#Etapa Cubista de Picasso

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Les Demoiselles d’ Avignon

Les Demoiselles d’ Avignon #aperturaintelectual #vmrfaintelectual @victormanrf @Victor M. Reyes Ferriz @vicmanrf @victormrferriz Víctor Manuel Reyes Ferriz

16 DE JULIO DE 2024 Les Demoiselles d’ Avignon POR: VÍCTOR MANUEL REYES FERRIZ El día de hoy celebramos o festejamos 108 años de poder disfrutar una de las obras icónicas del ceramista, dibujante, escultor y pintor malagueño Pablo Ruiz Picasso, me refiero a “Les Demoiselles d’ Avignon” (Las señoritas de Aviñón), de la cual, existen algunas historias fascinantes comenzando por el nombre, pasando…

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Imersão na Arte de Georges Braque: Descobrindo a Vanguarda Cubista

MOVIMENTO ARTÍSTICO

No contexto do Blog Repórter de hoje, é fundamental abordarmos o Cubismo, movimento no qual nosso artista, Georges Braque, desempenhou um papel crucial. Originado no século XX, em meio a mudanças sociais, tecnológicas e culturais, o Cubismo reflete a complexidade e fragmentação da realidade moderna, buscando uma redefinição radical da concepção e percepção artística.

Georges Braque, juntamente com Pablo Picasso, outra figura central no desenvolvimento e solidificação do cubismo, marcou uma ruptura significativa com as convenções artísticas tradicionais. A parceria desses dois ícones específicos na criação do cubismo, evoluiu a maneira como a arte era concebida.

O Cubismo, é dividido em três fases: a Cézanniana (1907 - 1909), Analítica (1910 – 1912) e a sintética (1913 – 1914).

O cubismo cézanniano, também chamado também de "cubismo pré-analítico," é a fase vista como o início do movimento cubista, mesmo não tendo todas as características do movimento, sua influência foi de extrema importância para a solidificação do cubismo. Essa etapa foi marcada pela inspiração em artes africanas (principalmente as máscaras) e descrita pelo emprego de formas simplificadas.

A Analítica teve Braque se destacando. Nessa etapa, os objetos eram decompostos em formas geométricas, demonstrando a abordagem inovadora do artista para a representação visual. Desmontar e reorganizar formas permitiu a Braque refletir as transformações e a complexidade de sua época.

Por fim, mas não menos importante, a fase Sintética ou Cubismo de Colagem, cuja maior característica é a técnica de colagem para reconstruir imagens. Juan Gris (1887-1927) foi o principal artista dessa fase do movimento, o mesmo utilizava uma paleta de cores mais vibrantes em suas obras.

QUEM FOI GEORGES BRAQUE?

Georges Henri Joseph Édouard Braque (o nome é grande para combinar com sua influência na arte) nascido em 13 de maio de 1882, em Argenteuil, França, foi um escultor, pintor e co-fundador do movimento cubista.

Georges Braque iniciou sua jornada artística aos oito anos, inspirado pelo trabalho de seu pai. Após se mudar para Havre, começou a se interessar por pintura, treinando como pintor de casas. Ele é tão multifuncional que chegou até mesmo a servir no Exército durante a Primeira Guerra Mundial, mas um ferimento em 1915 o afastou dessa atividade.

Após mudar-se para Paris, Braque estudou na Académie Humbert e na Escola de Belas Artes. Antes do cubismo, envolve-se com o Fauvismo. Após quatro anos de estudo, localizou-se em Montmartre, expandindo sua rede artística. Essas interações influenciaram sua mudança para o Cubismo, refletida em suas pinturas de 1908 a 1913, marcadas por geometria, perspectiva e fragmentação de formas.

O crítico de arte francês Louis Vauxcelles usou pela primeira vez o termo Cubismo, em 1908, depois de ver as obras de Braque, embora Braques e Picasso não o tenham adotado inicialmente, essas obras acabaram iniciando o Cubismo Analítico.

A dedicação de Braque à exploração formal e sua abordagem delicada foram cruciais para consolidar e expandir o movimento cubista. Sua influência vai além das formas geométricas, abrangendo a introdução de texturas diversas como elemento enriquecedor na expressão artística.

Assim, Georges Braque, desempenhou um papel essencial na transformação da linguagem artística na virada do século XX, deixando um legado marcante na história da arte moderna.

[almasmoons]

Georges Braque: Pionero del movimento cubista

Desde un modesto aprendiz de decorador en Le Hasure ' Hasta un pionero revolucionario del cubismo junto a Picasso, la vida de este artista estuvo llena de triunfos y tragedias.

Georges Braque nació el 13 de mayo de 1882 en Argenteuil, cerca de París, Francia, de padres Charles y Augustine. Su padre, que era un pintor aficionado y su abuelo antes que él, dirigía un negocio de decoración de casas, que es sin duda de donde surgió el interés de Braque por la textura y los efectos táctiles de la pintura. En 1890, la familia se mudó a Le Havre, donde Braque asistió a la escuela pública local y, a menudo, acompañaba a su padre en expediciones de pintura.

Inicio de una nueva era

Fue durante 1907 conoció a Pablo Picasso, quien lo invitó a visitar su estudio. Braque quedó profundamente afectado por la visita, especialmente cuando vio la obra innovadora de Picasso: Les Demoiselles d'Avignon.

Pronto quedó claro que había una afinidad inmediata entre los dos artistas y pronto siguió una amistad íntima y camaradería artística. Colaboraron estrechamente, intercambiando ideas casi a diario y comentando con frecuencia el trabajo de cada uno.

Es imposible decir cuál de los dos fue el principal inventor del nuevo estilo revolucionario de pintura que más tarde se conocería como cubismo.

Eso sí, el golpe liberador lo dio Picasso con las Damas de Avignon.

Pero, fue Braques quien, en gran parte por su admiración por Cezanne, aportó gran parte de la temprana tendencia hacia las formas geométricas. Entre ellos desarrollaron las ideas que impulsaron el desarrollo de este nuevo estilo artístico.

En mayo de 1908, Braque y Picasso expusieron por primera vez sus pinturas cubistas en el Salon des Indépendants de París.

Su trabajo recibió críticas mixtas de los críticos y algunos lo denunciaron porque desafiaron las formas convencionales de representación, como el uso de la perspectiva, que había sido la regla desde el arte renacentista.

Durante el verano de 1908, Braque realizó cerca de Marsella pinturas que mostraban su determinación para dividir las imágenes en partes diseccionadas.

Los volúmenes de losa, el colorido sobrio y la perspectiva distorsionada en sus pinturas de este período son típicos de la primera parte de lo que ahora se llama la fase Cubismo Analítico.

En otoño de ese mismo año, Braque mostró sus pinturas en la Galería Kahnweiler de París, lo que llevó al crítico de arte parisino Louis Vauxcelles a hacer su comentario sobre los "cubos" que darían este estilo de pintando su nombre.

Casas en L'Estaque, 1908 /// Botella y Pescados, 1908

Posteriormente, en 1912, el cubismo evolucionó hacia el "Cubismo Sintético". En esta etapa, Braque y otros artistas introdujeron elementos de collage en sus obras, incorporando materiales como papel, cartón y tela en sus pinturas.

Fue durante este año que Braque creó lo que generalmente se considera su primer collage de papel al unir tres piezas de papel tapiz al dibujo Fruit Dish and Glass.

El tema se volvi�� más central, más importante con menos énfasis en los planos contrastantes.

Braque también experimentó con la representación de instrumentos musicales, naturalezas muertas y paisajes en su obra. A lo largo de su carrera, su estilo evolucionó, y en la década de 1920, incorporó elementos más realistas y figurativos en sus pinturas, alejándose gradualmente del cubismo puro.

La contribución de Georges Braque al movimiento cubista es significativa, y su influencia perdura en la historia del arte. Su enfoque innovador y su colaboración con Picasso fueron fundamentales para el desarrollo y la difusión del cubismo en el panorama artístico del siglo XX.

[lavoixdesion]

Museo Reina Sofia -Rostros & Rastros

https://www.lavoixdesion.com/newpage/rostros.rastros

Tomó como sede el antiguo Hospital General de Madrid, gran edificio neoclásico del siglo xviii situado en la zona de Atocha, cerca de la estación homónima de tren y de la Estación del Arte de Metro. Este hospital fue diseñado inicialmente por José de Hermosilla y continuado posteriormente por Francesco Sabatini, y actualmente se le conoce como edificio Sabatini en honor a este arquitecto italiano. El museo como tal fue inaugurado en 1992, si bien el edificio ya había albergado exposiciones temporales en años previos. En septiembre de 2005 se ampliaron las instalaciones de la institución con la apertura del edificio Nouvel en el inicio de la Ronda de Atocha.

El Reina Sofía es el vértice sur del conocido como Triángulo del Arte de Madrid, que incluye a otros dos célebres museos: el Prado y el Thyssen-Bornemisza. Forma parte del denominado Paisaje de la Luz, paisaje cultural declarado Patrimonio de la Humanidad el 25 de julio de 2021.

 En la colección permanente del museo destaca un núcleo de obras de grandes artistas españoles del siglo xx, especialmente Pablo Picasso, Salvador Dalí y Joan Miró, representados ampliamente y con algunas de sus mejores obras. Son muy relevantes también las colecciones de arte surrealista (con obras de Francis Picabia, René Magritte, Óscar Domínguez o Yves Tanguy, además de los ya citados Miró y Dalí), del cubismo (que a la colección Picasso añade nombres como Juan Gris, María Blanchard, Georges Braque, Robert Delaunay, Fernand Léger o Albert Gleizes), y la presencia de artistas de la Nueva Figuración, como Francis Bacon o Antonio Saura.

 Junto a estos autores hay muchos otros de diversas tendencias tan destacados como Lucio Fontana, Yves Klein, Diego Rivera, Alexander Calder, Roberto Matta, Mark Rothko, Antonio López García, Antoni Tàpies, Miquel Barceló o Sam Francis.

 El Museo Reina Sofía cuenta con excelentes colecciones de Juan Gris, Pablo Picasso, Salvador Dalí y Joan Miró, cuatro artistas españoles que se encuentran entre los más importantes del siglo xx y cuyos trabajos constituyen el gran puntal del museo.

 El repertorio del madrileño Juan Gris es singularmente rico, a pesar de haber tenido que ser reunido en su totalidad en las últimas décadas, ya que su primera obra no se incorporó a las colecciones nacionales españolas hasta fecha muy tardía. Fue La guitare devant la mer (La guitarra ante el mar), comprada en 1977 para el MEAC.​ Sin embargo en la actualidad el fondo del autor incluye ya diecinueve pinturas,​ entre las que figuran algunos de sus mejores trabajos, como La bouteille d'anis (La botella de anís) (1914), Portrait de Madame Josette Gris (Retrato de Madame Josette Gris) (1916) o la citada La guitarra ante el mar (1925).

 La representación de Picasso en el museo se centra en los años 30, ya que aunque la colección del artista se ha reforzado gradualmente con varias adquisiciones, la presencia de trabajos de otros periodos sigue siendo limitada. La obra más temprana de este artista que conserva el Reina Sofía es la Mujer en azul, de 1901, perteneciente a la denominada «Etapa azul».​ Le siguen dos pinturas del Cubismo analítico (El frutero, 1910, y Los pájaros muertos, 1912), otras surrealistas, varias de su estilo expresionista de la década de 1930 y las hay también de sus últimos años (tres grandes lienzos sobre el tema El pintor y la modelo, de 1963). La colección consta de un total de 292 obras, que incluyen 29 pinturas,​ y cuatro de sus principales esculturas: Tête de femme (Fernande) (Cabeza de mujer [Fernande]), considerada la primera escultura cubista,​ Femme au jardin (Mujer en el jardín), La femme au vase (La dama oferente) y L'homme au mouton (El hombre del cordero), además de dibujos y estampas. Entre estas últimas destacan Sueño y mentira de Franco y La Minotauromaquia. Sin embargo, no cuenta con ninguna representación de su importante labor en el campo de la cerámica.

Junto con Gris, Picasso y Dalí, sobresale el fondo de Joan Miró. Inicialmente estuvo integrado casi en su totalidad por las obras entregadas en 1985 en dación como pago del impuesto de sucesiones por su viuda, Pilar Juncosa, y el resto de sus herederos: 24 pinturas y 203 grabados. ​ Casi todas las pinturas estaban datadas entre los años 50 y 1983, pero posteriormente, mediante compras, fueron ingresando también trabajos de su primera época, en torno a los años 20. De las numerosas obras de este artista que conserva el museo, entre las que figuran cincuenta y cinco pinturas, ​ destacan La casa de la palmera (1918), Femme et chien devant la lune (Mujer y perro delante de la luna) (1936), o Le sourire des ailes flamboyantes (La sonrisa de alas flameantes) (1953). En el patio central se exhibe una de sus esculturas, Oiseau lunaire (Pájaro lunar) (1966).

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Damaris Hurtado Pérez: Pablo Picasso: Biografía, obras y exposiciones

Pablo Picasso es, sin lugar a dudas, uno de los artistas plásticos más famosos del mundo. Su obra trasciende todo tipo de fronteras y de clasificaciones; tan vasta y diversificada como única, supuso un antes y un después en la producción artística a nivel mundial. Polémico, controvertido, con un talento sin límites y una insaciable necesidad de crear, su frase más conocida refleja fielmente su personalidad: “cuando llegue la inspiración, que me encuentre trabajando”.

 El artista más influyente de la Historia contemporánea

 “La línea del destino. Pablo Picasso en Vallauris”, 1952. Fotografía de Robert Doisneau.En bcn.cat/museupicasso/es

 Pablo Picasso es, sin lugar a dudas, uno de los artistas plásticos más famosos del mundo. Su obra trasciende todo tipo de fronteras y de clasificaciones; tan vasta y diversificada como única, supuso un antes y un después en la producción artística a nivel mundial. Polémico, controvertido, con un talento sin límites y una insaciable necesidad de crear, su frase más conocida refleja fielmente su personalidad: “cuando llegue la inspiración, que me encuentre trabajando”. El arte de Picasso es multiforme y cambiante; el artista se nutrió del pasado y del presente para crear sus obras, anticipando lo que vendría años e incluso décadas después. Porque el arte contemporáneo jamás sería lo que hoy es sin la influencia de Pablo Picasso: un artista que pasó por su época como un tren sin frenos, arrollando las fronteras del arte del siglo XX y abriendo nuevos e insospechados caminos creativos.

 El despertar del talento: los primeros años 

Pablo Ruiz Picasso nace en Málaga en 1881. Según Pierre Cabanne, uno de sus biógrafos, fue un niño independiente y con carácter. Cuando tan solo cuenta con dos años de edad, se traslada con su familia a la casa de su abuela materna, donde también residen dos de las tías del niño. Durante su infancia, la presencia femenina fue una constante; en muchas ocasiones, Picasso fue el centro de atención. En su libro “Mi vida con Picasso” Françoise Gilot, una de sus parejas, citaba estas palabras del artista: “Cuando yo era niño, mi madre me decía: ‘Si llegas a ser soldado, serás general. Si cuando seas mayor eres monje, llegarás a ser Papa’. Pero en lugar de todo eso fui pintor y terminé siendo Picasso”. Su padre, José Ruiz y Blasco, era pintor y trabajaba como ayudante de dibujo en la Escuela de Bellas Artes de Málaga. También era Conservador del Museo Municipal. Su influencia fue determinante para encauzar la carrera del niño hacia el arte; de hecho, fue el primer profesor que tuvo el futuro artista durante su infancia y su juventud.

  “Ciencia y caridad", 1987. Museo Picasso de Barcelona. En wikiart.org

 Pablo Picasso demostró desde el principio su talento para el dibujo y la pintura. Hoy se conserva una obra suya pintada a los seis años, El pequeño picador amarillo, en donde ya se vislumbra su dominio de los volúmenes y el color, así como la originalidad de su punto de vista y su planteamiento de las escenas. Durante la adolescencia empieza a pintar obras realistas de magnífica factura como La primera comunión, donde aparece su hermana Lola, o Ciencia y Caridad (1897), un impresionante interior que parece prefigurar su siguiente etapa, el Periodo Azul. En los años siguientes Picasso se matriculará en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. Sin embargo, sus biógrafos coinciden en señalar que el artista acudía rara vez a las clases; en su lugar, pasaba la mayor parte del tiempo en el Museo del Prado analizando la obra de maestros como Zurbarán, Velázquez, Goya o El Greco.

 París, suicidio y precariedad. La Etapa Azul

En 1900, la pintura de Pablo Picasso ya ha experimentado una evolución sorprendente que le hace destacar por encima de la mayoría de sus coetáneos. Sin embargo, el reconocimiento de su talento y de su arte todavía estaría por llegar. Los inicios del siglo XX son años de precariedad para el artista, que por entonces vive en Barcelona y frecuenta el café Els quatre cats. El establecimiento reunía por entonces a los intelectuales y artistas más vanguardistas de la ciudad; es precisamente en este local donde organiza la primera exposición de sus obras. El año siguiente viaja a París y queda deslumbrado por el Museo del Louvre y el Museo de Luxemburgo, así como por la obra de Tolouse-Lautrec o Degas, entre otros. Ese mismo año tiene lugar su primera exposición en la capital francesa; en los tres siguientes crea las obras pertenecientes a la Etapa Azul.

 "La habitación azul”, 1901. Colección Phillips. En Wikipedia

 El imaginario picassiano de este periodo se decanta por figuras estilizadas y delgadas, con una clara influencia de artistas como El Greco. Los tonos son fríos, especialmente azules y verdes en distintas gradaciones. Se puede percibir la influencia de pintores como Gaugin en los duros recortes y perfiles de las zonas de color, así como la temática social que también se refleja en las pinturas de Manet o Tolouse-Lautrec. En 1901 se suicida Carlos Casagemas, artista de talento e íntimo amigo de Picasso (de quien se había distanciado tras una discusión). Aunque el pintor no estaba presente en el momento del suicidio, le afecta profundamente. Como él mismo comentaría más adelante: “empecé a pintar en azul cuando me enteré de la muerte de mi amigo”. Fueron años difíciles para Picasso, cuya sensibilidad hacia los más débiles y sus propias dificultades para vender su obra hacen que se encuentre inmerso en una época oscura, sombreada por la depresión, que queda reflejada en sus trabajos.

 La Etapa Rosa: primeros pasos hacia la abstracción

En el año 1904, el siempre cambiante arte de Pablo Picasso experimenta una transformación progresiva que lleva a sus pinturas a adquirir nuevas tonalidades. De los tonos fríos y sombríos de su periodo anterior, las imágenes pasan a adquirir matices rosados, rojizos y anaranjados, cálidos y mucho más “confortables”. Es la Etapa Rosa de la pintura de Picasso, que abarca los años entre 1904 y 1906 (coincidiendo con su relación con Fernande Olivier, considerada una de las personas que más influyó en la evolución de su pintura). Los años de depresión parecen haber quedado atrás: el imaginario del artista se puebla de familias y troupes de artistas circenses, así como de personajes sacados de la Comedia del Arte italiana. Estas referencias llegan para quedarse: Picasso volverá a esta temática de forma recurrente a lo largo de su vida.  

  "Familia de saltimbanquis”, 1905. National Gallery of Art, Washington DC. En Wikipedia

 Aunque las obras de la Etapa Rosa parecen abandonar el espíritu sombrío de los años anteriores, los personajes siguen mostrando actitudes melancólicas e introspectivas. Sin embargo, este periodo supone una importantísima evolución en el arte de Picasso: las imágenes ya no se centran en el tema reflejado, sino que el tema empieza a ser un mero vehículo para el desarrollo de la pintura en sí. El estilo único del artista empieza a cobrar vida propia; formas y volúmenes de color empiezan a fluir, en pos de una esencia mucho más abstracta. Si bien el realismo sigue muy presente en esta etapa (sobre todo en rostros y detalles), las zonas de color casi planas, la línea negra que subraya los volúmenes y los fondos difuminados de las obras avanzan muchas de las claves del arte abstracto y el cubismo que vendrían décadas después.

 El arte africano y el Cubismo Analítico/Sintético

 “Les demoiselles d’Avignon”, 1907. Museum of Modern Art, NY. En Wikipedia.

 El arte africano, y muy especialmente las máscaras talladas y decoradas procedentes del continente, ejercieron una enorme influencia sobre muchos artistas de vanguardia de la primera mitad del siglo XX. Las expediciones que se realizaban a distintos puntos del planeta, y muy especialmente a las regiones más apartadas de África, propiciaron el interés de la sociedad occidental por el arte y la cultura de las regiones más remotas. Pablo Picasso descubre estas máscaras en casa de su amigo Henri Matisse, y muy especialmente en una exposición organizada en el Palais de Trocadero de París. El interés que despiertan en él es equivalente al que entonces generaban en otros países y movimientos, como el Dadá en Zúrich y Berlín o el expresionismo alemán de Die Brücke (El puente). Entre los años 1907 y 1909 Picasso crea una serie de obras influenciadas por los rasgos duros y marcados de estas máscaras. Es la época de Les demoiselles d’Avginon (1907), una de las pinturas más importantes de la trayectoria del artista y uno de los puntos de inflexión clave de su transición hacia el cubismo.

 "Les oiseaux morts", 1912. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. En Wikipedia

 En realidad, esta etapa está fuertemente unida a la del cubismo analítico. Son muchos los expertos que las consideran un solo periodo, aunque también hay numerosos investigadores que establecen una separación a partir del año 1909. De hecho, en 1907 Pablo Picasso y su amigo y colega Georges Braque empiezan a trabajar para asentar las bases del cubismo, del que serían generadores y máximos exponentes junto con artistas como Juan Gris. En esta etapa sus obras se visten de colores neutros, grises y tierras. Por primera vez, ambos empiezan a incorporan a sus lienzzos una técnica fundamental: el collage, muchas veces pictórico (periódicos, trozos de madera y otros materiales, pintados en imitación a los auténticos).  

  “Arlequin”, 1917. Museum of Modern Art, NY. En moma.org

 Los años transcurridos entre 1912 y 1919 implican una constante evolución en las obras cubistas de Pablo Picasso. Lejos de asentarse en un estilo y un movimiento que le garantizaba éxito y reconocimiento, el artista sigue investigando y alterando las imágenes de sus lienzos. Las obras continúan incluyendo la técnica del collage y empiezan a reflejar la figura humana: el tema del arlequín vuelve a aparecer, mientras que las sucesivas parejas del artista posan para modelos en distintas obras (Mujer con guitarra, 1911). En esa época son muchos los artistas que dejan su trabajo para luchar en el frente, durante la I Guerra Mundial. Él, por el contrario, permanece en su estudio y no abandona su producción.

  Del Neoclasicismo al Guernica

 "Un assis s’essuyant le pied", 1921. Berggruen Museum. En Wikipedia

 La obra de Picasso es viva, cambiante y siempre evolutiva. Sin encasillarse jamás en un estilo (una actitud abrazada por muchos de sus colegas), nunca dudó en recabar inspiración de todos los movimientos, escuelas y tendencias que le rodeaban o le precedían. Tras acercase a la abstracción a través del cubismo, finalizada la I Guerra Mundial Picasso empieza a crear obras de inspiración claramente neoclásica. Son imágenes figurativas donde la presencia humana es poderosa, con volúmenes marcados y potentes juegos de luces y sombras. Aunque estas obras parecen significar un paso atrás en la evolución de su arte, no es así; la influencia surrealista provoca un nuevo acercamiento al primitivismo por parte de Picasso, que realiza piezas tan trasgresoras como Les trois danseuses (Las tres bailarinas, 1925). 

  "Guernica", 1937. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. En Museoreinasofia.es

  En 1927 Picasso conoce y se enamora de la adolescente Marie-Therese Walter, quien será la modelo de una de sus series de grabados más conocida: la Suite Vollard, finalizada en 1937. La colección está formada por un centenar de piezas de inspiración neoclásica en las que aparece por primera vez una de las figuras más icónicas del artista, el Minotauro. A continuación, Picasso regresa a la inspiración primitiva, cubista (e incluso expresionista) para pintar la que es probablemente la más famosa de sus obras: Guernica (1937), una poderosa denuncia de los horrores de la guerra inspirada en el ataque a la localidad vasca por parte de bombarderos alemanes e italianos, durante la Guerra Civil española.

 Las tres últimas décadas: de 1940 a 1973

  "Cabeza de toro", 1942. Museo Picasso de Málaga. En museopicassomalaga.org

 Durante la II Guerra Mundial, Pablo Picasso permanece en un París ocupado por la Alemania nazi. Su producción sigue siendo constante, y a la pintura, la escultura y el grabado se le suman la poesía y la dramaturgia (escribió dos obras teatrales). Tras la liberación de la capital francesa en 1944 el artista se centra en la escultura: una disciplina en la que comienza trabajando la alianza entre objetos, en la línea del concepto ready made iniciado por Marcel Duchamp. Esta investigación da como fruto obras como Cabeza de Toro (1952), y más adelante, La Cabra (1950). El original de yeso de esta escultura esconde distintos objetos de desecho recuperados de un vertedero: las ubres del animal son jarrones de terracota; el vientre, una cesta de mimbre; el lomo, la hoja de una palmera… Posteriormente el artista encargaría su fundición en bronce, en la cual los objetos quedan perfectamente integrados.

  "La cabra", 1950. Museum of Modern Art, NY. En slobidka.com

 Al tiempo que trabaja en su producción escultórica, Picasso no abandona la pintura. Su admiración por el trabajo de Velázquez, uno de los artistas que más estudió durante sus visitas de juventud al Museo del Prado, da lugar a la serie Las Meninas (1957): un total de cincuenta y ocho lienzos que analizan, recrean y diversifican el original. La suite incluye también nueve obras que reflejan un palomar y un retrato de Jacqueline Roque (con quien se casó en 1961), realizado posteriormente. La idea del artista no era copiar o remedar a Velázquez, sino investigar las posibilidades de la obra original vista por otros ojos. Acerca de esta serie, Picasso declaró: “Si alguien se pusiese a copiar Las Meninas, totalmente con buena fe, al llegar a cierto punto y si el que las copiara fuera yo, diría: ¿Y si pusiera esta un poquito más a la derecha o a la izquierda? Yo probaría de hacerlo a mi manera, olvidándome de Velázquez”. 

   Las Meninas (serie) 1957). Museo Picasso de Barcelona. En Wikipedia

 Durante los últimos años de su vida, Picasso se inspira en su esposa Jacqueline Roque para realizar más de setenta retratos. La producción del artista en su última etapa mezcla y combina todos los estilos desarrollados a lo largo de su vida. Es una producción compulsiva que se traduce en un constante flujo de creatividad, y que en algunos casos llega a avanzar algunas de las tendencias que llegarían tras su muerte en 1973. A día de hoy, la influencia de su trayectoria artística se refleja en todos los órdenes y las disciplinas del arte actual: desde la pintura a la escultura hasta la arquitectura, la instalación y la creación multimedia.

 Exposiciones

 Picasso (2008)

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 Esta exposición, organizada por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid en colaboración con el Museo Picasso de París, reunió más de cuatrocientas piezas realizadas por Pablo Picasso. La muestra fue entonces una oportunidad única para admirar un cuerpo de obra de un tamaño realmente espectacular, formada en su mayor parte por los “picassos de Picasso”, es decir, las piezas de las que el artista nunca quiso desprenderse. Con el Guernica como protagonista y centro de atención, la exposición se concibió en cuatro secciones estructuradas de forma cronológica que abarcan la obra de Picasso desde sus 14 años hasta el año 1972, previo a su fallecimiento.

 Esculturas de Picasso (2015)

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 En el año 2015, el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) organizó la exposición Picasso Sculpture alrededor de esta faceta creativa del artista malagueño. Picasso realizó cientos de obras tridimensionales en técnicas que iban desde el object trouvé hasta la cerámica. La muestra reunió más de un centenar de piezas realizadas durante toda la vida del artista, haciendo especial hincapié en la utilización de los materiales y el desarrollo de sus procesos.

 Retratos de Picasso (2016)

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 El retrato y el autorretrato fueron géneros pictóricos que Pablo Picasso exploró en numerosas ocasiones. Desde los primeros intentos realizados en su adolescencia, con el protagonismo de su madre y de otros miembros de su familia (incluido él mismo) hasta sus famosos retratos de Jacqueline, pintados en los últimos años de su vida, la evolución de los mismos refleja claramente la propia de la pintura de Picasso. La National Gallery de Londres reunió un importante número de obras de este tipo, realizada con distintas técnicas: dibujo, pintura, escultura y grabado.

 Piedad y terror en Picasso. El camino a Guernica (2017)

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 El Guernica es una de las obras pictóricas más famosas del mundo. En 2017, el Museo Centro de Arte Reina Sofía (a cuya colección pertenece) organizó una exposición sobre la gestación, el desarrollo y la influencia de esta pieza articulada en torno a ella. Durante la década anterior a su realización, Pablo Picasso desarrolló un cuerpo de obra impregnado de una visión desolada y extraña sobre la humanidad. El sufrimiento de seres humanos y animales presente en el impactante escenario del cuadro se refleja en los bocetos y en otras de las pinturas del artista, que formaron parte de la muestra.

 Picasso y el museo (2018)

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 A pesar de que el título de esta exposición hablaba sobre la relación de Picasso y las instituciones museísticas, la muestra no se realizó en un museo sino en el Círculo de Bellas Artes de Madrid; concretamente, en las salas Picasso y Goya. La selección de obras permitió a los visitantes descubrir la influencia de los grandes maestros de los mejores museos del mundo (con especial atención al Museo del Prado, un lugar de referencia para el artista malagueño y la influencia más importante durante su juventud).

 Calder-Picasso (2018)

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 El diálogo entre obras de artistas es siempre enriquecedor y ayuda a descubrir matices imposibles de detectar en solitario. Para generar esta interacción, el Museo Picasso de Málaga organizó una exposición a finales del 2019 y principios del 2020 con obras de Alexander Calder y Pablo Picasso. Los nietos de ambos artistas, Alexander S. C. Rower (Presidente de Calder Foundation) y Bernard Ruiz-Picasso (Copresidente de FABA), participaron en la puesta en marcha de la muestra.

   Libros

 "Picasso: una biografía. 1881-1906". John Richardson, 1995

El gran interés de esta biografía de Pablo Picasso, publicada en 1995, no solo está en la calidad de la escritura de Richardson. La relación de amistad que mantuvo con el artista tiene mucho que ver con el acceso que su viuda, Jacqueline, le dio a sus papeles privados y sus documentos. El libro es la primera parte de una completa biografía de cuatro volúmenes e incluye más de setecientas fotografías, muchas de ellas no publicadas hasta esa fecha.

 "Fama y soledad de Picasso". John Berger, 2013

John Berger es uno de los escritores más importantes e influyentes de las últimas décadas del siglo XX y la primera del XXI. Según el autor, ““toda la pintura trata del diálogo entre la presencia y la ausencia. El arte de Picasso, en su sentido más profundo, se sitúa en la frontera entre las dos, en el umbral de la existencia, de lo recién comenzado, de lo inacabado”. Se trata de una biografía crítica, lejos de la complacencia, que examina la figura de Pablo Picasso como artista, pero también como la polémica persona que fue. Un texto imprescindible para profundizar en la vida y la obra del creador.

 “Picasso”. Colección Taschen 25, 20073

La editorial Taschen, todo un referente en libros de arte y de artistas, es la responsible de esta magnífica edición perteneciente a su colección Taschen 25. Calificado por The Times como “la introducción definitiva al alcance y la influencia de la obra de Picasso”, el contenido está estructurado en diecisiete capítulos que incluyen cerca de mil quinientas imágenes a color, así como numerosas fotografías en blanco y negro. La edición consta de dos volúmenes, magníficamente editados.

  - Pablo Picasso: Biografía, obras y exposiciones -                                    - Alejandra de Argos -

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Período azul de Picasso

Se conoce como etapa azul de Picasso al que transcurre entre 1901 y 1904: este nombre proviene del color que domina la gama cromática de las pinturas, y tiene su origen en el suicidio de su amigo Carlos Casagemas el 17 de febrero de 1901, que dejó a Picasso lleno de dolor y tristeza.

Pablo Ruiz Picasso (1881-1973) es el pintor español más conocido en el mundo. Consagrado como el creador del cubismo y el autor del Guernica, la realidad es que Picasso es mucho más: un símbolo de la búsqueda continua de nuevos caminos que la pintura hace en el siglo XX. Así, Picasso tiene una época azul, una rosa, una negra, una cubista, una realista, una surrealista… Entre 1901 y 1904 Picasso pintó una serie de obras en las que predomina el color azul, un dibujo preciso de figuras humanas distorsionadas y alargadas a la manera del Greco y unos temas llenos de melancolía, dolor, pobreza y soledad. Es la época azul. Picasso dijo que “no era suficiente con conocer las obras de un artista. También hay que conocer cuándo las hizo, por qué, cómo, en qué circunstancias…”. Las circunstancias de la época azul comienzan con el suicidio de Carlos Casagema, uno de los amigos más queridos de Picasso. Picasso se traslada poco después a vivir a París, al estudio dónde vivió Casagema e intenta, sin mucho éxito, triunfar en la pintura. Pobre, extranjero, solo, rememorando al amigo muerto, es fácil entender que Picasso se sumiera en la tristeza, que comenzara a ver el lado duro de la vida, la miseria, la soledad, la desesperación. Y que fueran esos los sentimientos que reflejara en sus cuadros.

La melancolía de la época azul de Picasso, se plasma en el Gran Autorretrato azul, que representa al joven de 20 años pálido y demacrado durante el invierno de 1901 y constituye el inicio de una fase de orientación artística y persona, fue en este año que se suscitó el suicidio de su mejor amigo Casagemes debido a un desengaño amoroso y esto da inicio a la época azul. A raíz de esto Picasso empieza a crear un universo de triste seriedad con tonos azules, los marginados por la sociedad, personajes habituales en las calles y las tabernas de las grandes ciudades como mendigos, ciegos, y mujeres solitarias sumidas en la miseria, pueblan ahora sus cuadros, esta época representa las obras más célebres y enigmáticas del pintor.

Estas obras se caracterizan por una opresiva atmósfera de desesperanza los omnipresentes tonos azules confieren a los cuadros un carácter irreal, más allá del tiempo y el espacio. Es muy difícil descifrar el significado de las pinturas azules, y Picasso siempre evitó dar explicaciones al respecto, Cuando expuso ´por primera vez los trabajos de esta época, los críticos elogiaron el expresivo simbolismo de los cuadros, pero censuraron su profunda tristeza. Entre las obras más representativas de esta época encontramos El gran autorretrato azul, La vida, El viejo guitarrista, Las dos hermanas entre otras.

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Cubismo

The Woman at the Well (1913) - Diego Rivera

El término se deriva de los cubos y las formas geométricas que forman las obras pertenecientes a esta corriente.

Louis Vauxcelles lo apodó de tal forma, debido a la composición que el artista Braque utilizaba en sus obras.

Nacido a inicios del siglo XX en París, primero en el campo de la pintura y después se extendió a otras técnicas.

Se caracteriza por romper la perspectiva tradicional, lo que intenta es representar en un mismo plano el mismo objeto desde distintas perspectivas. En un inicio manejaban principalmente tonos apagados, pero posterior mente se empleó la gama de colores. Con cada autor, la atmósfera dimensional y las dimensiones tomaban valores distintos. La graduación de luz a sombre de pierde casi por completo.

Varios exponentes han dicho estar influenciados por las figuras africanas y un tanto de la perspectiva de Cézanne, ya que desfragmentaba las imágenes, inspirado en las nuevas olas artísticas.

El cuadro “Las señoritas de Avignon”, es considerada la primer a obra cubista.

Les demoiselles d’Avignon (1907) - Pablo Picasso

Etapa analítica

Podría ser la etapa más temprana. Se analizó el uso de formas geométricas y diferentes planos sobrepuestos para representar las formas separadas de los sujetos en la pintura, se eliminó el color original de las cosas y manejaron tonalidades monocromáticas

Still Life with a Bunch of Grapes (1912) -  Georges Braque

Etapa sintética

Construía la forma y buscaban algo más parecido a lo real, eliminando la saturación de tantos puntos de vista diferentes en el objeto. Además, el color es traído de regreso y se comienza a experimentar con materiales mixtos, todo a modo de extracción de la realidad.

The Sunblind (1914) - Juan Gris

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Hoja 16. Los Muralistas Parte 1 de 3

Edward Weston Retrato de Diego Rivera 1923 Gelatina sobre plata 18.4 x 24.1 cm http://www.artnet.com/artists/edward-weston/portrait-of-diego-rivera-retrato-de-diego-rivera-a-EL61_KvBbC38lH_a5StJ0Q2

Uno de los mayores iconos de la pintura mural es claramente Diego Rivera, su crítica al sistema capitalista y su clara inclinación al socialismo soviético fueron los temas centrales de sus murales, pero Diego no solo es el gran muralista, tiene una larga historia pictórica que llega desde sus pinturas cubistas hasta sus retratos por encargo. 

Paisaje Zapatista 1915 Óleo sobre tela. 144 x 123 cm Museo Nacional de Arte. INBA. https://mxcity.mx/wp-content/uploads/2017/01/Los-zapatistas-.jpg

Personalmente no sabía que Diego Rivera había tenido una época cubista, Diego en su juventud salió de México y se fue a París donde conoció la corriente cubista de Pablo Picasso y se quedó ahí un tiempo. Mientras estaba en Francia el seguía atento a lo que sucedía en México así que supo de la revolución y creo este cuadro, que es un campesino armado en la sierra, una alegoría a la lucha del campesino por sus tierras. Entre otros trabajos que hizo durante su etapa cubista fueron retratos a varios de sus amigos. Una vez terminada la revolución y de agarrarse a madrazos con Picasso, dejar a su esposa e irse a Italia a estudiar a los maestros renacentistas, Diego regreso a México donde un recién nombrado secretario de educación pública José Vasconcelos lo llama para hacer murales en las escuelas públicas. 

La creación 1922 Fresco Antiguo Colegio de San Ildefonso http://www.sanildefonso.org.mx/mural_anfiteatro.php?iframe=true Este fue su primer mural que está en el anfiteatro de la Escuela Nacional Preparatoria y ahora Antiguo Colegio de San Ildefonso. El mural es una versión Mexicana de la creación bíblica, con personajes de piel morena y vestidos populares. Al más puro estilo renacentista Rivera apoyo al nacimiento de esta corriente. Su ideología socialista lo llevo a acercarlo a otros muralistas como David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco. Entre sus murales se juegan con los temas de la clase trabajadora, la clase alta y despilfarradora llena de vicios, la lucha y esperanza del despertar del pueblo y diversas situaciones idealistas que con simbolismos y personajes dan cierta característica de vida a sus murales. En otro post podremos ver más de su trabajo explícitamente sobre los murales de la SEP en donde realizó un autorretrato con la foto que está al principio de esta entrada. Podríamos pasarnos todo el tiempo ha mando de sus murales y sus significados y personajes pero quiero remarcar este en específico que es el que más me gusta. 

La realización de un fresco. 1931 Fresco Instituto de arte de San Francisco. https://www.wikiart.org/en/diego-rivera/the-making-of-a-fresco-showing-the-building-of-a-city-1931 Entre todos los murales de Rivera este es el que más me gusta, más allá del tema de este por el ingenio con el que está armado. En el se puede observar como Diego se pinta a si mismo pintando el fresco que debe hacer. Me resulta brillante el cómo está ideado, una auténtica obra de arte.

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Cubismo 1907

George Braque junto con Picasso son los inspiradores del movimiento y algunos de los principales maestros son Juan Gris, Fernand Leger, Jean Metzinger y Albert Gleizes, pero con anterioridad, Cézanne ya habría marcado el camino.

El Cubismo es un arte mental, se desliga completamente de la interpretación o semejanza con la naturaleza, la obra de arte tiene valor en sí misma, como medio de expresión de ideas. La desvinculación con la naturaleza se consigue a través de la descomposición de la figura en sus partes mínimas, en planos, que serán estudiados en sí mismos y no en la visión global de volumen.

Así un objeto puede ser visto desde diferentes puntos de vista, rompiendo con la perspectiva convencional y con la línea de contorno. Desaparecerán las gradaciones de luz y sombra y no se utilizarán los colores de la realidad, apareciendo en las representaciones el blanco y negro. Las formas geométricas invaden las composiciones. Las formas que se observan en la naturaleza se traducirán al lienzo de forma simplificada, en cubos, cilindros, esferas. Nunca cruzaron el umbral de lo abstracto, la forma siempre fue respetada. Los principales temas serán los retratos y las naturalezas muertas urbanas.

ETAPAS

Cubismo Analítico Caracterizado por la descomposición de la forma y de las figuras en múltiples partes, todas ellas geométricas. El objetivo es examinarlas y ordenarlas por separado. Es el cubismo más puro y el de más difícil comprensión.

Cubismo Sintético Al Cubismo Analítico le sucede el cubismo sintético, que es la libre reconstitución de la imagen del objeto disuelto. El objeto ya no es analizado y desmembrado en todas sus partes, sino que se resume su fisonomía esencial. La síntesis se realiza resaltando en el lienzo las partes más significativas de la figura que serán vistas por todos sus lados.

Pablo Ruiz Picasso (1881-1973)

Las Señoritas de Avignon anuncian su producción cubista, donde rompe con todas las normas tradicionales de la pintura figurativa fragmentando la perspectiva en volúmenes cuadrados y angulosos. El título se refiere aun burdel barcelonés situado en una calle con el mismo nombre. Vemos el influjo de Cézanne, del arte ibérico y de la escultura negra. Las mujeres que aparecen desnudas tienen desfigurados sus rostros, algunas de ellas recuerdan máscaras africanas.

El Guernica 1937

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Exposición Retrospective - David Hockney

Celebrando sus 80 años, el centro Pimpidou nos invita a descubrir los sesenta años de vida artística y profesional de David Hockney. Bajo diversas retrospectivas, desde su infancia en Bradford hasta sus últimas creaciones realizadas en Yorkshire, he podido apreciar la ploriférica evolución del artista dividida en varias etapas.      

Ademas del style pop hedonista representado en California y sus célébres Pool Paintings, Hockney se interesa por las diferentes técnicas modernas de producción de imágenes fusionando pintura y fotorafia. Inspirándose  de la herencia dejada por los fundadores de la pintura moderna, podemos reconocer en sus obras lo colores intensos y expresivos de Matisse mezclados con el estilo cubista de Picasso. Dichos ejemplos estarán presentes a lo largo de toda su vida.

La diversidad de viajes que realizó a capitales como París, New York o Londres sin tener en cuenta sus estancias en Los Ángeles, California o Japon, seran en parte otra fuente de inspiración reconocible en sus creaciones: Dos hombres en la piscina o Le Parc de Sources en Vichy. Este estilo de los 70 se caracterizará sobre todo por una obsesión del naturalismo, contrastando fuertemente con los colores llamativos y las formas geométricas.

Una de las curiosidades que las me chocaron en su exposición es que Hockney solo retrataba a sus familiares o amantes, hecho perceptible en obras como : Christopher Isherwood and Don Bachardy. Su interés por revistas como Physique-Pictorial demostraban su hedonismo y su interés por la belleza.

Después de su experiencia en la Tate Gallery de Londres, Hockney presento lo que iba a ser su forma artística : « Picasso pouvait maitriser tous les styles. La leçon que j’en tire c’est que l’on doit les utiliser tous ».  Demostrándonos su versatilidad desde el Pop Art de Jasper Johns a la pintura abstracta de Morris Luis, composiciones como  « joiners » con fotos polaroid nos demuestran su ímpetu de renovarse ciclicamente.

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Damaris Hurtado Pérez: Le Cubisme: Repensar el mundo

La exposición Le Cubisme propone un recorrido cronológico en cuatro secciones para que el visitante pueda observar de qué manera el cubismo evolucionó y como los artistas aquí representados influyeron en todo el arte posterior. Más de trescientas obras y numerosos documentos, nos ayudan a entender el relato cubista, dilatado en el tiempo, variado en sus aportaciones y escenarios, y epicentro de las Vanguardias históricas.

A los cubistas siempre les importó el punto de vista del espectador, la manera en que éste percibe los objetos representados, en su mayoría objetos cotidianos, (botellas, periódicos, pipas, vasos, instrumentos musicales) que se convierten en experiencias visuales para ordenarse en el inconsciente y hacerse reales, obligando al receptor a poner en funcionamiento la imaginación porque las obras nunca funcionan como una totalidad.

Autor colaborador: Maira Herrero,  Master en Filosofía.

    La exposición Le Cubisme propone un recorrido cronológico en cuatro secciones para que el visitante pueda observar de qué manera el cubismo evolucionó y como los artistas aquí representados influyeron en todo el arte posterior. Más de trescientas obras y numerosos documentos, nos ayudan a entender el relato cubista, dilatado en el tiempo, variado en sus aportaciones y escenarios, y epicentro de las Vanguardias históricas.

A los cubistas siempre les importó el punto de vista del espectador, la manera en que éste percibe los objetos representados, en su mayoría objetos cotidianos, (botellas, periódicos, pipas, vasos, instrumentos musicales) que se convierten en experiencias visuales para ordenarse en el inconsciente y hacerse reales, obligando al receptor a poner en funcionamiento la imaginación porque las obras nunca funcionan como una totalidad.

Siete años (1907-1914) fueron suficientes para que un número importante de artistas, encabezados por Picasso y Braque, cambiaran la percepción del objeto y trasladaran toda su complejidad a la superficie plana del lienzo, descomponiendo los volúmenes y revelando su estructura interna. Ya no es un arte de imitación, sino de pensamiento. Es una nueva manera de expresión plástica que abre unas posibilidades insospechadas, un mundo desconocido de belleza. Aquí comenzó un nuevo lenguaje, el del Cubismo y con él, la Modernidad.

París, la capital cultural del mundo a comienzos del siglo XX era una fiesta, se dieron cita jóvenes llegados de todos los rincones para impregnarse del ambiente artístico de la ciudad. El cambio cualitativo que se estaba produciendo en Occidente trastocó el significado del espacio y el tiempo, y el cubismo fue un reflejo de esa transformación.

El joven Daniel-Henry Kahnweiler llegó a París con la idea de hacer algo grande en el mundo del arte y en la primavera de 1907 abrió en el número 28 de la rue Vignon una pequeña galería. Un año más tarde, el 9 de noviembre de 1908, colgarían de sus paredes 27 obras de Georges Braque. Meses antes el jurado del Salon d’Automme de París, rechazó cuatro de las seis pinturas que Braque había presentado. Matisse, miembro del jurado, le comentó en tono jocoso al crítico Louis Vauxcelles que los cuadros de Braque,  los paisajes de l’Estaque, parecían petites cubes.  Este fue el detonate que abrió la puerta grande a Kahnweiler, convertido de la noche a la mañana, en el primer marchante del cubismo. Sin premeditación y con más intuición que conocimiento la exposición de la rue Vignon, resultó ser la primera manifestación pública del cubismo y el comienzo de una historia interminable. Cuando Vauxcelles publicó la reseña de la muestra, se refirió a estas pinturas como cubos, aquí está el origen del término.

    Georges Braque, Les Usines du Rio-Tinto à L'Estaque, automne 1910. Huile sur toile, 65 x 54 cm

 Pero sería el poeta Guillaume Apollinaire, responsable del texto de la exposición de Braque, quien apoyaría con fervor esta nueva manera de entender la realidad en las artes plásticas. Su relación con los pintores del Bateau Lavoir se remonta a 1904, justo en el momento que Picasso se instaló de manera permanente en París. Apollinaire escribió en revistas especializadas, desde fecha muy temprana, sobre algunos de los artistas que más tarde formarían parte del grupo cubistas. La publicación en 1913 de Méditations Esthétiques. Les Peintres Cubistes, resultó una guía imprescindible para poder entender el nuevo rumbo de la pintura y un apoyo fundamental para su difusión, el poeta supo interpretar con acierto a los cubistas. El Cubismo y la poesía mantuvieron siempre una estrecha relación. Los poetas Max Jacob, André Salmon y Pierre Reverdy vieron en el cubismo la síntesis entre el mundo intelectual y el sensible.

Marie Laurencin

Apollinaire et ses amis (2ème version) (1909)

En donde calló mi juventud

ves la llama del futuro

debes saber que hablo hoy

para anunciar a todo el mundo

que por fin ha nacido el arte de la profecía. Apollinaire

 Paul Cézanne es el padre de todos nosotros, dijo Picasso. Los cuadros de Cezanne fueron el punto de partida del arduo trabajo que iniciaron Braque y Picasso para consolidar una nueva manera de entender el arte, en esa búsqueda de representar las cosas como son realmente, y de qué manera el espacio y el tiempo influyen en esa representación. También queda patente la influencia de Gauguin (lo primitivo y salvaje) y del arte de las máscaras africanas, en una vuelta a lo originario. Dos cuadros de Picasso, el retrato de Gertrude Stein y su autorretrato, ambos en la exposición, son un claro ejemplo de estas influencias.  El gran lienzo, Les Demosilles d’Avignon (1907) fue el último escalón de entrada al cubismo. A los dos jóvenes maestros pronto se sumaron Juan Gris y Fernando Léger.  La estrecha colaboración que se generó entre los artistas que se iban acercando al cubismo consolidó el movimiento. Nuca tuvieron problema en intercambiar descubrimientos, dudas y experiencias, se sentían libres, no había límites y no respondían a ningún ideario, simplemente querían cambiar el mundo.

   Picasso, Pains et compotier sur une table (1909)

                                                                                      La sala 41 del Salon des Indépendants de 1911 fue el reconocimiento para muchos de la ruptura con los cánones de la tradición artística y un escándalo para otros, la evidencia de nuevas formas y enfoques artísticos eran hechos consumados. Delaunay, Gleizas, M.Laurencin, Léger, Metzinger, Picabia y Kupka, fueron algunos de los artistas que expusieron sus obras y  se sumaron a esta nueva manera de comprender la representación de la realidad. Marcel Duchamp no participó en el Salon pero en esta época comenzaron sus primeros escarceos con el cubismo que utilizará para crear su propio mundo. Participó en los domingos de Pateaux, punto de encuentro de los pintores de ese nuevo cubismo donde se discutía de pintura, filosofía y matemáticas.

Fernand Léger, La Noce (1911 - 1912)

Un año más tarde, en 1912 el Grupo de Pateaux o grupo de Section d’Or, quedó consolidado y entre sus intereses destaca una estructura cromática definida por el movimiento de las formas geométricas. Delaunay fue uno de los representantes más destacados de esta línea de trabajo. En sus cuadros las combinaciones de color participan como elemento simbólico y su pincel aplica las técnicas de los puntillistas, buscando la pura experiencia de sensaciones. Meztinger y Gleizes actuarían como los teóricos del grupo y publicarían un ensayo, Du cubisme que incluía ilustraciones de sus integrantes, desde Cézanne a Picabia. El poeta Blaise Cendrars diría: “Ya no me interesa el paisaje / Sino la danza del paisaje “.

Ese mismo año Juan Gris firmó un contrato de exclusividad con Kanweiler.  Mientras Braque y Picasso siguen con sus investigaciones y llegan al llamado cubismo sintético con la aparición del collage. Adhieren al lienzo trozos de periódico, hule, cuerda, y papeles decorativos, además de texto y un colorido más vivo que el de la etapa anterior. Los formatos de los lienzos aumentan de tamaño, y se disuelve la distancia entre fondo y objeto. ¡Es un mundo nuevo!

   Picasso Nature morte à la chaise cannée de (1912) ou sa Guitare en tôle et fils de fer (1914)

   Georges Braque, Compotier et cartes, début 1913, Paris. Huile, rehaussée au crayon et au fusain sur toile, 81 x 60 cm

 El lenguaje pictórico cubista se trasladó a la escultura y evolucionó de la misma forma pasando del volumen al desarrollo de la línea en el espacio. En este campo destacan el lituano Lipchitz y el francés  Henri Laurens.

La Primera Guerra Mundial, 1914 pone fin al sueño cubista. Braque marcha al frente junto con Léger, Gleizes, Metzinger y Jacques Villon. Picasso y Juan Gris en su condición de extranjeros continuaron trabajando en la soledad de sus estudios y dejan de compartir inquietudes pláticas. Gris fue el único artista que se mantuvo fiel al lenguaje cubista hasta su muerte en 1927. Su pintura alcanzó un gran virtuosismo sin perder un ápice del aura de misticismo que rodea todo su trabajo. En estos años convulsos ninguno de los artistas quiso reflejar el horror del frente y algunos tardaron tiempo en recuperarse del trauma de la guerra.  Muchos abandonaron el cubismo y buscaron otros caminos para plasmar la forma y el espacio, pero siempre permanecieron fieles el espíritu que les unió.

  Albert Gleizes, Portrait d'un médecin militaire (1914)

   Marc Chagall, Les portes du cimetière , 1917

 El recorrido de la exposición lo cierra una obra de Marcel Duchamp, Fresh Widow de 1920. Es la maqueta de una ventana de madera pintada de verde claro, con ocho paneles de cristal cubiertos con cuero negro que el artista encargo a un carpintero. El título de la obra alude al juego de palabras, entre french window y fresh widow, para resaltar la ambigüedad de la relación entre el artista, la obra y el espectador. Duchamp había roto todas las cadenas.

                Una vez concluido el movimiento cubista su influencia continuó en sucesivas generaciones de artistas.  El Surrealismo, D’ Stijl, el Suprematismo y el Constructivismo son algunos de los movimientos herederos del legado cubista y buscadores de nuevas referencias artísticas para configurar otros ideales estéticos.

La muestra se puede visitar en el Centre Pompidou de París hasta el 25 de febrero y a partir del 31 de marzo hasta el 5 de agosto en el Kunstmuseum de Basilea.

  - Le Cubisme: Repensar el mundo -                        - Alejandra de Argos -

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