#Neorrealismo Italiano

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Roma, Città Aperta (Roberto Rosselini - 1945)

[artcordfilmscult]

Obssessione (1943) dir. Luchino Visconti

[cinemarina]

C’è ancora domani (Siempre nos quedará mañana)

¡Hola cinéfilos! Debido a los muchos comentarios en los que me habéis pedido hablar de la película C’è ancora domani, he decidido aprovechar el estreno de la peli en Netflix para dejaros mi opinión.

C’è ancora domani, salido en los cines italianos el 18 de octubre de 2023, es el debut de Paola Cortellesi como directora. Si no la conocéis, Paola Cortellesi es una famosa actriz y cómica italiana, que ha desempeñados muchos roles en películas muy conocidas en Italia, como, por ejemplo, Scusate se esisto (2014) y Figli (2020) de los cuales podéis encontrar las reseñas que hice aquí.

La película se desarrolla en la ciudad de Roma en la segunda mitad de los años ’40. La protagonista es Delia (Paola Cortellesi), casada con Ivano (Valerio Mastandrea), padre de sus tres hijos, Marcella (Romana Maggiora Vergano), Sergio y Franchino. La familia vive en un barrio popular y es muy evidente la pertenencia a una clase social de bajo nivel. También dentro de la familia se nota la disparidad de roles entre hombre y mujer. El hombre es el cabeza de familia, el que tiene el poder y manda; mientras que la mujer está encerrada en los papeles de madre y ama de casa.

En esta película Delia es la representación de todas aquellas mujeres que han permitido lograr aquellos derechos que hoy en día damos por sentado; aun siendo una mujer común, su historia es importante porque es igual a la que han vivido muchas mujeres. Esta película hace que una experiencia personal se convierta en pública y tiene su culmen en unos días fundamentales para los derechos de las mujeres italianas. Es una película tragicómica que hace reír y, al mismo tiempo, hace reflexionar sobre un tema del pasado reciente italiano que sigue siendo actual.

Si aún no habéis visto la peli, os aconsejo animadamente verla, no os arrepentiréis. Ahora entraré en el detalle, por lo cual, si queréis evitar los spoilers, volved después de haber visto la película.

Antes de todo, como los más expertos habrán notado, la directora ha optado por elecciones estilísticas que recuperan el neorrealismo cinematográfico, movimiento cultural que se desarrolló después de la Segunda Guerra Mundial en Italia. El blanco y negro, la representación de clases de bajo nivel social y el ser un espejo sin filtros de la realidad, son todos elementos de esta corriente que Paola Cortellesi ha puesto en su película. Está claro que la película no representa la realidad contemporánea, sino una realidad pasada y auténtica.

Primero me ha llamado la atención la relación entre madre e hija. Marcella se porta como si despreciara a su madre. La chica es consciente de la situación de violencia y sumisión que vive su madre y la odia ya que no entiende porque se deja tratar a golpes. El hecho es que, como dice la misma Delia, no puede escapar, sobre todo porque significaría abandonar a sus amados hijos. Sin embargo, Delia no es un personaje pasivo ya que, a lo largo de la película, tiene unos objetivos que consigue alcanzar, a partir de encontrar la manera para impedir que la hija se case con un hombre violento, hasta hacer valer sus derechos votando.

Otro aspecto interesante es el engaño al espectador por parte de la película misma. De hecho, parece que Delia ha aceptado la propuesta de Nino (Vinicio Marchioni), su primer amor que no llegó a vivir, de huir con él. En realidad, lo que tiene que hacer es ir a votar, algo que parece tan sencillo, pero que para ella no lo es a causa de su marido.

Finalmente, otra decisión que me ha llamado la atención es como Paola Cortellesi ha decidido representar la violencia doméstica. Elementos musicales y coreográficos le permiten hablar de violencia de género con originalidad. Ivano pega a Delia por cualquier razón y esta violencia no siempre se muestra. Una escena que afecta al espectador es la del baile: Delia ha traído el chocolate que le dio el soldado americano y, por esto, Ivano decide pegarla. Sin embargo, lo que vemos nosotros es un baile. Haber decidido utilizar algo que representa la unión entre dos personas para poner en escena una barbaridad, produce un efecto absurdo y grotesco.

En conclusión, queridos cinéfilos, me parece magnifico que Italia haya producido una película sobre temas tan importantes que aún hoy no podemos dar por sentado. Espero que os haya interesado mi opinión y escribidme en los comentarios lo que pensáis vosotros. ¿Cuáles son las escenas que os han llamado más la atención? ¿y vuestro personaje favorito?

Os espero el próximo lunes para otra reseña.

¡Hasta luego, cinéfilos! 😊

[infacundia]

Jonas Carpignano

Recién vimos A Ciambra, antes habíamos visto una posterior: A Chiara. Las dos están en Mubi, que las recomienda como una trilogía que "revigoriza" el neorrealismo italiano. Es cierto que están impecablemente producidas y dirigidas, con planos hermosos e imágenes poderosas de fuego, caballos y abuelos metaforizando la épica nostalgia lumpen-masculina.

Pero hay algo de los finales que se me hace bastante problemático, y es que luego de todo un arco de personaje a lo coming-of-age, los protagonistas se terminan quedando en el molde que les ofrecen las relaciones existentes. Sobre todo en la primera, donde Pío es un niño gitano que entra a laburar de chorro para llevar guita a la casa, después de que hayan caído presos su hermano mayor y su viejo. Lo hace pidiéndole colaboración a Ayiva, un burkinés de buen corazón que lo salva más de una vez, a pesar de que la familia gitana es profundamente racista con los migrantes africanos. Sin embargo, en un momento Pío la caga: le entra a robar a un italiano, que en la jerarquía del crimen está por encima del clan gitano. El tano lo descubre y arruina a la familia de Pío; para salir de esa, el hermano le dice a Pío de robarle al burkinés. Tras un muy intenso y muy bien logrado cinematográficamente debate interno que oscila en traicionar a su familia o a su amigo, Pío decide lo segundo.

¿Qué pasó ahí? Mi lectura es la siguiente: no es el preadolescente el que se queda en el molde, sino el propio director. Carpignano usa todos los recursos técnicos del viejo neorrealismo, que era en sí una expresión de cine antifascista en el sentio de que buscaba "mostrar condiciones sociales más auténticas y humanas, alejándose del estilo histórico y musical que hasta entonces había impuesto la Italia fascista". Pero, al contrario de aquella vanguardia, su realismo sirve como refuerzo simbólico de lo realmente existente (la desigualdad de clase, la insolidaridad, las relaciones patriarcales, el racismo).

La crítica va más allá de cómo en A Ciambra reproduce el estereotipo del gitano salvajemente leal a su clan familiar, o de la literalidad en que en la última escena Pío es llamado por niños y adultos, y se dirige al mundo de estos últimos. Tiene que ver con que sus finales, que acaso quieren correrse de la historia de superación y la épica individual, no logran si no apelar al virtuosismo retro y al golpe bajo para reestablecer los destinos asignados por el capitalismo a sus capas sociales más bajas. Desde Fisher y acaso desde Stalin sabemos que el realismo es la propaganda del régimen que lo produce; no existe el arte puro, concepto idealista si los hay.

Ahora, esto no quiere decir que todas las pelis tengan que ser disruptivas, porque la idea es comentar un fenómeno más global. Si bien creo que hubiese sido más descolocante (para director y espectadores) que Pío botonee a la familia y salve a Ayiva, mi crítica pasa menos por un deber ser de las películas que por el problema de cómo dejar de reproducir y desviarse de las estéticas que el régimen hizo de las viejas vanguardias… porque en algún momento el neorrealismo fue disruptivo y hoy, por lo menos en este muchacho, es un refuerzo de lo existente. Si algún momento fue una potencia negativa de la clase oprimida contra sus estructuras de opresión (en un contexto de lucha de clases activa, la denuncia triste es un llamado a la acción y una declaración de fe en que el cine podía cambiar las cosas), hoy es un espejo autocomplaciente de las relaciones de producción del capital. El final desgarrador, con la música motivacional pop de fondo y fuera del contexto de lucha de clases, es en lo efectivo un llamado a la resignación y una declaración de fe en el cine como retrato de lo inmutable.

No es un fenómeno aislado: también géneros musicales como el hip hop o el rap nacieron como expresión de protesta de los afroamericanos alrededor de sus condiciones de vida, y fueron digeridos/cooptados/reencauzados por la industria cultural gringa hasta ser convertidos en plegarias cantadas a los ídolos de la sociedad mercantil (el dinero, el consumo, la propiedad privada, la empresa y hasta la explotación de subordinadxs). Toda expresión cultural muere siendo vanguardia o vive lo suficiente para convertirse en una estética. Es decir, o cumple más o menos rápidamente con sus objetivos de alterar las conciencias y desarmar los sentidos comunes, o se vuelve un corset para la sumisa reproducción de esas conciencias y esos sentidos comunes.

[rosebudblog]

EL CINE NAZI (I): DEL EXPRESIONISMO A HITLER

EL LIBRO

EL DOCUMENTAL

MI PEQUEÑA APORTACION AL TEMA HACE MÁS DE 50 AÑOS (SIN COMPARACIÓN POSIBLE CON LOS DOS ANTERIORES)

CALIGARI

H. K. BRESLAUER

LA CIUDAD SIN JUDIOS

1933. LOS NUEVOS CINEASTAS ALEMANES

(En estos días se cumplen 90 años de la llegada de Hitler al poder en Alemania. En los próximos capítulos desgranaré la historia del cine nazi. Un cine vomitivo en la mayoría de los casos, pero no exento de calidad en algunas de sus películas.)

  Si en el principio fue Francia el lugar donde se inició la cinematografía y poco después en los Estados Unidos se desarrolló la gran industria del cine, hubo otros países que aportaron movimientos y creadores que forman parte ya de la gran historia del séptimo arte. Uno de esos países fue Alemania. En el país germánico, al final de la I Guerra Mundial se inició uno de los movimientos cinematográficos que iba a marcar una época no solo en el cine de ese país sino en el de todo el mundo y que ha venido influenciando a los grandes cineastas hasta la actualidad. Ese movimiento fue conocido como el Expresionismo Alemán y directores actuales como David Lynch o Martin Scorsese reconocen inspirarse en ese movimiento para realizar su cine.

Hasta la llegada al poder de los nazis en 1933, ese movimiento aportó al cine grandes autores y grandes películas. Sin entrar en un análisis exhaustivo sobre el expresionismo es necesario señalar directores como Murnau, Ruttmann, Leni, Lang, Von Stenberg o Lubitsch y películas como El gabinete del Dr. Caligari, M el vampiro del Dusseldorf, Amanecer, Los Nibelungos, El ángel azul, Berlín sinfonía de una ciudad, El testamento del Dr. Mabuse o Metrópolis.

 Sin duda fue Siegfried Kracauer en su texto de 1947 De Caligari a Hitler, el que mejor ha estudiado la evolución del cine alemán desde su nacimiento hasta la llegada de los nazis al poder. En 2014 con el mismo título y tomando como base el texto de Kracauer se realizó un documental dirigido por Rudiger Suchsland absolutamente recomendable. Otros autores como Marco da Costa han publicado y siguen publicando trabajos sobre el cine alemán especialmente sobre el cine de los años de dominio nazi; un cine ciertamente desconocido pues parte de la obra que se realizó en esos años era pura propaganda fascista y antisemita, por lo que muchas de esas películas constituyen hoy día un serio problema para acceder a ellas ya que su difusión está restringida.

 Lo que ha llamado la atención a los historiadores es que en esos años de la República de Weimar se realizaron varias películas que se han catalogado como premonitorias de lo que iba a llegar a Alemania a partir de 1933. Todavía más: hay una película austriaca de 1924 que claramente muestra la persecución de los judíos. Lo llamativo de todo esto es que el partido nazi era muy minoritario durante aquellos años y que solo se fue coinvirtiendo en un partido de masas a finales de la década de los años 20 por lo que difícilmente se podía considerar un peligro en el momento de realización de algunas de estas películas.

 La más conocida de todas es una película de culto del cine silente: EL GABINETE DEL DR. CALIGARI de Robert Wienne, 1920. Poco puedo aportar yo que ya no se haya escrito sobre Caligari: historiadores, sociólogos, cineastas y hasta psiquiatras han debatido y realizado múltiples estudios sobre esta película. No voy a entrar en un análisis más, que sobraría, ante todo lo que se conoce sobre la película; tan solo hay que recordar sus grandes aportaciones formales: iluminación, sombras, composición de planos, decorados inclinados, maquillaje muy acentuado, etc. Aportaciones que años después numerosos directores hicieron suyas para realizar sus películas (recordemos el cine negro norteamericano o el neorrealismo italiano sin ir más lejos). Estas aportaciones técnicas se han analizado desde puntos de vista muy profundos haciendo especialmente análisis psicológicos sobre ese “lenguaje” de sombras propias del expresionismo. Como ocurre en muchas ocasiones, a veces las cosas son más sencillas: esos decorados propios del expresionismo, con esa especial iluminación y esas sombras tan características se debían en gran parte a que… tras la guerra y durante los primeros años de Weimar las restricciones de electricidad eran muy frecuentes y los rodajes se debían limitar a una serie de horas al día a veces con escasa iluminación. Este hecho producto de las circunstancias sociales del momento se convirtió con los años en un signo de identidad de ese movimiento cinematográfico y lo desbordó hasta convertirse en una especial forma de lenguaje fílmico.

Pero si en su expresión formal Caligari aportó numerosos cambios, no fue menos lo que aportó en el aspecto conceptual con la introducción de elementos oníricos o alucinatorios lo que suponía una enorme novedad en el cine de esos años. La crítica norteamericana llegó en su mayoría a alabar la película, pero la tacharon de “siniestra y macabra”.

En síntesis, la historia de Caligari es la siguiente: a un pequeño pueblo llega el espectáculo del Dr. Caligari con un sonámbulo con capacidad para predecir el futuro. Al mismo tiempo comienzan a suceder una serie de asesinatos. La traslación política a la que aluden los expertos sobre esta película es que Caligari se corresponde con Hitler mientras que el sonámbulo es el pueblo alemán que obedeció inconscientemente a su líder supremo.

 Pero otras películas ya más cercanas al cenit del partido nazi anunciaban el terror que se aproximaba: Fritz Lang como final de su trayectoria alemana realizó M el vampiro de Dusseldorf (1931) y El testamento del Dr. Mabuse (1933, inmediatamente prohibida por Goebbels). Del cine de Lang sustrajeron los alemanes elementos para la estética nazi. Según Krakauer Los Nibelungos (1924) y Metrópolis (1927) fascinaron a los nazis que tomaron de ellas elementos ornamentales para sus fastuosos desfiles.

 Pero si todas estas disquisiciones sobre la premonición nazi del cine alemán no fuesen suficientes existe una película desaparecida hasta hace 7 años que, de forma clara y absoluta, sin especulaciones psicológicas de ningún tipo, anuncia el holocausto judío que iba a suceder unos años después.

En 1924 en Austria, se realiza LA CIUDAD SIN JUDIOS, dirigida por Hans Karl Breslauer. La sinopsis no puede ser más evidente: los habitantes de la República de Utopía acusan a los judíos de ser los causantes de la grave crisis económica y social que padecen y los expulsan del país, los persiguen y los maltratan. El relato final de la película es una crítica del racismo.

Breslauer (1888-1965) fue un actor, guionista y director austriaco que comenzó a trabajar  en Berlín a partir de 1910 y en 1918 comenzó a dirigir. La película está inspirada en una novela satírica del escritor judío Hugo Bettauer y el rodaje se realizó cuando Hitler estaba encarcelado y escribía su Mein Kampf. Aunque básicamente el guion de la película nos traslada a un pogromo más de los que ha habido a lo largo de la historia en muchos países, lo que hace esta película singular es que los hechos suceden coetáneamente al relato y en una ciudad reconocible (Viena es Utopía).

 La ciudad sin judíos aparte del interés premonitorio de la historia puede considerarse una película maldita por las consecuencias que tuvo paras sus autores:

-el autor de la novela fue asesinado por los nazis poco después del estreno.

-Breslauer, el director no volvió a dirigir y murió en la miseria en 1965.

-la coguionista Ida Jenbach fue deportada a un gueto donde murió en 1941.

-los actores principales tuvieron un recorrido diferente en sus vidas privadas: el actor que interpretaba en la película al judío se afilió después al partido nazi y fue un activo militante de las SS, mientras que al antisemita de la película se opuso al régimen en los años siguientes.

El estreno de la película en 1924 fue accidentado pues los nazis la boicotearon de forma activa atacando a los espectadores incluso. Pero lo más curioso de esta película es que unos años después de su estreno desapareció y se dio por perdida hasta que en 1991 apareció una copia incompleta en Ámsterdam y ya en 2015 apareció en un mercadillo de París la copia completa. Gracias a aportaciones particulares se recaudaron 75.000 euros para restaurarla. Hoy La ciudad sin judíos es un documento excepcional por su singularidad histórica: anuncia lo que unos años después iba a suceder en Europa.

 A finales de Enero de 1933 Adolf Hitler era nombrado Canciller de Alemania. Al día siguiente con Goebbels a la cabeza se iniciaba la etapa del cine nazi.

25/2/2023

[whileiamdying]

El sabor de la cereza y las maravillas de la vida

Si nos aventuramos por el sinuoso camino del cine de autor, pasando por el expresionismo alemán, el neorrealismo italiano de posguerra y la nueva ola francesa, acabaremos encontrando a un hombre llamado Abbas Kiarostami. Pocas personas han oído hablar de él, pero muchas darán fe de la importancia de sus películas. En 1997, Kiarostami estrenó una película con el nombre de Taste of Cherry. En Taste of Cherry, un hombre conduce por una tierra iraní, conociendo a la gente y conversando con ella sobre temas que rara vez van más allá de lo trivial. La película acabaría ganando la prestigiosa Palma de Oro por encima de otras aclamadas películas como Titanic, Perfect Blue, Good Will Hunting y Boogie Nights.

Taste of Cherry tiene una historia muy sencilla, que algunos calificaron de monótona, pero que es lo que hace que la película sea muy especial. La historia es la de un hombre llamado Sr. Badii, que planea morir por su propia mano y quiere contratar a alguien para que lo entierre bajo un cerezo. La película sigue una estructura no lineal, y a veces pasa de las conversaciones a una amalgama de imágenes y sonidos. Las tierras iraníes se retratan de tal manera que se pierden pocos detalles; las colinas, los paisajes urbanos, las chozas y las carreteras se filman durante un periodo de tiempo tan largo que Kiarostami parece imitar la vida. La gente que rodea al Sr. Badii pasa sus días sin prestarle atención. El Sr. Badii bien podría ser un extra en otra película que Kiarostami haya filmado.

A Kiarostami no le preocupa ni el presente ni el futuro de sus películas, sólo el pasado. Quiere que la mente de su público vaya a la deriva y se aburra, porque la experiencia de ver una película aburrida es bastante difícil de olvidar. Esto no quiere decir que toda la película sea tediosa, ni mucho menos, ya que es una verdadera celebración de la vida. En la película, Kiarostami intenta -con éxito en mi experiencia- retratar alguna esencia innegable de la vida. Mientras el Sr. Badii mira fijamente al cielo y observa cómo las nubes pasan por encima de la luna mientras una tormenta eléctrica comienza a formarse en el fondo, es difícil imaginar realmente que la vida pueda ser algo insignificante. Resulta irónico que el Sr. Badii quiera ser enterrado bajo un cerezo y, sin embargo, esté dispuesto a renunciar al sabor de los frutos de ese árbol. También es irónico, entonces, que vea las nubes rodando sobre la luna mientras espera ahogarse en la lluvia.

[januszen]

Arroz amargo (1949)

Arroz amargo: una película que desnuda la realidad laboral y las luchas de las mujeres en todo el mundo. ¿Qué tan actual es su mensaje hoy? #Neorrealismo #CineItaliano #LuchasFeministas

Arroz amargo revela un retrato desgarrador y actual Índice:Arroz amargo: El Neorrealismo que Desnuda la RealidadEl trasfondo histórico: Neorrealismo italiano y su contexto socialLa trama: una lección de lucha y traiciónEl simbolismo del arroz: una metáfora de la resistenciaLecciones vigentes para las nuevas generaciones Arroz amargo: El Neorrealismo que Desnuda la Realidad “Arroz amargo“,…

[pletnet]

Arroz amargo (1949)

Arroz amargo: una película que desnuda la realidad laboral y las luchas de las mujeres en todo el mundo. ¿Qué tan actual es su mensaje hoy? #Neorrealismo #CineItaliano #LuchasFeministas

Arroz amargo revela un retrato desgarrador y actual Índice:Arroz amargo: El Neorrealismo que Desnuda la RealidadEl trasfondo histórico: Neorrealismo italiano y su contexto socialLa trama: una lección de lucha y traiciónEl simbolismo del arroz: una metáfora de la resistenciaLecciones vigentes para las nuevas generaciones Arroz amargo: El Neorrealismo que Desnuda la Realidad “Arroz amargo“,…

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Pão, Amor e Fantasia

I, 1953

Luigi Comencini

7/10

Otimismo Folclórico

Pane, Amore e Fantasia é uma comédia de costumes leve e romântica que parece ter ressuscitado da era fascista, quando, tal como no cinema português do Estado Novo, todos eram pobres mas honestos, felizes e tementes a Deus. As comédias exalavam uma paz social e um bem-estar coletivo que só a propaganda poderia criar.

No entanto, este é um filme do pós-guerra, produzido na era do neorrealismo. O próprio Vittorio de Sica, embora atrás das câmaras, já tinha feito Sciusciá, Ladrões de Bicicletas e Umberto D. Que contraste com o otimismo folclórico e inocente deste Pane, Amore e Fantasia! Nunca um título resumiu tão bem um filme.

E, no entanto, o filme também tem virtudes, apesar do seu anacronismo simplista. Gina Lollobrigida interpreta uma personagem magnífica, com uma sensualidade selvagem. O ambiente fechado da pequena cidade provinciana, com os seus velhos que sabem tudo e controlam tudo sobre a vida dos outros, tem um charme e uma ironia deliciosos, que lembram o melhor de Pagnol.

É uma obra leve, nostálgica, mas certamente agradável de assistir, que ganhou o Urso de Prata em Berlim e foi até indicada ao Oscar de melhor roteiro original. Uma ilha luminosa de paz e amor, no meio das sombras do neorrealismo italiano do pós-guerra.

Folkloric Optimism

Pane, Amore e Fantasia is a light, romantic comedy of manners that seems to have been resurrected from the fascist era, when, just like in Portuguese cinema during the Estado Novo, everyone was poor but honest, happy and God-fearing. The comedies exuded a social peace and collective well-being that only propaganda could create.

However, this is a post-war film, produced in the era of neo-realism. Vittorio de Sica himself, although behind the camera, had already made Sciusciá, Bicycle Thieves and Umberto D. What a contrast with the folkloric and innocent optimism of this Pane, Amore e Fantasia! Never has a title summed up a film so well.

And yet, the film also has virtues, despite its simplistic anachronism. Gina Lollobrigida plays a magnificent character, with a wild sensuality. The closed environment of the small provincial town, with its old men who know everything and control everything about other people's lives, has a delightful charm and irony, reminiscent of the best of Pagnol.

It is a light, nostalgic work, but certainly enjoyable to watch, which won the Silver Bear in Berlin and was even nominated for an Oscar for best original screenplay. A luminous island of peace and love, amidst the shadows of post-war Italian neo-realism.

[agendaculturaldelima]

#ProyeccionDeVida

🎥 El Neorrealismo Italiano, presenta:

🎬 “OBSESION” [Ossessione]

🔎 Género: Drama / Intriga / Cine Negro / Crimen / Neorrealismo

⏰ Duración: 121 minutos

✍️ Guión: Luchino Visconti, Giuseppe de Santis, Mario Alicata, Gianni Puccini y Antonio Pietrangeli.

📕 Novela: James M. Cain

🎼 Música: Giuseppe Rosati

📷 Fotografía: Aldo Tonti y Domenico Scala (B&W)

🗯 Argumento: Giovanna (Clara Calamai) es una hermosa joven malcasada con el viejo propietario de un restaurante. Su sórdida vida cambiará con la aparición de un vagabundo que se convierte en su amante y al que inducirá a matar a su marido. Adaptación de la novela de James Cain "El cartero siempre llama dos veces".

👥 Reparto: Massimo Girotti (Gino Costa), Clara Calamai (Giovanna Bragana), Dhia Cristiani (Anita), Juan de Landa (Giuseppe Bragana), Elio Marcuzzo (Spaniard), Vittorio Duse (Lorry Driver), Michele Riccardini (Don Remigio), Michael Balfour y Michele Saraka.

📢 Dirección: Luchino Visconti

© Productora: Industrie Cinematografiche Italiane

🌏 País: Italia

📅 Año: 1943

📽 Proyección:

📆 Jueves 18 de Abril

🕡 6:30pm.

🏡 Auditorio Leonardo Da Vinci del Instituto Italiano de Cultura (av. Arequipa 1055, Urbanización Santa Beatriz - Lima)

🚶‍♀️🚶‍♂️ Ingreso libre

👀 A tener en cuenta: Película dirigida a público mayor de quince años. (15+)

[museu-degrandes-novidades]

Ladrões de Bicicleta (1948) - Vittorio de Sica

[alpacafilms]

Arroz amargo (1949)

Esta pelicula tiene un trama de crimen en medio de la cosecha anual de arroz en el norte de Italia, donde las mujeres son llamadas de toda Italia para trabajar en los campos, De Santis mezcla los principios del neorrealismo italiano para crear una película comercial, chic y sensual.

"Arroz Amargo" cuenta la historia de dos mujeres: una ansiosa por dejar atrás una vida de crimen "emocionante", y otra queriendo, soñando por algo más que la pobreza.

Después de muchos años de una guerra, ¿quién puede culparlas por enamorarse de un hombre que promete una vida emocionante, si no estable?

"Arroz Amargo" es una película vital que ofrece al público un calor lento mientras plantea preguntas sobre esta nueva Italia después de la Segunda Guerra Mundial.

[timriva-blog]

O neorrealismo ainda existe?

Dois jovens senegaleses partem de Dacar para encontrar uma Europa que imaginam utópica e redentora: com o filme Eu Capitão, o cineasta italiano Matteo Garrone filma uma odisseia contemporânea marcada por um primitivo desejo de realismo. Escrito por João Lopes Revelado no último Festival de Veneza, nomeado para o Óscar de melhor filme internacional, Eu Capitão (a partir de hoje nas salas…

[rosebudblog]

UNA PROXIMACIÓN A SICILIA … EN EL CINE

(Futtinini es la palabra que han inventado los sicilianos para definir su filosofía de vida: la ligereza y la importancia de centrarse tan solo en las cosas importantes).

LA RESPUESTA A STROMBOLI

EL DIA DE LA LECHUZA (a que a esa anciana la hemos conocido todos en nuestra tierra…)

SEDUCIDA Y ABANDONADA

BAR VITELLI, DE EL PADRINO QUE CONTINÚA ABIERTO

PINO MANIACI (TELEJATO)

Con su rica historia por la que han pasado numerosas civilizaciones, un patrimonio artístico de primer nivel, paisajes de enorme belleza y unos condicionantes culturales sensiblemente diferentes a las del resto de la península italiana era de esperar que el cine se acercase a bucear en la sociedad y en los acontecimientos históricos de esa isla (si además le añadimos el componente “mafia” todavía se hace más verosímil el acercamiento del cine).

Numerosos y grandes directores se han centrado en esa isla como localización y como epicentro de sus historias, con Luchino Visconti a la cabeza de todos ellos y sin olvidar al aborigen Giuseppe Tornatore. Según la International Movie Database se han rodado en Sicilia más de 2.000 títulos, lo que supone que, tras Roma, es la región de toda Italia en la que se han filmado más películas.

El subdesarrollo, el tipismo de sus gentes y sus costumbres, el caciquismo (a mí también me suenan estos argumentos en nuestra tierra) son elementos sobre los que giran las historias y esencialmente alrededor de tres palabras iniciadas en M: Miseria, Mafia, Machismo.

He revisado varios artículos y de ellos he seleccionado aquellas películas que me parecen de más calidad en torno a Sicilia y sus costumbres. Las he elegido en primer lugar por su calidad, pero también por la presencia física de sus ciudades o por situaciones sociales, ya sean tradiciones o costumbres arraigadas en la población, que pueden ser representativas de esa isla.

Esta es la selección:

LA TERRA TREMA

Visconti rueda en 1948 este drama social alrededor de unos pescadores explotados por los patronos. Una obra esencial del neorrealismo italiano.

(No disponible en TV)

EN NOMBRE DE LA LEY

En 1949 Pietro Germi filma la que puede considerarse primera película que aborda el tema de la mafia siciliana. No la conozco, pero según los críticos es magnífica la ambientación que presenta de los pueblos sicilianos.

(No disponible en TV)

STROMBOLI

Roberto Rossellini dirigió en 1950 este drama que resultó un fracaso por cuestiones ajenas a la película. Rossellini había iniciado meses antes una relación extramarital con la actriz de la cinta, Ingrid Bergman. Hoy es una película de culto.

(Disponible en Netflix)

VULCANO

La venganza de Anna Magnani. La actriz italiana se vio abandonada por Roberto Rossellini y se trajo de Hollywood a William Dieterle en ese mismo año, 1950, para que rodara esta película como respuesta a Stromboli con un argumento con muchos puntos de confluencia. Una historia de prostituta redimida en el ambiente hostil y retrogrado de un pequeño pueblo siciliano.

(No disponible en TV)

LA AVENTURA

Formando parte de la Trilogía de la Incomunicación, Michelangelo Antonioni rueda con su musa, Monica Vitti, este drama en 1960 ambientado entre la burguesía de la isla.

(Disponible en Filmin)

VIVA ITALIA

En 1961 rueda Roberto Rossellini esta cinta de género histórico con el fondo de la vida de Garibaldi defenestrando a los Borbones e instaurando la dinastía de los Saboya. No la conozco y los críticos le suelen dar un valor historicista.

(No disponible en TV)

DIVORCIO A LA ITALIANA

Divertida e inteligente comedia negra de Pietro Germi, 1961, con el tema del “delito de honor” en el centro de su historia y con un magnífico Marcello Mastroianni. Os dejo la referencia de la película en Film Affinity:

“Un genial Mastroianni enamorado de su prima descubre que, según la legislación italiana, la mejor manera de quitarse de encima a su mujer no es el divorcio... Divertidísima película de gran éxito internacional que obtuvo el Oscar al mejor guion original, además de dos nominaciones para Mastroianni y Pietro Germi. Un gran divertimento que desparrama ingenio esconde no poca mala leche y se erige, desde su estreno, como una obra clave de la "comedia a la italiana".

(Los exteriores están rodados en Ragusa)

(Disponible en Movistar y FlixOlé)

EL PODER DE LA MAFIA

1962. Alberto Lattuada. Una genial comedia con todos los tópicos de la vida siciliana y una gran interpretación de Alberto Sordi; evidentemente con un guion de Marco Ferreri y Rafael Azcona no podía salir mal. Es la más recomendable para conocer los tópicos de la Sicilia “profunda”.

(No disponible en TV)

SALVATORE GIULIANO

1962. Dirigida por Francesco Rosi. Biopic del bandido siciliano del mismo nombre de la película: un independentista que en 1947 solicitó al Presidente Truman que Sicilia se integrara en EEUU para preservarla de la Unión Soviética (luego nos quejamos de Puigdemont…).

(No disponible en TV)

EL GATOPARDO

1963. Luchino Visconti. Sin duda la adaptación de la obra de Tomassi de Lampedusa es una obra maestra de la historia del cine.

(La secuencia del baile fue rodada en la Sala de los Espejos del Palacio de Valguarnera y Gangi de Palermo)

(No disponible en TV)

SEDUCIDA Y ABANDONADA

Hace más de 50 años que vi esta magnífica comedia dramática rural de 1964 con la dirección de Pietro Germi (la vi en una de aquellas salas de Arte y Ensayo en las que al final de la década de los 60  nos permitía a los que vivíamos en grandes ciudades ver algunas películas subtituladas).

(No disponible en TV)

EL DIA DE LA LECHUZA

De 1968 y dirigida por Damiano Damiani sobre una novela de Leonardo Sciascia, es este thriller alrededor de la mafia siciliana en un ambiente rural de la isla. A destacar la presencia de una esplendorosa Claudia Cardinale.                                                                                                 

(Disponible en Filmin)

EL VIAJE

En 1974 Vittorio De Sica rueda en Sicilia este drama romántico con Sofía Loren y Richard Burton.

(Disponible en FIilmin)

LA VIUDA INDOMABLE

También con Sofía Loren, pero en este caso con Marcello Mastroianni rueda en 1978 Lina Wertmuller este drama rural siciliano.

(Disponible en Filmin)

CIEN DIAS EN PALERMO

En 1984 Giuseppe Ferrara rueda en Palermo esta película con la lucha que llevó a cabo el general Dalla Chiesa contra los clanes mafiosos de la ciudad. Un thriller bien estructurado y con un Lino Ventura siempre eficaz.

(Exteriores rodados en Palermo)

(Disponible en Filmin)

EL SICILIANO

De nuevo la vida de Salvatore Giuliano según la novela de Mario Puzo. Michael Ciminio la dirigió en 1987.

(No disponible en TV)

CINEMA PARADISO

En 1989 Giusseppe Tornatore dirige este entrañable homenaje al cine con una eterna banda sonora de Morricone y una secuencia final verdaderamente antológica.

(Son numerosas las localizaciones en Sicilia de esta película: Bagheria, Castelbuono, Cefalú, Palazzo Adriano con el nombre ficticio de Giancaldo, que es donde «está» el Cinema Paraíso, Santa Flavia, Termini Imerese…).

(Disponible en Filmin, Prime video, Netflix y Movistar)

JOHNNY PALILLO

El gran payaso- en el mejor sentido de la palabra- Roberto Benigni rueda en 1991 esta comedia alrededor de la mafia.

(Rodada en Palermo).

(No disponible en TV).

EL HOMBRE DE LAS ESTRELLAS

1995. De nuevo Tornatore volvió a Sicilia para para recrear los años cincuenta, cuando Joe Mirelli llega al pueblo con una cámara antigua y una caja con película vieja para hacer soñar con el cine a los tranquilos aldeanos.

(No disponible en TV)

¡SICILIA!

En 1999 ruedan Daniele Huillet y Jean-Maire Straub ruedan este drama familiar que muestra las tradiciones y costumbres de la isla. No la conozco.

(No disponible en TV)

MALENA

Tornatore vuelve a su tierra natal para rodar en el año 2000 con la espectacular Monica Bellucci esta historia rural en plena Segunda Guerra Mundial

(Gran parte se rueda en Siracusa)

(No disponible en TV)

LOS CIEN PASOS

En el año 2000 Marco Tullio Giordana filma esta historia biográfica real de los años 50 y 60 del pasado siglo con un trasfondo político evidente. No la conozco.

(Rodada en Cinisi, Palermo)

(No disponible en TV)

BAARIA

2009. Otra obra de Giuseppe Tornatore y de nuevo ambientación rural para una historia de amores y clases sociales.

(Gran parte rodada en la ciudad de Bagheria)

(No disponible en TV)

EL VALLE DEL JATO

Curioso documental sobre un curioso personaje que se atrevió a lanzar un modesto canal de televisión local con una sola finalidad: denunciar los atropellos de la mafia en Sicilia.

En 2012 Caterina Monzani y Sergio Vega rodaron este documental sobre Pino Maniaci y su canal Telejato en pleno corazón del poder mafioso en Sicilia.

(Rodada en Partinico y San Giuseppe Jato)

(Disponible en Filmin)

EL COMISARIO MONTALBANO (SERIE)

Serie detectivesca de TV desde 1999 basada en las novelas de Andrea Camilleri y dirigida por Alberto Sironi. La longevidad de la serie, 14 temporadas y 37 episodios de larga duración da idea de su éxito.

(La serie está rodada en diferentes localizaciones de la provincia de Ragusa: Porto Empedocle, Punta Seca, Modica, Scicli, Donnalucata, Comiso, Chiaramonte Gulfi, Ispica, Pozzallo, Vittoria y Scoglitti).

(Disponible en rtveplay)

EL PADRINO I, II, III

Dejo para el final estas tres obras maestras dirigidas por Francis Ford Coppola (1972, 1974, 1990). Creo que poco puedo añadir a esta legendaria saga que forma parte de la mejor historia del cine.

(Aunque algunas secuencias transcurren en Corleone, allí no se pudo grabar y se realizó en la provincia de Messina: en Forza D´Agro y Savoca, en este pueblo está el Bar Vitelli y en la Iglesia de Santa Lucía se grabó la boda de Michael Corleone. También se rodaron secuencias en Palermo y Taormina).

(Disponibles en Movistar y Amazon)

26/3/2024

[tararira2020]

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UNA AVENTURA ARGENTINA

Victoria Ocampo y el cine

Victoria Ocampo sintió siempre pasión por las artes cinematográficas y publicó sus crónicas en periódicos de la época. Se interesó especialmente por el género documental y el neorrealismo italiano.

En la revista Sur publicó su primera reseña cinematográfica, sobre el documental de Robert Flaherty Hombres de Arán, sobre un pueblo irlandés de pescadores que viven aislados de la modernidad.

Eduardo Paz Leston recopiló y analizó dichas crónicas cinematográficas en su libro Victoria Ocampo va al cine, un retrato inédito y minuciosamente documentado sobre este excepcional personaje.

La escritora tuvo además una mirada feminista sobre el cine y las actrices. Siempre mostró un gran interés por la actuación y sobre todo por el papel que ocupaban las mujeres en el campo profesional y artístico. Incursionó también en la producción, actividad que inició con la película Tararira, dirigida por el poeta rumano Benjamin Fondane (asesinado en Auschwitz), interpretada por el español Cuarteto Aguilar, junto a Iris Marga y Orestes Caviglia. Esta película fue un ejemplo de integración cultural, anticipando el carácter transnacional del cine.

Victoria Ocampo consideraba que el cine era muy importante en el desarrollo de la cultura del siglo XX, destacando, por ejemplo, la importancia del director de cine soviético de Sergei Eisenstein en la construcción del lenguaje cinematográfico e intentando que filmara una película en nuestro país. Al percibir que el neorrealismo modificaba los cánones de la narración, se relacionó con el director Vittorio De Sica, gran exponente del género en los años ´40.

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Fragmento de: 132 años del nacimiento de Victoria Ocampo, en: https://www.argentina.gob.ar/noticias/132-anos-del-nacimiento-de-victoria-ocampo

[val-sanciprian]

Neorrealismo italiano

El gran neorrealismo italiano y una de mis corrientes favoritas del cine, debido a la gran capacidad que tenían estos cineastas para retratar lo que la población italiana vivió después de la segunda guerra mundial. Y, por el valor y rebeldía que tenían para plasmar la pobreza, realidades sociales o la delincuencia, aunque estuviera prohibido. Sus grandes historias trataban de ser contadas lo más naturalmente posible, reproduciendo la cotidianidad.

De este modo, este movimiento nace a partir de 1945 a 1954, con la influencia de  los críticos como Antonio Pietrangeli y Umberto Barbaro, así como la unión de cineastas italianos que por fin ya no estaban bajo la censura de Mussolini.  Fue así como los cineastas comenzaron a oponerse contra el cine propagandístico, y comenzaron a rechazar las ideas de Mussolini para poder retratar lo que realmente estaba sucediendo; guerras, crisis social y desempleo. 

De igual forma, este movimiento rechazó la fórmula del cine de Hollywood, generando un estilo similar al documental, y filmando en locaciones reales, con luz natural y con actores que no fueran profesionales, no utilizaban equipos de sonido para poder darle más libertad a los movimientos de cámara, al igual que la cámara en mano y con películas que se desprenden de los finales felices. Esas características, ayudaron a darle cierta identidad y validez al cine italiano.

Por ello, la influencia de este movimiento  trascendió a muchas partes del mundo cambiando perspectivas del cine optimista, y sirvió de inspiración para los realizadores independientes en poder hacer películas con bajos recursos. Hoy en día la cotidianidad retratada es celebrada y es gracias a este movimiento que logramos obtener una perspectiva más humana sobre los temas sociales que vamos afrontando.