#Fondazione Mudima

[fashionbooksmilano]

Gianni Sassi

A cura di: Fondazione Mudima Collana Fluid XXX a cura di: Gino Di Maggio, Achille Bonito Oliva, Daniele Lombardi. Testi di: Sergio Albergoni, Gino Di Maggio, Nanni Balestrini, Monica Palla, Arrigo Lora Totino, Alberto Capatti, Jean-Jacques Lebel, Aldo Colonetti, Marco Maria Sigiani, Roberto Masotti.

Fondazione Mudima, Milano 2015, 324 pagine, 17x14,5cm, ISBN 978-88 86072- 94-6

euro 40,00

email if you want to buy booksinprogressmilano@yahoo.it

Non ci crede nessuno a che Gianni Sassi fosse soltanto “uno di noi”. Difficile pensarlo, vista la mole di lavoro che è riuscito a metter su in circa trent’anni di attività imprenditoriale e culturale. Una quantità impressionante di idee, spunti e riflessioni, soprattutto di fatti ed eventi artistici così prestigiosi che al solo pensarci oggi ti viene ancora il mal di testa. Facile insomma descriverlo come un non umano. In realtà è una frase usata da chi ci ha lavorato assieme, utile per sentirsi ancora vicino a un personaggio amato e discusso come lui. Ma cosa ha fatto di così importante? La Gola: eterogenea rivista di cultura del cibo che ha praticamente dato il via al movimento Slow Food, quello che Carlo Petrini fonda a Bra, in Piemonte, a metà degli anni Ottanta circa. Milano Poesia: con ospiti internazionali come Gregory Corso, Walter Marchetti e outsider come Victor Cavallo, Il Treno Di John Cage: splendida avventura sonora nel corso della quale l’autore di “4’33”” interagiva coi suoni d’ambiente delle carrozze, aiutato da ospiti prestigiosi: Daniel Charles, Walter Marchetti, Stratos e Hidalgo tra gli altri, che si muovevano da Bologna a Porretta Terme, o da Rimini a Ravenna. La rivista Alfabeta con Nanni Balestrini del Gruppo 63, dove trovavano posto menti raffinate come quelle di Maria Corti e Umberto Eco. La Cramps Records: Area (il ruolo di Sassi è centrale nella formazione della band di Stratos & soci), Claudio Rocchi, Eugenio Finardi, Alberto Camerini, Skiantos. L’ormai storica etichetta ai tempi vantava pure delle “strane sorelle”, nate per far uscire apposite collane di “ricerca” come DIVerso, Multhipla Records e nova musicha col socio Gianni-Emilio Simonetti: cito i dischi di Walter Marchetti, John Cage, Demetrio Stratos, Juan Hidalgo, Gruppo Di Improvvisazione Nuova Consonanza. Non vanno dimenticate le campagne pubblicitarie per la sua agenzia pubblicitaria Al.Sa: celebre quella con un giovane Franco Battiato col viso truccato di calce bianca che guarda dritto all’obiettivo mentre sta seduto su una “comoda poltrona Busnelli”. Sassi muore di una brutta malattia, fumava troppo, nel 1993.

04/05/24

[marcogiovenale]

oggi, 21 maggio @ mudima (milano): miriorama 9 - manifestazione del gruppo t

cliccare per ingrandire martedì 21 maggio, alle ore 18:00, alla Fondazione Mudima, via Tadino, 26, Milano: Miriorama 9 – Manifestazione del Gruppo T, il Grande oggetto pneumatico del Gruppo T- Ambiente a volume variabile messo in scena dalla compagnia teatrale Opera Liquida con la partecipazione di Giovanni Anceschi, Gruppo T, Davide Boriani, Gruppo T, Alice Devecchi, ricercatrice e critica…

[pikasus-artenews]

ALESSANDRO BERGONZONI – BILL VIOLA. Vite sospese

Incontro virtuale di due artisti, diversi per formazione e provenienze, ma accomunati dalle tematiche sulla condizione umana al centro della loro ricerca

[worldpoetryday]

Local Poetry Reading part of the Worldwide World Poetry Day 2023 Celebrations.

World Poetry Day, which takes place each year on March 21, was first declared by UNESCO during its 30th General Conference in Paris in 1999, with the aim of supporting linguistic diversity through poetic expression and increasing the opportunity for endangered languages to be heard. Granada City of Literature in Spain leads the Cities of Literature World Poetry Day activity each year, and in 2023 their chosen theme is “Poetry for Life.” Granada’s celebrations commence with an opening ceremony at the City Hall central court, with the attendance of the City Mayor and other authorities from the cultural sphere where three poets will perform a poetry reading. This will be followed by 90 poets reading f in the gardens of the University of Granada Law School, 18 city bookstores and the long-running Poetry Slam Granada, in which 10 poets will compete to be judged the winner by public vote.

In all, a dozen of the 42 Cities of Literature are marking World Poetry Day with programs;

Dunedin, New Zealand: Dunedin has filmed performance poet David Eggleton, New Zealand Poet Laureate 2019-22, reading his iconic poem “What the future holds,” for sharing with our friends around the city, across the country and in other UNESCO Cities of Literature.

Durban, South Africa: Durban will celebrate with a short educational cartoon audio book compiled and written by Qap’s Mngadi and Artmatem Projects and Tradings Pty LTD that is based on true life issues that reflect peer pressure and teaches youth about the dangers of drugs.

Heidelberg, Germany: Heidelberg celebrates with a variety of events, embracing readings, poetry exhibitions and lectures organized by stakeholders such as the Heidelberg Forum for Arts, private initiatives and by writers from the city and the region.

Melbourne, Australia: Celebration includes an online video series with five poets from the cities of Heidelberg and Melbourne, to celebrate the culmination of a unique online writers room, Expedition Poetry.

Milan, Italy: Milan will hold several events between March 14-25 that feature poetry performances with poets and citizens, at Fondazione Mudima and at Triennale Milano.

Nanjing, China: Nanjing Literature Hall will receive a group of student visitors from special education institutes, Nanjing School for the Blind and Nanjing School for the Deaf for a shared poetry reading.

Nottingham, England: Nottingham Playhouse, Writing East Midlands and Nottingham UNESCO City of Literature join efforts for the project “Speak Easy for World Poetry Day,” a spoken world open mic night for young writers.

Seattle: Seattle City of Literature will celebrate by hosting bilingual readings in Spanish and English according to the theme “Poetry for life.”

Tartu, Estonia: Tartu will celebrate with a diverse program that involves different venues, age groups and audiences. The celebrations begin with poetry performances by children and youth at Tartu Literature House, including members of Tartu Poetry Theatre carrying out poetry happenings in cafés and restaurants.

Wonju, South Korea: Wonju will celebrate with written poems and promotion on the Wonju city-run Facebook. The participants will be citizens from Wonju. Each participating citizen will contribute a poem of their own creation which will be illustrated by Wonju City of Literature posted between March 17-21.

[lvdbbooks]

LEE UFAN: PAINTING, SCULPTURES

2021年2月23日

【新入荷・新本】

Lee Ufan LEE UFAN: PAINTING, SCULPTURES, Fondazione Mudima, 2007

Hardcover. 176 pages. 230 x 270 mm. Color.

価格：3,500円（＋税）

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韓国人アーティスト、リー・ウーファン（李禹煥 / Lee Ufan）の作品集。1969年から2007年までの絵画と彫刻を収録する一冊。第52回ヴェネツィア・ビエンナーレへの出展に伴い刊行された。出展当時までの業績を1冊にまとめたモノグラフ。 Published by Fondazione Mudima on the occasion of the exhibition by Lee Ufan, from 6 June to 21 November 2007, 52. International Art Exhibition, Collateral Events, Palazzo Palumbo Fossati, Venice. Exhibition organized by the Mudima Foundation.

（twelvebooksによる本書紹介文）

[danmorellifilm]

David Kim Whittaker: Gender Dysphoria

As local artist Matt McCullough and I had discussed, I will be doing my Experimental Film project on feelings of Gender Dysphoria. While researching Gender Dysphoria in the media, I came across the work of nonbinary painter David Kim Whittaker.

According to Whittaker’s page on Opera Gallery 

“David Kim Whittaker is a British painter born in 1964 in Cornwall, where he still resides.A self-taught artist, most of Whittaker's paintings are based on an interpretation of the human head and its metaphysical core. Whittaker's portraits are ambiguous, with the aim to represent the universal alongside the personal. 

The works often juggle dual states of inner and outer calm and conflict – offering a glimpse of strength and fragility, the conscious and the subconscious, the masculine and the feminine. These universal states of conflict, clearly identifiable in Whittaker's works, are arguably reinforced by Whittaker's gender dysphoria and the personal struggle with a condition that he/she has learned to live with through the endeavour of expressing something bigger than oneself through painting.

David Kim Whittaker has been exhibited worldwide notably at the prestigious Fondazione Mudima in Milan in 2017 and was the recipient of the Towry Award (First Prize) at the 2011 National Open Art Competition.”

(David Kim Whittaker, Image Courtesy of the Artist)

Something I found really interesting about Whittaker’s art was the different way in which they expressed their feelings of Gender Dysphoria, it was in an almost completely different direction to how I would go about expressing my own. As a transgender person, the different ways in which trans people choose to express their feelings and experiences with Gender Dysphoria is highly interesting to me. 

Often times, transgender and nonbinary people will have their feelings and situations categorised or lumped together, and I feel that the different ways in which we feel when discussing issues related to our identities is proof that not every trans person experiences things in the same way. Whittaker’s work, for me, was a great reminder of that.

(David Kim Whittaker, Voices, Paris, 2019. Source: Opera Gallery)

Whittaker often paints with bright colours, depicting serene scenes where one’s face should be, and this is the part that I am able to relate to. Gender Dysphoria can often be a lonely, alienating experience. Viewing Whittaker’s work, I truly felt some loneliness represented within them.

I can’t say many of Whittaker’s techniques would be useful to translate onto film as my project will call for a totally different approach. Whittaker expresses their feelings about Gender Dysphoria in a lonely almost ethereal way, whereas my own personal feelings are a lot less about the beautiful and more to do with suffering.

I feel as though it was necessary to mention David Kim Whittaker within my work as not many artists have the exposure to represent transgender issues on such a scale, even if I will not be using any techniques, they deserve a mention in my inspiration moving forward. 

[theradicantattitude]

Lombardi Daniele,

Ascoltare con gli occhi

, Fondazione Mudima, Milano, October 18 – November 16, 2018

[patmoonchy]

Bio

Pat Moonchy vocalist/musician/producer and ancient Latin singer songwriting with significant vocal range whose works are well worth exploring for any listener seriously interested in experimental music as well as underground music, sound art, as a part of her sound research also realised by Modular Station. During her artistic career she released forty Albums.

She started as singer/bassist in the early nineties with the "alternative" power trio “Stato d’Animo” publishing an Ep cassette at renowned Studios  Jungle Sound in Milan.

In 1994 opened The Moonshine Pub, an alternative-artsy place run until 2015.There she tried to help find visuality for underground creativity: Moonchy interest in art is an integral part of her persona and a necessary corollary of her commitment to unconventional music culture promotion.Operating as DJ resident mixing with a style of her own 60- 70 psych, UK IDM, and kraut-rock becoming a kind of lighthouse for the enthusiastic listener. Moonchy has been performing solo live sets with electronic equipment, some designed or modified at her request. It's unconventional analog synthesis, though oscillators are present the sound generation is not linear and a great deal of it is created by sensitive manipulation of the knobs. Sound art, always articulated with an intuitive, organic approach, has become a major area of her development: learning the Theremin technique from Barbara Buchholz playing the Persephone (a ribbon controlled synthesiser) were the first steps, followed by the inclusion in her array of electroacoustic devices.

In 2000 formed the avant improv quintet Gopala with Angelo Avogadri, Marco Fontana, Fabio F. Gallarati and Andrea Dicò.

A long this year she learnt computer music and sample production producing several IDM compositions through fields recording with a portable dat recorder and and still unpublished.

In 2010 joined in the Doubleganger with the jazzist pioneer Pasquale Liguori on drums publishing six cds and one more as a duo by the Italian label Setola di Maiale with Amaury Cambuzat (Faust) as musician, producer guest and in Doubleganger line up at the Schiphorst Avantgarde Festival in Germany.

She is part of the creative ensemble Tai No-Orchestra who has acted at several prestigious Art Galleries as Fondazione Stelline, Fondazione Mudima and at the Museum of Culture Mudec in MIlan. At the Moonshine she hosted and organised two editions of the Tai No-Orchestra Festivals.

In 2015 founded the current project Sothiac which has been finalist for the Festival Musica Diversa Omaggio a Demetrio Stratos, in Cento, IT. Then moved in Berlin scored the release of two albums (Sothis and Erebia Christi) touring EU, Japan with 16 gigs and across China by train from north to Hong Kong, including a performance in the Manchurian capital Harbin, the first exhibition there of an European act!

Moonchy is exploring new trajectories in her intertwined use of voice as instrument, successfully integrating noisicianism into her language acquired by shamans in the Republic of Tuva in south Siberia and learnt directly by Maestro Trân Quang Hai who was a vocal coach of Demetrio Stratos.

The solo efforts and collaborations of Pat Moonchy are rising in number, eclecticism and importance among them, a consolidated association with U.S. musician/producer Todd Tobias as Moonchy & Tobias duo releasing six Albums.

In 2018 joined the Carlos Ugueto Ensemble, a cultural project turned to make known claves rhythmics from Uruguay "candombe" and "salsa" from Venezuela mixed with improv-free jazz.

In 2019 open the vernissage of the italian painter Claudio Papola showing with her duo project Sothiac on the roof garden of the CAMeC, the Art Modern Contemporary Center in La Spezia.

From 2020 the musician and Jazzist producer Paul Jolly will be enjoying the band publishing Superluna and Tiamat Ep and releasing two new Ep’s during the Lockdown and two albums coming out on vinyl printed at the Abbey Road Studios by the 33 Jazz Records.In August 2021 Biennale Austria will project ‘SUPERLUNA” video during the Biennale of Venice. Most recently she joined with the multi-instrumentalist Terry Day and in the Sothiac Group with Angelo Contini, Lucio Liguori, Angelo Avogadri, Ferdinando Faraó blending each other's different backgrounds making one.

"The music of Pat Moonchy is what is beyond Alice's door, a sonic world where avant-garde and underground are amalgamated and a sense of surprise mushrooms everywhere the ears stretch out".

Further live collaborations:

Archetype, Alfa Neu, Amaury Cambuzat, Adrian Northover, Alessandra Novaga, Andrea Bolzoni, Andrea Cazzani, Andrea Dicò, Andrea Tabacco, Andrea Viti, Angelo Brezza, Antonino Siringo, Antonio Alferi, Artchipel Orchestra, Arottenbit, Bruno Romani, Carlos Ugueto, Caroline Cecilia Tallone, Claudio Lodati, Claudio Lugo, Chaos Physique, Cristiano Calcagnile, Christoph Petermann, Damiano Casanova, Daniele Onori, Davide Garbato, Davide Romagnoli, Diego De Marco, Diego Vinciarelli, Dirk Dhonau, Dodo Nkishi, Eugenio Sanna, Fabio F. Gallarati, Fabio Sacconi, Fanciulli Goom, Faust, Filippo Monico, Flavio Scutti, Frank Gratkowski, Fra 11, Francesco Manfrè, Francesco Zago, Gak Sato, Geoff Leigh, Giancarlo Oggionni, Gianni Mimmo, Giulio Martino, Gory Joe, Graziano Palamara, Grenouille, Guido Mazzon, Guy-­Frank Pellerin, Ilario Bianco, Jacopo Serafin, Jean-Hervé Perón, Jean ­Michel Van Schouwburg, Jacques Berchten, João Pedro Viegas, John Russell, Johnny Larsen, Julian Sparacino, Kenobit, Kei Yoshida, La Morte Viene Dallo Spazio, Lars Nicolaysen, Leo Colalillo, Luca Andriola, Luca D’Angelo, Luca Pissavini, Luca Valisi, Mandali, Mani Neumeier, Marcel Sauco, Marcello Bellina, Marcello Busato, Marcello Magliocchi, Marco Fontana, Marco Mantovani, Marco Malasomma, Maresuke Okamoto, Mario Arcari, Massimo Falascone, Martin Mayes, Matteo Pennese, Masaharu Showji, Matteo Pescetti, Matthias Boss, Mattia Costa, Miky Bengala, Morihide Sawada, Naoto Yamaghishi, Nicola Guazzaloca, Ove Velasquez, Paolo Botti, Paolo Falascone, Pasquale Ricucci, Pepè Le Ginestre, Pierre Bizot, Ralf Peter, Riccardo Luppi, Riccardo Sinigaglia, Roberto Aglieri, Roberto Del Piano, Roberto Masotti, Roberto Caputo, Roberto Sambusida, Robin Neko, Romeo Velluto, Sanatana, Sascha Stadlmeier, Sebiano Failla, Scum from the Sun, Shizuku Aosaki, Silvia Bolognesi, Stefano Bartolini, Stefano Basurto, Stefano Milani, Stefano Giust, Takkiduda, Tato Vastola, Tatsumi Ryusui, Teddy Costa, Tony Light, Tommy Massara, Tristan Honsinger, Utku Tavil, Uwe Sebastien, Valerio Cipollone, Vontrapp, Walter Prati, Willy Van Buggenhout, Xabier Iriondo, Yugen, Yuryi Zhvanetskyy, Yuval Avital and more and more...

Videomaker collaborations: Angelo Magni, Carlo Prevosti, Fabio Bortot, Fabio Volpi, Lino Budano, Alice Murace, Michele Bernardi, Pedda Borowski

Performing/painting/reading collaborations:

Angelo Loconte, Anna Ramunni, Arianna Tinulla, Claudio Papola, Claudio Sinatti, Diamanda Galas, Emanuela Brumana, Elisa Brigida, Fanuccio, Francesco Trabattoni, Gianluca Lo Presti, Ignazio Maria Gallino, Fabi Pan Sofia, J.F Rocking Yaset, Jo Jonny, Lakme, Lucia Caputo, Luigi Cannillo, Martino Pittore, Mariapia Quintavalla, Mariella Liguori, Piermarco Mariani, Rita Vargiu, Sylvia Alfei, Le Teste di Mary, Tiziana Cera Rosco, Vito Ventura.

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Lee Ufan Resonance

Achille Bonito Oliva

Testi di: Gino Di Maggio, Achille Bonito Oliva, Lee Ufan

Fondazione Mudima, Milano 2007, 55 pagine, 27 x 23 cm, Inglese, brossura cartonata

euro 40,00

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Mostra 52 Biennale Venezia 2007 -Palazzo Palumbo Fossati. La mostra presenta 10 olii su tela di diverse dimensioni combinati con 8 installazioni realizzate con materiali naturali quali pietra e ferro. Lee Ufan, artista coreano fondatore del gruppo Mono–Ha, vive in Giappone ma è un nomade che ha saputo coniugare insieme il linguaggio delle avanguardie occidentali e la cultura di quelle orientali. Aggirando il ready made del cartesiano Duchamp ed il taglio del barocco Fontana, Lee Ufan sostituisce al principio di rappresentazione quello di presentificazione, in un percorso che corre dagli anni Sessanta, sculture e installazioni, alle "Corrispondenze" degli anni Novanta, fino alle pitture di oggi. Senza contrapposizioni ha fondato un incrocio spazio-temporale sostituendo al concetto di forma quello di "struttura", a quello di spazio quello di "campo", quale sistema di relazioni aperte a sviluppi che tendono a coniugare il pieno e il vuoto insieme. L'intera ricerca di Lee Ufan è una messa in crisi dell' "objet trouvé" e della sua metafisica: una forma morta scontornata nello spazio estetico e sottratta alla vita. Invece Lee Ufan non rappresenta ma "presentifica" un'idea di temporalità attiva che sostiene l'incontro dell'artista col mondo e dell'opera con lo spettatore. Ora una "tache" si irradia sulla superficie attiva di una pittura che sviluppa l'epifania di un incontro con il pubblico. Ora realizza pitture in cui egli è totalmente artefice del tutto. I segni orchestrati sulla tela hanno una tensione, un percorso e una durata spaziale giocati nel segno di una misura standardizzata a mano. Una misura memorizzata da un gesto che non dimentica precisione ed energia, scorrevolezza artigianale e geometria dell'estensione. Spesso questi spazi costituiscono degli architrave della visione, nell'ordine di due o tre organizzano il campo spaziale in termini di essenzialità visiva tesa ad evidenziare precisione ed indeterminazione, costrizione e potenziale modificazione. L'artista sembra voler dare al forte segno tracciato sulla superficie pittorica l'incisivo volume dell'oggetto o materia adoperata precedentemente nelle sue installazioni. La forza del tracciato serve proprio ad intensificare il momento dell'incontro tra l' opera lo spettatore mediante un intreccio tra tempo e spazio, dimensioni entrambe necessarie per realizzare il valore dell'arte, quello della "presentificazione". Ecco che Lee Ufan risolve il problema della immortalità dell'opera senza voler ipotecare il futuro, piuttosto fondando la persistenza del presente. Estendere il presente diventa per l'artista orientale un modo di eliminare da una parte il patetico sistema di previsioni del futuro e di ipotecare invece, attraverso una diversa dimensione dello spazio, un campo così vasto da accogliere il tempo del suo battito costante.

19/07/23

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[marcogiovenale]

milano, mudima, dal 9 maggio: "l'eredità dello scambio. segno, parola, immagine"

https://www.mudima.net/portfolio-items/leredita-dello-scambio/ Il titolo della mostra fa riferimento agli scambi perpetui che dagli anni Cinquanta in poi hanno caratterizzato una certa produzione artistica che afferisce al linguaggio, alla poesia, alla letteratura, e che ha generato degli spostamenti tra l’immagine, il segno e la parola, creando spazi e tempi dalla valenza polisemantica.In…

[pikasus-artenews]

Dove il grottesco regna sovrano: l’arte di KSENIA PASYURA

L’artista londinese Ksenia Pasyura offre un’immersione nel grottesco e nel sublime negli spazi della Fondazione Mudima

[invisible-show]

Nero Rosa è la gamma tra gli opposti, l’esattezza delle gradazioni, Espressione, per istinto coscienza, di urgenze e vibrazioni.

La rassegna NEROROSA ospita a Bergamo performer e musiciste dei circuiti indipendenti nazionali e internazionali. I progetti accolti si caratterizzano per l’irriverenza e la sperimentazione compositiva, per l’innovazione e l’azzardo artistico.

Un progetto nato in collaborazione con DLate, il gruppo femminile e femminista di agitazione culturale che dal 2008 in modo naturalmente intermittente organizza a Bergamo spazi di pubblica espressione per pratiche artistiche e di relazione tra donne. Nasce, sul palco di Ink Club, NeroRosa: sarà Il luogo in città che accoglierà nei prossimi mesi molte artiste della scena indipendente italiana e internazionale.

17 Dicembre 2017, ore 18 Ink Club, via Carducci 4, Bergamo

Un reading con la voce di Eva Geatti (Comp. Teatrale Cosmesi) e la chitarra di Marcello Batelli (Il Teatro degli Orrori e Non voglio che Clara):

Contro è una caustica riflessione sull’esistenza dell’individuo e sulla decadenza ed i limiti culturali dell’attuale società; è un invito al risveglio dal torpore quotidiano, uno sguardo obliquo sul presente, un discorso costruito per essere detto. Un’incisiva onda d’urto per capire i limiti, gli eterni ritorni e le costrizioni che viviamo quotidianamente fuori e dentro di noi.

“Uscite dal coma, gli dicevo, e ritornate in voi, non siete dei vitelli. Era a me stessa che parlavo in verità ed era me stessa che in questo modo esortavo.”

“Inventariate le vostre forze. E siate devoti alle vostre collere, negligentemente, o nella rabbia a seconda dei giorni e dei vostri umori.”

Uscito per Gallimard nel 2002 “Contro” è un attacco frontale alla conformazione sociale e politica delle odierne società occidentali, ma soprattutto, sulla falsa riga di “Indignatevi” di Stéphane Hessel (2011), è un invito alla ribellione contro i sistemi repressivi e autoritari.

La responsabilità è solamente dell’uomo: la sua accondiscendenza, la sua vigliaccheria e la sua miseria, corrodono e riproducono ottusi meccanismi oppressivi. Un libro sempre nuovo, che fa riflettere senza consolazione e sprona le coscienze con una rabbia urgente e necessaria. Autrice vincitrice del Premio «Goncourt» 2014

Lydie Salvayre (1948). Premio Hermès per La Dichiarazione (Feltrinelli, 1991), Premio Novembre per La Compagnia degli Spettri (Ed. Guanda, 1999)» e, a novembre 2014, Premio Goncourt per Pas Paluer (Editions du Seuil, 2014). Nel 2002 con Contro inizia la collaborazione con il chitarrista Serge Teyssot Gay (Noir Désir).

Eva Geatti, performer ed artista visiva, nel 2001 con Nicola Toffolini fonda la compagnia teatrale Cosmesi; ha collaborato fra gli altri con Motus e Masque Teatro. Marcello Batelli, chitarrista del Teatro degli orrori e dei Non voglio che Clara

Durante la serata sarà presente il progetto LA CITTA’ DELLE MILLE il fondo librario di sole autrici che raccoglie libri in dono con l’obbiettivo di realizzare una biblioteca di 1000 testi a disposizione di tutta la città. I partecipanti alla serata potranno portare i loro libri in dono! Maggiori informazioni al link https://www.facebook.com/bergamodellemille/

6 Marzo 2018, ore 21 Ink Club, via Carducci 4, Bergamo

Odd Beholder (Svizzera) Il duo è stato fondato in un rifugio antiaereo a Dietikon. Il loro EP di debutto "Lighting" presenta arrangiamenti per cori che spaziano oltre tre ottave e inquietanti registrazioni sul campo. Daniela Weinmann ha scritto le sue canzoni nell'appartamento dell'artista Curdin Tones ad Amsterdam. Le sessioni di registrazione finali si sono svolte a Berlino. Il loro suono dal vivo è caratterizzato da una programmazione di batteria minimalista e suoni di synth analogici. 

Il video per il loro singolo "Landscape Escape" è stato girato dal regista berlinese Grambow + Kirchknopf in collaborazione con l'Associazione di danza moderna e sociale dell'Azerbaigian. Odd Beholder firma con l’etichetta Mouthwatering Records nel 2016. Il duo di artisti Taiyo Oronato e Nico Krebs ha contribuito alla realizzazione del'EP. Patrizia Oliva (Italia) Cantante, autrice, improvvisatrice di musica sperimentale che attraversa l'elettronica, l'elettroacustica, il free jazz e le arti performative. La sua ricerca è finalizzata alla ridefinizione del cantante contemporaneo.

Ha suonato con molti musicisti, tra cui Gino Robair, Stefano Giust, Pamelia Kurstin, Edoardo Marraffa, Tommy Greenwood, Martin Mayes, Tristan Honsinger Linda Sharrock, Silvia Bolognesi, Alessandro Bosetti e molti altri. Ha fatto tournée in Italia, Stati Uniti, Scozia, Regno Unito, Paesi Bassi, Francia, Germania, Spagna, Portogallo, Svizzera, Slovenia, Croazia, Belgio, Austria e Vietnam.

Alcuni luoghi e festival in cui ha recitato: AngelicA (Bologna), Fondazione Mudima (Milano), Reggia Venaria (Torino), Limmitationes / Chilli Jazz Festival (Austria), Hanoi New Music Festival (Vietnam), Area Sismica (Forlì), Macao (Milano), Gallleriapiu (Bologna), Museum of Modern Art (Ohio, USA), Piccolo Teatro (Milano), ZDB (PT), ZXZW Festival (NL), Fusion Festival (D), The Empire Gallery Galvanized Festival (UK) , Spazio O (Milano), Postgarage (AT) e altro. Ha registrato un numero impressionante di album con diverse etichette sperimentali come Setola di Maiale, Afe Records, Sonoscopia e molti altri.

4 aprile 2018 Ink Club, via Carducci 4, Bergamo Dalila Kayros (Sardegna) Musicista, ricercatrice vocale, compositrice, improvvisatrice. Una delle figure principali nella scena italiana della sperimentazione e della ricerca vocale. Pubblica "Nuhk" per dEN Records nel 2013, supportato da un tour italiano ed europeo raccoglie ottimi riscontri nella scena underground mondiale. Si è esibita in molti festival quali "Signal", "Inner_Spaces", "Muviments", "Novara Jazz" "Purci Dance Party2017 "(con POSSESSED), "Frantic" ecc.. Con la band "SYK" ha pubblicato il primo album "Atoma" per L'Inphantile Collective e ha recentemente firmato un contratto con " Housecore Records" di Philip H. Anselmo per l'album I-OPTIKON dei S Y K. Nel 2017 I-Optikon è seguitp da un tour italiano ed europeo con la band Child Bite.  Collabora con Combat Astronomy, Stefano Ferrian, carnenera, VULTUR, Francesco Zago, Yugen, Nu-Timbre, Claudio Milano, Mikołaj Trzaska e molti altri.  Con la composizione elettroacustica "Opera Macchina" di Filippo Mereu vince il premio "Tempo Reale Festival2013" Xover (USA/Italia) Xover è una performance elettronica sonora e visiva eseguita da Danilo Casti (Sardegna, Italia) e Travis McCoy Fuller (Boston, USA). Xover è l'incontro dei loro percorsi nella musica elettronica sperimentale; una miscela, tra suoni digitali e analogici. 

3 maggio 2018 Ink Club, via Carducci 4, Bergamo

Amy Léon (Brooklyn, USA)

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Allan Kaprow

I have stumbled upon Kaprow’s work throughout my art education and have always felt drawn to the simplicity and playful element that his work often takes. Known for his ‘Happenings’, Kaprow’s work blurs the divide between art and life, suggesting that there really is no clear divide and there should be constant fluidity between the two. His work revolves around audience participation; the viewers become the art work. This idea has led on to the creation of performance art.

The work I am most drawn to is ‘Yard’ from 1961. Originally made for the sculpture garden of the Martha Jackson Gallery in New York, Kaprow used hundreds of old tyres to completely cover the floor with 5 tarpaper mounds emerging from them. The tyres were organised in no particular order, and as the audience were participants within the work – an integral part of the happenings – the formation of the tyres changed as people walked and climbed over them and moved them around as they wanted.  Whilst the artist gave them the space and the materials, the spectator becomes the one making the changes.  This notion is something that is frequent in Kaprow’s work and is what I am most drawn to. This work has been remade several times since 1961 and every time it has changed to adapt to the space and the context.

Yard, 1991, Fondazione Mudima, Milan, Italy

Yard,1998, “Out of Actions“, Geffen Contemporary at the Museum of Contemporary Art, Los Angeles, California

It is interesting to think about remaking the original 1961 ‘Yard’ in contemporary society, as the Hauser & Wirth show ‘Allan Kaprow YARD’ did in 2009. Three artists, Sharon Hayes, William Pope L and Josiah McElheny, were invited to reinvent (Kaprow’s word choosing – specifically not re-create) ‘Yard’, Pope L’s being the most similar in form. Frieze magazine summaries it here: ‘Pope L’s reinvention – entitled Yard (To Harrow) (all works 1961/2009) – was staged indoors. The gallery stank of oil and grease, tyres scattered everywhere, shelves and desks covered in black, body-bag-like tarpaulins. Visitors were encouraged to climb across these rubbery outcrops, fumbling in the gloomy space, which was illuminated only by flickering white and red lamps and the odd dim, closed-circuit television screen. Placed next to a grubby wall mirror, a large speaker played the sound of foghorns and train whistles, over the top of which Pope L’s voice delivered a compelling sermon, extrapolating ideas of race, compromised morals, political chicanery and ecological damage from Yard’s material components, and Kaprow’s more playful theories. ‘Rearrange the tyres, rearrange your morals’; the world described by Pope L’s Yard (To Harrow) was indeed harrowing – more suggestive of polluted groundwater and body-bags shipped back from Afghanistan than 1960s happenings.’ Dan Fox, Director of frieze. https://frieze.com/article/allan-kaprow-yard

Yard (to harrow), 2009

As said here this reinvention of Kaprow’s work appears to have a more serious undertone than the experimental happenings of the 60s, but does provoke conversation as to what Kaprow’s mantra of ‘art is life, life is art’ is todays society where we are bombarded with images of bad news constantly. Practically it is also interesting to place Kaprow’s work in the modern gallery setting, where complex risk assessments have to be undertaken in order to make sure the work is ‘safe’ – minimalising the element of play within the work. It is known that Kaprow took himself away from the high art world by calling his work un-art; claiming that his work couldn’t be considered conventionally artistic. His happenings were often private events where only he and the other participants would know about the time they were happening. What we know about Kaprow is through his essays on art and life (see brown book #1 for thoughts on his essays), and he rarely documented any of his work and never had anything he could sell. He called his makings ‘lifework’, that if shown in a gallery would be make them pointless, as the gallery would reframe them as conventional art. (http://www.nytimes.com/2009/09/13/arts/design/13johnson.html)

After looking at Kaprows work and talking with Craig in the tutorial I think there are two aspects within my work that I need to think about: To think about making the mundane and everyday exciting – primarily with materials that I use

I need to think about what I want the audience to get out of my work. Do I want them to feel nostalgic? Do I want them to forget themselves in play and forget briefly about their everyday work routine that they are in? If children are viewing and potentially collaborating with me then do I want them to feel as though they have learned something in the process? How much of a role are the audience going to have within my work? Is it just something they interact with with their body or will it be a more hands on experience for the viewer?

Other references:

http://www.tate.org.uk/context-comment/blogs/performance-art-101-happening-allan-kaprow

[mariaelenaborsato]

Ich Bin Hier  |   Fondazione Mudima,

one-day-exhibition - 19 maggio 2016 - Ritratti fotografici di Andrea Sartori - Libri e video d’artista di sessantasette artisti dell’Accademia di Belle Arti di Brera; - Proiezione del documentario di Maurizio Monti per “Vivere d’Arte” a cura di Andrea B. Del Guercio

[redazionecultura]

sede: Amy-d Arte Spazio (Milano); a cura di: Anna d’Ambrosio.

“Rendere l’idea dello spazio: è su questo che ho iniziato a lavorare; è questo il principale insegnamento che mi ha lasciato Hidetoshi Nagasawa. Il fatto che lui mi abbia assegnato, da studentessa, come primissimo compito quello di disegnare l’acqua ha segnato profondamente il mio procedere. Nell’acqua c’è tutto: il movimento, la luce, la profondità, la vita. Nell’acqua ci sono le relazioni dello spazio, che tu devi saper captare tutte in una volta se vuoi rendere il suo senso. Cogliere l’acqua è come sfondare un muro. Quando capisci l’acqua capisci lo spazio. Sino a togliere tutto quanto il superfluo”.

“Il mio modo di lavorare, non è legato in senso stretto né alla pittura né alla scultura ma all’opera. Anche se a volte sento il bisogno della tela, del produrre un lavoro da attaccare al muro… io rimango comunque una scultrice, che realizza opere da terra, da parete, su carta o su tela. Il vuoto è parte di ogni mio lavoro. Mette in evidenza tutto quello che di concreto e palpabile contiene e sottolinea, rilevandolo, ciò che solitamente sfuggirebbe: il contorno dell’opera… lo spazio, l’aria. In queste mie sculture recenti il vuoto lo ottengo con la materia stessa e attraverso l’uso di superfici specchianti. La materia, riflettendo se stessa, svela un po’ della sua interiorità. In genere le mie sculture sono composte da più elementi, e quando i differenti elementi si specchiano l’uno nell’altro, l’uno diventa l’anima e il fulcro dell’altro. Lo specchio diventa una sorta di finestra in grado di mostrare qualcosa dall’interno”.

Il disegno dell’acqua, è un percorso che compendia tutti i differenti aspetti della ricerca artistica di Mariella Ghirardani, ma è anche, e forse soprattutto, il racconto di una formazione estetica e spirituale, compiuta sotto l’egida vigile e millenaria della natura. Emergono apparenze riconoscibili come memorie oniriche e quasi musicali di un viaggio compiuto dentro la memoria di viaggi, in un procedimento freudiano applicato alla pittura. Quello di Mariella Ghirardani è un viaggio verso qualunque Oriente: un “dentro” che è dentro la pittura. Nulla di descrittivo, di aneddotico, in lei, che punta comunque a rappresentare le essenze. In alcune sue opere la simbologia dell’Enso collegata con il lemniscata occidentale è espressione di infinito che unisce il visibile e il nascoso, il semplice e il profondo, il vuoto e il pieno. Quindi non solo un semplice cerchio disegnato con un’unica, ampia, pennellata, ma il simbolo dell’infinito, vuoto, la ‘non-cosa’, il perfetto stato meditativo Satori (l’esperienza del risveglio, inteso in senso spirituale, nel quale non ci sarebbe più alcuna differenza tra colui che si “rende conto” e l’oggetto dell’osservazione). Nell’opera dell’artista, le due realtà si fondono in un’unica entità in cui passato e presente coesistono simultaneamente, nel taglio dello spazio, come un fondale di scena fisso. Mariella Ghirardani è torrida fucina di idee che la portano a misurarsi con una sorprendente pluralità di linguaggi, associando liberamente intuizioni e pulsioni a materiali, pigmenti, volumi. Gli esiti di questo ricercare sono diversi, ma tutti apparentati da un senso di profonda trascendenza e dall’espressione di un senso del sacro che cerca e rintraccia soprattutto nella natura, intesa come spazio aperto alla relazione. E alla natura l’artista guarda tenendo sempre vivo l’incanto dell’ispirazione, nel suo significato più antico: perché Mariella Ghirardani è artista “ispirata”, viene da dire combusta, dalla propria ispirazione. Lo si capisce cogliendo la concentrazione con la quale racconta le proprie opere, nel modo in cui fra di loro, nel generoso laboratorio della sua casa, si muove, le sposta, le osserva, sembra vederle sempre per la prima volta, pronta ad accendersi a ogni nuovo suggerimento interiore. L’artista possiede un complesso immaginario creativo in cui arte, filosofia e poesia dialogano con l’indagine psicologica. Con questi strumenti, straordinariamente maneggiati, disegna i propri “paesaggi” che sono, prima di qualunque altra istanza, interiori. Nascono opere che ospitano spesso grandi silenzi, evocano spazi dilatati, e in cui, con intermittenze metropolitane, tuttora tempra e affina le proprie inquietudini.

Mariella Ghiradani è nata a Parma, vive e lavora a Milano. Tra le principali esposizioni personali sono da ricordare quelle alla Casa degli Artisti, a Milano, nel 1985, 1988, 1997, 2000; alla Galleria Marianne Maier, a Milano, nel 1995; alla Galleria Fabia Calvasina, a Milano, nel 1997; allo Spaziotemporaneo, a Milano, e allo Studio Cristina Del Ponte, Locarno (CH), nel 2002. Partecipa alla XL Esposizione Biennale Internazionale d’Arte, Magazzini del Sale, Venezia, nel 1982 e alle principali mostre realizzate a cura della Casa degli Artisti, sia a Milano che in altre sedi. Tra le esposizioni collettive alle quali è invitata da ricordare: Fabbrica. Nuova arte contemporanea, ex Fabbrica Mida, Brescia, nel 1989; Trattative con Euclide, nel 1992, Disordine nel 1993, e Le ombre nel cassetto nel 1994, allo Spaziotemporaneo, Milano; Scossa, Care/of, Cusano Milanino, (MI), nel 1994; Immagine rinnovata, Antico Monastero delle Agostiniane, Monte Carasso, (Bellinzona – CH), nel 1999; Segno e Materia, Villa Borromeo, Senago (MI), nel 2004 e la presenza alla XIII Biennale Internazionale di Scultura di Carrara nel 2006. Si ricordano anche: personale Occhio di strega, 14 febbraio-14 marzo 2007, galleria Spaziotemporaneo, via Solferino 56, Milano, a cura di Federico Sardella; personale Mariposa, 17 ottobre-17 novembre 2012, galleria Spaziotemoraneo, via Solferino 56, Milano, a cura di Federico Sardella; collettiva alla fondazione Mudima la Mente e il Giudizio, 12- 23 dicembre 2013, via Tadino 26 Milano; collettiva KattenKabinet, 18 maggio 2016, MARS, via Guinizzelli 6, Milano; No Place 2, castello di Fombio (Lodi) 12 marzo 2016; in principio è la Terra, forte di Gavi (AL), 27 maggio-15 settembre 2016.

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Mariella Ghirardani. Il disegno dell’acqua sede: Amy-d Arte Spazio (Milano); a cura di: Anna d'Ambrosio. "Rendere l'idea dello spazio: è su questo che ho iniziato a lavorare; è questo il principale insegnamento che mi ha lasciato Hidetoshi Nagasawa.

[theradicantattitude]

Lombardi Daniele, Ascoltare con gli occhi, Fondazione Mudima, Milano, October 18 – November 16, 2018