agosto 2024. ) Gobierno de Guerrero El secretario de Turismo de México, Miguel Torruco Marqués, y autoridades del gobierno de Guerrero que encabeza Evelyn Salgado Pineda, develaron bustos de la Reina Isabel II, Sylvester Stallone (Rambo) y María Elena Marqués, dando continuidad a las acciones

emprendidas para dar brillo a Acapulco. Acompañados de la presidenta municipal Abelina López Rodríguez, y representantes del sector turístico, Torruco Marqués, reconoció al puerto como un referente del turismo de México, siendo el primer destino con proyección internacional que con el paso de los años se convirtió en uno de los preferidos de todos los mexicanos. "Mi misión y la tarea que me dio el presidente Andrés Manuel López Obrador, de como internacionalizar Acapulco y a partir de ahí empezamos con estos bustos; hay muchas historias en torno a Acapulco que deben ser utilizadas para lanzar la imagen de Acapulco", refirió Torruco Marqués.

Refirió que el parque de La Reina es el primer contacto con el turismo de Cruceros quienes a su llegada pueden realizar interesantes recorridos en diversos museos que se ubican a los alrededores. "El día de hoy nos reunimos para hacer lo propio con estos bustos, la Reina Isabel II, figura política de los años 50's que encabezó el reinado más extenso del Reino Unido y quien junto a su esposo el príncipe Felipe, visitó Acapulco, este parque y recorrió espacios como el Museo Fuerte de San Diego", explicó. También dijo, se devela el busto de Sylvester Stallone, actor, director y productor de cine estadounidense, que protagonizó la película "Rambo", la cual fue filmada en espacios de Acapulco.

Agradeció haber incluido en esta develación el busto de su señora madre María Elena Marqués Rangel, artista de la "Época de Oro del Cine Mexicano", que participó en más de 100 películas, telenovelas y obras de teatro. Se reconoció al escultor Oscar Ponzanelli, por espectaculares obras de arte que son un impulso al turismo histórico. En su participación, el secretario de Turismo de Guerrero, Simón Quiñones Orozco, consideró que esta acción refleja la historia y presencia de políticos, actores, deportistas e intelectuales que son parte de la época dorada de Acapulco y que sirven para hacer marketing turístico, con una combinación del pasado y presente, logrando construir nuevos productos para promover los destinos turísticos. "Hoy estamos reunidos en el Parque de la Reina, lugar emblemático de Acapulco, en un acto de develación de los Bustos de la Reina Isabel de Inglaterra y del personaje de la película Rambo protagonizado por el actor Sylvester Stallone, que, en su tiempo, impactaron y siguen impactando favorablemente, en la imagen turística del Internacional puerto de Acapulco", expresó el funcionario estatal. Destacó que estos bustos se suman al busto de Alexander Von Humboldt, ubicado también en el Parque de la Reina, que será sin duda un atractivo más para los turistas, principalmente de los visitantes que arriban vía cruceros. Informó que en un corte al primero de agosto del presente año, durante la temporada de verano, han visitado a Guerrero más de 388 mil turistas, que han generado una ocupación promedio del 70.28%. Por destino turístico: Acapulco ha registrado la llegada de 267 mil 674 visitantes, y una ocupación hotelera promedio del 68.74%. En cuanto al binomio de playa Ixtapa Zihuatanejo; una afluencia de 107 mil 146 turistas, que han propiciado una ocupación promedio en hoteles del 77.1%. Y con respecto al Pueblo Mágico de Taxco, el arribo de 13 mil 356 turistas, generando por ello; un 31.6% en la ocupación de sus hoteles. MARÍA ELENA MÁRQUEZ, LA ESTRELLA DEL CINE DE ORO DE LA ÉPOCA María Elena Marqués fue una actriz del 'Cine de Oro' mexicano. Aunque gozaba de mucha fama, optó por dejar su exitosa carrera en Hollywood y en su país natal porque no estaba dispuesta a envejecer en público ni a participar en películas con cualquier tipo de desnudo. Inició en el cine cuando todavía no cumplía los 20 años. Ella y el cineasta Fernando de Fuentes eran vecinos, lo que los llevó a encontrarse en alguna ocasión. Él se habría sorprendido por la belleza de la joven y no dudó en invitarla a hacer una prueba de cámara, lo que resultó en un éxito. Su primera película fue Dos corazones y un tango en 1942. Pese a que no fue su trabajo con mayor reconocimiento, sí le abrió la puerta a otras oportunidades con el mismo De Fuentes, quien trabajaba con artistas como Jorge Negrete. No tuvo que transcurrir mucho tiempo para que Marqués protagonizara su primera cinta, pero el verdadero reconocimiento comenzó cuando participó en Doña Bárbara junto a María Félix. Otro de los filmes con gran importancia en su carrera fue La Perla, película de Emilio “Indio” Fernández. Esta producción le permitió comenzar a hacerse camino en el extranjero, pues en Italia fue premiada como Mejor Actriz en la Bienal de Venecia. María Elena triunfó al lado de Jorge Negrete, Mario Moreno Cantinflas, Arturo de Córdova, inclusive con el llamado Rey de Hollywood, Clark Gable, participó en más de 100 producciones y fue galardonada en Estados Unidos, Europa y en México con varios premios Ariel, pero decidió frenar su carrera después de tres décadas, cuando tenía 46 años. Marqués incursionó en la política como diputada federal del Partido Revolucionario Institucional (PRI) y siempre mostró interés por las cuestiones administrativas de la Asociación Nacional de Actores (ANDA), de la cual fue parte de su fundación y en la que constantemente se envolvió. Muchos años después de que se le dejó de ver en la pantalla grande, así como en telenovelas, fue cuestionada por un periódico de divulgación nacional sobre las razones de su alejamientos de las cámaras, a lo que respondió: “Por miedo al sexo y a la violencia en las películas. Yo me retiré muy guapa y Arielada, por eso mismo no me gustaría regresar. Uno nace con la belleza que Dios le da y muere con la que uno merece”. Esta frase la acompañó hasta su muerte, pues fue una respuesta tajante y reveladora.

La protagonista de Romeo y Julieta confesó que para ella era imposible regresar al medio artístico porque no quería convertirse en pantalla en la abuela de alguna joven que mostrara su cuerpo, estaba en contra de este tipo de comportamientos en el cine y, además, pensaba en que podría ser una falta de respeto a su familia. María Elena Marqués falleció a los 81 años por un paro cardiaco, decidida a nunca regresar al ojo público, pero acompañada de sus dos hijos. En su último trabajo fue la encargada del área de jubilaciones de la ANDA. Su vínculo con Acapulco se remonta a la película "La Perla", que María Elena Marqués (Juana) junto con Pedro Armendariz (Kino) grabó en Acapulco y fue estrenada el 12 de septiembre de 1947. www.acapulcopress.com Read the full article

[ahpicanteradio]

LOS HURACANES DEL NORTE OFRECEN UN CONCIERTO HISTÓRICO EN LA ARENA CDMX.

https://www.superboletos.com/landing-evento/Cy45gG2ei5SHWSEO51d3pw

Los Huracanes del Norte, vuelven con gira "Todo Contigo" a la ~Arena Ciudad de México~ este próximo sábado 3 de agosto de 2024.

Un Huracán llenara de ritmo norteño la Arena Ciudad de México en donde “Don Heraclio, Chuy, Pancho, y Lupe, junto con la nueva generación: Antonio, Jose Luis, Rocky y Jaime, tendrán invitados especiales: Los Tiranos del Norte y Eliseo Robles.

En donde será un show totalmente histórico en donde 52 años de trayectoria de esta famosa agrupación llenará de ritmo el recinto de la Arena CDMX.

Será un espectáculo nuevo.

No te puedes perder este concierto histórico de la banda que tiene 52 años de trayectoria.

Boletos en Superboletos y en taquillas del inmueble.

Los Huracanes del Norte, con una trayectoria de 52 años que desafía el paso del tiempo, continúan siendo un fenómeno en el mundo de la música norteña. Su más reciente éxito, "Viaje eterno",

", se ha colocado en el Top 10, resonando con una historia universal que todos, tarde o temprano, viviremos. La banda, que ha sabido mantenerse en la cima tanto en la radio como en plataformas digitales y redes sociales, se prepara para un concierto que promete ser histórico este Sábado 03 de Agosto en la Arena CDMX. Boletos a la venta en el Sistema Superboletos y en taquillas del inmueble.

Por si fuera poco, como parte del “Norteñisísimo 2024" estarán acompañados de las leyendas Eliseo Robles "La Voz de Oro" con su particular manera de interpretar géneros que van de lo norteño a lo ranchero y del ranchero a lo romántico popular, con una carrera ligada a lo más alto de la música norteña y además de Los Tiranos del Norte, una agrupación que en su día también fueron la agrupación más famosa de su género en Mexiga" entre michos otros. "Hasta la miel amarga”. Entre muchas otras.

Tras el éxito de temas como "Por eso la dejé", "Exageras de bonita" y "Todo contigo"

"Viaje eterno" se une al repertorio de éxitos interpretados por los fundadores Don Heraclio, Chuy, Pancho y Lupe, quienes junto con la nueva generación Antonio, José Luis, Rocky y Jaime, están afinando los detalles de un show que esperan sea tan exitoso como el del año pasado, donde llenaron el recinto y dejaron una marca imborrable en el corazón de sus seguidores.

Este evento, que ya ha puesto a la venta sus boletos, no solo es una garantía de la calidad artística del grupo, sino también una celebración de su legado como parte del patrimonio cultural mexicano.

La Arena CDMX se prepara de este modo para recibir a los aficionados de Los Huracanes del Norte, quienes tendrán la oportunidad de disfrutar de una noche llena de música, tradición y pasión.

Con la promesa de un concierto memorable, la banda invita a todos a ser parte de este evento que, sin duda, sera un hito en la historia de la música norteña en México.

El grupo, convertido ya en una institución de la música norteña, celebran 52 años de una carrera prolífica que ha dejado una huella indeleble en la industria musical. Con más de 850 canciones grabadas, alrededor de 75 discos y una presencia constante en cine y televisión, su legado va más allá de los incontables premios y reconocimientos que han recibido.

Su historia es la de un grupo de hombres

que llevan el instinto de superación y perseverancia en la sangre. Se trata de los hermanos García Ruvalcaba: Heraclio, Jesús, Francisco y Guadalupe. Originarios de un humilde rancho en

Yahualica, Jalisco, emigraron a Estados Unidos en busca de un futuro mejor. Trabajando en los campos de San José, California, cultivaron no solo frutas sino también su anhelo de superación. La música, sembrada por sus abuelos, floreció en ellos y los llevó a formar Los Cuatro del Norte en 1969, animando fiestas locales con éxitos norteños.

Los Huracanes del Norte no solo son pioneros de la música norteña, sino también un grupo distintivo que ha marcado tendencias y sigue siendo relevante en el género. Su sonido único y personalidad han trascendido el tiempo, y su elección para formar parte de la

"Clase 2022" de Hollywood es un hito histórico en su ilustre trayectoria.

Con medio siglo de música ininterrumpida, Los Huracanes del Norte son más que una leyenda; son un símbolo de la música norteña y un orgullo para México y para todos los que han sido tocados por su música y llegarán con todos sus éxitos este sábado 03 de Agosto de 2024, acompañados de Los Tiranos del Norte y Eliseo Robles.

Boletos a la venta en el Sistema Superboletos y en taquilla.

[zigzagderogeliogarza]

Por: ROGELIO GARZA

Mi generación creció escuchando la radio rockera de la Amplitud Modulada entre los setenta y los ochenta: Radio Éxitos, La Pantera y Radio Capital. Yo brinqué a la Frecuencia Modulada con Radio Universal y, en 1983, descubrí Radio Hits y WFM Rock Estéreo. Su programación estaba clavada en el rock / pop en formato tradicional. Entonces irrumpió Rock 101, en 1984, y todo aquello pareció anticuado.

101 capturó los oídos con creatividad y música novedosa, iban más allá del rock, eran irreverentes e incluyeron voces femeninas. Ahí escuché a la locutora, productora, coleccionista y curadora musical, Lynn Fainchtein.

Rock 101 se convirtió en la compañera perfecta durante los años de preparatoria y universidad, cuando se dio el paso del vinilo y el casete al disco compacto. Lynn conducía y producía varios programas, como Descelofaneando, donde presentaba discos recién salidos con ese ritual que consistía en abrir el vinil o el compacto como si desvistieras a una persona o pelaras una fruta exótica antes de comerla. La calidez y pachequez de su voz eran parte de la experiencia. También creó la emisión Salsabadeando, el programa de música afroantillana donde ponía salsa, merengue, cumbia, reggae, bachata y ska. Un programa así era una molotov de azúcar en una estación de rock, cuando grupos como Mano Negra, Los Fabulosos Cadillacs, Todos Tus Muertos y Maldita Vecindad fusionaban esos ritmos convirtiéndolos en un nuevo punk. 

El otro programa que conducía Lynn también era idea suya: Mujeres comma rock, una emisión dedicada a la música hecha por mujeres de todo el mundo. Sin percatarnos –es decir, sin la conciencia de género actual–, guiados por la única verdad que era la música, la voz y el bagaje de Lynn, escuchábamos un programa pionero de radio feminista en México. Pero Rock 101 se acabó y dejó de transmitir por Núcleo Radiomil en 1996. Para ese año ya sonaba Radioactivo 98.5, la estación que llegó al relevo en la que Lynn también tuvo un programa llamado Nunca en domingo, que se transmitía los sábados.

A mediados de los noventa, Lynn fue Directora de Programación y Noticias de MTV Latinoamérica, donde hizo televisión rockera con grupos mexicanos y argentinos, antes de producir el documental Crónicas de un movimiento anunciado, sobre el EZLN en Chiapas.

E inició el ciclo más productivo de su vida en la producción y supervisión musical de películas, series y documentales que empezó con Alejandro González Iñárritu, Alfonso Cuarón, Fernando Sariñana y María Novaro. Supervisó y musicalizó más de cien producciones de cine y plataformas de entretenimiento, el último proyecto en el que intervino es la serie de Netflix, Cien años de soledad.

El 18 de febrero Lynn escribió en su X Twitter: “el narco ya se adueñó del gobierno, del ejército, de las tierras y ahora de la música”, sobre una entrevista a Peso Pluma en El País. Unos días después de su fallecimiento apareció la polémica portada de la Rolling Stone con el cantante belicoso: “El futuro de la música”. Lo que más le gustaba en la vida a Lynn.