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angelap3 · 18 days

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La storia della Musica!!!!

Tre giorni di pace e musica. Tre giorni che hanno fatto la storia. Si celebra oggi il 51esimo anniversario del più grande evento di libertà, umanità e lotta pacifica: il Festival di Woodstock. Più che un concerto un pellegrinaggio, una fiera di arte e musica, una comunità, un modo di vivere che ha cambiato per sempre il concetto di libertà. Sul palco, a Bethel (una piccola città rurale nello stato di New York) si sono alternati per tre giornate alcuni tra i più grandi musicisti della storia. Musicisti che provenivano da influenze, scuole musicali e storie differenti ma che avevano in comune ciò che più contava in quei favolosi anni ’60: la controcultura.

Si passava dal rock psichedelico di Jimi Hendrix (che, pur di essere l’ultimo a esibirsi, salì sul palco alle 9 di lunedì mattina per un concerto di due ore, culminato nella provocatoria versione distorta dell’inno nazionale statunitense) e dei Grateful Dead ai suoni latini dei Santana (che regalarono un memorabile set, impreziosito dallo storico assolo di batteria del più giovane musicista in scena: Michael Shrieve) passando per il rock britannico di Joe Cocker (che regalò in scaletta le splendide cover di Just Like a Woman di Dylan e With a Little Help from my Friends dei Beatles) e degli Who all’apice della loro carriera (celebre l’invasione di palco dell’attivista Habbie Hoffman, durante il loro concerto, quasi quanto il lungo assolo di Pete Townshend durante My Generation, con lancio di chitarra finale).

C’era poi il folk, con una splendida Joan Baez su tutti, che suonò nonostante fosse al sesto mese di gravidanza, genere tipicamente statunitense che si alternava a suoni più esotici e orientali, come il sitar di Ravi Shankar. Impossibile dimenticare infine l’intensa performance della regina del soul Janis Joplin, la doppia esibizione (acustica ed elettrica) di Crosby, Stills, Nash e del “fantasma” di Neil Young, che rifiutò di farsi riprendere dalle telecamere e il divertente show dei Creedence Clearwater Revival.

1969, il ‘Moon day’ in musica..

Concerti che rimarranno nella memoria di chiunque ami la musica come simbolo di cambiamento, pace e libertà. D’impatto i presenti come pesanti furono le assenze di John Lennon, che si rifiutò di esibirsi per il mancato invito di Yoko Ono, Bob Dylan, padrone di casa (lui che all’epoca viveva proprio a Woodstock) assente per la malattia del figlio, i Rolling Stones, ancora scossi per la morte di Brian Jones e i Doors, alle prese con una serie infinita di problemi legali.

Il vero protagonista dell’evento fu però il pubblico, la “vera star” secondo l’organizzatore Michael Lang, eterogeneo quasi quanto i generi musicali. Da tutta America arrivarono studenti liceali e universitari, hippie, veterani del Vietnam, filosofi, operai e impiegati. Nessuna differenziazione di razza, etnia o colore della pelle: tutti uniti dalla voglia di stare insieme in libertà con il fango a livellare ogni diversità e i capelli lunghi come simbolo di ribellione. Un sogno che oggi sembra lontano anni luce, nelle ideologie come nell'organizzazione.

Da quel 1969 si è provato a più riprese a riproporre Woodstock, con scarsi risultati culminati nell'annullamento del concerto in programma per questo cinquantesimo anniversario, organizzato proprio da Lang e non andato in porto tra una defezione e l’altra, forse perché indigesto ai grandi organizzatori di eventi musicali mondiali. Forse, a conti fatti, meglio così: quell'atmosfera irripetibile era frutto di una spontaneità organizzativa di altri tempi, una magia fuori da ogni schema il cui risultato sensazionale, iconico e significativo fu chiaro solo anni dopo anche agli stessi partecipanti.

Vanni Paleari

PhWoodstock, 1969

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falcemartello · 6 months

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Quarant'anni anni fa l'opinione pubblica era formata esclusivamente dai Media ufficiali.

La grande finanza massonica che li controllava poteva far credere alla gente qualsiasi cosa. La proprietà di TV e grandi quotidiani era essenziale per fare politica.

In Italia si diceva che "chi si avvicina al Corriere della sera muore". E in effetti coloro che tentarono di prenderne il controllo finirono in galera o in rovina, e qualcuno al cimitero.

Oggi non lo legge più nessuno.

In America il podcast indipendente di Joe Rogan ha milioni di ascoltatori. Ha potuto permettersi di criticare i vaccini e perfino Israele, accusandolo di genocidio, e guadagna lo stesso.

Tucker Carlson è stato silurato da Fox News per le sue idee di libertà e democrazia, ma ora qui su X intervista Putin e ha dieci volte più spettatori di prima.

L'astro nascente della destra repubblicana Candace Owens @RealCandaceO (quella che sostiene che George Floyd è morto di overdose e non soffocato da un poliziotto, e che Brigitte Macron è un uomo) è stata licenziata dalla famosa agenzia Daily Wire perché accusata di antisemitismo da un potente rabbino.

In realtà ha soltanto criticato Israele per i crimini contro i Palestinesi, e si è vantata di essere nera e cristiana.

Ora, però, è molto più seguita di prima, sia nel suo programma TV, sia qui su X. Perfino Elliot Resnick, ex capo redattore di Jewish Press, ha scritto su Israel National News che non si può accusare chiunque non la pensi come il governo di Israele di essere "antisemita" per metterlo a tacere. Non è giusto e, soprattutto, non funziona più!

israelnationalnews.com/news/387587

Pian piano questo nuovo modo di fare politica sta arrivando anche da noi. Ed un'ottima cosa, che dà speranza.

Spesso mi chiedo se ha più potere (e responsabilità) un senatore, che deve seguire decisioni già prese altrove per non farsi espellere dal partito, o un influencer serio, che ospita opinioni diverse e non fa tifoseria, dice chiaramente quello che pensa e dialoga onestamente con tutti, come la Owens.

Alla fine la differenza è soltanto che il senatore ha l'immunità parlamentare.

Il mondo cambia, fin troppo rapidamente, nel male ma, per fortuna, anche nel bene, solo che non ce ne accorgiamo. Più i Media tradizionali perdono fiducia e lettori, e più voci si potranno esprimere liberamente qui su X, più la civiltà avrà speranza di progredire.

Quindi scriviamo, leggiamo e discutiamo, senza paura❗

Massimo Montanari

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Suggerisco inoltre questa lettera:

https://www.frasicelebri.it/frase/noam-chomsky-le-dieci-regole-della-manipolazione-m/

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transparentgentlemenmarker · 2 months

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Kamala Harris se rend à Wilmington, dans le Delaware, pour s'entretenir avec l'équipe de Joe Biden. Nous pourrions assister à un transfert de pouvoir plus tôt que prévu.

On a toujours pas vu Joe Biden vivant et il peut être soit très malade, soit tout simplement mort. La tentative d’assassinat ratée sur Trump semble avoir accéléré les choses. Rdv du 19 au 21 août 2024 pour la convention des démocrates à Chicago

Fille d'un père jamaïcain-américain et d'une mère indienne tamoule, Kamala Harris, 59 ans, a grandi à Oakland, en Californie. Diplômée de l'université de droit, elle est devenue procureur de district et a gravi les échelons du système judiciaire californien avant d'être élue procureur général de l'État en 2010. Réélue en 2014, elle est ensuite élue au Sénat américain en 2016, en remplacement de la sénatrice démocrate sortante Barbara Boxer. Elle s'y est rapidement faite connaître au niveau national pour ses compétences en matière de poursuites judiciaires lors des auditions en commission, soumettant des témoins expérimentés et bien informés à des interrogatoires judiciaires qui ont plusieurs fois fait la une des journaux.

Je suis africaine

#kamala harris #usa election #afro #africa #afrique #inde

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diceriadelluntore · 6 months

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Storia Di Musica #319 - Black Country Communion, Black Country Communion, 2010

Il mese delle storia degli album delle band con "black" nel nome si conclude oggi. Vorrei ringraziare i suggerimenti, alcuni davvero interessanti, come Federica che mi ha suggerito i Beast Of Black (un gruppo heavy metal scandinavo che ama inserire le tastiere stile anni '80 nelle loro canzoni, e fa cover di qualsiasi cosa, persino di Michael Jackson e non solo dei Manowar), ma ho scelto per chiudere questa carrellata, necessariamente parziale e soprattutto cercando di andare oltre le scelte più ovvie (i Black Sabbath, già protagonisti di questa rubrica, o i Black Keys) un gruppo che ritengo estremamente interessante. L'ultima storia riguarda un supergruppo, che i più attenti hanno già percepito essere un'altra di quelle piccole passioni musicali personali. Questo è uno dei più recenti, e soprattutto uno tra i meglio amalgamati e capace di cose, a mio avviso, davvero notevoli. Tutto nasce quando, per una serie di concerti, Glen Hughes e Joe Bonamassa iniziano a suonare insieme nel 2009. Sono due personaggi grandiosi: Hughes, bassista, è stata una delle voci più belle degli anni '70. Iniziò con i Trapeze, prima un quintetto, poi un trio, che pubblicò nel 1970 due dischi bellissimi, Trapeze e Medusa, quest'ultimo uno dei dischi "tesoro nascosto" di quel periodo, poi nel 1973 viene chiamato a sostituire Roger Glover e Ian Gillian nei Deep Purple: è la seconda voce con David Coverdale in Burn, grandioso disco della band inglese, sebbene non venga accreditato tra gli autori per problemi legali. Continuerà nei Deep Purple fino al 1976, poi deciderà a lungo di andare a suonare un po' a piacere (i suoi anni da zingaro li ha sempre definiti), dischi solisti, cantante anche dei Black Sabbath al posto di Ozzy Osbourne e tante altre cose tra cui ricoveri, dipendenze, collaborazioni. Joe Bonamassa è uno dei più grandi chitarristi rock\blues di questa generazione, collezionista di strumenti vintage, amante del suono puro della chitarra con pochissimi effetti, fondatore e presidente della Keeping The Blues Alive Records, etichetta che permette ai giovani di avvicinarsi al genere e produce i più talentuosi giovani performer. Insieme a loro c'è il grande produttore Kevin Shirley (conosciuto come The Caveman, produttore e ingegnere del suono tra gli altri di Aerosmith, Iron Maiden, Journey, Rush, gli ultimi dischi dei Led Zeppelin) che è incaricato di trovare altri musicisti per un progetto di supergruppo. Shirley chiama due suoni amici: Derek Sherinian, tastierista ex Dream Theater, che furono prodotti da Kevin, e Jason Bonham, figlio del leggendario John "Bonzo", batterista come il padre. Scelgono come nome, in questa sorta di unione anglo americana (Hughes e Bohnam sono inglese, Bonamassa e Sherinian americani) Black Country Communion, dal nome della contea delle West Midlands che si chiamana così per l'effetto dello smog provocato sia dalle miniere che dalle fabbriche che usavano il carbone per l'energia.

L'idea della band è di riprendere il suono vintage del rock anni '70 e di catapultarlo in una atmosfera contemporanea. Non sempre le individualità favolose dei singoli nei supergruppi funzionano come le aspettative vorrebbero, ma stavolta l'amalgama e la musica non lasciano dubbi: sebbene non sia un disco innovativo, Black Country Communion, che esce nel Settembre del 2010 è un disco di grande rock "classico", registrato in poco tempo, con pochi aggiustamenti, sincero, fiero e suonato alla grande. Basta l'intro di Black Country e la sua evoluzione hard rock, per capire che questo non è solo un omaggio ad uno dei periodi storici del rock, ma è la voglia di mostrarsi ancora capaci: sono tre minuti e quindici da antologia. One Last Soul, che fu il singolo di promozione, è più leggera ma prepara il terreno per una prima parte di disco stupenda: The Great Divide, Down Again, Beggarman con assolo favoloso di Bonamassa, ma soprattutto la stupenda Song Of Yesterday, che parte come uno slow blues, sale fino in cima e negli ultimi minuti sfodera una cavalcata che sa di ore passate a suonare insieme. Nella second parte, la bella No Time, la ripresa di uno dei brani che Hughes scrisse con i Trapeze, Medusa, che perde l'atmosfera folk prog della sua versione originale, diviene più muscolare e potente ma si mantiene convincente. Il disco si chiude con due brani molto particolari: Stand, che fa della complessità dei ritmi e della stratificazione degli stili (è il brano più progressive in repertorio) il suo fascino, Sista Jane è un brano in stile AC\DC e gli 11 minuti di Too Late For The Sun sono il commiato jam rock di questo disco, tra acrobazie strumentali da pelle d'oca. In tutto il disco, la voce di Hughes giganteggia, a ricordare che negli anni '70 era soprannominato The Voice of Rock, con la solidità tecnica di Bonamassa, di Bonham e di Sherinian a creare un suono che rimane convincente. Il progetto continuerà con un Black Country Communion II nel 2011, un tour in Europa, racchiuso in parte nello splendido Live Over Europe (con alcune gemme, tipo Burn dei Deep Purple, The Ballad Of John Henry di Mississippi John Hurt suonata dal solo Bonamassa, l'intro di Won't Get Fooled Again degli Who prima di Sista Jane) ma dopo Afterglow del 2012 Bonamassa si chiama fuori. Durerà poco, perchè il piacere è così tanto che già nel 2016 ritornano insieme, e proprio di questi giorni è l'uscita del loro ultimo lavoro, V, a 7 anni da BCCIV.

Questi sono i miei auguri di Pasqua. Decisamente rock.

#black country communion #black country communion I #2010 #recensione

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rebelandoutlawrock · 11 months

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youtube

Rockhistorylan

Memories

E con voi e dopo di voi finalmente la rivoluzione! Tutti i grandi pionieri della musica rock! Grazie!!!

lan 🎶🎤🎧🎸🥁🎹

Jimi Hendrix, Janis Joplin, Joe Coker, the Who e molti altri ancora, ci avete trasmesso il fuoco, la passione il gusto, il significato del vivere rock.

Thank you!!! ❤️

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colorfulprincewombat · 9 months

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22 DICEMBRE 2014 moriva JOE COCKER, quel soul che arrivava dalle miniere

Oscurò i Beatles con "With a little help from my friend".

Un tono inconfondibile, un crepuscolo da Sinatra del rock

Joe Cocker, il "leone di Sheffield", la più grande voce blues della storia del rock britannico, è morto all'età di 70 anni.

Per oltre cinquanta (aveva esordito nel 1963 con la band degli Avengers, quando aveva solo 15 anni), aveva segnato la storia del rock con il suo tono roco e caldo, insegnando a un paio di generazioni di cantanti come si potesse cantare il blues ed il soul pur non essendo afroamericani, anzi arrivando dal cuore minerario dell'Inghilterra.

Impossibile non amarlo, come fecero tutti quando salì nel 1969 sul palco di Woodstock e cantò, strappando le note con la carta vetrata della sua gola, una versione incredibilmente intensa di "With a little help from my friend", facendo diventare la sua versione l'originale e cancellando addirittura quella già famosa dei Beatles cantata da Ringo in "Stg. Pepper".

Cocker aveva uno stile inconfondibile, chiaramente ispirato alla lezione dei grandi bluesman afroamericani, ma riportato nel pieno dell'evoluzione del rock, venato di gospel e di psichedelia, sostenuto con l'elettricità e caricato con la passione.

E con queste caratteristiche era riuscito negli anni a diventare la voce più riconoscibile del rock, soprattutto all'alba degli anni Settanta quando con Leon Russell e i mad Dogs & Englishman aveva conquistato l'America con uno straordinario tour e, sull'onda di quel successo, aveva spinto legioni di giovani cantanti a mettersi sulle sue orme. Imitatori del suo stile ce ne sono stati tanti, ma nessuno è riuscito a eguagliare il maestro, che sapeva essere interprete sopraffino, in grado di prendere una canzone scritta da altri e trasformarla in qualcosa di suo.

Era successo così con molte canzoni dei Beatles, dei quali era diventato eccellente interprete, ma anche con molti altri classici del rock, del soul e del ryhthm'n'blues che nei primi anni Settanta aveva inciso in album molto belli, ricchi di brani come la leggendaria "You are so beautiful".

Poi gli eccessi, l'alcol e la droga, molte crisi e difficoltà prima della rinascita, negli anni Ottanta, prima con la clamorosa vittoria dell'Oscar per "Up where we belong", cantanta con Jennifer Warnes e compresa nella colonna sonora di "Ufficiale e Gentiluomo", poi con album del calibro di "Sheffield Steel", e poi ancora con la planetaria affermazione di "you can't leave your hat on", che diventa il brano trainante del film "9 Settimane e 1/2".

Da quel momento in poi, complice la ritrovata serenità personale e familiare, con l'amore della sua vita, la moglie Pam, Cocker ritorna al successo, si trasforma in una sorta di "pontefice" del soul bianco, diventa il "Sinatra" del rock, in grado di invecchiare con infinita classe e saggezza, producendo dischi di ottimo livello, dei concerti sempre emozionanti e attraversare il passaggio del millennio come una star.

Ci manca Joe Cocker, il suo stile appassionato e travolgente, la sua inarrestabile simpatia, la disponibilità di un'artista di altri tempi, per il quale il rock non era mai morto, il soul era il sale della vita e la musica la cosa più importante del mondo.

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jpbjazz · 28 days

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LÉGENDES DU JAZZ

DON BYRON, AGENT PROVOCATEUR

"Nobody calls up Eric Clapton and says, 'Yo, Clapton, you're the white guy that plays all that black {expletive}, right? Why don't you come play at a rally?' What makes them think they can do that to me?"

- Don Byron

Né le 8 novembre 1958 à New York, Donald Byron était issu d’une famille musicale. Son père, Donald Byron Sr., était postier et jouait de la contrebasse dans des groupes de calypso. Sa mère Daisy White travaillait comme téléphoniste et était aussi pianiste. Sous l’influence de sa mère, Byron avait été initié à une musique diversifiée allant de la musique classique à la salsa et au jazz. Exposé à la musique de Dizzy Gillespie, du percussionniste cubain Machito et de Miles Davis durant ja jeunesse, Byron avait également assisté à des spectacles de ballet et de musique classique.

Même si le fait d’avoir été familiarisé avec une musique aussi éclectique l’avait aidé Byron à bâtir un style très personnel, il n’avait pas toujours pu exploiter tout son potentiel en raison de ses origines afro-américaines. Il expliquait: "Nobody wanted to believe I was capable of doing the classical stuff. I'd show up and they'd say, 'You want to play jazz.' In the classical pedagogy, I had teachers telling me my lips were too big."

Byron ayant été atteint d’asthme durant son enfance, un médecin lui avait recommandé d’apprendre à jouer d’un instrument à vent afin de développer ses capacités respiratoires. C’est ainsi qu’il avait commencé à jouer de la clarinette.

Byron avait grandi dans le sud du Bronx aux côtés de jeunes juifs qui avaient contribué à développé son intérêt pour le klezmer, la tradition musicale des Juifs ashkénazes d’Europe centrale et d’Europe de l’Est. Décrivant son intérêt pour la musique juive, Byron avait commenté: ‘’I was playing Jewish music 15 years before all of this downtown [radical Jewish culture] activity. [Klezmer] is just a music that uses clarinet; it’s just one of the musics that I play that uses clarinet. I was interested in the chord changes and the scales. There’s lots of little musics around the world where the clarinet is kind of like the lead instrument.”

Parmi les autres influences de Byron à cette époque, on remarquait Joe Henderson, Artie Shaw, Jimmy Hamilton et Tony Scott. À l’adolescence, Byron avait pris des cours de clarinette avec Joe Allard. Il avait aussi écrit des arrangements pour le groupe de son high school. George Russell avait également été un de ses professeurs durant ses études au New England Conservatory of Music de Boston où il avait décroché un baccalauréat en musique en 1984. Durant cette période, Byron avait également fait partie du Klezmer Conservatory Band dirigé par Hankus Netsky. À l’époque où il avait obtenu son diplome, Byron était d’ailleurs devenu le leader du groupe. Il avait aussi joué avec des groupes de jazz latin. Byron avait également étudié à la Manhattan School of Music de l’Université de New York.

DÉBUTS DE CARRIÈRE

Byron avait quitté le Klezmer Conservatory Band en 1987 pour travailler avec de grands noms du jazz comme Reggie Workman, Hamiet Bluiett et Bill Frisell. Il avait aussi joué avec des musiciens d’avant-garde comme Craig Harris et David Murray.

En 1991, Byron avait publié un premier album comme leader intitulé Tuskegee Experiments. Le titre de l’album faisait référence à une série d’expériences médicales et psychologiques hautement discutables sur le plan éthique tentées sur des Afro-Américains en 1932. Enregistré avec Frisell et Workman, l’album comprenait des versions de "Auf Einer Burg" du compositeur classique Robert Schumann et de ‘’Mainstem’’ de Duke Ellington. Le Penguin Guide to Jazz avait qualifié l’album de chef-d’oeuvre et d’un ‘’des premiers albums les plus excitants en plus d’une décennie."

L’album suivant de Byron, Plays the Music of Mickey Katz, avait été une surprise pour les amateurs de jazz qui ne connaissaient pas les antécédents de Byron avec la musique klezmer. Tentative de témoigner de la contribution des traditions yiddish à la culture populaire américaine, l’album avait été décrit en ces termes par Byron qui avait expliqué en entrevue: "People today think that Jewish musicians of the 20's, the generation that could have been klezmers, had the greatest attitude about their own music. But really, those cats didn't want to know... klezmer. They wanted to play jazz or symphony --anything to avoid being stereotyped by klezmer." Malheureusement, plutôt que de mieux faire accepter la culture yiddish, l’album avait eu pour résultat de l’enfermer dans certains stéréotypes. Comme Byron l’avait expliqué plus tard au cours d’une entrevue accordée au magazine Down Beat: "I run into people all the time who don't know I made anything after the Mickey Katz record. No matter how much I've done before and after, it always seems to be that stuff they want to talk about and hear. Sometimes I'm sorry I did it."

ÉVOLUTION RÉCENTE

Peu avant la publication de l’album Music for Six Musicians en 1995, Byron avait expliqué la démarcation qui existait entre le jazz dit ‘’mainstream’’ et l’avant-garde. Comme il l’avait déclaré au cours d’une entrevue accordée au magazine New York Times:

"Me and most of the cats I hang with, we're too left-wing to be around {mainstream jazz institution Jazz At} Lincoln Center. They should be presenting the freshest, baddest stuff. I don't even exist in jazz the way these people perceive it to be.... I've gotten to the point where I can't care what other jazz cats think." L’album Music for Six Musicians était un hommage à la musique afro-cubaine qui avait marqué la jeunesse de Byron dans le Bronx. La musique latine formait d’ailleurs un volet important de la personnalité musicale de Byron. Continuant de témoigner d’une grande conscience sociale, Byron avait ouvert l’album sur un extrait du poème d’Haji Sadiq Al Sadiq "White History Month," qui contenait des affirmations comme: "You think it fair if there was a white history month? ... I picture a kind of underground railroad, Delivering us in the dead of night from the inner city to the suburbs, Yea, like right into the hands of the Klan?"

En 1996, Byron avait fait une apparition dans le film Kansas City de Robert Altman aux côtés d’autres grands noms du jazz comme Geri Allen et James Carter. Même si le film était un hommage à la musique du début au milieu des années 1930, la bande sonore avait laissé une grande place au jazz contemporain. Selon le directeur musical Hal Willner, "If you listen to records like 'Lafayette' {by Count Basie} or 'Prince of Wails', there was as much energy as any punk-rock I've ever heard." Dans le film, Byron avait interprété un solo sur la pièce d’Eddie Durham "Pagin' the Blues."

En 1996, Byron avait d’ailleurs publié un album intitulé Bug Music dans lequel il avait rendu hommage à la fois aux compositions classiques de Duke Ellington et aux oeuvres des compositeurs John Kirby et Raymond Scott, qui avaient souvent été discrédités par les critiques malgré leur succès commercial et la complexité technique de leur musique. Comme Byron l’avait expliqué dans l’ouvrage Music and The Arts, "Even in Gunther Schuller's The Swing Era, {he says} it's not really good music.... When you look at the era those cats came up in, that was the stuff that was turning everybody out." Byron avait ajouté que le titre de l’album était inspiré d’un épisode du dessin animé The Flintstones qui comprenait une parodie des Beatles avant que la musique du groupe ne soit considérée comme acceptable par les critiques de la musique ‘’mainstream.’’

En suivant sa propre inspiration et en ignorant les préjugés subjectifs des critiques, Byron était devenu une des voix les plus intéressantes de la musique des années 1990. Dénonçant la façon stéréotypée dont les musiciens noirs étaient traités dans le cadre d’un profil publié dans le magazine New York Times, Byron avait déclaré: "Nobody calls up Eric Clapton and says, 'Yo, Clapton, you're the white guy that plays all that black {expletive}, right? Why don't you come play at a rally?' What makes them think they can do that to me?"

En 1999, lors de la promotion de son album Romance With the Unseen, Byron avait expliqué pourquoi il avait toujours eu des goûts aussi éclectiques. Byron, qui détestait les étiquettes, avait commenté:

‘’I think lots of people listen to that range of music. Ultimately, intellectually, I’m very connected to that range of idioms. The clarinet puts you in a situation that’s kind of unique. There’s no way you can play the clarinet without playing classical music, so well all have that, even some of the cats like Greg Tardy. To play as much clarinet as he plays, you can’t without going to school and studying Mozart. People are just not used to seeing black folks to do that. It just takes that involvement in that kind of music to get to a point where you can even finger some jazz.’’

Byron croyait d’ailleurs que sa jeunesse dans le Bronx l’avait préparé à manifester une grande ouverture face aux autres cultures. Il expliquait:

‘’In terms of trying to put together a poetry project {Nu Blaxploitation}, I grew up in the South Bronx (Eddie Daniels didn’t grow up in the South Bronx) so I saw Grandmaster Flash and DJ Cool Herc; these cats were all around the neighborhood, so I witnessed the beginning of {hip-hop}. My parents are of Afro-Carribean descent so we were into the calypso, and Afro-Carribean stuff and Cumbia... and my father was a jazz musician too, so we even knew some cats who were in and out of the Basie and Ellington bands. So I’m not really doing anything that I didn’t hear before I was 18. I didn’t grow up in a sheltered way, like I didn’t hear before I was 18. I didn’t grow up in a sheletered way, like ‘We’re from the Dominican Republic and we only listen to meringue’’; that’s not the way I grew up.’’

Évoquant son implication sociale et politique, Byron avait déclaré:

‘’I just have a certain politic. I think a lots of people have a polioc, but I think in the past, certainly since the Young Lions era, there hasn’t been a lot of politics in the music. But compared to what Mingus was talking about it’s not excessive, compared to what the hip hop cats are talking about, or the Last Poets, I don’t think it’s excessive. People that know me know what if we’re gonna talk for an hour, we’ll spend 20 minutes talking about stuff that I have in my pieces. When I think about putting that politic and that feeling in the music I think back to the Gary Bartz Ntu Troop. That for me was a model of how to do it, just feeling ike when you put out a thing you want to put out some kind of gestalt picture of what you are. I think we’re at a point in history where people don’t want to think about those things because it profits them to think, or at east to let you think, that all of this stuff is over and we don’t need to be talking about biases of race and gender. And it’s never over, either you want to talk about it or you don’t, so if the fact that you want to talk about it means that you’re controversial. If you read where I was coming from doing the Mickey Katz and doing Bug Music, there’s even a politic to those particular projects.’’

Membre de la Black Rock Coalition, une organisation qui affirmait que le rock n’ roll était inspiré de la musique noire, Byron avait interprété la pièce "Bli Blip" dans la compilation de la Red Hot Organization intitulée Red Hot + Indigo en 2001. Hommage à la musique de Duke Ellington, l’album avait pour but de recueillir des fonds pour prévenir et combattre le SIDA. Dans le cadre de l’album, Byron avait joué aux côtés de Bill Frisell, Joe Henry, Marc Ribot, Vernon Reid et Allen Toussaint. Dans les années 1990, Byron avait également dirigé le quintet de musique classique Semaphore. De 1996 à 1999, Byron avait aussi été directeur musical de la Brooklyn Academy of Music où il avait dirigé une série de concerts pour le Next Wave Festival et présenté en première son spectacle pour enfants intitulé Bug Music for Juniors.

De 2000 à 2005, Byron avait été artiste-en-résidence au New York's Symphony Space où il avait dirigé l’Adventurers Orchestra, lancé la série de concerts Contrasting Brilliance et tranmis sa vision de compositeurs et d’artistes comme Henry Mancini, Sly Stone, la compagnie de hip-hop Sugar Hill Records, Igor Stravinsky, Raymond Scott, Herb Alpert et le groupe Earth, Wind and Fire.

Également professeur, Byron avait enseigné la composition, l’improvisation, l’histoire de la musique, la clarinette et le saxophone à la Metropolitan State University of Denver (2015), l'Université d'Albany (2005–2009) et le Massachusetts Institute of Technologie (MIT) de 2007 à 2008. Historien du jazz reconnu, Byron avait tenté de recréer dans ses albums des moments importants de l’histoire des de la musique populaire, notamment dans le cadre d’albums comme Plays the Music of Mickey Katz (1993) et Bug Music (1996).

Don Byron a remporté de nombreux honneurs au cours de sa carrière, dont une bourse de la Fondation Guggenheim en 2007. La même année, Byron avait été nommé USA Prudential Fellow et avait décroché une bourse de United States Artists, une organisation caritative qui soutient et encourage le travail des artistes américains. En 2009, l’American Academy de Rome lui avait également décerné un Rome Prize Fellowship. La même année, la composition de Byron intitulée Seven Etudes for solo piano, qui lui avait été commandée par la pianiste Lisa Moore, lui avait valu d’être mis en nomination pour un prix Pulitzer en composition. Byron avait aussi été mis en nomination en 2005 pour un prix Grammy pour le meilleur solo de jazz instrumental pour son solo de clarinette basse sur le standard "I Want to Be Happy" tirée de l’album Ivey-Divey en 2004. Byron avait également été juge lors du 2e gala des Independent Music Awards. Élu artiste de jazz de l’année par le magazine Down Beat en 1992, Byron avait également remporté le prix de meilleur clarinettiste dans le cadre des sondages des critiques du magazine Down Beat de 1992 à 1997.

Musicien et compositeur très éclectique, Byron a travaillé dans des contextes diversifiés allant de la musique classique à la salsa, en passant par le be bop, le swing, le hip-hop, le funk, le rhythm & blues et la musique klezmer. Il s’est également produit dans plusieurs festivals de musique à travers le monde, y compris à Vienne en Autriche, San Francisco, Hong Kong, Londres en Angleterre, Monterey en Californie, en Nouvelle-Zélande et à Broadway.

Byron a collaboré avec les plus grands noms du jazz au cours de sa carrière, de Mario Bauza au Duke Ellington Orchestra, en passant par John Hicks, Tom Cora, Bill Frisell, Vernon Reid, Marc Ribot, Cassandra Wilson, Hamiet Bluiett, Anthony Braxton, Geri Allen, Jack DeJohnette, Hal Willner, Marilyn Crispell, Reggie Workman, Craig Harris, David Murray, Leroy Jenkins, Bobby Previte, Gerry Hemingway, DD Jackson, Douglas Ewart, Brandon Ross, Ed Neumeister, Tom Pierson, Steve Coleman, Living Colour, Ralph Peterson, Uri Caine, Mandy Patinkin, Steve Lacy, les Kansas City All-Stars, les Bang On A Can All-Stars, Medeski Martin & Wood, Angelique Kidjo, Carole King, Daniel Barenboim et Salif Keita. Il a également collaboré avec l’Atlanta Symphony, Klangforum Wien (un orchestre de chambre autrichien), le guitariste auteur-compositeur Joe Henry, l’écrivain Paul Auster, la poète, bassiste et autrice-compositrice Meshell Ndegeocello et plusieurs autres.

Évoquant sa collaboration avec Jack DeJohnette, Byron avait expliqué: ‘’I like those loud, interactive drummers, all of which are coming out of Jack, even Joey Baron and Ralph Peterson - they’d all say in a heartbeat that they’re coming out of {Jack}. So it was just interesting to experience Jack firsthand.’’ Au sujet de sa collaboration de longue date avec le guitariste Bill Frisell, Byron avait ajouté: ‘’We have a sense of line that’s similar and a sense of harmony and how to attack it. I think that we’ve used all of the indefinite qualities of our instruments together in a really kind of unusual way.’’

Un des derniers projets de Byron était un duo avec le pianiste Uri Caine. Il expliquait:

‘’I’m doing this duo thing, gathering songs together that have the kind of control over harmony and the drama of lyrics that an aria from an opera has. I had to try to find some stuff that did that. There’s the obvious stuff, like the Schumann that I love, Puccini, but then I pulled in some Stevie Wonder or some L.A. and Babyface, and we’re gonna have different singers come in and guest. It’s a duo between me and Uri with a few guest singers, some Broadway, some pop, some jazz.’’

Grand amateur de musique classique, Byron appréciait particulièrement la Symphonie No 1 de John Corigliano. Il expliquait: ‘’An excellente performance, great music that actually encourages classical players to make improvisational choices without they knowing it.’’ Parmi ses autres albums de prédilection, Byron citait La Sonora Poncena, un disque de jazz afro-cubain dEdward Simon la Bikina, Musical Conquest de Mike Nichols et Elaine May et Sonny Meets Hawk, de Sonny Rollins et Coleman Hawkins.

SOURCES:

‘’Don Byron.’’ Wikipedia, 2023.

‘’Don Byron.’’ All About Jazz, 2023.

‘’Don Byron Biography.’’ Net Industries, 2023.

JENKINS, Williard. ‘’Don Byron: Range and Vision.’’ Jazz Times, 25 avril 2019.

#jazz

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marshmallow-biscuit-blog · 1 year

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Lace (Lacie) Float Java

Just another little shit for the future lmfao

Lace is Shire's younger sister. (They're 5 years, almost 6 years apart) She was conceived shortly before Mugman had to go to war, so neither Mugman nor Rooty were aware of the pregnancy. (They were planning for this one though. They had started to lose hope on it though after a year of trying.) Anyways, Rooty found out about a month after Mugman had gone to war. Ofc, that piled more on her brain and emotions than she needed for the moment. Luckily, the family was highly supportive as they usually are, and Lace was safely born into a huge, loving family.

Onto Lace's personality. She's more like how her mom was as a kid. Energetic and wildly generous, but sneaky and often times rude. (Though this has more to do with her age and not understanding social cues) Lace loves her older brother dearly, and constantly wants to be around him. Ofc, it annoys Shire some, but he's mostly fine with her tagging along. She also adores her Grampa (Joe), but for some reason is timid around her Grandy (Sketch).

When Mugman comes back, she's aware that he's her dad, but was unsure of what to think. Not out of malice or being upset he wasn't there, but because she just didn't know who he was. Eventually, she's just as close as to Dad as Mom.

Bonus vvvv

Also Sketch belongs to @marinerainbow

#Lace Float Java #mugmanxrooty #the kitchen utensil family #kitchen utensil family

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percival895 · 3 months

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Provo a riassumere come i democratici si sono cacciati in questo pasticcio. Primo, quei dem che hanno maggiore visibilità (perché governano sulle due coste, perché controllano i social media e grandi tv e giornali, perché dominano a Hollywood e in altri potentati della cultura di massa, perché hanno fiumi di denaro da Wall Street e da BigTech) hanno ignorato un vasto rigetto popolare verso gli aspetti più radicali e controversi della loro proposta politica: le frontiere aperte all’immigrazione clandestina; un ambientalismo apocalittico che ha in odio l’economia di mercato e la crescita; un anti-razzismo che si è rovesciato in forme di razzismo contro i bianchi nelle dottrine woke insegnate in tante scuole e università; un’agenda Lgbtq+ promossa in modo arrogante e sprezzante verso chi ancora segue modelli di vita e di famiglia tradizionali. Tutto questo descrive solo l’ala più radicale del partito di Biden, che ha ancora un vasto centro moderato. Ma poiché gli estremisti avevano una visibilità e un’influenza preponderante nella «bolla» e nei media, il partito democratico nel 2020 ha rischiato seriamente di presentare uno di loro come candidato. Finché gli elettori moderato-conservatori della base afroamericana hanno ripescato nelle primarie del 2020 il vecchio Biden. Il quale allora salvò il suo partito dalla deriva - cosa di cui l’establishment gli fu sommamente riconoscente. Per placare l’ala sinistra Biden fece un gesto «identitario», si scelse come vice Kamala Harris i cui unici meriti, secondo i suoi critici, sono di essere donna e di colore. Ora i nodi vengono al pettine. Qualcuno dovrebbe convincere Biden a farsi da parte. Ma questo qualcuno non può essere associato alle fazioni che Biden sconfisse nel 2020, perché sono perfino meno credibili di lui. Poi andrebbe risolto il problema Harris. Lei si considera l’erede legittima al trono. Per quanto difficile da immaginare, è ancora meno popolare del presidente stesso. Anche lei quindi andrebbe «spinta» da parte, ma chi dovesse prendersi questa responsabilità sarebbe esposto al processo «identitario»: come osa far fuori una donna di colore. Infine, quand’anche si trovassero i notabili di partito capaci di mettere a segno le due prime operazioni, con l’allontanamento forzato di Joe e Kamala, resterebbe aperto il problema di recuperare voti fuggiti a destra perché spaventati da certe derive estremiste dei dem. Tutto questo andava fatto negli ultimi due anni, gestendo delle vere primarie aperte, un dibattito serio e senza tabù tra le varie correnti del partito. Se non è accaduto in questi anni, c’è una ragione, e anche più d’una. Era più facile continuare a demonizzare Trump, o a trascinarlo da un tribunale all’altro, che cercar di capire come questo losco personaggio possa rappresentare il «meno peggio», per quasi mezza America. - Federico Rampini, La vera vittoria di Trump

L'arma di distruzione di massa, il nichilismo della politica, il menopeggismo si è rivoltato contro i suoi stessi creatori: ottimo.

(Il candidato vincente i Dem lo avevano : Kennedy, il che rende tutto più tragicomico)

#trump #2024 #dem #Federico Rampini

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vintagetvstars · 2 months

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CLOSED! Preliminary Hot Vintage TV Men List

Alright folks! We have one week left on submissions for the Hot Vintage TV Men's Bracket! As promised here is a list of all the Hot Vintage TV Men who have been submitted and passed our preliminary eligibility checks. There are a handful of guys on this list and one or two not on it that we are currently still debating on so reminder that this list is not final and subject to change.

Currently we have 231 Hot Vintage TV Men!

Also in advance of the competition I'd like to remind anyone submitting propaganda for someone that starred in a show that aired only partially during our timeframe or was under 18 for a part of a shows filming, to please make sure you are only submitting propaganda that is from within our timeframe and when the actor was 18 years or older. This is also just good to keep in mind in general as several people submitted actors for shows that aren't eligible for our tournament either because it was outside our time period or in one case the actor was underaged for the entirety of the show (though many were eligible for other shows they were submitted for). We do our best to screen for these things but sometimes it's hard to tell or it’s a show we don't personally know well enough so we appreciate help from y'all letting us know if you do catch anything.

List below the cut

Preliminary Hot Vintage TV Men List

Dick Van Dyke

Alan Alda

Hugh Laurie

Peter Falk

Adam West

Donnie Wahlberg

Kevin McDonald

Scott Thompson

David Duchovny

Henry Winkler

Leonard Nimoy

Scott Bakula

James Garner

Tom Selleck

Dave Foley

John Astin

Joe Lando

Patrick Troughton

William Shatner

DeForest Kelley

Michael Ontkean

Russell Johnson

Kyle MacLachlan

Bruce McCulloch

William Hopper

George Clooney

Jeffrey Combs

Michael Horse

Mark McKinney

Jensen Ackles

Alejandro Rey

Mitch Pileggi

David Cassidy

Jeremy Brett

Anthony Head

George Takei

David Selby

Rod Serling

Paul Gross

Desi Arnaz

Tom Baker

Richard Dean Anderson

David Keith McCallum

Richard Chamberlain

Charles Shaughnessy

David James Elliot

Vincent Van Patten

Darren E. Burrows

David Hyde Pierce

Randolph Mantooth

Ricardo Montalban

Gene Anthony Ray

William Hartnell

Patrick McGoohan

René Auberjonois

Alexander Siddig

Reece Shearsmith

Michael T. Weiss

William Shockley

Spencer Rochfort

Danny John-Jules

David Hasselhoff

Conner Trinneer

Patrick Stewart

Jonathan Frakes

Paolo Montalban

Scott Patterson

Armin Shimerman

Anthony Andrews

David Schwimmer

Blair Underwood

Sylvester McCoy

Andrew Robinson

Pierce Brosnan

Thorsten Kaye

Anthony Starke

Darren McGavin

Clint Eastwood

Joseph Marcell

Michael Vartan

Richard Ayoade

George Maharis

Michael J. Fox

Dwayne Hickman

John de Lancie

Andre Braugher

Robert Carlyle

Dean Stockwell

Matthew Perry

Robert Fuller

Michael Hurst

Dana Ashbrook

Jonathan Frid

Dirk Benedict

Martin Milner

Demond Wilson

Robert Conrad

Telly Savalas

Peter Davison

Michael Praed

Jason Bateman

David Tennant

Brian Blessed

Miguel Ferrer

Micky Dolenz

Wayne Rogers

Mike Farrell

Michael Dorn

Cesar Romero

Eddie Albert

Nate Richert

Nicholas Lea

Brent Spiner

Dick Gautier

John Corbett

Jeremy Irons

David Suchet

Raymond Burr

LeVar Burton

David Wenham

Clint Walker

Larry Hagman

John Goodman

Matt LeBlanc

Tom Smothers

Erik Estrada

Jeremy Sisto

Colm Meaney

Stephen Fry

Ted Bessell

Ron Perlman

Luke Halpin

Ted Cassidy

Kevin Sorbo

John Cleese

Colin Firth

Colin Baker

Fred Rogers

Ben Browder

Keir Dullea

Randy Boone

Kent McCord

Jimmy Smits

Mark Lenard

Jon Pertwee

Fred Grandy

Mark Hamill

Ted Danson

Adam Brody

Noah Wiley

Eric Close

Lee Majors

Jamie Farr

Tony Danza

Kabir Bedi

Seth Green

Rik Mayall

Hal Linden

Diego Luna

Peter Tork

Sean Bean

Sam Neill

Eric Idle

Ted Lange

John Shea

Ron Glass

Tony Dow

Mr. T

John Hurt

Avery Brooks

Billy Dee Williams

James Marsters

Robert Vaughn

Kevin Smith

Davy Jones

Luke Perry

Robert Duncan McNeill

Simon MacCorkindale

Keith Hamilton Cobb

Chad Michael Murray

James Earl Jones

Bruce Boxleitner

Timothy Olyphant

Andreas Katsulas

Valentine Pelka

Peter Wingfield

Sebastian Cabot

Michael Nesmith

Timothy Dalton

Michael Shanks

Joshua Jackson

Michael O’Hare

Robert Beltran

Simon Williams

Paul Johannson

Daniel Dae Kim

David Boreanaz

Boris Karloff

Robert Wagner

Brandon Quinn

Walter Koenig

Richard Hatch

Christian Kane

Francis Capra

Nathan Fillion

John Forsythe

Patrick Duffy

Tony Shalhoub

Ioan Gruffudd

Garrett Wang

Joe Flanigan

Rider Strong

Michael Tylo

Bruce Willis

Skeet Ulrich

Jeff Conaway

Paul McGann

Scott Cohen

Mario Lopez

Martin Kove

John Stamos

Judd Hirsch

Johnny Depp

Tom Welling

Matt Bomer

Grant show

David Soul

Bob Crane

Tim Russ

Rob Lowe

Neil Patrick Harris

#vintage tv stars poll #breaking news #todays news

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watching-pictures-move · 8 months

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Viddying the Nasties | Anthropophagus (D'Amato, 1980)

I decided to revisit this upon learning of Tisa Farrow's passing. Farrow gets some cute moments with her male co-stars and makes for a pretty appealing lead, so despite some of the horrible things that happen, this is a nice movie to remember her by. While these classic Italian splatter movies aren't necessarily known to be actors' showcases, you watch enough of them, and see the same actors pop up time and time again, and in a way they become your friends. So along with Farrow, it was nice to spend some time again with some other familiar faces.

Like Zora Kerova as an erratic psychic, although her inability to predict anything specific brings to mind a piece of wisdom from the great Jean-Claude Van Damme: “If you phone a psychic and she doesn't answer the phone before it rings, hang up.” And Serena Grandi, who has nothing to do but be very pregnant, although as pregnant performances in genre movies go, she ranks below Tisa's sister Mia in Rosemary's Baby and Chen Ping in The Vengeful Beauty, who would wince and hold her belly in between fight scenes. But out of the protagonists, I think the best used is Margaret Mazzantini, who is great at looking sc-sc-scared!!! with her appealingly wide eyes anytime she senses the monster is near from the scent of blood. Although when we first meet her, she leaps out a-stabbin' from a barrel full of blood, which I would assume would dull her senses somewhat. This is right after a cute little cat leaps onto a piano.

And most importantly, there's George Eastman as the titular monster. Like seemingly many of his movies, he plays a disgusting freak, but this time it's not just in the contents of his heart, he looks like one too. When I first saw this, I hadn't seen any of his other movies previously, so I kind of assumed that this is what he'd actually looked like. I mean, not the awful complexion, I knew that was makeup. But I definitely assumed he had the same hairline. Luckily there are family photos and a flashback that along with creating and then dispelling the central mystery, hold some educational value for those similarly unfamiliar with Eastman outside of this one movie. When I first watched this, I remember finding the initial reveal, which comes about halfway into the movie, a little lame. I'm not gonna pretend that's not still the case, but I do appreciate that Joe D'Amato quickly realizes his mistake and tries to correct for it by pushing Eastman back into the shadows, and during such scenes, I can appreciate this would have played great on a murky VHS in which you could barely make him out as he skulks around, a-stabbin' and a-bitin' and doing all the other horrible things he does. But for the rest of the movie, I can appreciate how well this plays in the relatively pristine forms it's now easily available in, as D'Amato strengths as a cinematographer are readily evident.

I was pleasantly surprised during my initial viewing how low key this was, and appreciated its commitment to building suspense by withholding the gore gags. Like I said, you don't even get to see the monster until halfway into the movie, and the scenes the movie is best known for, two outrageously gnarly scenes of violence, come within the last third or so. I can understand why those expecting a nonstop gorefest might be disappointed, but I like the way this movie almost lulls you to sleep with its pleasant scenery, the blindingly white beaches and buildings of the coastal village during the day, the darkened corridors and catacombs lit only by candles or torches. (Anyone like me who likes creepy corridor scenes will get a kick out of this.) The vacation vibes here are strong. Never mind the heavy breathing during the shots where the characters may or may not be getting spied on from a distance. What could go wrong?

And when you've dozed off, BAM! He hits you with a horrific gore scene. Within the first few minutes, we get some underwater bloodletting and some classic D'Amato face trauma. And of course there are those two all-timer scenes I mentioned, one unbelievably mean-spirited gag where Eastman, uh, gets the munchies for a California cheeseburger (D'Amato used a skinned rabbit covered in blood), and an equally outrageous final scene where Eastman get the munchies for, uh, himself. There's even some comic relief in the form of Eastman rolling off a rooftop after getting hit in the leg with a pickaxe like in a slapstick comedy. Is it intentional? Who cares?

As I'm gotten somewhat better versed in D'Amato's work, this now gives me some of the same queasy vibes as his Caribbean porno horrors, but is probably a more palatable watch. One, you don't get the same nauseating sense of heat and exhaustion as the vacation buildup is at least pleasant on the surface. Two, without the hardcore scenes, this runs at a more digestible hour and a half instead of the brutal two hour runtime of some of those. Three, without the hardcore scenes, you don't have to experience the raw, unmitigated horror of Mark Shannon's suspiciously textured balls in closeup. The only thing warty here is Eastman's monster makeup. Which I guess makes it a comparatively less scary movie. But otherwise it's a more enjoyable one.

#film #movie review #anthropophagus #the grim reaper #joe d'amato #viddying the nasties

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