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ORIGENES

Orígenes es una película de cine independiente de EEUU dirigía por Mike Cahill producida en el año 2014, es una película extremadamente hermosa y debo aludir que ha sido la mejor película que he visto durante todo el curso pues nos habla de la vida desde diferentes aspectos, y nos centra a pensar en que no podemos tener un pensamiento cerrado, que todo el tiempo se generan cambios y debemos estar dispuestos a esto, hay una relación entre la necesidad de probar las cosas y las cosas que no necesitan pruebas.

En el transcurso de la película hay un objeto de valor que expresa el contenido a desarrollar durante toda la película y sobre la cual se basara todo, los ojos, al inicio donde el protagonista y la chica sobre la cual se empieza a desarrollar la historia se conocen, la chica solo tiene descubiertos sus ojos, y desde ese elemento podemos decir que ella pasara a tomar protagonismo puesto que no hay un elemento más y este es el elemento sobre el cual se desarrolla todo.

Ocurre algo con la sonorización durante la película, en el momento en que inicia se puede deducir que algo ocurrirá con los personajes, y efectivamente el primer acontecimiento que se realiza luego de la sonorización ocurre la escena en que ambos se encierran en un baño a tener relaciones, pero que finalmente se detiene debido a un intercambio de dialogo entre los personajes que hacen que la chica se levante y se marche, sobre lo cual el protagonista se dispone a encontrar esos ojos, en el inicio de la película podemos notar unas tonalidades bastante frías, que transmiten la calma, la falta de aventura, de acción.

Continuando con la historia, tras un acontecimiento que le ocurre al protagonista en donde todo se alinea para que salga en busca del amor, puesto que se cree que las 11:11 es la hora del amor, y en ese momento suceden cosas que llevan al personaje a ir en busca de lo que cree ver, pero podemos notar que no solo el 11 hará parte sino además el número 7 y que este va a demarcar un acontecimiento, la relación de este número será con sofí, la chica de ojos lindos a la cual el busca.

Hay frases que se expresan en el laboratorio en el que él trabaja, frases como “buscar y no encontrar también es progreso” que contrastan muy bien con su búsqueda del amor, que finalmente llega a una conclusión y es capaz de encontrarse nuevamente con sofí, en un tren que marca el paso del tiempo, un recorrido, un vagón, dos personas, un lugar, un acontecimiento, la idea de compartir no solo un sentimiento sino un espacio en el tiempo y que de allí se demarque una vida juntos.

Tras este reencuentro y un beso en la plataforma de la estación, ahora si sigue el proceso por el cual una pareja de desconocidos iniciaría, el proceso de conocerse, pero se van mucho más que eso, no hay presencia de un acto ético, sino de impulsos, donde la mente y los deseos mandan sobre el cuerpo y no hay limitaciones para las conexiones entre estos dos personajes.

Frases que él le expresa a ella en momentos de intimidad como “te encontré gracias a tus ojos” y la relación de la cual hace uso la chica sobre las puertas y las visiones personales, empieza a generar una relación entre lo científico y lo espiritual del asunto.

El amor es algo tan rápido, como un sueño, algo que se construye de un momento y crece rápidamente sin saber realmente en qué momento se estancara o cae en picado como un coco cae de su palmera después de estar tan alto, en esta película ese amor es un amor que se considera sincero para el instante y deciden casarse, cuando en el mismo momento en que van a legalizar el matrimonio les dan tiempo para cambiar de decisión, en ese instante llama la practicante que le ayuda en el laboratorio con una noticia efectivamente agradable ante los oídos del protagonista puesto que resulta un experimento sobre el cual estuvieron trabajando tanto tiempo, y decide dirigirse allí “el día” de su matrimonio.

luego de esto habrá un siguiente paso que denominare con el número 12, si el 11 fue el momento donde arranca todo, donde solo son ideas inconclusas o decisiones que recién se toman, el 12 demarca el recorrido que se desarrolla, donde hay problemas, momentos buenos y momentos desagradables, tras esto ocurre una fragmentación en la película y deja de ser una película de romance a convertirse en lo que se desarrollara como parte del existencialismo en sí mismo y sus pensamientos deberán cambiar tras un suceso, la muerte de sofí a causa de un accidente.y sobre todos estos sucesos siempre notamos que hay uso de la sonorización que nos advierte que algo ocurrirá, una anticipación de los hechos, En este punto del desarrollo de la historia, tras un rato desagradable por la idea de la muerte de quien sería su esposa 24 horas luego de morir, el protagonista decide enamorarse nuevamente de su asistente de laboratorio, quien 7 años más tarde da a luz un hijo de ambos, en este punto de la historia existe un cambio en las tonalidades de las escenas a unas más rojizas, es el momento de aljibe de la película, pero no siempre será así y también caerá nuevamente en tonalidades de azul tras acontecimientos inexplicables que hacen creer al protagonista en una idea más espiritualizada, que asume como tema de investigación y se induce a realizar.“los ojos son las ventanas del alma” sobre esto se basara el trayecto de la película a medida que avanza frente a la historia, donde el protagonista viaja a la india en busca de los ojos que cambiaron su vida como patrón exacto en una niña que ha sido registrada hace menos de 3 meses, se empieza a creer que los ojos a pesar de que tienen un código de identificación y puntos irreemplazables se empieza a intuir que cabe la posibilidad de la reencarnación que como sello propio se transfiere a partir de diferentes personas. en este punto de la película entra la pregunta por un mundo espiritual, “¿qué harías si algo espiritual refute tus creencias científicas?” es una de las preguntas que se hace dentro de la película y que llevan a reflexionar sobre la idea de dios y ciencia que no se pueden alejar la una de la otra en gran medida puesto que ambas parten de creencias bajo sus propios criterios y que se sustentan puesto que hay cosas que se tiene la posibilidad de probar mientras que otras sin esa posibilidad no podemos intuir o descifrar diciendo cosas equivocadamente.

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Enter The Void

Enter the void es una película de cine independiente creada y dirigida por Gaspar Noé, habla de lo que es la vida después de la muerte, en cuanto que el ser se separa del cuerpo y realiza un recorrido en el tiempo para finalmente reencarnar en un bebé. es una película que desde el color deja impactado al espectador, una cámara que se mantiene a mano o en cenital y un juego con las luces que logra meter al espectador en la narrativa de la película.

Es una crítica al estado, que por considerar hacer las cosas correctas incurre en errores debido a un exceso de poder y esto afecta a personas cercanas al conflicto que allí se genera, la confianza siendo traicionada, la soledad en un mundo repleto de personas puesto que las decisiones se toman desde un pensamiento egoístas que puede llevar consigo el peso de otra persona.

Desde mi punto de vista esta película nos habla de los excesos: el sexo, las drogas, el dinero, una búsqueda constante de plenitud con el espacio y con lo que el pensamiento colectivo nos lleva a creer que es necesario y a tomar decisiones que pueden resultar en un desastre.

Es una crítica de como las personas se estancan al pensar que la muerte es un acontecimiento abominable cuando finalmente la vida continua y ese dolor no sirve para nada, más que para marcar un momento en nuestra vida.

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stalker

Stalker es una película creada y dirigida por Andréi Tarkovski en el año 1979, es una película que a partir del uso del color genera sensaciones en el espectador y lo dispone a continuar con el desarrollo de la narrativa, dando tonalidades en ciertas escenas que son un poco más tensas en escala grises y una luz diferente para cada espacio y sentimiento que se desea generar, es demasiado sensitiva a partir del sonido y desde el aspecto en que se menciona un dialogo puesto que genera tranquilidad en el espectador hasta el punto en que puede incurrir en el sueño.

La historia se basa en un personaje que hace de stalker, un stalker es una persona capaz de entrar a la zona espacio de acceso denegado por parte de ejército del país, sin embargo, es el espacio donde los sueños se hacen realidad, a partir de pruebas que se generan en todo momento, las personas que van en busca de esa experiencia contratan a un stalker para que sea su guía por la zona.

Desde mi punto de vista, la historia se basa en una introspección, donde tres personajes que se desarrollan en el trayecto de la historia representan a las condiciones del ser humano, un profesor, un escritor y un guía, que desde mi percepción representan, la razón, la creatividad y las decisiones.

Podemos notar que durante el transcurso de la película se hace uso de frases, palabras, poemas que se pueden interpretar desde este punto de vista, en el que yo como guía de mi vida tomo decisiones y parto desde el uso de la razón o sin la necesidad de una explicación para tomar una decisión, pero también nos habla que cuando uno se queda atrás o no viene con nosotros entonces se pierde ese uso de la conciencia y solo tomamos decisiones teniendo en cuenta un punto de vista.

La simbología de la película es extremadamente importante para dar a entenderse, los rieles del tren pueden representar nuestro trayecto de vida, una línea recta que se decide caminar en su dirección o arriesgarse a atravesarla de otras maneras, una crítica a nuestras decisiones, el hecho de hacer uso de las tuercas para poder avanzar sin riesgos, representa para mí el hecho de desbaratarnos un poco más con cada paso que damos, el carrito sobre los rieles que se devuelve sin ellos, representa la soledad en el punto en que sobre nuestras decisiones y nuestro recorrido, finalmente decidimos y no podemos permitir que otros lo hagan por nosotros.

La película permite anticiparse a los hechos, desde el aspecto en que son demasiado repetitivos a la hora de dar a conocer o hablar de un tema en concreto, como en el momento en que se habla de Dios luego de haber pasado por una prueba sobre unos canales de agua, hay un cáliz dorado cerca al personaje que se acuesta sobre el suelo a descansar y a partir de eso uno puede entender que el siguiente  tema a discutir será Dios, siempre entramos en diferentes discusiones con nosotros mismos, para así reconocernos y saber que pensamiento debemos tenemos.

La idea de la zona como un lugar que siempre está en nosotros, el espacio de nuestra alma para decidir ser libre o reprimirse ante una cárcel de carne y hueso que no le permite ser libre.

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CARTA A LARS VON TRIER.

Medellín, Colombia, 26 de septiembre del año 2019

cordial saludo.

Sr. Lars von trier, es un placer para mi escribirle el día de hoy, no por la idea de considerar que usted es una persona con un nombre imponente en el mundo del cine, sino por considerarlo como otra mente creativa que debido a sus contenidos cinematográficos ha logrado cautivar mi atención.

permítame expresarle que la última película que he podido visualizar de su autoría es: “la casa de Jack”, la cual me ha generado dudas que el día de hoy por medio de esta carta desearía que me resolviera. si bien el cine esta para ser leído de múltiples formas lo que usted me pueda aportar, me ayudara a generar una percepción más amplia. vera, el arte es en todo su esplendor un acto puramente pasional que pertenece a cada individuo pero que es juzgado u acusado por entes externos a él. al considerar la mente psicópata dentro de su personaje, Jack. me pregunto, ¿es la manera por medio de la cual pretende dimensionar al artista dentro de su misma obra? puesto que se puede intensificar el deseo puro del artista al momento de crear, y con esto me permito preguntarle ¿el cuerpo humano es el protagonista en la representación del artista dentro de su obra, esto hace alusión a algo puramente estético o es la idea natural del arte? ver esta película me ha generado inquietudes, inquietudes sobre usted, sobre su pensamiento. le pregunto Sr. Lars von trier, ¿que lo ha llevado a plasmar en un proyecto cinematográfico esta película? ¿qué pensó usted en el momento de plasmarla en el cine?

tenga un feliz día.

Att: Santiago Castrillón ruiz.

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VICTORIA.

victoria ha sido sin duda mi película favorita hasta el momento dentro de aquellas que hemos podido visualizar en clase, es una película alemana creada y dirigida por Sebastián Schipper donde por medio de unos marcados parámetros se encuentra dentro del género independiente, esta película cuenta con una limpia producción en cuanto a la imagen, el sonido, la calidad de sus actores y como tal la narrativa que crea se centra lo más real posible, mi percepción frente a esta película inicia  a partir del nombre. podemos aludir a la victoria como la idea de realización, el alcance de la satisfacción o un propósito que ha dado frutos, el rodaje de esta  película se centra en un grupo de delincuentes alemanes que simplemente disfrutan de la vida como amigos, victoria, quien es una chica española a la que se le presenta la oportunidad de vivir una noche fuera de su cotidianidad y exigirse a sí misma aventura y una locura juvenil para que finalmente sea clasificada como parte de la realización personal, que en la vida real es ofrecida por ciertas personas a partir de momentos que marcan el deseo de romper las reglas éticas y morales que la sociedad nos dicta que debemos mantener aun conociendo las consecuencias de nuestros actos. con el fin de bailar en la libertad y la expectativa del porvenir, la vida se trata de vivir el momento, el aquí, el ahora. la victoria de la vida se trata de salir al mundo sin miedo y vivir cada aventura, cada locura, realizar todo lo que nos hace falta y poder sentarnos satisfechos a analizar lo más chimba de nuestro día y si ese día no tuvo nada que se saliera de la cotidianidad entonces seguramente es porque nos faltó un poco más, del acto salvaje-mente humano de vivir.

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LA CASA DE JACK.

la casa de Jack es una película creada y dirigida por Lars von trier, donde a partir de planos suprema-mente limpios, colores marcados que remiten a sensaciones de los cuales prevalece la luz azul y en mayor medida el color rojo de manera imponente. esta película nos permite observar la mente psicópata de un verdadero artista, aquel que pone la pasión sobre cualquier acto ético que deba cumplir con el único fin de satisfacer su moralidad siendo suprema-mente dedicado a su labor y su intención como artista. la película jamás generó en mí una sonrisa, considero a partir de mi interpretación que no era exactamente la intención, como tampoco lo es generar miedo al ser una película catalogada dentro del terror psicológico, claro está que esto hace parte de la visión personal de cada persona, lo único que pretende la película es seducir con su contenido y generar en el espectador experiencias a partir de múltiples interpretaciones. en lo personal logró generar en mi emociones y sensaciones que permiten la expansión de mi percepción visual. el hecho de poder dar carga simbólica al arte siendo visto desde diferentes aspectos, analizándolo desde un hecho puramente personal, el arte en cualquiera de sus formas es en sí misma un acto pasional, la representación de una trayectoria de vida, una historia que es generada a partir de patrones que determinan el comportamiento y la concepción critica de un sujeto, hace del arte algo ligado a nuestra vida y con la carga significativa suficiente para que sea considerada parte de nuestra identidad. la casa que Jack tiene en proceso de construcción me avoca desde lo material a la inconformidad con lo tradicional, aquello que consideramos de manera más banal, cuando realmente nuestro espíritu de artista busca algo mucho más allá para alcanzar la satisfacción. durante el largometraje existe un dialogo entre el personaje principal Jack y su conciencia de manera personificada, a través de una conversación a modo de juzgado en el que se dicta sentencia por los numerosos actos en los que ha incurrido para satisfacer su ego como artista, Jack representa la muerte como parte estética de sus obras usando la figura humana algo que en mi percepción alude a lo natural, combinada con un espacio, una iluminación e incluso la caracterización y manipulación de los cuerpos con los cuales trabaja., hacen de Jack un artista en esencia pasional, que pone sus obras sobre cualquier acto humano, por medio de un juego con sus piezas para finalmente ser manipuladas y así lograr sus intenciones. la idea omnipotente de considerarse a sí mismo como un dios, dar sentencia sobre sus actos y no esperar a que sean dictados sobre él, bajo el único propósito de lograr su gran obra maestra. Jack es sin duda un artista que representa la más pura, pasional y dedicada idea de la perfección.

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BUFFALO 66.

buffalo 66 es una película estadounidense creada, dirigida, y protagonizada por Vincen Gallo, donde los movimientos de cámara, planos, formato sonoro y como tal el desarrollo de la historia en la producción cinematográfica genera todas las cualidades fílmicas necesarias para considerarse dentro del género independiente. el color genera en el espectador múltiples sensaciones y significados que se verá evidenciado dentro de los planos, a mi parecer: el azul se encuentra ligado a lo tranquilo, la paz, aquello que nos trae serenidad, mientras que el color rojo será la fuerza, la brusquedad, aquello que nos genera cierta incomodidad. la historia se desarrolla y enfoca en Billy Brown, un ex convicto que busca constantemente la satisfacción de sus padres, desde mi analogía se puede percibir como muestra de la manera humana en el cómo nos queremos ver ante las personas que por diferentes razones son importantes en nuestras vidas, quizá como una crítica a nuestra manera de actuar con las personas por su valor simbólico, respecto a la respuesta que no siempre es esperada puesto que no contamos con la misma carga simbólica en ellos. continuando con la historia Billy secuestra a una joven chica llamada layla con el fin de que actué como su esposa para así poderse presentar adecuadamente ante sus padres. las representaciones simbólicas de los padres desde mi percepción hacen alusión a los comportamientos marcados culturalmente por determinados aspectos, no ajenos a la realidad sin embargo con un aire de burla y exageración para condensarlos y de esta manera poder ser mostrados adecuadamente. layla genera en si un marcado síndrome de Estocolmo hacia Billy, el cual se cierra a consolidar intimidad con ella, la historia es narrada en el transcurso de un único día, suficiente para que layla, quien no contaba con mucho a que dedicar su tiempo y que generara en si una satisfacción, ha encontrado en Billy una motivación y un apego que podríamos resumir con la idea del amor, un amor real, uno de esos que pasan en el romanticismo de una noche si la persona es la indicada, sin exagerar o llevar a cabo cosas que requieren de mayor tiempo, lo único que se consolida es una idea real de la vida misma, algo con lo cual nos podemos sentir identificados. Billy se puede clasificar como la desgracia de su madre quien es amante del equipo de futbol americano buffalos debido a haber nacido exactamente el día en que los buffalos obtuvieron su última victoria, por lo que su madre no pudo ver la transmisión del partido y achaca la culpa a su único hijo. Billy en su desespero de poder ser aceptado a los ojos de su madre, hace una apuesta a favor de los buffalos que no puede sostener, no cuenta con la suerte de ganar y como consecuencia deberá pagar la deuda, le ofrecen una manera de salir de ella, la cual consistirá en el ingreso de Billy a prisión asumiendo un cargo que no le corresponde, en pago de la deuda que no es capaz de sostener. Billy al salir de prisión cuenta con el fin de consolidar una venganza en nombre de la persona por la cual estuvo tras rejas, pero debido a una manipulación intencionada y sutilmente femenina de layla genera en Billy una manera de actuar inconscientemente más sublime y moldeable, Billy finalmente se da cuenta que en el transcurso de esa noche ha encontrado algo que realmente lo hace sentir lleno, alguien que realmente lo quiere, alguien a quien no ha tenido que demostrar nada con el fin de que se mantenga en el tiempo y lo acepte, a esta idea la quiero representar con la simbología de que no importa realmente quien debería estar a tu lado por su connotación social sino quien realmente está por el vínculo real y existente entre las personas.

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PERSONA.

Persona es una película escrita, dirigida y producida por Ingmar Bergman donde un formato cinematográfico independiente, juega con la psicología, la percepción de las personas y genera una dualidad del pensamiento, puesto que, permite ser interpretada de múltiples formas, sin considerar una como única y verdadera. desde una introspección de la persona donde es representado por dos agentes que aluden a sí mismo, un sentido de pérdida de identidad y re identificación en el otro o simplemente como un acto de locura o de experimento social que juega con el espectador desde la introducción puesto que se logra percibir una serie de imágenes que prometen mucho sobre la película, para luego pasar a una escena donde, un niño se levanta en una cama de hospital donde abre un libro y posteriormente se le presenta una pantalla gigante con la imagen borrosa de dos mujeres, una joven enfermera llamada alma y su paciente una conocida actriz de teatro llamada Elisabet Vogler quien de repente había dejado de hablar, ellas se mudan a una cabaña donde su intimidad se vuelve más densa, hasta el punto donde alma deja de ser capaz de distinguirse de su paciente, volviendo escenas algo paranoicas, y confusas de comprender, sin embargo persona es una película que resulta ser interesante de analizar, puesto que se puede argumentar de ella desde diferentes aspectos sin considerar uno como más valido que otro.

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LOS VIAJES DEL VIENTO.

Los viajes del viento es una película escrita y dirigida por Ciro guerra. un producto cinematográfico colombiano el cual, acompañado de paisajes, contextos culturales e históricos, inicia la historia en majagual hasta el alta guajira, donde Ignacio carrillo un juglar vallenato, y Fermín un joven que lo acompaña durante todo el trayecto, para aprender de Ignacio y el instrumento que ha decidido no volver a tocar luego de la muerte de su esposa, y el cual devolverá a su legítimo dueño. A lo lardo del rodaje se da a conocer el vallenato como algo mucho más que solo música comercial de buses, que genera rechazo en las personas. Demostrando que hace parte de la historia colombiana para situarnos en la actualidad, se desarrolla en un tiempo cronológico de 1968 durante el primer festival de la leyenda vallenata, en el transcurso del largometraje se muestra constantemente lo alusivo al título de la película: los viajes del viento entendidos como el viento que entra y sale por el acordeón, un instrumento diseñado para ser tocado “por sí solo”.

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ALLEGRO.

Allegro es una película danesa dirigida por Christoffer Boe donde se evidencia todo un rodaje independiente. Un juego de cámaras que involucra a las personas y los obliga a mirar en formatos poco usuales, el manejo de luces y colores, en especial el color rojo, tonos fríos y un ambiente sonoro tétrico. logra generar una sensación de inconformidad intencionada. La película desde mi percepción resulta ser una introspección del ser mismo y de los deseos ocultos bajo una capa de carne y hueso que llevamos todos los días sobre nosotros. la manera en como esos pensamientos, experiencias o recuerdos buscan aflorar, aun sabiendo que es tarde para revertir un acto o una sensación generada, sin embargo, los pensamientos entendidos a partir de sensaciones, personas y lugares son cosas que no se irán de tu memoria por voluntad propia, pero que finalmente han pasado a la historia, y no se podrá volver a ese entonces para ser modificado. El largometraje se basa en la vida de un pianista quien ha decidido dedicarse única y exclusivamente a la música. dejando de lado cualquier persona, sentimiento o manera de vivir si este no hace parte de su vida artística. sin embargo, los sentimientos humanos lo invaden y llegan consigo personas “especiales” humanizando su existencia. posteriormente, luego de una ruptura, Zetterström decide olvidar todo aquello que hasta ese momento hace parte de su vida, para dedicarse nuevamente a su proyección artística, decide viajar y continuar mostrando su talento adquiriendo fama y renombre, sin embargo, una situación laboral lo hace volver a su lugar de origen. Allí encuentra personas y sucesos que lo obligan a entrar a “la zona”. la zona es clasificada como un lugar donde no hay nada, sin embargo, se logra entender como un espacio-tiempo del ser interior, donde solo aquellos que verdaderamente necesitan o buscan encontrarse podrán ingresar, el sentimiento, ese algo que lo llama para acercarlo a un suceso, pero que finalmente no es nada más que un recuerdo. algo que pertenece al pasado pero que ha sido capaz de dejar un código para descifrar quien eres. Finalmente, gracias a la zona Zetterström reconoce lo que hay dentro de sí. aquellas personas que dejo ir o no supo valorar, los momentos que no aprecio, las sensaciones que no disfruto, aspectos que quedaran solo en el recuerdo.

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hablaremos de una película rebelde al ojo humano, caracterizado por consumir el mismo contenido cinematografico.

la ciudad de los niños perdidos.

Esta película, creada y dirigida por Jean-Pierre Jounet y Marc caro, se sale de los estereotipos preestablecidos que nos genera el cine hollywoodense, abarcando el contexto de la historia como objeto de práctica, la cual es desarrollada en un mundo completamente fantasioso, Krank un hombre que rapta a los niños de la ciudad con la ayuda de ciclopes y la subordinación de clones, un cerebro que hace las veces de hipnotista y oráculo y la ayuda incondicional de la pequeña Madamoiselle Bismuth, con el fin de robar sueños para Krank debido a que carece de la capacidad de hacerlo. Entender la historia resulta algo complejo para el sujeto receptor acostumbrado al café Disney o en general a una película de índole hollywoodense, one: un personaje que busca a denree, su hermano menor, considerado así no genéticamente sino simplemente por el encuentro y la empatía qué ambos generaron entre sí, denree: quien es capturado por los ciclopes, y llevado ante Krank para ser objeto de prueba en la lucha desesperada de poder soñar, es el foco principal sobre el cual se desarrolla la historia, one tiene como prioridad encontrar a denree y así liberarlo de cualquier peligro, puesto que es su deber protegerlo, en su búsqueda desesperada conoce a miette, una pequeña que pronto se convertirá en ficha fundamental para lograr el cometido y finalmente una nueva hermana para one; la representación del miedo, la subordinación, la manipulación, el control y sobre todo la persuasión de lo que es correcto y lo que no, siempre va a matizar la historia, se podría caracterizar cinematográfica como parte esencial de lo que quería dar a conocer no como una única perspectiva sino además generando múltiples ideas, ante la exigencia de crear contenidos con un sentido práctico, algo que pueda servir para reflexionar sobre múltiples temas, acumulando imágenes que a simple vista puedan considerarse irracionales o inútiles pero que por la mera cercanía, genera en el receptor la adquisición de un sentido más allá de lo estético.

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lo que expresare a continuación es una experiencia personal sobre una película colombiana llamada “El Colombian Dream”.

El colombian dream

El rodaje cinematográfico de esta película creada y dirigida por Felipe Aljure, usa elementos Colombianos como el color de las “pepas” o las melodías en sus canciones alusivas al consumo de sustancias psicoactivas, El Colombian Dream es una película que generaliza un contexto cultural; el ideal de realización en Colombia que abarca el manejo de una empresa propia o simplemente hacer “dinero fácil” en negocios clandestinos, como consecuencia de la no realización de un sueño americano, el aborto, la inseguridad, el control del hombre sobre la mujer, el sexo y la doble moral, son solo algunos de los elementos que matizan el rodaje de esta película, generando una identidad cultural colombiana abarcada desde la exageración.

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en primera instancia daré a conocer mi percepción de lo que entiendo por Hegemonía, anexando el apoyo visual del cual concluyo mi concepto.

La hegemonía es determinada por la promoción de ideas y valores orientados por una ideología ya sea personal o colectiva que sirve para ejercer la dominación y el poder, con el fin de persuadir a las masas, imponiendo valores, creencias e ideologías que sostienen al sistema económico, político, social y cultural; logrando así la persuasión en el pensamiento, la acción del sujeto, el enfoque del mercado y el desarrollo cultural. generando un “pensamiento único” al que seamos “bruta-mente” sometidos.