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Bukhara is a historic city located in Central Asia, in present-day Uzbekistan, known for its rich cultural and architectural heritage. The "Beauty of Bukhara" is an expression that captures the extraordinary atmosphere of this city, full of historical monuments, narrow alleys and traditional markets dating back centuries of history.

Bukhara's beauty lies in its stunning architecture, with majestic minarets, ornate madrassas (Islamic religious schools), ancient mosques, and ornate palaces. Many of these buildings date back to the Middle Ages and reflect the splendor of the Silk Road, an ancient trade route that passed through the region and brought cultural richness and diversity to Bukhara.

In addition to its magnificent architecture, Bukhara's beauty also lies in its unique and enchanting atmosphere. The bustling markets, traditional cafes and local artisans contribute to the city's vitality and authenticity. Visitors are captivated by the sounds, smells and vibrant colors that permeate the streets of Bukhara, providing a truly immersive experience into the region's culture and history.

Furthermore, the beauty of Bukhara also lies in its rich cultural heritage, which is reflected in its traditions, customs, music and cuisine. Locals are known for their warm hospitality and preserving the city's ancient traditions, making Bukhara a truly captivating destination for travelers looking for a unique and enriching experience.

In short, the "Beauty of Bukhara" is a combination of its stunning architecture, enchanting atmosphere and rich cultural heritage, which makes this city a precious jewel in the heart of Central Asia.

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Hire a poet. Poetry not only found a place in industrial machines, but also became the melody that orchestrated the solution of complex problems.

In an industrial city where metal gears moved at a frantic pace, a company found itself facing a seemingly insurmountable logistical challenge. It was an industry of creating intricate parts, but machines and workers faced constant delays in the delivery of raw materials essential for production.

Desperate for a solution, company leaders decided to seek unconventional help and hired a renowned poet known for his unique ability to solve problems in creative ways. The poet, called Alessandro, immersed himself in the gears and processes of the industry, absorbing the logistical challenges.

Alessandro, instead of focusing only on metrics and numbers, saw the poetic essence of the problems. He understood that, just as in poetry, each piece of industry played a fundamental role in the overall narrative of production. The machines were stanzas, the workers were verses, and the raw materials were the words that formed industrial poetry.

The poet began reciting verses about the harmony of production, highlighting the interconnectedness of each part in the great poem of manufacture. Inspired by his words, workers began to notice synergies between processes, identifying opportunities for optimization that previously went unnoticed.

Alessandro also brought a poetic touch to inventory management. Instead of complex spreadsheets and graphs, he proposed creating a "waiting garden" where raw materials would wait their turn to enter the production line. Each pallet of material was precisely placed, forming an aesthetically pleasing arrangement that surprisingly improved workflow efficiency.

Over time, Alessandro's poetic solution not only solved the logistical problems, but also transformed the atmosphere of the factory. Workers found a new appreciation for the complex dance of production, and the company began to be recognized not only for the quality of its parts, but also for the uniqueness of its process.

The story of the poetic solution spread beyond the confines of the industry, and Alessandro became a sought-after consultant, applying his poetic approach to challenges across diverse sectors. Thus, in an unlikely turn of events, poetry not only found a place in industrial machines, but also became the melody that orchestrated the solution of complex problems.

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source: https://open.substack.com/pub/edisonmariotti/p/hire-a-poet?r=cfnp3&utm_campaign=post&utm_medium=web&showWelcomeOnShare=true

Contrate um poeta. A poesia não só encontrou lugar nas máquinas industriais, mas também se tornou a melodia que orquestrou a solução de problemas complexos.

Numa cidade industrial onde as engrenagens metálicas se moviam a um ritmo frenético, uma empresa viu-se confrontada com um desafio logístico aparentemente intransponível. Era uma indústria de criação de peças complexas, mas máquinas e trabalhadores enfrentavam atrasos constantes na entrega de matérias-primas essenciais à produção.

Desesperados por uma solução, os líderes da empresa decidiram procurar ajuda não convencional e contrataram um poeta renomado, conhecido por sua capacidade única de resolver problemas de maneira criativa. O poeta, chamado Alessandro, mergulhou nas engrenagens e processos da indústria, absorvendo os desafios logísticos.

Alessandro, em vez de focar apenas nas métricas e nos números, viu a essência poética dos problemas. Ele entendeu que, assim como na poesia, cada peça da indústria desempenhava um papel fundamental na narrativa geral da produção. As máquinas eram estrofes, os trabalhadores eram versos e a matéria-prima eram as palavras que formavam a poesia industrial.

O poeta começou a recitar versos sobre a harmonia da produção, destacando a interligação de cada parte do grande poema da manufatura. Inspirados por suas palavras, os trabalhadores começaram a perceber sinergias entre os processos, identificando oportunidades de otimização que antes passavam despercebidas.

Alessandro também trouxe um toque poético à gestão de estoques. Em vez de planilhas e gráficos complexos, ele propôs a criação de um “jardim de espera”, onde as matérias-primas aguardariam a sua vez de entrar na linha de produção. Cada palete de material foi colocada com precisão, formando um arranjo esteticamente agradável que melhorou surpreendentemente a eficiência do fluxo de trabalho.

Com o tempo, a solução poética de Alessandro não só resolveu os problemas logísticos, mas também transformou o ambiente da fábrica. Os trabalhadores encontraram um novo apreço pela complexa dança da produção, e a empresa passou a ser reconhecida não só pela qualidade de suas peças, mas também pela singularidade de seu processo.

A história da solução poética espalhou-se para além dos limites da indústria e Alessandro tornou-se um consultor muito procurado, aplicando a sua abordagem poética a desafios em diversos setores. Assim, numa reviravolta improvável, a poesia não só encontrou lugar nas máquinas industriais, mas também se tornou a melodia que orquestrou a solução de problemas complexos.

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Almeida Garrett, later 1st Viscount of Almeida Garrett, was a romantic writer and playwright, orator, peer of the kingdom, minister and honorary Portuguese secretary of state.

Born in Porto, on February 4, 1799, - December 9, 1854, João Baptista da Silva Leitão de Almeida Garrett was one of the most complete writers in the panorama of Portuguese letters.

Graduated in Law from the University of Coimbra, he supported, in the last year of his course, the cause of the liberal revolution of 1820, consequently going into exile in England and France.

During his departure, he published the two founding titles of Portuguese Romanticism: Camões (1825) and D. Branca (1826).

However, it was after his definitive return to Portugal, in 1836, that he proved to be most fruitful, writing a series of works, including the tragic play Frei Luís de Sousa (1843), the unclassifiable Viagens na Minha Terra (1846) , or the bold verses of Folhas Caídas (1853).

Allied to the writer is also Garrett, the civic man, who contributed to the writing of the Constitution of 1838, founded the Dramatic Art Conservatory and headed the project to build the Teatro Nacional D. Maria II.

beautiful boat

Fisherman from the beautiful boat,

Where are you going to fish with her?

That is so beautiful,

Oh fisherman?

Don't you see that the last star

Do you sail in the cloudy sky?

Harvest the candle.

Oh fisherman!

Lay the spear down carefully.

That the mermaid sings beautifully...

But be careful,

Oh fisherman!

Don't get the net entangled in it.

That lost is oar and sail

Just seeing her,

Oh fisherman.

Fisherman from the beautiful boat,

There is still time, run away from it

Run away from her

OH FISHERMAN!

About the poem:

A poetic composition that involves a dialogue with a fisherman, warning him about the dangers of his journey on the "beautiful boat". The repetition of the appeal "Oh fisherman!" suggests urgency and concern. The poet advises the fisherman to be careful with the last star that was veiled in the cloudy sky, to gather the candle and throw the spear with caution to avoid the mermaid that sings seductively. There is a cautionary tone in warning of the dangers of becoming entangled in the mermaid's net, suggesting that doing so would result in the loss of the oar and sail.

It explores symbolic elements, using the sea scene and the figure of the fisherman to convey deeper messages about temptation, danger and the need for caution when faced with seductive situations. The final advice, "It's still time, run away from it", emphasizes the idea that there is still time to avoid imminent dangers and move away from the seduction represented by the "beautiful boat".

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Almeida Garrett, mais tarde 1.º Visconde de Almeida Garrett, foi um escritor e dramaturgo romântico, orador, par do reino, ministro e secretário de estado honorário português.

Nascido no Porto, a 04 de fevereiro de 1799, - 09 de dezembro de 1854, João Baptista da Silva Leitão de Almeida Garrett foi um dos escritores mais completos no panorama das letras portuguesas.

Formado em Leis pela Universidade de Coimbra, apoia, no último ano do curso, a causa da revolução liberal de 1820, exilando-se consequentemente em Inglaterra e França.

Neste seu afastamento, publica os dois títulos fundadores do Romantismo português: Camões (1825) e D. Branca (1826).

No entanto, é depois do regresso definitivo a Portugal, em 1836, que se mostra mais profícuo, escrevendo um conjunto de obras, das quais se destacam a peça trágica Frei Luís de Sousa (1843), as inclassificáveis Viagens na Minha Terra (1846), ou os ousados versos de Folhas Caídas (1853).

Aliado ao escritor está ainda Garrett, o homem cívico, que contribui para a redação da Constituição de 1838, funda o Conservatório de Arte Dramática e encabeça o projeto de edificação do Teatro Nacional D. Maria II.

Barca bela

Pescador da barca bela,

Onde vais pescar com ela?

Que é tão bela,

Oh pescador?

Não vês que a última estrela

No céu nublado se vela?

Colhe a vela.

Oh pescador!

Deita a lança com cautela.

Que a sereia canta bela...

Mas cautela,

Oh pescador!

Não se enrede a rede nela.

Que perdido é remo e vela

Só de vê-la,

Oh pescador.

Pescador da barca bela,

Inda é tempo, foge dela

Foge dela

OH PESCADOR!

Sobre o poema:

Uma composição poética que envolve um diálogo com um pescador, alertando-o sobre os perigos da sua jornada na "barca bela". A repetição do apelo "Oh pescador!" sugere urgência e preocupação. O poeta aconselha o pescador a ter cuidado com a última estrela que se velou no céu nublado, a colher a vela e a lançar a lança com cautela para evitar a sereia que canta de maneira sedutora. Há um tom de advertência ao alertar sobre os perigos de se enredar na rede da sereia, sugerindo que isso resultaria na perda do remo e da vela.

Explora elementos simbólicos, usando o cenário do mar e a figura do pescador para transmitir mensagens mais profundas sobre tentação, perigo e a necessidade de cautela diante de situações sedutoras. O conselho final, "Inda é tempo, foge dela", enfatiza a ideia de que ainda há tempo para evitar os perigos iminentes e se afastar da sedução representada pela "barca bela". @edisonblog

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Zhou Bangyan (1056-1121), was a native of Qiantang (now Hangzhou, Zhejiang) and a famous poet and musician in the late Northern Song Dynasty. His poetry has long been respected as "authentic" among the Metricians, and he is also known as "the crown of poets" or "Lao Du in poetry". After Liu Yong and Kai Jiang Kui had grown up in Ci, they were able to live on their own. life According to records, he had a relatively scattered personality when he was a teenager, but he liked reading quite a lot. During the reign of Emperor Shenzong of the Song Dynasty, he wrote an "Ode to Biandu" in which he praised the new method. Therefore, he was promoted to the Supreme Scholar and taught by the students. After he was admitted to school, he often made positive achievements, but he did not achieve satisfactory results in his official career. He held small official positions in prefectures and counties for a long time. On the contrary, the more he wrote his lyrics, the more he became popular among the world. With his proficiency in music and his ability to create his own tunes, his reputation became more and more popular. The Huizong period was the period when he produced the most works, most of which contain his gorgeous and frivolous characteristics. He has long been respected by later generations as "the top poet". Ci style In terms of subject matter, Zhou Bangyan's poems are mainly about erotic love and scenery and objects. Most of them are about romantic love, love and travel, followed by scenery and objects, and some works that are nostalgic for the past and reflect on the present. In terms of music, Zhou Ci is strict in observing the rhythm, and is good at creating tunes, with strict rhythm, harmonious tones, and consonance. He has contributed to the rhythm review of Manchu Ci. "There are many talents for creating tunes, but few creative talents.", also known as the "authentic poet". In terms of writing skills, Zhou's Ci has a harmonious artistic conception, and the technique and rhythm of the Ci have been further deepened and matured. It is a collection of the graceful Ci of the Northern Song Dynasty. Zhou's poetry is melancholy and frustrating, and he devotes himself to the casting of language. Zhou Ci is good at narrative, rich and exquisite, with twists and turns, detailed narrative, and good at outlining, making the meaning of the poem clear. Copy the object and write the state, and the song will be as wonderful as possible. In terms of rhetorical techniques, Zhou Ci likes to use allusions, and is good at integrating previous poems and old sentences, or directly incorporating previous poems into lyrics, which is completely natural.

The Northern Song Dynasty was a period in Chinese history that spanned from 960 to 1127 AD. It followed the fall of the Later Zhou Dynasty and preceded the Southern Song Dynasty. The Northern Song was characterized by significant cultural, economic, and technological developments. The capital of the Northern Song Dynasty was initially Kaifeng, later known as Bianjing. It was a bustling center of trade and culture. The Northern Song Dynasty was a time of great cultural achievements, particularly in the fields of poetry, painting, calligraphy, and literature. Famous poets like Su Shi (Su Dongpo) and Huang Tingjian emerged during this period.

image: Northern Song Dynasty (960–1127) - https://www.metmuseum.org/art/collection/search/39936

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Zhou Bangyan (1056-1121), era natural de Qiantang (hoje Hangzhou, Zhejiang) e um famoso poeta e músico no final da Dinastia Song do Norte. Sua poesia há muito é respeitada como "autêntica" entre os Métricos, e ele também é conhecido como "a coroa dos poetas" ou "Lao Du na poesia". Depois que Liu Yong e Kai Jiang Kui cresceram em Ci, eles puderam viver por conta própria. vida Segundo registros, ele tinha uma personalidade relativamente dispersa quando era adolescente, mas gostava bastante de ler. Durante o reinado do Imperador Shenzong da Dinastia Song, ele escreveu uma "Ode a Biandu" na qual elogiou o novo método. Portanto, ele foi promovido a Estudioso Supremo e ensinado pelos alunos. Depois de ser admitido na escola, muitas vezes obteve conquistas positivas, mas não obteve resultados satisfatórios em sua carreira oficial. Ele ocupou por muito tempo pequenos cargos oficiais em prefeituras e condados. Pelo contrário, quanto mais ele escrevia suas letras, mais se tornava popular no mundo todo. Com sua proficiência musical e habilidade de criar suas próprias músicas, sua reputação tornou-se cada vez mais popular. O período Huizong foi o período em que mais obras produziu, a maioria das quais contém suas características lindas e frívolas. Ele há muito é respeitado pelas gerações posteriores como "o maior poeta". Estilo Ci Em termos de tema, os poemas de Zhou Bangyan tratam principalmente de amor erótico, cenários e objetos. A maioria delas trata de amores românticos, amores e viagens, seguidas de cenários e objetos, e algumas obras que nostálgicas do passado e que refletem o presente. Em termos musicais, Zhou Ci é rigoroso na observação do ritmo e é bom na criação de melodias, com ritmo estrito, tons harmoniosos e consonância. Ele contribuiu para a revisão rítmica de Manchu Ci. “Existem muitos talentos para criar melodias, mas poucos talentos criativos.”, também conhecido como o “poeta autêntico”. Em termos de escrita, o Ci de Zhou tem uma concepção artística harmoniosa, e a técnica e o ritmo do Ci foram aprofundados e amadurecidos. É uma coleção dos graciosos Ci da Dinastia Song do Norte. A poesia de Zhou é melancólica e frustrante, e ele se dedica à moldagem da linguagem. Zhou Ci é bom em narrativa, rico e requintado, com reviravoltas, narrativa detalhada e bom em delinear, deixando claro o significado do poema. Copie o objeto e escreva o estado, e a música será a mais maravilhosa possível. Em termos de técnicas retóricas, Zhou Ci gosta de usar alusões e é bom em integrar poemas anteriores e frases antigas, ou incorporar diretamente poemas anteriores nas letras, o que é completamente natural.

A Dinastia Song do Norte foi um período da história chinesa que durou de 960 a 1127 DC. Seguiu-se à queda da Dinastia Zhou Posterior e precedeu a Dinastia Song do Sul. A Canção do Norte foi caracterizada por desenvolvimentos culturais, econômicos e tecnológicos significativos. A capital da Dinastia Song do Norte foi inicialmente Kaifeng, mais tarde conhecida como Bianjing. Era um movimentado centro de comércio e cultura. A Dinastia Song do Norte foi uma época de grandes conquistas culturais, particularmente nos campos da poesia, pintura, caligrafia e literatura. Poetas famosos como Su Shi (Su Dongpo) e Huang Tingjian surgiram durante este período.

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Jean Maurice Eugène Clément Cocteau, was a French poet, novelist, filmmaker, designer, playwright, actor, and theater director.

Cocteau began writing at the age of ten and at sixteen he published his first poems, a year after leaving the family home. Despite distinguishing himself in virtually every literary and artistic field, Cocteau insisted that he was fundamentally a poet and that all of his work was poetry.

In 1908, at the age of nineteen, he published his first book of poetry, La lampe d'Aladin. His second book, Le prince frivole ("The frivolous prince"), published the following year, would give rise to the nickname he had in Bohemian circles and in the artistic circles that he began to frequent and in which he quickly became known.

Around this time he met the writers Marcel Proust, André Gide, and Maurice Barrès. Edith Wharton described him as a man "to whom every great verse was a sunrise, every sunset the foundation for the Celestial City..."

During the First World War, Cocteau served with the Red Cross as an ambulance driver. During this period he met the poet Guillaume Apollinaire, the painters Pablo Picasso and Amedeo Modigliani and numerous other writers and artists with whom he would later collaborate.

Russian ballet impresario Sergei Diaghilev challenged Cocteau to write a scenario for a new ballet - "It surprises me", Diaghilev was quoted as saying. The result was Parade, which would be produced by Diaghilev in 1917, with scenography by Picasso and music by Erik Satie. (Maisons-Lafitte, July 5, 1889 — Milly-la-Forêt, October 11, 1963)

Together with other Surrealists of his generation (Jean Anouilh and René Char, for example), Cocteau managed to masterfully combine the new and old verbal codes, staging language and technologies of modernism to create a paradox: a classic avant-garde. His circle of associates, friends and lovers included Jean Marais, Henri Bernstein, Édith Piaf and Raymond Radiguet.

His plays were taken to the stages of the Grand Theatres, on the Boulevards of the Parisian era in which he lived and which he helped define and create. His versatile, unconventional approach and enormous productivity brought him international fame.

He was elected member of the French Academy in 1955.

Cocteau made seven films and collaborated as a screenwriter and narrator in a few more. All rich in symbolism and surreal images. He is considered one of the most important filmmakers of all time.

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Jean Maurice Eugène Clément Cocteau, foi um poeta, romancista, cineasta, designer, dramaturgo, ator, e encenador de teatro francês. 

Cocteau começou a escrever aos dez anos e aos dezasseis já publicava suas primeiras poesias, um ano depois de abandonar a casa familiar. Apesar de se distinguir em virtualmente todos os campos literários e artísticos, Cocteau insistia que era fundamentalmente um poeta e que toda a sua obra era poesia. 

Em 1908, com dezanove anos, publicou o seu primeiro livro de poesia, La lampe d'Aladin. O seu segundo livro, Le prince frivole ("O princípe frívolo")), editado no ano seguinte, daria origem à alcunha que tinha nos meios Boémios e nos círculos artísticos que começou a frequentar e em que rapidamente ficou conhecido. 

Por esta altura conheceu os escritores Marcel Proust, Andr�� Gide, e Maurice Barrès. Edith Wharton descreveu-o como um homem "para quem todos os grandes versos eram um nascer-do-sol, todos os por-do-sol a fundação para a Cidade Celestial…"

Durante a Primeira Guerra Mundial, Cocteau prestou serviço na Cruz Vermelha como condutor de ambulâncias. Neste período conheceu o poeta Guillaume Apollinaire, os pintores Pablo Picasso e Amedeo Modigliani e numerosos outros escritores e artistas com quem mais tarde viria a colaborar. 

O empresário russo de ballet, Sergei Diaghilev, desafiou Cocteau a escrever um cenário para um novo bailado - "Surpreende-me", teria dito Diaghilev. O resultado foi Parade, que seria produzido por Diaghilev em 1917, com cenografia de Picasso e música de Erik Satie. (Maisons-Lafitte, 5 de julho de 1889 — Milly-la-Forêt, 11 de outubro de 1963) 

Em conjunto com outros Surrealistas da sua geração (Jean Anouilh e René Char, por exemplo), Cocteau conseguiu conjugar com mestria os novos e velhos códigos verbais, linguagem de encenação e tecnologias do modernismo para criar um paradoxo: um avant-garde clássico. O seu círculo de associados, amigos e amantes incluiu Jean Marais, Henri Bernstein, Édith Piaf e Raymond Radiguet.

As suas peças foram levadas aos palcos dos Grandes Teatros, nos Boulevards da época parisiense em que ele viveu e que ajudou a definir e criar. A sua abordagem versátil e nada convencional e a sua enorme produtividade trouxeram-lhe fama internacional.

Foi eleito membro da Academia Francesa em 1955.

Cocteau realizou sete filmes e colaborou enquanto argumentista, narrador em mais alguns. Todos ricos em simbolismos e imagens surreais. É considerado um dos mais importantes cineastas de todos os tempos.

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Chinese period blue and white porcelain vase Quing dinasty.

The Kangxi period, part of the Qing Dynasty in China, is renowned for its blue and white porcelain, representing a pinnacle in Chinese ceramic artistry.

The Kangxi Emperor, who ruled from 1662 to 1722, fostered an era of cultural richness and economic prosperity.

Kangxi blue and white porcelain is characterized by intricate designs in cobalt blue on a white background. Common motifs include dragons, phoenixes, landscapes, and floral patterns.

The craftsmanship during this period reached exceptional levels, with pieces highly valued for their artistic excellence and historical significance.

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Vaso de porcelana azul e branca do período chinês, dinastia Quing.

O período Kangxi, parte da Dinastia Qing na China, é conhecido pela sua porcelana azul e branca, representando o auge da arte da cerâmica chinesa.

O Imperador Kangxi, que governou de 1662 a 1722, promoveu uma era de riqueza cultural e prosperidade económica.

A porcelana azul e branca Kangxi é caracterizada por desenhos complexos em azul cobalto sobre fundo branco. Os motivos comuns incluem dragões, fênix, paisagens e padrões florais.

O artesanato neste período atingiu níveis excepcionais, com peças muito valorizadas pela sua excelência artística e significado histórico.

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Bai Juyi (also known as Bo Juyi) was a Chinese poet of the Tang dynasty (772–846 AD), and his poems had a significant impact on Japanese classical literature.

During the Tang dynasty, there were close diplomatic and cultural ties between the two nations, leading to the adoption and adaptation of Chinese literary forms in Japan.

His poetry often reflected a concern for common people and social justice. This resonated with Japanese poets and scholars who admired the clarity and accessibility of his writing.

Bai Juyi's influence on Waka can be observed in the adoption of certain themes, stylistic elements, and poetic techniques. Japanese poets admired Bai Juyi's ability to express deep emotions with simplicity.

Bai Juyi's poems often explored philosophical themes, including the transient nature of life, the beauty of nature, and the human condition.

Bai Juyi was known for his versatility, having written poems in various styles and on diverse subjects. His accessible language and relatable themes made his works appealing to a broad audience, including poets and readers in Japan who found inspiration in his approach.

Chinese literary works, including Bai Juyi's poems, were translated and adapted into Japanese.

Image: Bai Juyi (Chinese: 白居易, pinyin: Bai Juyi, Wade-Giles: Po Chü-i) (Xinzheng, Henan, China; 772 - 846) ; He was inspired by popular songs. His poetry was touched by values of Taoism and Buddhism.

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Bai Juyi (também conhecido como Bo Juyi) foi um poeta chinês da dinastia Tang (772-846 dC), e seus poemas tiveram um impacto significativo na literatura clássica japonesa.

Durante a dinastia Tang, existiram estreitos laços diplomáticos e culturais entre as duas nações, levando à adoção e adaptação de formas literárias chinesas no Japão.

Sua poesia muitas vezes refletia uma preocupação com as pessoas comuns e com a justiça social. Isso ressoou entre poetas e estudiosos japoneses que admiravam a clareza e acessibilidade de sua escrita.

A influência de Bai Juyi em Waka pode ser observada na adoção de certos temas, elementos estilísticos e técnicas poéticas. Os poetas japoneses admiravam a capacidade de Bai Juyi de expressar emoções profundas com simplicidade.

Os poemas de Bai Juyi frequentemente exploravam temas filosóficos, incluindo a natureza transitória da vida, a beleza da natureza e a condição humana.

Bai Juyi era conhecido por sua versatilidade, tendo escrito poemas em diversos estilos e sobre diversos assuntos. Sua linguagem acessível e temas relacionáveis tornaram suas obras atraentes para um público amplo, incluindo poetas e leitores no Japão que encontraram inspiração em sua abordagem.

Obras literárias chinesas, incluindo poemas de Bai Juyi, foram traduzidas e adaptadas para o japonês.

Imagem: Bai Juyi (chinês: 白居易, pinyin: Bai Juyi, Wade-Giles: Po Chü-i) (Xinzheng, Henan, China; 772 - 846); Ele foi inspirado por canções populares. Sua poesia foi tocada pelos valores do Taoísmo e do Budismo.

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Hong Kong Museum of Art - "Spring River Flower Moon Night" - Zhang Ruoxu, a poet of the Tang Dynasty. 8th century - Chinese lyric poetry.

Poetry Only two of Zhang Ruoxu's poems survive, but one of them, "River of Spring on the Night of the Flower Moon" (Chun Jiang Hua Yue Ye, 春江花月夜), has long been known and considered an extraordinary work.

The poem can be divided into nine quatrains and three sections. The first section describes the scenery of the moonlit Yangtze River in spring. The second and third lament the ephemerality of life, as well as the sadness of travelers and the loved ones they leave behind.

The poem marks a stylistic break with the poetry of the previous Six Dynasties and anticipates the content and style of High Tang poetry.

Legacy One of the most unique poems of the Tang dynasty, "Spring River in the Flower Moon Night" is included in virtually every historical survey of Tang poetry. The influential 20th-century poet Wen Yiduo was especially enthusiastic in his praise, calling it "the poem of all poems, the summit of all summits."

Zhang Ruoxu's poem inspired numerous later works of art. Composer Peng Xiuwen created an orchestral piece of the same name, which has since entered the classical repertoire of the traditional Chinese instrument guzheng. During the 2013 Lantern Festival, calligrapher Wang Dongling (王冬龄) gave a live calligraphy performance at the Hong Kong Museum of Art, creating a work measuring 6 meters (20 ft) tall by 11 meters (36 ft) wide. width of Spring River in the Flower Moon night. It was the largest work of calligraphy made in Hong Kong and was donated to the art museum.

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Museu de Arte de Hong Kong - "Spring River Flower Moon Night"  - Zhang Ruoxu, um poeta da Dinastia Tang. Século VIII - Poesia lírica chinesa.

Poesia Apenas dois poemas de Zhang Ruoxu sobreviveram, mas um deles, "Rio da Primavera na Noite da Lua Flor" (Chun Jiang Hua Yue Ye, 春江花月夜), é conhecido há muito tempo e considerado uma obra extraordinária.  

O poema pode ser dividido em nove quadras e três seções. A primeira seção descreve o cenário do rio Yangtze iluminado pela lua na primavera. O segundo e o terceiro lamentam a efemeridade da vida, bem como a tristeza dos viajantes e dos entes queridos que deixam para trás.

O poema marca uma ruptura estilística com a poesia das Seis Dinastias anteriores e antecipa o conteúdo e o estilo da poesia High Tang.

Legado Um dos poemas mais exclusivos da dinastia Tang, "Spring River in the Flower Moon Night" está incluído em praticamente todas as pesquisas históricas da poesia Tang. O influente poeta do século 20, Wen Yiduo, foi especialmente entusiasmado em seus elogios, chamando-o de "o poema de todos os poemas, o ápice de todos os ápices".

O poema de Zhang Ruoxu inspirou inúmeras obras de arte posteriores. O compositor Peng Xiuwen criou uma peça orquestral com o mesmo nome, que desde então entrou no repertório clássico do instrumento tradicional chinês guzheng. Durante o Festival das Lanternas de 2013, o calígrafo Wang Dongling (王冬龄) fez uma apresentação de caligrafia ao vivo no Museu de Arte de Hong Kong, criando uma obra de 6 metros (20 pés) de altura por 11 metros (36 pés) de largura de Spring River in the Flower Noite de lua. Foi a maior obra de caligrafia feita em Hong Kong e foi doada ao museu de arte.

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Ludwig II of Bavaria's fascination with art and literature.

It was a central aspect of his life and reign, largely reflected in his cultural initiatives and his famous castle-building projects.

Ludwig II was an ardent admirer of the operas of Richard Wagner, whose music and librettos were deeply rooted in Germanic myths and medieval literature.

Wagner's operas such as "Lohengrin", "Tannhäuser" and "Parsifal" inspired Ludwig II to incorporate romantic and mythical themes into his architectural designs. Many rooms and decorative elements of Ludwig's castles, especially Neuschwanstein, were designed to reflect scenes from Wagner's operas.

These buildings were designed not just as residences, but as fantasy stages where Ludwig could engage with his artistic ideals.

Neuschwanstein, for example, is often described as a "fairytale castle" due to its architecture inspired by medieval legends and its rich internal decorations that evoke literary and musical worlds.

He was inspired by medieval literature, Norse sagas and Germanic tales, which extolled values ​​such as honor, bravery and mysticism.

This literary interest was reflected in the decorative themes of their castles, where scenes from legends and mythologies were portrayed in frescoes, tapestries and sculptures.

Ludwig II's legacy is evident in the enduring popularity of the castles he built, which are considered masterpieces of Romantic architecture. These castles not only attract tourists from all over the world, but also serve as inspiration for various cultural works, including films and modern literature.

His dedication to art and literature also inspired a broader appreciation of German culture and history, influencing the way Germanic romanticism and mysticism are perceived globally.

collaboration: Sonia Salviato Mariotti

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https://museu2009.blogspot.com/.../06/ludwig-ii-of-bavarias-

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Technologies for museums and cultural institutions can transform the way we experience and interact with art.

Irina Karagyaur and her projects.

Start of her work in a consultancy for real estate tokenization. Her work began with the Erlang software, (Erlang data, which is aggregated and anonymous), as a promising tool for microscale analysis of the urban fabric.

New blockchain technology tools and various blockchain ecosystems and the Polkadot blockchain, co-founded by Dr. Gavin Wood, Web3, are part of this space. It’s huge potential for the arts and culture sectors.

Art and creativity require equitable and transparent systems. Our entire survival as a species depends on our ability to express ourselves. In line with Descartes' “I think, therefore I am”, we confirm our existence through our creations, and this guarantees our continuity.

ideas about what opportunities exist for museums with the new Web3 tools? How can museums leverage these tools to improve visitor experiences and engagement?

Museums came to life thanks to innovation and technology. Examples: Museum of Art and Photography (MAP) in Bengaluru, M+ in Hong Kong, the Museum of the Future in Dubai and Bombas Gens, the digital arts center in Valencia.

These museums offer immersive digital experiences that blur the boundaries of our physical and digital spaces. For example, in Valencia we can now experience Dalí in the metaverse and interact with the latest VR and AR experiences.

Web 3.0's impact on the art world has been profound, validated by Beeple's digital collage "Everydays: The First 5000 Days," which sold for $69.3 million at a Christie's auction in March 2021. Major institutions such as The British Museum and Moco Museum in Amsterdam have also embraced NFTs, offering digital collectibles and exhibitions that attract new audiences. Museums like the Museum of Crypto Art (MOCA) and the Louvre are exploring blockchain technology to increase transparency and engagement in the art world.

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Tecnologias para museus e instituições culturais pode transformar a forma como experimentamos e interagimos com a arte.

Irina Karagyaur e seus projetos.

Incio de seus trabalhos em uma consultoria para tokenização de imóveis. O início de seus trabalhos foram com o softwre Erlang, (os dados de Erlang, que são agregados e anónimos), como uma ferramenta promissora para análise em microescala do tecido urbano. 

As novas ferramentas de tecnologia blockchain e aos vários ecossistemas blockchain e  o blockchain Polkadot, cofundado pelo Dr. Gavin Wood, a Web3,   fazem parte deste espaço. É um potencial enorme para os setores de artes e cultura.

A arte e a criatividade requerem sistemas equitativos e transparentes. Toda a nossa sobrevivência como espécie depende da nossa capacidade de nos expressarmos. Em linha com o “Penso, logo existo” de Descartes, confirmamos a nossa existência através das nossas criações, e isso garante a nossa continuidade.

ideias sobre quais oportunidades existem para os museus com as novas ferramentas Web3? Como podem os museus aproveitar estas ferramentas para melhorar as experiências e o envolvimento dos visitantes?

Os museus ganharam vida graças à inovação e à tecnologia. Exemplos: Museu de Arte e Fotografia (MAP) de Bengaluru, o M+ em Hong Kong, o Museu do Futuro em Dubai e o Bombas Gens, o centro de artes digitais em Valência. 

Estes museus oferece experiências digitais imersivas que misturam os limites dos nossos espaços físicos e digitais. Por exemplo, em Valência, podemos agora experimentar Dalí no metaverso e interagir com as mais recentes experiências de VR e AR.

O impacto da Web 3.0 no mundo da arte foi profundo, validado pela colagem digital de Beeple "Everydays: The First 5000 Days", que foi vendida por US$ 69,3 milhões em um leilão da Christie's em março de 2021. Grandes instituições como o Museu Britânico e o Museu Moco em Amsterdã também adotou os NFTs, oferecendo itens colecionáveis digitais e exposições que atraem novos públicos. Museus como o Museum of Crypto Art (MOCA) e o Louvre estão explorando a tecnologia blockchain para aumentar a transparência e o envolvimento no mundo da arte.

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Oral history - Brazilian indigenous mythology.

The main ones are curupira; that of the iara; that of the pink button; cassava; that of boitatá; that of the pirarucu; that of guarana; the caipora; that of the water lily; that of saci-pererê; that of Matinta Perera; and that of uirapuru.

Example: The pink dolphin is a legend of Brazilian folklore, being very influential in the northern region of the country. It talks about a button that transforms into a beautiful and seductive man. In human form, the boto seduces women to impregnate them. These women are abandoned by the being, who returns to the river in his animal form.

It is incredibly rich and diverse, reflecting the vast cultural diversity of the indigenous tribes that inhabited and still inhabit Brazilian territory. It is made up of a wide range of myths, legends, rituals and beliefs that have been passed down orally over generations.

It is deeply connected to nature and natural elements, reflecting the strong spiritual relationship that indigenous cultures maintain with the environment. Animals, plants, rivers, and mountains often play significant roles in stories and are considered sacred entities.

Furthermore, deities and supernatural entities in indigenous mythology often personify forces of nature, such as the sun, moon, thunder, and the spirits of ancestors. These entities are often revered and invoked in religious rituals and shamanic ceremonies.

Each indigenous ethnic group has its own distinctive mythology, transmitted through oral traditions and ritual practices. This diversity reflects not only Brazil's geographic and environmental differences, but also the diverse historical and cultural experiences of indigenous tribes over time.

Brazilian indigenous mythology is a cultural and spiritual treasure that offers valuable insights into the worldview and values of indigenous communities, as well as the complexity and beauty of the relationship between human beings and nature. It is important to recognize, respect and preserve this rich cultural heritage as an integral part of Brazilian identity. #edisonmariotti @edisonblog

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Historia oral - A mitologia indígena brasileira.

As principais são a do curupira; a da iara; a do boto-cor-de-rosa; a da mandioca; a do boitatá; a do pirarucu; a do guaraná; a da caipora; a da vitória-régia; a do saci-pererê; a da Matinta Perera; e a do uirapuru.

Exemplo: O boto-cor-de-rosa é uma lenda do folclore brasileiro, sendo muito influente na região Norte do país. Fala de um boto que se transforma em um homem belo e sedutor. Na forma humana, o boto seduz mulheres para engravidá-las. Essas mulheres são abandonadas pelo ser, que retorna para o rio em sua forma animal.

É incrivelmente rica e diversa, refletindo a vasta diversidade cultural das tribos indígenas que habitaram e ainda habitam o território brasileiro. Ela é composta por uma ampla gama de mitos, lendas, rituais e crenças que foram transmitidos oralmente ao longo de gerações.

Está profundamente conectada à natureza e aos elementos naturais, refletindo a forte relação espiritual que as culturas indígenas mantêm com o meio ambiente. Os animais, plantas, rios e montanhas frequentemente desempenham papéis significativos nas histórias e são considerados entidades sagradas.

Além disso, as divindades e entidades sobrenaturais na mitologia indígena frequentemente personificam forças da natureza, como o sol, a lua, o trovão e os espíritos dos antepassados. Essas entidades muitas vezes são reverenciadas e invocadas em rituais religiosos e cerimônias xamânicas.

Cada grupo étnico indígena possui sua própria mitologia distintiva, transmitida através de tradições orais e práticas rituais. Essa diversidade reflete não apenas as diferenças geográficas e ambientais do Brasil, mas também as diversas experiências históricas e culturais das tribos indígenas ao longo do tempo.

A mitologia indígena brasileira é um tesouro cultural e espiritual que oferece insights valiosos sobre a visão de mundo e os valores das comunidades indígenas, bem como sobre a complexidade e a beleza da relação entre seres humanos e natureza. É importante reconhecer, respeitar e preservar essa rica herança cultural como parte integrante da identidade brasileira.

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Abílio Manuel Guerra Junqueiro: The Poet of Social Conscience and Portuguese Patriotism (1850-1923).

His literary work left an indelible mark on literature and culture. Known both for his satirical streak and his deep patriotism, he was a central figure in the transition between Romanticism and Realism in Portugal.

Guerra Junqueiro was born in Freixo de Espada à Cinta, a small village in the north of Portugal. He studied theology and law at the University of Coimbra, where he began to stand out as a poet. After graduation, he served in various public roles, including diplomatic and political positions.

He used poetry as a tool of denunciation and reform, addressing topics such as social injustice, political corruption and religious hypocrisy. His language is direct and vigorous, full of irony and sarcasm, but also capable of expressing great sensitivity and love for the country.

"The Death of D. João" (1874)

This poem is a scathing satire that deconstructs the myth of D. João (Don Juan), representing him as a symbol of moral and social decadence.

"The Simple" (1892)

The work is a celebration of nature and humility, reflecting a lyrical and nostalgic tone.

"Homeland" (1915)

The poem is a fervent defense of the national spirit and a call for the moral and social regeneration of the country.

His writings continue to be studied and admired for their historical and literary relevance.

He was one of the first to use poetry as a means of social and political intervention, something that inspired many later writers and intellectuals.

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Abílio Manuel Guerra Junqueiro: O Poeta da Consciência Social e do Patriotismo Português (1850-1923).

Sua obra literária deixou uma marca indelével na literatura e na cultura. Conhecido tanto por sua veia satírica quanto pelo profundo patriotismo, foi uma figura central na transição entre o Romantismo e o Realismo em Portugal.

Guerra Junqueiro nasceu em Freixo de Espada à Cinta, uma pequena vila no norte de Portugal. Estudou teologia e direito na Universidade de Coimbra, onde começou a se destacar como poeta. Após a formatura, exerceu várias funções públicas, incluindo cargos diplomáticos e políticos.

Ele utilizava a poesia como uma ferramenta de denúncia e reforma, abordando temas como a injustiça social, a corrupção política e a hipocrisia religiosa. Sua linguagem é direta e vigorosa, repleta de ironia e sarcasmo, mas também capaz de expressar grande sensibilidade e amor pela pátria.

"A Morte de D. João" (1874)

Este poema é uma sátira mordaz que desconstrói o mito de D. João (Don Juan), representando-o como um símbolo da decadência moral e social.

"Os Simples" (1892)

A obra é uma celebração da natureza e da humildade, refletindo um tom lírico e nostálgico.

"Pátria" (1915)

O poema é uma defesa fervorosa do espírito nacional e um apelo à regeneração moral e social do país.

Seus escritos continuam a ser estudados e admirados por sua relevância histórica e literária.

Ele foi um dos primeiros a usar a poesia como um meio de intervenção social e política, algo que inspirou muitos escritores e intelectuais posteriores.

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The artistic brilliance of the Chola dynasty artisans for their extraordinary contributions to the arts and culture.

He reigned in southern India between the IX and thirteenth centuries, is revered not only for his political and military power, but also for his ability to create bronze sculptures, which are considered some of the greatest achievements of Indian art.

They were masters in the use of the lost wax technique to create bronze statues, a practice that requires a high level of precision and skill. This technique involves creating a detailed wax model, which is then covered with clay to form a mold. The wax is melted and replaced by cast metal, resulting in a meticulously detailed sculpture.

Often they portray Hindu deities, such as Shiva Nataraja, the form of the god Shiva dancing. These works are not only not only for their technical accuracy, but also for their expressiveness and aesthetic beauty. The figures are characterized by elegant proportions, dynamic postures and a sense of movement that conveys a vibrant spirituality.

From intricate ornaments and jewelry to serene and realistic facial expressions, each aspect of sculptures reflects a meticulous dedication to perfection. The robes flow realistically, and hand gestures, known as muudras, are accurately carved, giving a sense of life and movement to the statues.

The artistic legacy of the artisans Chola lasts to this day, with its works exhibited in museums and private collections around the world. They are celebrated by their ability to capture the spiritual and cultural essence of their time, turning gross metal into masterpieces that continue to inspire and fascinate contemporary spectators.

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O Brilhantismo Artístico dos Artesãos da Dinastia Chola por suas contribuições extraordinárias às artes e à cultura.

Reinou no sul da Índia entre os séculos IX e XIII, é reverenciada não apenas por seu poder político e militar mas, também pela sua habilidade em criar esculturas em bronze, que são consideradas algumas das maiores realizações da arte indiana.

Eram mestres no uso da técnica de cera perdida para criar estátuas de bronze, uma prática que requer um alto nível de precisão e habilidade. Esta técnica envolve a criação de um modelo detalhado em cera, que é então coberto com argila para formar um molde. A cera é derretida e substituída por metal fundido, resultando em uma escultura meticulosamente detalhada.

Frequentemente retratam divindades hindus, como Shiva Nataraja, a forma do deus Shiva dançando. Essas obras são notáveis não apenas por sua precisão técnica, mas também pela sua expressividade e beleza estética. As figuras são caracterizadas por proporções elegantes, posturas dinâmicas e um senso de movimento que transmite uma espiritualidade vibrante.

Desde os intrincados ornamentos e joias até as expressões faciais serenas e realistas, cada aspecto das esculturas reflete uma dedicação meticulosa à perfeição. As vestes fluem de maneira realista, e os gestos das mãos, conhecidos como mudras, são esculpidos com precisão, conferindo um senso de vida e movimento às estátuas.

O legado artístico dos artesãos Chola perdura até hoje, com suas obras exibidas em museus e coleções particulares ao redor do mundo. Eles são celebrados por sua capacidade de capturar a essência espiritual e cultural de seu tempo, transformando metal bruto em obras-primas que continuam a inspirar e fascinar espectadores contemporâneos.

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May 18th. Celebrating International Museum Day: Guardians of History and Beacons of the Future

Museums around the world play a vital role in preserving cultural heritage, educating communities and promoting diversity and inclusion.

They preserve artifacts, works of art and documents that chronicle the evolution of humanity. By conserving objects ranging from ancient fossils to contemporary works of art, museums allow us to understand and appreciate the historical journey that has brought us to the present.

We can admire Leonardo da Vinci's paintings, understand the lives of the Egyptian pharaohs, explore the culture of the indigenous people of the Amazon or learn about the technological innovations that transformed the world. Each exhibition offers us a window into the past, allowing us to reflect on our cultural origins and evolutions.

They offer educational programs for all ages, from activities for children to specialized courses for academics. School visits to museums encourage curiosity and learning, awakening in children a love of knowledge and discovery.

Museums are also vital research centers. Conservators, historians and scientists work tirelessly to study and preserve collections, discovering new information that expands our understanding of the world.

They offer a space where different cultures and histories can be explored and celebrated. Exhibitions that highlight the art and history of marginalized communities help promote understanding and mutual respect.

Many museums are striving to be more inclusive and accessible, offering exhibitions and programs adapted for people with disabilities, as well as providing information in multiple languages. They are becoming spaces where all voices can be heard and celebrated, contributing to a more just and equitable society.

In the digital age, museums are embracing technology to make their collections more accessible to global audiences. Virtual tours, online exhibitions and interactive apps allow people from anywhere in the world to explore the wonders that museums have to offer. These innovations not only expand the reach of museums, but also provide new ways of engagement and learning.

When we visit a museum, whether physically or virtually, we participate in a legacy of discovery and preservation that is essential to the growth of humanity. May we continue to support and value museums, recognizing their irreplaceable role in our society.

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18 de maio. Celebrando o Dia Internacional dos Museus: Guardiões da História e Faróis do Futuro

Os museus, espalhados pelo mundo, desempenham um papel vital na preservação da herança cultural, na educação das comunidades e na promoção da diversidade e da inclusão.

Eles preservam artefatos, obras de arte e documentos que narram a evolução da humanidade. Ao conservar objetos que vão desde fósseis antigos até obras de arte contemporâneas, os museus nos permitem compreender e apreciar o percurso histórico que nos trouxe até o presente.

Podemos admirar as pinturas de Leonardo da Vinci, entender a vida dos faraós egípcios, explorar a cultura dos indígenas da Amazônia ou conhecer as inovações tecnológicas que transformaram o mundo. Cada exposição nos oferece uma janela para o passado, permitindo que reflitamos sobre nossas origens e evoluções culturais.

Eles oferecem programas educativos para todas as idades, desde atividades para crianças até cursos especializados para acadêmicos. As visitas escolares aos museus incentivam a curiosidade e a aprendizagem, despertando nas crianças um amor pelo conhecimento e pela descoberta.

Os museus também são centros de pesquisa vital. Conservadores, historiadores e cientistas trabalham incessantemente para estudar e preservar as coleções, descobrindo novas informações que ampliam nosso entendimento sobre o mundo.

Eles oferecem um espaço onde diferentes culturas e histórias podem ser exploradas e celebradas. Exposições que destacam a arte e a história de comunidades marginalizadas ajudam a promover a compreensão e o respeito mútuo.

Muitos museus estão se esforçando para ser mais inclusivos e acessíveis, oferecendo exposições e programas adaptados para pessoas com deficiência, além de proporcionar informações em várias línguas. Eles estão se transformando em espaços onde todas as vozes podem ser ouvidas e celebradas, contribuindo para uma sociedade mais justa e equitativa.

Na era digital, os museus estão abraçando a tecnologia para tornar suas coleções mais acessíveis ao público global. Visitas virtuais, exposições online e aplicativos interativos permitem que pessoas de qualquer lugar do mundo explorem as maravilhas que os museus têm a oferecer. Essas inovações não apenas ampliam o alcance dos museus, mas também proporcionam novas formas de engajamento e aprendizagem.

Ao visitar um museu, seja fisicamente ou virtualmente, participamos de um legado de descoberta e preservação que é essencial para o crescimento da humanidade. Que continuemos a apoiar e valorizar os museus, reconhecendo seu papel insubstituível em nossa sociedade.

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The Sacrifice of Princess Polyxena.

The image, The Sacrifice of Princess Polyxena is a depiction of the tragic event in Greek mythology where the Trojan princess Polyxena is sacrificed to appease the ghost of the Greek hero Achilles. 

The story is rooted in the Trojan War, where Polyxena, the daughter of King Priam and Queen Hecuba, is captured by the Greeks and promised to Achilles as a bride. 

However, this is a ruse, as Achilles is killed by the Trojans, and Polyxena is ultimately sacrificed at his tomb.

There are several artistic depictions of this event, including paintings by Giovanni Francesco Romanelli, Charles Le Brun, and Giovanni Battista Pittoni. 

These works of art show Polyxena being led to the tomb of Achilles, where she is about to be sacrificed. 

The paintings often feature Achilles’ son, Neoptolemus, leading the sacrifice, and Polyxena maintaining her dignity and courage in the face of death.

The Sacrifice of Polyxena is a powerful symbol of the devastating consequences of war and the tragic fate of those caught in its midst. 

It serves as a reminder of the human cost of conflict and the devastating impact it has on individuals and families. 

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Three notable painters who captured this story in their works are Giovanni Francesco Romanelli, Charles Le Brun and Giovanni Battista Pittoni. Each of them brought a unique perspective and distinct style to their portrayal of Polyxena's sacrifice.

Giovanni Francesco Romanelli:

Romanelli, an Italian Baroque painter, is known for his ability to create dramatic and emotional compositions. In his representation of Polyxena's sacrifice, Romanelli highlights the moment of intense tragedy and suffering. The use of rich colors and contrasts of light and shadow emphasizes the emotional tension and cruelty of the scene. Polyxena's expression and the figures around her are meticulously detailed, conveying a deep sense of pathos and despair.

Charles Le Brun:

Charles Le Brun, one of the most influential French painters of the 17th century, brought a sense of grandeur and theatricality to his depiction of Polyxena. Known for his classical, dynamic style, Le Brun captured the dramatic tension of sacrifice with a carefully balanced composition. His figures are powerfully expressive, and the scene is imbued with a feeling of inevitability and tragedy. Le Brun's approach emphasizes Polyxena's nobility and courage in the face of death, highlighting her dignity and heroism.

Giovanni Battista Pittoni:

Pittoni, an Italian rococo painter, brought a different sensitivity to his portrayal of Polyxena. His work is characterized by a gentle elegance and a vibrant use of color. In his interpretation of sacrifice, Pittoni combines dramatic elements with an almost ethereal beauty, creating a scene that is both moving and aesthetically pleasing. Pittoni's composition often highlights Polyxena's purity and innocence, contrasting her with the brutality of the act that is about to occur.

These artists, although stylistically distinct, captured the tragic essence of Polyxena's story through their paintings. Each work offers a window into the tragedy, exploring themes of sacrifice, honor and the devastating impact of war. Through her artistic lens, Políxena's story continues to resonate, evoking emotions and reflections on the human condition.

A prominent example is the tragedy "The Trojan Women" by Euripides, a Greek playwright, which addresses the tragic fate of Trojan women after the fall of Troy. Although "The Trojan Women" does not focus exclusively on Polyxena's sacrifice, she appears in the play as one of the central figures, representing the suffering and brutality that accompanies war.

Euripides' play, as a whole, is a powerful commentary on the horrors of war and the cruel fate of those caught in its midst.

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O Sacrifício da Princesa Polyxena.

A imagem, O Sacrifício da Princesa Polixena, é uma representação do trágico acontecimento da mitologia grega, onde a princesa troiana Polixena é sacrificada para apaziguar o fantasma do herói grego Aquiles.

A história tem suas raízes na Guerra de Tróia, onde Polixena, filha do rei Príamo e da rainha Hécuba, é capturada pelos gregos e prometida a Aquiles como noiva.

No entanto, este é um estratagema, pois Aquiles é morto pelos troianos e Políxena é finalmente sacrificada em seu túmulo.

Existem várias representações artísticas deste evento, incluindo pinturas de Giovanni Francesco Romanelli, Charles Le Brun e Giovanni Battista Pittoni.

Essas obras de arte mostram Polixena sendo conduzida ao túmulo de Aquiles, onde será sacrificada.

As pinturas frequentemente apresentam o filho de Aquiles, Neoptólemo, liderando o sacrifício, e Polixena mantendo sua dignidade e coragem diante da morte.

O Sacrifício de Polixena é um símbolo poderoso das consequências devastadoras da guerra e do trágico destino daqueles que são apanhados no seu meio.

Serve como um lembrete do custo humano do conflito e do impacto devastador que tem sobre os indivíduos e as famílias.

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Três pintores notáveis que capturaram esta história em suas obras são Giovanni Francesco Romanelli, Charles Le Brun e Giovanni Battista Pittoni. Cada um deles trouxe uma perspectiva única e um estilo distinto ao retratar o sacrifício de Políxena.

Giovanni Francesco Romanelli:

Romanelli, um pintor barroco italiano, é conhecido por sua capacidade de criar composições dramáticas e emocionais. Na representação do sacrifício de Polixena, Romanelli destaca o momento de intensa tragédia e sofrimento. O uso de cores ricas e contrastes de luz e sombra enfatizam a tensão emocional e a crueldade da cena. A expressão de Políxena e as figuras ao seu redor são meticulosamente detalhadas, transmitindo uma profunda sensação de emoção e desespero.

Charles Le Brun:

Charles Le Brun, um dos pintores franceses mais influentes do século XVII, trouxe um sentido de grandeza e teatralidade à sua representação de Políxena. Conhecido pelo seu estilo clássico e dinâmico, Le Brun capturou a tensão dramática do sacrifício com uma composição cuidadosamente equilibrada. Suas figuras são poderosamente expressivas e a cena está imbuída de um sentimento de inevitabilidade e tragédia. A abordagem de Le Brun enfatiza a nobreza e a coragem de Polixena diante da morte, destacando sua dignidade e heroísmo.

Giovanni Battista Pittoni:

Pittoni, um pintor rococó italiano, trouxe uma sensibilidade diferente ao seu retrato de Políxena. Seu trabalho é caracterizado por uma elegância suave e um uso vibrante de cores. Em sua interpretação do sacrifício, Pittoni combina elementos dramáticos com uma beleza quase etérea, criando uma cena comovente e esteticamente agradável. A composição de Pittoni muitas vezes destaca a pureza e a inocência de Polixena, contrastando-a com a brutalidade do ato que está prestes a ocorrer.

Estes artistas, embora estilisticamente distintos, capturaram a essência trágica da história de Políxena através das suas pinturas. Cada obra oferece uma janela para a tragédia, explorando temas de sacrifício, honra e o impacto devastador da guerra. Através das suas lentes artísticas, a história de Políxena continua a ressoar, evocando emoções e reflexões sobre a condição humana.

Literatura

Um exemplo proeminente é a tragédia "As Mulheres Troianas", de Eurípides, um dramaturgo grego, que aborda o destino trágico das mulheres troianas após a queda de Tróia. Embora “As Troianas” não se concentre exclusivamente no sacrifício de Políxena, ela aparece na peça como uma das figuras centrais, representando o sofrimento e a brutalidade que acompanha a guerra.

A peça de Eurípides, como um todo, é um comentário poderoso sobre os horrores da guerra e o destino cruel daqueles que são apanhados no seu meio.

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The "Epic of Gilgamesh" is a masterpiece of world literature that transcends time and continues to fascinate readers to this day.

In the Epic of Gilgamesh, a notable passage is when Gilgamesh and Enkidu, his companion, face the terrible celestial bull sent by the gods to punish the king's arrogance.

In this passage, we witness the courage and determination of the two heroes, who join forces to face this divine threat.

The confrontation is described with vivid intensity, as Gilgamesh and Enkidu demonstrate their valor and skill in an epic battle.

This passage not only highlights Gilgamesh's heroic deeds, but also reveals his humanity as he faces supernatural challenges, highlighting his complexity as a character and his position as one of the most iconic heroes in world literature.

Written more than 4,000 years ago, this epic poem transports us to an ancient world, full of myths, adventures and reflections on the human condition.

Through the journeys of the hero Gilgamesh, we are led to explore universal themes such as friendship, mortality, the search for the meaning of life and the relationship between the divine and the human.

Its gripping narrative and captivating characters capture the reader's imagination, while its timeless messages resonate across centuries, demonstrating the enduring power of great literature to connect cultures and generations.

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Possible representation of Gilgamesh as Master of Animals, holding a lion in his left arm and a snake in his right hand, in a relief from an Assyrian palace (713-706 BC), by Dur-Sharrukin, now kept in the Louvre

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O "Épico de Gilgamesh" é uma obra-prima da literatura mundial que transcende o tempo e continua a fascinar os leitores até hoje.

Na Epopéia de Gilgamesh, uma passagem notável é quando Gilgamesh e Enkidu, seu companheiro, enfrentam o terrível touro celestial enviado pelos deuses para punir a arrogância do rei.

Nessa passagem, testemunhamos a coragem e a determinação dos dois heróis, que unem suas forças para enfrentar essa ameaça divina.

O confronto é descrito com uma intensidade vívida, enquanto Gilgamesh e Enkidu demonstram sua valentia e habilidade em uma batalha épica.

Essa passagem não apenas destaca os feitos heróicos de Gilgamesh, mas também revela sua humanidade ao enfrentar desafios sobrenaturais, ressaltando sua complexidade como personagem e sua posição como um dos mais emblemáticos heróis da literatura mundial.

Escrito há mais de 4.000 anos, este poema épico nos transporta para um mundo antigo, repleto de mitos, aventuras e reflexões sobre a condição humana.

Através das jornadas do herói Gilgamesh, somos levados a explorar temas universais como amizade, mortalidade, busca pelo significado da vida e a relação entre o divino e o humano.

Sua narrativa envolvente e seus personagens cativantes capturam a imaginação do leitor, enquanto suas mensagens atemporais ressoam ao longo dos séculos, demonstrando o poder duradouro da grande literatura em conectar culturas e gerações.

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Possível representação de Gilgamesh como Mestre dos Animais, segurando um leão no braço esquerdo e uma cobra na mão direita, em relevo de um palácio assírio (713-706 aC), de Dur-Sharrukin, agora mantido no Louvre