#EXPOSICIÓN COLECTIVA INTERNACIONAL

[cristinabcn]

U.S.A.: "VERANEARTE" EXPOSICIÓN COLECTIVA INTERNACIONAL

By SolutionArt Apreciados artistas cordial saludo. Tenemos el gusto de invitarlos a esta Colectiva Internacional que se llevará a cabo en uno de los lugares de Miami más emblemáticos y que siempre reserva para nosotros un tiempo especial, y este año nos recibe en el Cálido Verano.. MIAMI HISPANIC CULTURAL ARTS CENTER, esa Majestuosa Casa/Museo nos abre sus puertas de manera muy generosa y del 8…

[notasfilosoficas]

"Donde no puedas amar, no te demores"

Frida Kahlo

Magdalena Carmen Frida Kahlo, fue una pintora reconocida como un ícono pop de la cultura de México, nacida en Coyoacán, al sur de la Ciudad de México, en julio de 1907.

Fue la tercera hija del fotógrafo Guillermo Kahlo, inmigrante alemán nacionalizado mexicano, y de Matilde Calderón mexicana proveniente de Oaxaca, de madre española y padre indígena.

Después de sus dos hermanas mayores, Matilde y Adriana, nace su único hermano Guillermo, quien sobrevivió solo unos días. Después de nacer Frida, once meses después nace su hermana Cristina, quien fuera su constante compañera y la única que dejó descendencia.

La vida de Frida estuvo marcada desde muy temprana edad por el sufrimiento físico y las enfermedades. Contrajo poliomielitis a la edad de 6 años, dando inicio a una serie sucesiva de enfermedades, lesiones diversas, accidentes y operaciones. 

Sus limitaciones motrices hicieron que Frida se viera muchas veces impedida de realizar actividades con otros niños, y varios de sus cuadros posteriores, reflejaron la temática de la soledad de su infancia.

Se dice que fue alumna del Colegio Alemán hasta 1921, y que allí habría obtenido su certificado escolar, aunque las actas del colegio no brindan prueba de ello.

En 1922 ingresó a la Escuela Nacional Preparatoria de la Ciudad de México, una prestigiosa  institución educativa de la cual habían empezado a admitir mujeres. Frida pretendía estudiar medicina. Fue en esta escuela que Frida conoció a futuros intelectuales y artistas mexicanos como Salvador Novo.

El 17 de septiembre de 1925, Frida sufrió un grave accidente cuando un autobús en el que viajaba con su novio, fue arrollado por un tranvía. Su columna vertebral quedo fracturada en tres partes, sufriendo ademas fracturas en dos costillas, clavícula y en el hueso pélvico. Su pierna derecha se fracturó en once partes y su pie se dislocó.

La medicina de su tiempo la atormentó con por lo menos 32 operaciones a lo largo de su vida, corsés de yeso así como diversos mecanismos de estiramiento.

Fue durante su larga convalecencia, que Frida Kahlo, hizo de la pintura un papel central en su vida. Poco antes del accidente, había trabajado como aprendiz en el taller de grabado e imprenta de Fernando Fernandez Dominguez, un amigo de su padre, quien en medio del trabajo, le había enseñado a dibujar copiando grabados.

Ya como una figura artística, Frida contrajo matrimonio en agosto de 1929 con el pintor y muralista Diego Rivera, con quien viviera un circulo de amor-odio que culminó en divorcio 10 años después, para volverse a casar un año después.

Tras un autoexilio y debido a la fama y reputación de Diego Rivera en Estados Unidos, Frida y Diego vivieron de 1931 a 1934 la mayor parte del tiempo en Nueva York y Detroit. Cuando regresaron a México en 1933, Rivera tuvo un romance con la hermana menor de Frida, situación que la afectó profundamente, y dio un giro determinante en sus relaciones de pareja, y aunque llegaron a superar su desavenencias, Frida inicio otras relaciones amorosas tanto con hombres como con mujeres, que continuaron el resto de su vida.

La obra de Frida giró principalmente alrededor de su vida y su propio sufrimiento. Fue autora de 150 obras, principalmente autorretratos en los que proyectó sus dificultades para sobrevivir. Participó en importantes exposiciones colectivas en Estados Unidos y en Francia, una de sus obras fue adquirido por el Museo de Louvre. La obra de Frida Kahlo, recibió el reconocimiento internacional después de su muerte, y recibió la admiración de importantes pintores e intelectuales de la época como Pablo Picasso, Vasili Kandinski, André Breton, Marcel Duchamp, entre otros.

En 1953, en la Ciudad de México se organizó la única exposición individual durante la vida de la artista.

Frida Kahlo murió en Coyoacán en julio de 1954 a la edad de 47 años, sus restos fueron velados en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México y su cuerpo incinerado, en donde sus cenizas se conservan en “La casa azul” de Coyoacán, lugar que también la vió nacer.

Fuente Wikipedia

[archundiamario]

Arte21 Plataforma Colectiva: Los perros obra de Elena Garro

La tarde del miércoles primero de marzo, fue la apertura de esta importante exposición  en el mismo Centro Cultural Elena Garro, donde 17 artistas plásticos se dieron cita, para  interpretar la obra  de "Los Perros" dramaturgia de esta autora poblana. Que vivió en carne propia los excesos del abuso, el racismo y el abandono completo a sus letras por muchos años. Y es esta colectiva de artistas, que plasman en sus lienzos, la denuncia de una sociedad machista, misógina y violentadora, que aun persiste en nuestros días. y que tiene como eje esta obra que de la misma forma es llevada a escena en el auditorio del CC Elena Garro, de tal forma, que sin duda obra teatral y plástica, unen esfuerzos en claro para dignificar el día internacional de la mujer, que tiene fecha en este mes de marzo. Un estupendo esfuerzo de  Arte 21  Plataforma Colectiva, que reúne lo mas representativo de varios estados de la republica.

[vitrinanorte]

Diplomado Microcuradurías finaliza exitosa segunda edición

La segunda versión del diplomado Microcuradurías, organizado por la Corporación Cultural SACO, culminó con 11 nuevos curadores latinoamericanos, luego de un proceso de co-construcción de aprendizaje junto a una veintena de docentes de diversas áreas del conocimiento.

Tras siete meses de clases virtuales y módulos presenciales intensivos, el 18 de octubre se dio cierre al diplomado, que forma parte de la programación de SACO, presentada por Escondida | BHP y financiada por el Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras, PAOCC, del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio.

A la ceremonia de finalización asistieron los 11 estudiantes que culminaron de manera exitosa el proceso. Días previos a la entrega de diplomas, los participantes provenientes de Brasil, Perú, Argentina y diversas ciudades de Chile participaron del módulo final del diplomado, que incluyó clases te��rico-prácticas dictadas por la artista, curadora, investigadora y educadora brasileña, Yana Tamayo y la doctora en artes, actriz y directora del colectivo artístico El cuerpo habla de Colombia, Ángela Chaverra; además de la presentación de sus proyectos finales y la preparación de la acción performática colectiva que se desarrolló en el Parque Ecorayen.

Los estudiantes ya habían compartido de manera presencial en julio, durante el módulo intensivo realizado en el observatorio Paniri Caur, ubicado en la localidad de Chiu Chiu, donde ejecutaron una acción efímera guiada por los docentes Julio Escobar, Romina Yere y Rodrigo Gómez Rovira. Esta semana de trabajo dio vida a la exposición virtual ¿Cuándo una fotografía pierde la memoria?, muestra que reúne una selección de fotografías capturadas en el taller La imagen tangible, dictado por el fotógrafo Rodrigo Gómez Rovira.

Sobre el diplomado, la directora de SACO, Dagmara Wyskiel, destaca que es “una alternativa concreta a los sistemas de la educación de arte con estructuras añejas y centralizadas, ese el objetivo de este diplomado. Estamos felices que hoy parte a ejercer esta difícil labor una nueva generación, muy comprometida con sus territorios y temáticas locales. Cada uno de ellos es un grano de arena para impregnar el arte en la vida, en su rincón en Latinoamérica”.

“Contar con estudiantes de otros países es altamente gratificante ya que demuestra la importancia de SACO para fortalecer el arte sin fronteras ni sesgos, dando cabida a la concientización, educación y creación desde investigaciones transdisciplinarias y a la transformación social que van desde el desierto de Atacama hasta los territorios que habitamos. Agradezco a los maestros por cada clase, ya que son conocimientos que perdurarán en el tiempo. No es fácil enseñar arte, pero la misión está cumplida”, fueron las reflexiones de Pedro Clavería, estudiante que estuvo a cargo del discurso final en representación de sus compañeros de generación.

De esta manera culminó este programa de especialización, enfocado en el entendimiento y práctica de la curaduría de arte contemporáneo, cuyo objetivo es transformar al Desierto de Atacama en un polo internacional y punto de encuentro, en línea con los objetivos de SACO de generar espacios propicios para incentivar el pensamiento crítico, apostando por la descentralización y deselitización de la práctica curatorial.

Bienal SACO, presentada por Escondida | BHP y financiada por el Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras PAOCC del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio.

[agendaculturaldelima]

   #EspacioAtemporal #FotografiaPeru

🖼 “ALEATORIEDAD DE LA DERIVA” 📷

💥 Exposición que es el resultado de una semana explorando de manera fotográfica a la deriva en la ciudad de Niort (Francia), durante una residencia artística. La dérive es una metodología propuesta por el situacionista Guy Debord, donde se reflexiona sobre urbanismo y la posibilidad de un recorrido sin fines mercantilistas. La deriva es la chance también, de una exploración psicológica sobre el espacio. A través de una serie fotografías del paisaje psicogeográfico local, dónde el azar y la sorpresa impregnan el recorrido..

👩 Artista: Víctor Gamarra Goicochea

🔎 Curaduría: Pilar Casaleiz Fuentes

 © Producción: Alianza Francesa Cultura / Lima.

📌 Inauguración:

 📆 Miércoles 09 de Octubre

🕖 7:00pm.

🏛 Galería Le Carré D’Art de la Alianza Francesa (av. Javier Prado Este 5595 - La Molina) 

🎯Temporada: Hasta el 16 de Noviembre

👪 Visitas: Lunes a Sábado 🕙 10:00am. a 8:00pm.

 🚶‍♀️🚶‍♂️ Ingreso libre

📝 CV.- (Lima, Perú, 1981) Piloto de aerolíneas y fotógrafo de proyectos de autor, documentales y de calle. Ha participado en diversas exhibiciones colectivas y dos individuales. Ha sido seleccionado para la residencia del “Espacio Tandem” en Argentina y la residencia artística a cargo de Joan Fontcuberta: “Encounters of Young International Photography” en Niort, Francia, así como también fue seleccionado para “Foto Latina 2022” en Nuevo León, México y el taller “La residencia de Nicolás Wormull” en el Festival Internacional de Fotografía de Valparaíso 2022. Ha sido becado para el programa “Hoja de ruta Fosi Vegue”, así como para el workshop “Building a body of work in the real world” de La Luz Workshops. Recientemente ha sido seleccionado para la beca online “Creadores de imágenes 2024. Su trabajo está enmarcado dentro de las nociones de psicogeografía y la deriva como estrategias para perderse en la urbe y contar historias a través de la imagen. Trabaja principalmente cámaras de Gran Formato y mediano formato analógico.

🌐 Web: https://victorgamarra.squarespace.com/

📷 Instagram: @victorgamarragoicochea  

[diarioelpepazo]

Inauguran este viernes 26, cinco y cuarto de la tarde, los maestros Dina Atencio, Jesús Pérez, Mario Labarca, Ricardo Reyes, Freddy Paz y Manuel Hernández. Arte para fluir y dejar fluir, en la portentosa cosmogónica de cada uno de ellos, reconocidos y consagrados artífices de sueños y esperanzas a partir de sus respectivos oráculos creadores. Energía radiante desde cada esencia. Alexis Blanco El título subyuga, plácido y sencillo: “Ella hace casas para colibríes y su cabello es un jardín de flores”. Se trata de una exposición que refleja arcoiris preciosos en hora crepuscular: en la galería Espacio 14, inauguran, el viernes 26, cinco y cuarto de la tarde, los maestros Dina Atencio, Jesús Pérez, Mario Labarca, Ricardo Reyes, Freddy Paz y Manuel Hernández. La primera notable colectiva del 2024, en los espacios que regenta la diligente Lorena Villasmil, cuya última exposición ha sido la de la artista Carolina Vollmer. El título registra y ofrenda la atención estética de este exitoso hexagonal conjunto de ases en flor de las artes visuales en la ciudad, hacia una necesidad profunda de fluir en atmósferas muy particulares y con una necesidad común de transmitir paz y armonía entre quienes devienen en sus espectadores. Arte para fluir y dejar fluir, en la portentosa cosmogónica de cada uno de ellos, reconocidos y consagrados artífices de sueños y esperanzas a partir de sus respectivos oráculos creadores. Energía radiante desde cada esencia. Auspiciosa y bella esta concitación de enero bendito que nos ofrenda Lorena Villasmil, quien abre las puertas de su casa mágica para que la ciudadanía asista a una rica ceremonia visual. Lorena plantea que “La exposición aborda la particular visión figurativa de cada uno de ellos, donde el color, texturas, transparencias y otros recursos, se unen para generar planos de interés en la escena pictórica. El arte en Maracaibo, tiene la particularidad de ser vibrante y estar inmerso en una línea expresiva que se diferencia del resto del país. Nuestros artistas le dan sentido a eso, apropiándose de situaciones reales o generadas por la imaginación, que bajo su visión lo transforman todo y dan como resultado obras cargadas de una emocionalidad  propia  que las diferencia…”. Espacio14 queda en el 60-20 de la avenida 14B, Maracaibo. Allí, subraya Lorena Villasmil, se “valora el trabajo de nuestros artistas, quienes poseen  una larga trayectoria dentro de la plástica en la ciudad y que algunos de ellos, han sabido priorizar y alternar la docencia y otras actividades con la producción de su obra; situación que no los ha hecho desistir, ni desviar su camino, llevándolos así,  a ser reconocidos y premiados en los diferentes encuentros que han tenido con el arte en los diferentes espacios de confrontación a nivel nacional e internacional”. Dina Atencio recién corona la madurez macerada tras veinte años de amorosa tenaz pasión por desarrollar su condición de artista y su reciente visita a Europa agrega cierto místico encanto a su proceso creador. Mario Labarca es un maestro polímata que despliega sus alas iluminada por diferentes vuelos: música, literatura, filosofía y poiesis visual, siempre transparente y fluido, armónico, profundo y sencillo. Ricardo Reyes extiende sus dedos hacia el aire y mientras formatea y dibuja sus trazos narrativos va contando antiguas historias sobre la épica de los colores en rumba constante consigo mismos. Jesús Pérez suele pasearse por terribles e intrincados parajes de su propia pasión creativa y cada una de sus pinturas deviene en una crónica de artífices serenos y de duendes en fuga. Manuel Hernández aprendió a pintar desde los panópticos cenitales del cosmos y desde allí intenta reinventar sus atávicas fortunas, grafías de generosa esencia estética, memoria de amor ilimitado. Freddy Paz enseñará hasta su último suspiro que el arte es una bendición muy responsable donde todo gesto estará siempre integrado a la didascalia infinita del arte como virtuosa cornucopia. Toda la noble ciudadanía está invitada a Espacio 14, el viernes a las 5:15 de la tarde.

(Fotos cortesía de Espacio 14 y Lorena Villasmil) Fuente: Noticia Al Día. Para recibir en tu celular esta y otras informaciones, únete a nuestras redes sociales, síguenos en Instagram, Twitter y Facebook como @DiarioElPepazo El Pepazo

[gautama-und-noise]

Portales X - por Luis Clériga 'Biz'

Portal I: El contexto post-todo Si bien está evolucionando la música, ¿por qué ahora es más complejo que desarticule momentos capitalistas? el entorno post-internet y post-arte, está barriendo con todo y valdría la pena observar que los ecosistemas se han valido de una especie de suerte post-capitalista, cuando ser dueño de los materiales, de ciertos estándares o equipo de producción, co-gestionar o ser productor autónomx, ha sido ya de los pocos caminos para seguir existiendo en el entorno post-capitalista. sin embargo, la pandemia genera momentos de cierta “ceguera”, en donde las ciudades fungen como escaparates para que las diversas escenas encuentren su manera de co-existir, ya sea mediante entornos de producciones culturales, producciones privadas, y los espacios de desenvolvimiento del underground. En México tenemos ejemplos tanto básicos como variados: del Ex Teresa Arte Actual, el museo y espacio dedicado al performance, hasta Central Funk, un pequeño bar que aloja la música soundsystem, reggae y bass. Físicamente, no hay tanta distancia pero la forma en la que se gestiona su programación y comunidad, sí. Pese a la nostalgia de ver una escena que ya no es la misma, se re-encuentran los ritmos del underground latinoamericano; Diásporas de sonidos, entornos y espacios, se dan lugar encuentros que vienen desde el entorno internacional, con los más actualizados productores y DJs locales. Más allá del discurso de supervivencia o curadurías avanzadas en pleno periodo del 2022-2023, estas células de emancipación parecen ya estar poco a poco perdiendo las narrativas de sus tiempos originales, al grado en donde los promotores están haciendo un esfuerzo por sobrevivir el negocio, más que por generar obra con nuevos discursos, o profundizar más en ellos: es una máquina de entretenimiento que a la vez tiene su lado ilusorio y “ensoñador”, pero al final tanto la obra contemporánea, como los DJs, bedroom producers y trabajos reprocesados o fantasmales (hauntological works) de las diversas escenas están sucediendo, solo que el escaparate post-internet, en donde ya todas las redes sociales han sido adueñadas por compañías comerciales y empresarios monopólicos, terminan por segmentar a varias de estas comunidades, al grado de que si antes podían desarrollar su difusión, venta y emancipación por canales orgánicos con un poco más de alcance, ahora su difusión no llega al nivel de las grandes instituciones culturales o de los escenarios más maquinistas de su tiempo. Al final, estas músicas y estos entornos culturales coexisten gracias a diversos agentes artísticos, ya sea desde el campo creador o el lado gestor, van y se desenvuelven: en

México, empresas colectivas pequeñas como No System generan el soporte, así como colectivos de soundsystem de las periferias, para crear fiestas que si bien caen en ciertos patrones y vicios, de alguna forma propulsan la narrativa de selectores, artistas audiovisuales y no únicamente el beat maquinista, el beat vendedor, en ciudades en donde el agua y la cerveza ya oscilan a precios que nunca antes se hubieran imaginado, la economía inflada ha vuelto que el momento sea preciado, sea dorado, sea auténtico…… Mientras tanto, artistas tecnológicos se desarrollan, siguen amando la música, pero el tiempo también los provoca a ir y tener que generar su propia exposición, sus propios talleres, sus propias formas de hacer diálogos con la comunidad, de encontrar aunque sea frágiles y breves momentos de sustentabilidad, donde se hacen las cosas a base de microeconomías y el apoyo de otras estructuras que quizá tienen un mayor sustento aún que el desarrollo de un arte, si bien es sólido y sabe su valor, sigue siendo un poco complejo de cuantificar en cuanto a diversos procesos. Y sin embargo, ahí está…

Portal  II: División económica y Unión creativa México había tenido una historia de noise en galerías, desde el caos hasta la crisis, transmutando en nuevos panoramas que si bien pueden y deben de coexistir, entornos en una era de muchos extranjeros en las colonias de moda de la Ciudades, teóricamente se podría generar un ecosistema de mayor balance con estos creadores internacionales, pero encontrando maneras de que beneficie balanceadamente tanto a locales, como a internacionales, y que los internacionales de países de mayor privilegio no vengan de forma colonizadora y únicamente a cobrar, si no también a pagar algunos de los beneficios que están obteniendo de este panorama. A esto se le llama reprogramación, para que suceda, se necesitan agentes de cambio, que quizá algunos van surgiendo naturalmente desde las necesidades del entorno actual y con lugares que se pueden dar el lujo de arriesgar con las propuestas artísticas, con una lógica: “yo te rento a precio barato o por intercambio, tu tienes un lugar accesible, puedes hacer tus fiestas y tus talleres.” Pero si pensáramos en todas las posibilidades de una escena post-industrial, y en todas las posibles combinaciones de drogas, en una era en la que reinan drogas como la cocaina, la ketamina o incluso algunas versiones de calle más fuertes en Ciudades dominadas por el narco-tráfico, para muchos clubs se vuelve también una “economía techno”, en donde lxs artistas y los promotores tienen que defender a través de su propuesta, ya sea underground o comercial, el canal para dar con un público, mientras que los lugares tienen que llegar a la renta y a la mayor venta posible. Ahí encontraríamos ejemplos artísticos como las fiestas de Neurokill (DJ capitalinx transincluyente de aggrotech), o diversamente, microescenas creadas por los sellos de noise del momento, con talentos como Mito del Desierto (ruidista del Norte de México), que justamente de manera  transfronteriza encarna algo que sintetiza esta situación: música noise del norte expandiéndose al Sur, fiestas de cumbia y noise a la vez. Somos la combinación de muchos lugares y de muchas épocas a la vez. He ahí esas posibilidades de eclecticismo, en donde el acto más industrial y el acto más noise son considerados ya algo cool o deseable, incluso desde perspectivas más allá del arte, quizá hasta creando nuevos tipos.

de moda, en donde la estética “chola” es explotable pero ameritaría cuestionarse de dónde viene el origen de estas modas. Los proyectos reflexivos se vuelven más que necesarios, ahí vendría el de Malintzin Cortés, aka CNDSD, siendo una productora de arte sonoro y coder que oscila entre sonidos del idm, bass, glitch, que a su manera genera nuevos meta-contextos donde hay cabida para entornos virtuales, arquitecturas digitales, música y también proyectos digitales que cuestionan el uso de la moda. Entra el momento del artista digital que logra balancear todo este contexto, a través de generar su micro-comercio, de dar clases, de moverse como artista contemporáneo, dar presentaciones y proyectos aún más grandes y más profesionales, como Leslie García, aka Microhm que dirige el colectivo Interspecifics, siendo un ejemplo de la nueva vanguardia digital femenina, quizá el entorno de una ciudad con 22,000,000 millones de habitantes, da para más necesidades, para más noise reflexivo aún, pero también para un entorno donde no todas las bandas cuentan con esos privilegios….  Otro ejemplo, sería el dúo de performance ruidista/sexoso Attention Whores, siendo quizá una pareja cis que cuestiona sus privilegios -unx más que otra sí-; una vez más las utopías del noise haciendo de las suyas para que un proyecto siga existiendo, mientras que no cuenta con los mismos tipos de apoyo institucionales, muchas de las fundaciones de arte son tan snobs que ni siquiera considerarían estas propuestas de este tipo de noise avanzado por, en algunos casos, ser visto como algo burdo, bruto, extremo y en otros sobre-preciarlo por cosas basadas en apariencias. Es quizá otro engaño del capitalismo, mientras uno pensaría que una gran cantidad de Likes en redes sociales pueden vender si hay talento, pero no todo es tan substancioso para poder emanar una cultura de cambio en un entorno sobre-saturado, en donde la mayoría de los DJs que no son productores tienen acaparados los lineups planos, muchos de ellos con sets de ritmos latinos o cuatro cuartos dominando las pistas, algunos con ambient breaks un poco más propositivos, mientras que muchxs otros productores de IDM o nuevos creadores de electrónica experimental, difícilmente tienen los mismos espacios en las fiestas, en los horarios top, pero .. ¿podrían? ¿Deberían? ¿Están cambiando las cosas en el entorno post-pandémico?

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Silent Zen / Luis Clériga Silent Zen es el proyecto de arte sonoro del escritor, tornamesista y curador de música experimental, Luis Clériga. Desde 2014, dirige OTONO, plataforma con la cual ha editado álbumes musicales, piezas sonoras, memorias e intervenciones para diversos festivales; un espacio antes conocido como Otoño en Hiroshima. En 2018, empezó una identidad en solo explorando el tornamesismo en vivo, selecciones musicales y contrastes entre el ruido y el silencio. Luis aka Silent Zen, se ha presentado en diversos foros y festivales de México. Ha colaborado y compartido escenario con artistas como Sesión Libre Trío (MX), Oxomaxoma (MX), Yann Leguay (BE), Wolf Eyes (US), Silver Apples (US), Åke Parmerud (SE), Sarmen Almond (MX), Haydeé Jimenez (TJ/LA), MDAP (TJ/SD), Microhm (MX), Cube (NY), Emilio Gordoa (MX/Berlín), DNZA (Tlax), Sunken Cages (NY), entre otros, abordando sensibilidades de ambient, electrónica, jazz, noise y música experimental. En 2019, formó el dúo Bases Zen al lado del percusionista Gerardo Peralta, bajo el cual presentan su primer álbum bajo el título Nuevas Meditaciones (2023), combinando su amor por los sonidos contemplativos y ritmos aventurosos. 

[qoctc]

Inauguran exposición gráfica “Sororidad” en la Casa de la Cultura de Cancún. Para visibilizar el trabajo de la mujer en la industria creativa y en homenaje al del Día Internacional de la Mujer, la gestora cultural Ytzell Delgado inauguró la exposición gráfica colectiva “Sororidad”, en la Casa de la Cultura de Cancún, del Instituto de la Cultura y las Artes. “Sororidad” estará abierta hasta el 31 de marzo. La ilustración de cartel fue realizada por Alejandra Ballesteros, Ytzell Delgado se ocupó de la dirección creativa y el diseño, y con ello se resarce el tejido social quintanarroense con más espacios de convivencia sana para las familias. (en Casa de la Cultura de Cancun) https://www.instagram.com/p/CpkxdvbuRXC/?igshid=NGJjMDIxMWI=

[objecteiespai]

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Generaciones 2024 @lacasaencendida@fmontemadrid El plazo de la convocatoria de Generación 2024 es del 27 de febrero al 17 de abril de 2023. Los artistas cuyos trabajos sean seleccionados obtendrán una dotación de 10.000 euros cada uno.

🔔 IX Premio Internacional de Arte MGF @fundacionmariajosejove El premio, de carácter bianual, está dotado con 12.000 euros y publicación monográfica, y pueden participar artistas de hasta 40 años del cualquier nacionalidad. Hasta el 4 de mayo de 2023.

🔔 Tara Art For Women��@taraforwomenorg El jurado seleccionará a 3 artistas ganadoras que recibirán un premio de 10.000 euros cada una, destinados a financiar el desarrollo y producción de un proyecto artístico concreto. Los criterios a tener en cuenta serán la calidad artística del proyecto, su impacto social y medioambiental, así como la capacidad emprendedora de los concursantes y la viabilidad de llevarlo a cabo. Además, participarán en una exposición en la Gärna Art Gallery con los demás finalistas. Hasta el 22 de marzo.

🔔 Becas de la @fundacionbotin Con una dotación económica de 23.000 euros cada una, estas ayudas funcionan como promoción y apoyo a los artistas que necesitan recursos para desarrollar un proyecto de investigación o de formación. El resultado de este proceso se muestra en la exposición colectiva Itinerarios y en un catálogo. Hasta el 5 de mayo.

[dialegobert]

CCCCPerformance: ESCUCHA!Valencia Exposición Internacional de Artes Efímeras y Experimentación Sonora.

TÍTULO: SITUACIONES Fecha: 19 de junio Lugar: CCCC- Sala Refectori Hora: 18:00 Organiza: GVA Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana y la Plataforma Artística Diàleg Obert.

SITUACIONES Es una obra de carácter experimental que se desarrolla a partir del diálogo entre diferentes artistas, una conversación desde la propia práctica, realizando un proceso de hibridación principalmente entre códigos sonoros y visuales.

SITUACIONES es el laboratorio más experimental alojado dentro de la exposición internacional de Artes Efímeras y Experimentación Sonora: ESCUCHA!Valencia, es un centro de investigación visible, una obra centrada en lo desconocido, desarrollada por investigadores de la plataforma artística Diàleg Obert -DialegKollektiv- y músicos internacionales con una amplia trayectoria dedicada a la experimentación, improvisación e interacción con otras disciplinas artísticas.

En esta sesión de #situaciones contamos con el guitarrista, ingeniero de sonido y compositor suizo Beat Keller. Beat Keller es uno de los músicos suizos más importantes en el campo de la música experimental e improvisada. A través de la exploración de técnicas de interpretación extendidas, afinaciones de guitarra y el uso de una guitarra eléctrica con retroalimentador, ha desarrollado un lenguaje musical único. Keller ha tocado junto con muchos exponentes importantes de la escena suiza e internacional y actúa regularmente en todo el mundo en festivales y salas de conciertos de renombre. Las giras de conciertos lo han llevado varias veces por toda Europa, a los EE. UU., Asia y el sur de África. Como compositor, ha logrado reconocimiento principalmente con Keller's 10, Haiku String Trio y NDR Big Band. Los lanzamientos en CD de Keller's 10 ("Keller's 10" en 2008 y "TWO" en 2013), así como del Haiku String Trio (2016), que fueron recibidos con entusiasmo por la prensa internacional y aclamados por la crítica como excelentes (entre otros en Concerto, Jazz' n'more y Cadence Magazine). El álbum debut de Keller's 10 ganó el premio "Best Debut Release 2008 (worldwide)" otorgado por la revista estadounidense All About Jazz.

[Desde la creación en colectivo se busca la no jerarquización para llegar a esa relación entre los artistas, centrándose en la escucha y la consciencia de las potencias, de uno mismo y del otro, en la posibilidad de crear una anarquía relacional entre todos los elementos: el cuerpo, el objeto, la idea, el sonido, la imagen y la palabra. Se trabaja desde la no imposición entre las partes, que son tratadas al mismo nivel: variables, cambiantes y oscilantes. Desde esta posición, se movilizan las estructuras que sustentan las distintas disciplinas, a la búsqueda de otros territorios posibles en la creación colectiva, y también, en la vida.] Artistas invitados: Beat Keller (Guitarra eléctrica). Diàlegkollective: Kira Pérez (Arte de Acción) Lorena Izquierdo (Arte de Acción y voz) Mario Montoya (Arte de Acción)

[planta-alta]

STAY:

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During the first weeks of May, Planta Alta welcomes Ana Longoni, researcher and coordinator of the Red Conceptualismos del Sur, and researchers Sol Henaro, Elva Peniche, Sylvia Suárez and Cristina Hijar, who are together with a great team, working on the exhibition Giro Gráfico. Como en el muro la hiedra that opens on May 18 at the Reina Sofía Museum.

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The exhibition, which can be visited until October 13, is the result of a long process of collective research carried out by the Red de Conceptualismos del Sur in collaboration with the Museo Reina Sofía. It proposes a journey through the graphic initiatives that, from the 1960s to the present, have confronted contexts of politically oppressive urgencies in Latin America, articulating strategies of transformation and resistance that radically changed the ways of doing, their way of establishing links intersubjective, to build communities and even the very circulation of graphic media.

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Next to exhibition, will be carried out the meetings: Acción gráfica, revueltas y antifascismos. Encuentro internacional sobre Giro gráfico. An international meeting that brings together researchers, artists and activists, seeking to promote exchanges to examine art and graphic political action in Latin America, both in its recent history and in a present characterized by the return of authoritarianism and the loss of civil liberties.

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Red Conceptualismos del Sur is a platform for research, discussion and collective position taking from Latin America founded in 2007.

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PH: Cooperativa Gráfica La Voz de La Mujer, Somos esenciales, 2020

PH and information: Museo Reina Sofía.

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ESTANCIA:

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Durante las primeras semanas de mayo, Planta Alta recibe a Ana Longoni, investigadora y coordinadora de la Red Conceptualismos del Sur, y a las investigadoras Sol Henaro, Elva Peniche, Sylvia Suárez y Cristina Hijar, que se encuentran junto a un gran equipo, trabajando en la exposición Giro gráfico. Como en el muro la hiedra que inaugura el 18 de mayo en el Museo Reina Sofía.

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La exposición, que podrá visitarse hasta el 13 de octubre de 2022, es fruto de un largo proceso de investigación colectiva llevada a cabo por la Red de Conceptualismos del Sur en colaboración con el Museo Reina Sofía. Propone un recorrido por las iniciativas gráficas que, desde la década de 1960 y hasta la actualidad, han confrontado contextos de urgencias políticamente opresivos en América Latina, articulando estrategias de transformación y de resistencia que cambiaron radicalmente los modos de hacer, su forma de establecer vínculos intersubjetivos, de construir comunidades e, incluso, la propia circulación de los soportes gráficos.

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En el marco de Giro gráfico. Cómo el muro en la hiedra, se realizará esta actividad Acción gráfica, revueltas y antifascismos. Encuentro internacional sobre Giro gráfico. Un encuentro internacional que convoca a investigadores, artistas y activistas, buscando propiciar intercambios para examinar el arte y la acción gráfica política en Latinoamérica, tanto en su historia reciente como en un presente caracterizado por el retorno de los autoritarismos y la pérdida de libertades civiles.

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Red Conceptualismos del Sur es una plataforma  de investigación, discusión y toma de posición colectiva desde América Latina fundada en 2007.

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Imagen: Cooperativa Gráfica La Voz de La Mujer, Somos esenciales, 2020

Imagen e información cortesía de Museo Reina Sofía.

[obrasdeartecomentadas]

Nacer, crecer, ser emergente y luego consolidado: la escalera al cielo del arte

En su libro Siete días en el mundo del arte, la historiadora Sarah Thornton revisa de primera mano distintos aspectos que influyen en el entendimiento de las escenas artísticas. Las conversaciones sostenidas en el ámbito educativo, el de las subastas, pasando por las condiciones de trabajo en las revistas de arte hasta llegar los espacios de exposición internacional —como las ferias o las bienales—, nutren el texto de Thornton, mismo que destaca por su desmitificación del arte como un campo democrático, movido únicamente por el intercambio de ideas y buena onda; una apuesta necesaria de parte de la autora para pensar de manera crítica todas las relaciones que posibilitan la visibilización de ciertas prácticas sobre otras.

Al respecto, Thornton comenta esto en la introducción: 

«Mi investigación me ha llevado a pensar que las grandes obras no aparecen: se hacen. No sólo las hacen los artistas y sus asistentes sino también los galeristas, los curadores, los críticos y los coleccionistas que “apoyan” la obra. Esto no quiere decir que el arte no sea grandioso o que las obras que llegan a los museos no merezcan estar allí. En absoluto. Es sólo que la creencia colectiva no es tan simple ni tan misteriosa como podríamos imaginar».

Este libro se publicó en 2008 y recibió una traducción al español tan solo un año después, así que ya hay un tiempo considerable que separa lo que investigó Thornton de lo que sucede en la actualidad. Sin embargo, considero que retomar en pleno 2020 algunas de sus discusiones no está de más: evidentemente en poco más de una década las cosas en el mundo del arte han cambiado, desde cómo se producen las obras hasta cómo se difunden y se habla de ellas, pero a pesar de estos cambios, aún persisten algunas estructuras, como la cantidad de factores no tan azarosos que influyen en la construcción de las carreras y que se pueden observar en el ciclo de vida profesional que se espera que sigan los artistas: definirse o ser definidos como emergentes; conseguir cierto reconocimiento dentro del mundo de arte, lograr que se escriba de ellos, y finalmente hacerse de un lugar dentro de la historia, convirtiéndose en referentes.

México no es un caso aislado de esta jerarquización de las trayectorias. No solo los medios de comunicación recurren a esta estructura para hablar de las carreras de los artistas, sino que también las políticas culturales cuentan con programas que reafirman de alguna forma dicha estructura: por ejemplo, la estratificación de aspirantes en trayectorias A o B, en la convocatoria de Jóvenes Creadores del Fonca, o las categorías de «Creador artístico», «Creador artístico honorífico» o «Creador emérito» del Sistema Nacional de Creadores del Arte, plantean una duda sobre qué tan horizontal es la organización de la comunidad artística en México y qué tan accesibles son las oportunidades dentro de un sistema artístico vertical.

Lejos de cualquier idea de plantear un simple revanchismo y de perfilar cómo debería ser el próximo relevo generacional que ocupe estos espacios de poder, lo que me interesa es pensar en alternativas: qué opciones tienen las próximas generaciones de artistas —que cursan estudios universitarios o son completamente autodidactas— en un país y en una forma de contar la historia en la que las únicas voces que parecen importar son las que ocupan lugares dentro de salas de museos, en ferias internacionales o que ostentan puestos en proyectos públicos.

La pendiente que tienen que subir los artistas en aras del reconocimiento profesional y una vida con cierta estabilidad económica siempre es una ruta escarpada, pero que nunca se sube por cuenta propia. Como mencionó Thornton, las obras no son grandiosas por sí mismas, ya que su reconocimiento depende en gran medida de la promoción de una serie de agentes externos, quienes no apoyan a todas las carreras y en esa misma condición de excepción se dibujan los límites —aunque estos no tengan una base objetiva para instaurarse.

Pero la pregunta sigue. ¿Qué más se puede hacer ante esas circunstancias? De antemano, vale la pena señalar que una reconversión de esta estructura no sucederá de la noche a la mañana: hablamos de un sistema que se ha afianzado con base en la replicación de sus dinámicas a través de décadas, no solo en México, sino en distintas partes del mundo. Son las reglas de un juego que de manera directa o indirecta hemos aceptado.

En este sentido, no podemos ignorar ese hecho: estamos inmersos y de alguna forma todxs, como un cuerpo social habituado y adiestrado a pensar un fenómeno como el arte de cierta forma, replicamos la cadena que también nos limita: la aspiración del éxito y la consolidación dentro de un medio en el que la importancia está dada por la misma exclusividad, está sustentada en la depreciación de otras prácticas artísticas; en síntesis, por la desigualdad. Para que existan grandes nombres, deben haberse aminorado otros.

Lo anterior, aunque pueda mirarse como el «pecado original» del arte, no es un asunto estrictamente concerniente con la fe, aunque sí moral, sobre cómo se construyen las nociones de valor respecto a un campo: lo que está «bien» difundir y apoyar y lo que debe mantenerse al margen no es precisamente un asunto de posturas inmanentes. Esto es un proceso social-político y yo creo que ya estamos listxs para esa conversación.

Ahora bien, ¿deberíamos cancelar clasificaciones como emergente, de mediana carrera y consolidado? Si alguna organización o convocatoria lanzara el día de mañana un apoyo económico para lo que hoy entendemos como artistas emergentes, ¿qué otro término se podría utilizar? Lo que he tratado de plantear en este texto es que usar las categorías descritas es, de cierta manera,  una forma de replicar la jerarquización, y mientras las usemos y repliquemos hay que aceptar nuestra responsabilidad en los problemas que se derivan de ello.

Sé que lo que diré tiene tintes sumamente idealistas, pero quisiera pensar en un contexto a futuro en el que no existan clasificaciones como éstas, donde las obras de arte puedan ser discutidas sin la necesidad de que sus creadores entren en una carrera por la acumulación de méritos y privilegios para poder ser escuchados.

Finalmente, si llegáramos al consenso de que el mundo del arte requiere de la dialéctica de amos y esclavos para funcionar —como también sucede en el campo de la economía—, ¿qué podemos hacer al respecto? Probablemente algunos artistas abrazarían dicha realidad sin reparos, para funcionar de acuerdo con la estructura, mientras que otros buscarían alternativas o cosas que ni siquiera se hayan considerado en este u otros textos.

En cualquier caso, como ocurre en ciertos procesos terapéuticos, el primer paso es reconocer el problema y aceptarlo.

Paula Ramone

Imágenes: Artoons de Pablo Helguera

[notasfilosoficas]

"En el amor no hay inteligencia ni estupidez. El amor es como un aroma, como una corriente, como la lluvia. Sabes, cielo mío, tú llueves sobre mí y yo, como la tierra, te recibo..."

Frida Kahlo

Magdalena Carmen Frida Kahlo, fue una pintora reconocida como un ícono pop de la cultura de México, nacida en Coyoacán, al sur de la Ciudad de México, en julio de 1907.

Fue la tercera hija del fotógrafo Guillermo Kahlo, inmigrante alemán nacionalizado mexicano, y de Matilde Calderón mexicana proveniente de Oaxaca, de madre española y padre indígena. Después de sus dos hermanas mayores, Matilde y Adriana, nace su único hermano Guillermo, quien sobrevivió solo unos días. Después de nacer Frida, once meses después nace su hermana Cristina, quien fuera su constante compañera y la única que dejó descendencia.

La vida de Frida estuvo marcada desde muy temprana edad por el sufrimiento físico y las enfermedades. Contrajo poliomielitis a la edad de 6 años, dando inicio a una serie sucesiva de enfermedades, lesiones diversas, accidentes y operaciones. 

Sus limitaciones motrices hicieron que Frida se viera muchas veces impedida de realizar actividades con otros niños, y varios de sus cuadros posteriores, reflejaron la temática de la soledad de su infancia.

Se dice que fue alumna del Colegio Alemán hasta 1921, y que allí habría obtenido su certificado escolar, aunque las actas del colegio no brindan prueba de ello.

En 1922 ingresó a la Escuela Nacional Preparatoria de la Ciudad de México, una prestigiosa  institución educativa de la cual habían empezado a admitir mujeres. Frida pretendía estudiar medicina. Fue en esta escuela que Frida conoció a futuros intelectuales y artistas mexicanos como Salvador Novo.

El 17 de septiembre de 1925, Frida sufrió un grave accidente cuando un autobús en el que viajaba con su novio, fue arrollado por un tranvía. Su columna vertebral quedo fracturada en tres partes, sufriendo ademas fracturas en dos costillas, clavícula y en el hueso pélvico. Su pierna derecha se fracturo en once partes y su pie se dislocó. La medicina de su tiempo la atormentó con por lo menos 32 operaciones a lo largo de su vida, corses de yeso así como diversos mecanismos de estiramiento.

Fue durante su larga convalecencia, que Frida Kahlo, hizo de la pintura un papel central en su vida. Poco antes del accidente, había trabajado como aprendiz en el taller de grabado e imprenta de Fernando Fernandez Dominguez, un amigo de su padre, quien en medio del trabajo, le había enseñado a dibujar copiando grabados.

Ya como una figura artística, Frida contrajo matrimonio en agosto de 1929 con el pintor y muralista Diego Rivera, con quien viviera un circulo de amor-odio que culminó en divorcio 10 años después, para volverse a casar un año después.

Tras un autoexilio y debido a la fama y reputación de Diego Rivera en Estados Unidos, Frida y Diego vivieron de 1931 a 1934 la mayor parte del tiempo en Nueva York y Detroit. Cuando regresaron a México en 1933, Rivera tuvo un romance con la hermana menor de Frida, situación que afectó profundamente, y dió un giro determinante en sus relaciones de pareja, y aunque llegaron a superar su desavenencias, Frida inicio otras relaciones amorosas tanto con hombres como con mujeres, que continuaron el resto de su vida.

La obra de Frida giró principalmente alrededor de su vida y su propio sufrimiento. Fue autora de 150 obras, principalmente autorretratos en los que proyectó sus dificultades para sobrevivir. Participó en importantes exposiciones colectivas en Estados Unidos y en Francia, una de sus obras fue adquirido por el Museo de Louvre. La obra de Frida Kahlo, recibió el reconocimiento internacional después de su muerte, y recibió la admiración de importantes pintores e intelectuales de la época como Pablo Picasso, Vasili Kandinski, André Bretón, Marcel Duchamp, entre otros.

En 1953, en la Ciudad de México se organizó la única exposición individual durante la vida de la artista.

Frida Kahlo murió en Coyoacán en julio de 1954 a la edad de 47 años, sus restos fueron velados en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México y su cuerpo incinerado, en donde sus cenizas se conservan en “La casa azul” de Coyoacán, lugar que también la vió nacer.

Fuente Wikipedia

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HOY ES #lanochedeloslibros Tengo el honor de participar en la exposición colectiva e internacional - COLLAGE Y PALABRA- Organizada por @mujeresquecortanypegan en @mataderomadrid Con el apoyo de @dimad_ @artediez y @supergrafico20 Esta noche podrás ver 100 collages inspirados en alguno de los textos preferidos de todas estas maravillosas artistas internacionales. Una noche llena de inspiración . 📌 #CentralDeDiseño de Matadero 📌viernes 13-11-20 al Domingo 16-11-2020 🔐 A las 18:00h #collageart #collageartwork #collagedigital #madrid #mujeresquecortanypegan #planesmadrid #mujerescollagistas #collage_creatives #luisamariabenito_design_art #ilustraciondigital #madridmemola (en Matadero Madrid) https://www.instagram.com/p/CHinmDNnEpL/?igshid=ti26xudiskxk

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Con funciones gratuitas para la comunidad comenzó Identidades Festival 2024

• La iniciativa cultural presentada por Escondida | BHP y la Corporación Cultural La Huella Teatro se extenderá hasta el 12 de octubre en Antofagasta, San Pedro de Atacama y Baquedano.

• La comunidad puede asistir de manera gratuita, revisando la programación en www.carpaidentidades.cl

El pasado sábado 05 de octubre comenzó en Antofagasta la X edición de Identidades Festival Internacional de Artes Escénicas en el Desierto de Atacama, con el anfiteatro de las Ruinas de Huanchaca colmado por más de 600 espectadores. El evento contó con la participación de Carolina Arredondo, ministra de Culturas, Artes y Patrimonio; Abel Benítez, vicepresidente de Asuntos Corporativos de Escondida | BHP; Claudio Lagos, Seremi de las Culturas, las Artes y el Patrimonio de Antofagasta, Katherine Slimming, Supervisora de Proyecto del Gobierno Regional de Antofagasta y representantes de espacios culturales y líderes locales. 

Identidades Festival inició con la apertura de la exposición de Máscaras del artista antofagastino, Manuel Vernal y un espectáculo inaugural a cargo de la Banda de Bronces Los Ulises, los Lakitas de Antofagasta y la agrupación Danzas Pampina. La puesta en escena escogida para dar el vamos a esta edición fue Te Mana Hakaâra. El poder que permanece; dirigida por Alejandra Rojas Pinto, directora de la compañía La Huella Teatro. 

Te Mana Hakaâra, que en lengua rapanui significa “el Poder que permanece”, es un espectáculo protagonizado por intérpretes Rapanui, que pone en valor la memoria histórica y tradición cultural del pueblo Rapanui, como un capital expresivo valioso para el enriquecimiento de la teatralidad contemporánea nacional. Se trata de un estreno continental, coproducido por Identidades Festival y Teatro a Mil.

El día domingo 06, el festival se extendió hasta la Plaza La Cantera en la Población Miramar para presentar espectáculo de circo, Travesía, de Cirkoqoshka, y más tarde; la obra Temis, de la Compañía Bonobo en las Ruinas de Huanchaca.

Próximas funciones

El martes 8 de octubre, Identidades Festival se trasladará a San Pedro de Atacama para ofrecer una segunda función de Te Mana Hakaâra. El poder que permanece; esta vez, en el Complejo Deportivo Pukará del Deporte, y para presentar la expo Vernal – Arte Mascarero, ahora en la Fundación Minera Escondida de San Pedro de Atacama. 

Al día siguiente, en Antofagasta, la compañía La Huella Teatro facilitará un conversatorio abierto, a propósito del aniversario de sus dos décadas de creación colectiva. La cita es a las 18.00 horas en la explanada de las Ruinas de Huanchaca.

El jueves 10, la programación continúa a las 19.00 horas en Baquedano, con la presencia de Ckuri, Limpiadores de Pueblos; intervención proveniente de una experiencia para jóvenes actores de Antofagasta, impulsada por La Huella Teatro, para despertar la memoria local y crear en torno a la identidad de los artistas de la zona. El mismo día, en Antofagasta se presentará la obra familiar Il Concerto, de Cirkoqoshka;en las Ruinas de Huanchaca.

El viernes 11 de octubre, a las 20.30 horas, está programada la función de la Agrupación Cultural peruana, Yuyachkani, con el montaje Con - cierto Olvido. Y el sábado 12 de octubre, día final del festival, contará con una intervención de Ckuri, Limpiadores de Pueblos, a las 17.00 horas en Parque Trocadero. Mientras, para el cierre de la noche, la agrupación musical afrobrasileña, Höröyá, ofrecerá a partir de las 20.30 horas, un concierto que combina lo tradicional y lo moderno, con sonidos que van desde el Pop hasta el Funk/Jazz y ritmos tradicionales de la cultura africana y brasileña.

Además, durante el festival se están realizando seminarios y trueques entre artistas locales e invitados de otros territorios, para dialogar e imaginar otras posibilidades de vinculación entre creadores. 

La programación detallada está disponible en www.carpaidentidades.cl

Identidades Festival es un proyecto de la Corporación Cultural La Huella Teatro, presentado por Escondida | BHP. Es una iniciativa financiada por el Gobierno Regional de Antofagasta, con recursos del Fondo Nacional de Desarrollo Regional por un monto de 79.984.801 F.N.D.R  8% línea Cultura, año 2024, aprobados por el Consejo Regional de Antofagasta. Es un proyecto financiado por el Fondo Nacional de Fomento y Desarrollo de las Artes Escénicas, convocatoria 2024 y acogido a la Ley de Donaciones del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio.

Identidades Festival cuenta con el patrocinio de Unesco y ha sido reconocido por Marca Chile de Imagen País.

[agendaculturaldelima]

#EspacioAtemporal

🖼 “EXPRESIONES CONTEMPORÁNEAS DE LA FEMINIDAD” 🎨👩💜🖌️

💥 Exposición que aborda la visión particular de seis artistas mujeres peruanas, desde su individualidad hacia la colectividad, a través de un conjunto de obras que abarcan diferentes estilos: la figuración, abstracción, surrealismo y expresiones vanguardistas. Se cuenta con visiones muy diversas que convergen en esta muestra para expresar la feminidad en sus diferentes etapas, haciendo énfasis en el rol de la mujer en nuestra sociedad desde la perspectiva de ser artista. Desde la cotidianidad y experiencias, cada artista involucrada en esta propuesta ha explorado a través de investigaciones y proyectos su feminidad dando lugar a la presente muestra colectiva. Muchas son madres, trabajadoras, pintoras, escultoras, diseñadoras, representan lo que significa ser mujer desde el arte. El contexto del día internacional de la mujer sirve para visibilizar la presencia y visión de la mujer en el arte, asimismo su importante rol en la sociedad.

👥 Artistas: Celeste Quispe, Roma Carranza, Estrella Bruckmann, Jackelyn Paragulla, Kelly Tasayco y Nancy Adrianzén.

© Producción: Movimiento Cultural ICafeLima.

📌 INAUGURACIÓN:

📆 Viernes 08 de Marzo

🕖 7:00pm.

🏪‍ ICafé (jr. Mariscal Jose Antonio de Sucre 317 –  Barranco) @icafelima

👪 Visitas: Miércoles a Domingo 🕐 1:00pm a 6:00pm. [Hasta el 27 de marzo]

🚶‍♀️🚶‍♂️ Ingreso libre