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DSRL
Problemas
La calidad de audio es muy mala. Los pre amplificadores de la cámara son muy ruidosos. En muchos modelos no tenemos control de los niveles de audio. No tienen entradas XLR de micrófono. Cuentan con un solo circuito de ganancia automática (AGC). El movimiento del lente es muy ruidoso
Solución
Grabar a doble sistema utilizando una grabadora externa.
En cámara tener un micrófono de referencia ya que el interno registra cualquier movimiento. Conocer el posicionamiento de los micrófonos. Llevar registro sobre las tomas.
Como sincronizar el audio
Usar una claqueta o CLAPER.
Referencia en la toma ejemplo: escena dos, toma dos, acción! Sincronizar el audio en post - producción.
Tener siempre de referencia el audio de la cámara directo.
Recomendaciones
Grabar siempre en un lugar donde no haya mucho ruido.
Un buen posicionamiento del micrófono. (elemental)
Silencio en set solo el actor y la escena tienen que escucharse.
Revisar el audio una ves grabado
Tener en cuenta la necesidad siempre de ADR (Aditional Audio Recorded)
Tips de Microfoneo o microfonear
Al momento de grabar es importante tener la ubicación del actor dentro del set y estudiar el sonido ambiental de la locación.
Revisar baterías y tarjetas de memoria de los equipos
Posicionar el micrófono cercano al a fuente y buscando grabar con la mejor calidad posible.
Seleccionar entre micrófono sobre el actor o micrófono ambiental.
Microfoneo distante
El microfoneo distante se refiere al posicionamiento de uno o más micrófonos, a un metro o más de la fuente sonora. Esta técnica cumple dos funciones:
Ubica el micrófono a una distancia a la cual el instrumento o ensamble es tomado de manera tal que preserva su balance tonal general.
Ubica el micrófono a una distancia a la cual el ambiente acústico está incluido y combinado con la señal directa de la fuente sonora.
Utilizado generalmente para una orquesta o en una sala de ambiente acústico
Desventaja es la existencia de una mala acústica se tendrá un diseño pobre.
Microfoneo cercano
Una distancia de entre 25mm y 1m de la fuente
Crear una calidad de sonido clara y presente e Independizar el instrumento del medio ambiente acústico.
Aunque el microfoneo cercano ofrece varias ventajas, un micrófono debería ser ubicado tan cerca como sea necesario, y no tan cerca como sea posible
Trabajando con distancias tan pequeñas, mover el micrófono sólo unos pocos centímetros puede cambiar el balance tonal de manera drástica
Si este instrumento es tomado desde muy cerca, sonaría demasiado presente y fuera del contexto del microfoneo distante
Microfoneo ambiental
Cuando un micrófono es ubicado a una distancia tal, que el campo reverberante o sonido de la sala predomina sobre el sonido directo, ese micrófono se conoce como micrófono ambiental.
Un micrófono ambiental puede ser utilizado básicamente en tres situaciones:
En una grabación en vivo, pueden ser ubicados en la sala para agregar la reverberación natural que se pierde con el microfoneo cerrado.
En una grabación en vivo, pueden ubicarse sobre la audiencia para captar sus reacciones y los aplausos.
En una grabación de estudio, pueden ser empleados para añadir la acústica del estudio al sonido grabado. El microfoneo ambiental, utilizado como efecto, puede agregar profundidad al sonido.
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CÁMARA EN MANO
Filmar sin trípode, carro de tráveling o grúa puede sonar un tanto casero, pero ciertamente no lo es.
Si prestamos atención, muchas películas dejaron de lado la “suavidad” de los movimientos para romper con la estabilidad de los espectadores.
Las escenas de acción suelen realizarse con cámara en mano para integrar al espectador en la adrenalina del cuadro provocando vértigo y desesperación. Al comienzo de la película, el director Steven Spielberg revive el desembarco de Normandía.
Tips a tener en cuenta a la hora de filmar con cámara en mano:
•Los movimientos no deben distraer la atención de lo que está ocurriendo.
•Debe estar justificado: su uso excesivo resulta molesto para el espectador.
•El espectador debe mantener la ilusión de realidad y no darse cuenta de los movimientos. Es recomendable utilizar éste recurso a lo largo de un plano secuencia. Si se lo combina con otros planos “estables” parecerá desprolijo
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180°
En una grabación o filmación es insoportable escuchar a los camarógrafos, técnicos o hasta al script decir “¿pero eso no sería saltar el eje?”, “Pero ahí estas rompiendo los 180 grados amigo”, “El plano me gusta pero sería saltar el eje, colócate de este lado mejor”.
Probablemente de las primeras cosas que aprendes en las escuelas de cine es “la regla de los 180 grados”, esta regla lo que implica es que deberías crear una línea imaginaria y la cámara no debería cruzarla, de manera que tienes 180 grados para colocar y mover libremente la cámara, y nunca saltar al otro lado de la línea imaginaria porque desubicas al espectador, a menos que un movimiento de cámara lo sugiera.
En términos más sencillos aún, permanece en esta mitad del Set y no se te ocurra pasar al lado oscuro.
El realidad si tienes una simple escena de un dialogo de 2 sujetos con planos “Por encima del hombro (OTS)”, esta regla es bastante acertada, pero en muchas ocasiones la regla de 180 grados simplemente no aplica, sobre todo en planos secuencias, en algunas escenas en exteriores, escenas con movimiento del sujeto o simplemente donde desees incomodar o desubicar a la audiencia. Muchas películas no respetan esta regla, sobre todo los directores mas arriesgados e interesantes como:
Terry Gilliam – 12 Monkeys
Stanley Kubrick – The Shinning
Hermanos Wachosky – The Matrix
Lans Von Trier – Todas sus películas
Ridley Scott – Aliens
Martin Scorsese – Raging Bull
Hay que tener en cuenta que la regla de 180 grados es solo una guía para cuando comienzas como videografo o cineasta, una vez que conoces este principio no te preocupes por reglas ni ejes ni nada, simplemente cuenta tu historia de la manera mas interesante posible.
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¿Que es el eje narrativo?
Se llama así al hilo conductor de los sucesos y sus protagonistas
En una novela se suma otras historias pequeñas y otros personajes pero el tema principal no se abandona hasta el final de la obra. Lo demás completa y enriquece el texto pero todo ayuda a construir la historia principal.
Particularidades de la narración fílmica
La narración fílmica reposa grandemente en la muestra de los hechos, apela mas a la percepción audiovisual directa que a la evocación imaginativa de la palabra.
Se presta mas a la acción y sobre todo a la acción interactiva entre personajes.
Tiene dificultades para la presentación de los estados interiores, para jugar con los matices evocativos de la palabra hablada.
La acción
Son presentadas azarosamente y organizadas en diferentes modelos de causalidad que son formas de interpretar el mundo o la vida.
Modelo Reuter: se centra en las acciones mismas.
Esquema de Greimas: se centra en los personaje
Modelo Reuter
TRANSFORMACION
Estado Inicial à Complicación à Dinámica à Resolución à Estado final
Esquema actancial
Greimas propone seis categorías fundamentales de acción desencadenadas por los actores.
Estas categorías se denominan “actantes” en base a ellas, elabora un modelo actancial para explicar las relaciones que estos actantes contraen en todo relato.
La noción del actante esta en función del diseño de la acción por lo tanto puede ser desempeñada por persona/animados u objetos.
Eje saber o comunicación
Destinador à objeto à destinatario
Eje del deseo
Ayudante à sujeto ß oponente
Eje del poder
A) sujeto y objeto unido por el eje del deseo “querer”, así en todo relato, tenemos primariamente alguien, un héroe o una heroína que busca algo o alguien
B) roles del Destinador y destinatario, unidos por el eje de la comunicación o del saber. El Destinador es quien encomienda o posibilita la búsqueda. El destinatario es el beneficiario ultimo del éxito.
C) pareja secundaria sirve como dinamismo para expandir y complejizar la acción. ayudante y oponente unida por el eje del poder. Los ayudantes y ponentes facilitan o dificultan, respectivamente, el éxito de la búsqueda del sujeto.
El tiempo
El tiempo de las acciones es representada en una narración que también opera en el tiempo.
Tiempo significante es el tiempo de la narración
Tiempo significado el tiempo “original” de las acciones representadas.
Entre estos niveles puede existir coincidencias “linealidad” o discontinuidad “asincronicidades”
Asincronicidades
La forma mas usual es el “Flash–Back” o retroceso en el tiempo.
“Flash Forward” (ir al futuro)
Tiempo circular: se comienza donde se termina.
In–Media–Res: comienzo de la acción a media de la trama.
Historia paralelas: Fluye mas de una línea narrativa.
Narrador y el punto de vista
En el cine la imagen habla por ella misma no necesita ser hablada.
Existe “voz en Off” la voz no procede de un protagonista de la acción representada. En contados casos, sin embargo podemos encontrar a un personaje que habla directamente a la cámara.
Todo film construye un narrador implícito, que es el punto de vista desde donde se percibe la acción. Este no será un narrador verbal, sino visual.
Relato hollywood
Busca la ilusión de realidad, de transparencia.
La acción fluye desde las motivaciones y deseos de personajes con metas claras y definidas. Las acciones son consonantes de sus deseos.
El final debe desencadenar en algo no ambiguo, donde se resuelven los conflictos y las tensiones planteados durante el discurso.
La percepción de los hechos, se combinan miradas objetivas y subjetivas, pero al final el espectador puede establecer la verdad
Otras narrativas
Realismo: establece que hay un punto de vista desde donde se puede representar objetivamente la realidad.
Individualismo: estable que el eje de la vida e interacción social son los individuos.
Cine ruso: Los agentes de acción no son individuos sino situaciones.
Cine francés: La objetividad de la imagen es siempre una ilusión, determinada por deseos e intereses.
Cine documental
No todo el cine es narrativo, esto es documentar la realidad de asumirla o relacionarla con la ficción.
Cine no-ficcional o cine no-narrativo, es conocido como cine documental.
Genero abierto que permite interacciones con otras formas de organizar el discurso: el reportaje periodístico y el argumento ideol��gico.
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¿GRABAR CON UNA RÉFLEX?
¿Se puede grabar con una réflex?
Una cámara Réflex ofrece la posibilidad de grabar en HD y full Frame HD.
Muchos profesionales escépticos con su uso para video, ya que las características para video son muy diferentes a las de imagen fija .
El modo de video fue bien aceptado y tanto camarógrafos, fotógrafos y artistas las adoptaron.
¿Una réflex es capas de grabar?
Cuando el video se comenzó aplicar a las réflex la reacción fue negativa. Ya que el usuario de Réflex es un fotógrafo no un camarógrafo, con un perfil difícil de convencer.
Problemas con el usuario:
Imagen fija, encuadre fotográfico y ajustar exposición controlando parámetros.
El video en cámaras de fotos estaba dirigido para aficionados, grabar vacaciones o eventos no para crear productos audiovisuales con fines mas allá del entretenimiento propio.
Diferencias entre réflex y video
Cámara de video: creada para filmar, ergonomía creada para filmar imágenes continuas, opciones para tratar la imagen más adaptada en movimiento (estabilizador, enfoque automático, balance, exposición). Formato para filmar video en digital y film, control de audio interno
Réflex: destinada para captar imagen fija, acceso rápido a todos los ajustes de exposición. Visor de macro y pantalla.
Lentes intercambiables para profundidad de campo o variable del objetivo.
Adaptación de la réflex
Su sensor (APS-C o Full Frame) y la posibilidad de encuadrar directamente sobre la pantalla fue la clave de su aceptación, algo que una cámara de video cuenta a precio muy alto.
Mejor calidad por menor precio en relación a imagen.
Practicidad y versatilidad en un dispositivo.
Nitidez en la imagen y mejor control con los diferentes objetivos.
El videasta encuentra la cámara réflex lo que buscaba desde hace mucho obtener, un contraste y una saturación muy parecida a cine.
Lentes intercambiables
Los lentes de las cámaras réflex son muy diferentes a los de las cámaras de video. Los objetivos más especializados ofrecen una calidad inigualable.
Gran apertura (F/1.2 a f/2.8) zoom a apertura constante, distancia focal larga, estabilización óptica eficaz, buen picado con detalles finos ….
Zooms con la habilidad de ir de gran angular a teleobjetivo.
Gran Angulo para paisaje, teleobjetivo para animalista, estándar para retrato….
Principal problema
Hacer que el sujeto se vea nítido y el fondo borroso es el efecto estético favorito de fotógrafos y videastas.
Debido a su sensor pequeño su óptica se abre menos, la cámara no logra siempre obtener una pequeña profundidad de campo.
Se tiene que aumentar zoom y que el sujeto este mas cerca de la toma para lograr este efecto.
Solución utilizar un objetivo mini 35 o el pro 35 o edición.
Configuración manual
La réflex no es una videocámara.
Réflex no ofrece un enfoque automático en video.
Ejemplo: Al filmar un documental o un reportaje, donde la cámara debe seguir rápidamente la acción el uso del visor de la réflex es mas difícil y la disminución de la profundidad de campo se distorsiona rápidamente la nitidez.
Enfocar
Al ser pequeña la pantalla, habrá que aumentar el zoom en la imagen sobre el sujeto filmado, luego ajustar el enfoque. Disminuir el zoom para hacer el encuadre.
Problema si el sujeto se mueve no se puede verificar el enfoque haciendo zoom durante la grabación.
Usar lupa de visor sobre la pantalla, permite aislar la luz exterior y ver la imagen mas grande, además de ofrecer un punto de apoyo suplementario cuando se observa a través del visor.
Conectar a un monitor
Ejemplo: conectar a una pantalla entre 7” a 10” al dispositivo, así se tiene una imagen directa del objetivo filmado, el problema es el costo ya que la pantalla tiene que ser de alta calidad y con conexión HDMI.
Un Control difícil
Contrariamente a las cámaras de video, Réflex no tienen un estabilizador integrado. Por lo tanto, los temblores de la mano se pueden sentir, sin un tripié y sin un estabilizador los videos son captados con movimiento.
Con la experiencia las vibraciones serán menos, especialmente cuando se enfoca y se filma al mismo tiempo.
Existen accesorios para evitarlo como el mono tripié o steadycam.
El problema es el elevado costo de estos equipos de filmación.
¿Cual elegir?
¿Voy a tomar a tomar fotos? ¿Estoy dispuesto a utilizar un equipo voluminoso para filmar? Si la respuesta es no entonces no convendrá una réflex.
Pero si se quiere filmar y tomar fotos y no importa el volumen del equipo, la cámara réflex es una buena opción para los videastas.
Estética de la imagen indiscutible, contraste y textura propias de la fotografía en video.
Control de todos los parámetros de exposición.
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HISTORIA DEL CINE
EL teatro de las sombras - Nacido en el continente asiático, trata de un arte que combina la mitología y la religión con la tradición popular.
La palabra «sombra» tiene también el sentido de alma, espíritu, de muerto.
Siglo XIX se crean los teatrillos para niños con figuras mediante la sombras de las manos
Linterna mágica
En el siglo XVIII se crea la linterna mágica. Estos eran mecanismos de una caja, con lentillas donde se coloca una fuente de luz que proyecta la imagen. Debido a que su evolución fue rápida, se fueron creando placas de vidrio y linternas mas avanzadas para su uso en teatros o funciones privadas.
Los juguetes de óptica
El Taumatropo: consiste en un circulo o rectángulo de cartón dibujado por ambas caras y sujeto a los extremos de manera que si se hace girar rápidamente se crea una tercera imagen.
Zootropo: Los dibujos se situaban en unas bandas de papel longitudinal y se colocaban en el interior de un tambor de metal con ranuras verticales dando la sensación del movimiento continuo de la imagen.
Comienzo del cine
Paris 28 de diciembre de 1895 los hermanos Louis y Auguste Lumiere realizaron la primera proyección publica de imágenes en movimiento
El cinematógrafo
Este invento fue distribuido por todo el mundo, a través de la compra de la patente, o bien mediante la copia del artilugio.
La maquina: impresionaba la película, proyectaba la cinta y funcionaba accionando una manivela que arrastraba el filme a 15 imágenes por segundo
Le France
Los primeros temas comenzaron aburrir por sus escenas reales y cotidianas, pronto surgió la fantasía, la ficción, los efectos especiales.
George Melies: Pasa a la historia como el creador del cine como espectáculo. Sus historias tienen argumento. Es el inventor de los efectos especiales.
La caída de Francia.
Francia, metida de lleno en la Primera Guerra, dejaron de producirse películas entre 1914 y 1918, hecho que aprovecharon los norteamericanos para hacerse con la hegemonía del cine.
El cine como negocio se creo en una poderosa industria “Hollywood” se conformo como la elite del a producción, distribución y exhibición.
En los años 30, se comenzaron a forjar la personalidad del cine Hollywoodiense. El “star system” o el cine de géneros respondía a lo que el público reclamaba, historias fácilmente reconocibles, atractivas y con el magnetismo que aportaban las glamorosas estrellas cinematográficas.
Nacen estrellas como: Charles Chaplin, Buster Keaton, Harold Lloyd o Rodolfo Valentino
En esta década de los veinte, marcada por la calidad de muchas de las producciones realizadas, se aprecia un notable cuidado en la “imagen”, y lo “que se quiere transmitir al espectador”.
El sindicato
LA United Artist (UA) fue fundada el 5 de febrero 1919 por cuatro grandes de Hollywood: Charles Chaplin, Douglas Fairbanks, Mary Pickford y David Wark Grifith. Con el¡l motivo era desafiar el poder de los grandes estudios de la época.
David w. Grifith (“El padre del cine moderno”)
Creador del modelo americano de representación cinematográfica (o montaje invisible) por lo que fue llamado. Algunas de las películas rodadas durante las tres primeras décadas marcaron inexorablemente la evolución del lenguaje cinematográfico.
Europa 20
Se caracterizaron por su experimentación y reivindicando el cine como arte.
Algunos de los carteles eran creados por los artistas plásticos de la época, la influencia del expresionismo alemán.
Rusia
Cineastas rusos de esta época Kulechov, Vertov, Pudovkin y Eisenstein.
En los 20, Einsenstein alcanzo extraordinarios éxitos y produjo una serie de obras maestras.
El Acorazado Potemkin es considerada una de las películas propagandísticas mas influyentes de todos los tiempos.
El sonido y el color en el cine
Los espectadores podían entender mejor las historias y potencio, por lo tanto, nace la importancia de los guionistas en la industria del cine.
Debido al cine norteamericano muchos actores de origen extranjero vieron reducidas sus posibilidades de triunfar. Los estudios se vieron obligados a realizar grandes inversiones para adaptarse al registro del sonido.
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Video
Cuando eramos soldados, escena final. De fondo la canción 28 Days Later .
Sorry por la marca de agua.
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Barton Fink
Buena trama, el sonido ayuda a sentir las emociones de Fink, le causa mucho conflicto el no saber nada de box ya que le piden escribir un guión sobre eso, me gusto mucho la ambientación y su fotografía. Tiene varias temáticas las cuales algunas son mas fáciles de captar que otras. También me di cuenta que tiene varios simbolismos.
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Apocalypse now
Comenzando con un bombardeo y de fondo “ The end - The doors”
Narra la historia de Willard que inicia un peligroso viaje en la selva de Camboya siendo oficial de los servicios de inteligencia del ejército de EE.UU. cuyo objetivo es matar a Kurtz (un renegado) que pierde la razón.
En mi opinión tiene una buena dirección, actuaciones, ambientación, guión, sonido.
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Diafragma y Nitidez
La nitidez es que cuando mas cerrado este el diafragma (mayor numero F) mayor debería ser la nitidez y por el contrario a mas abierto (menor numero F) menor es la nitidez. La mayor nitidez se produce con los diafragmas que están uno o dos pasos mas abiertos que el máximo del objetivo. Ejemplo si tenemos un objetivo 1:2 probablemente obtendremos la máxima nitidez con valores de f entre 4 y 8 (1-2 pasos)
Profundidad de campo
Cuanto más abramos el diafragma (valores de f bajos) menos profundidad de campo tendremos y viceversa, cuanto más lo cerremos (valores de f altos) más profundidad de campo.
Valores de f altos aumenta la nitidez y aumentan la profundidad de campo
Valores de f bajos disminuyen la nitidez y disminuyen la profundidad de campo
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Tipos de lentes y accesorios
Óptica Fotografía
Objetivos
Los objetivos se clasifican en función del campo visual y el ángulo de captación de la escena
Normal
Con ángulo de 45 grados (40 a 60 mm.)
Teleobjetivos
Con un ángulo inferior a los 45 grados. (70 a 400 mm.)
Gran angulares
Con un ángulo superior a los 45 grados (18 a 35 mm.)
Zoom
Incorporan varios campos visuales (35 – 105 mm.)
Ojo de pez
Objetivos con la capacidad de modificar la imagen (8 -18mm.)
Filtros de color
Corrigen una dominante de color presente en la luz ambiente.
Dan efecto artístico intencionado.
La principal característica es afectar la toma desde el disparo en formato RAW, la temperatura de color es controlable.
Filtros infrarrojos
Solo permite el paso de rayos infrarrojos al sensor.
Su efecto puede lograrse suprimiendo el filtro infrarrojos que lleva el sensor de la cámara, con la ventaja de que el tiempo de exposición es el normal.
En caso de los filtros externos se incrementan notablemente.
Filtros polarizados
Son los mas populares, se usa para saturar los azules del cielo, dar mas contraste a las nueves y elimina los reflejos de la imagen.
Contra parte es dar un par de pasos arriba para la exposición.
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Voyerismo.
• La esencia del voyerismo es ver sin ser visto. Y su traducción literal es “mirón” o “observador”
• Voyerismo telespectador es provocado frente a imágenes o acontecimientos relacionados con personas o grupos en su intimidad o su desnudo (ya sea publico o privado).
• El voyerista no quiere presenciar verdad o realidad. Quiere ser testigo de algo que sobrepase su propia cotidianeidad y que lo haga sentir que rompió una barrera, que violó un espacio, una vida.
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Comunicación del riesgo.
• “Dos mas Dos no son Cuatro”: Cuando se toma una decisión o acción, se puede contribuir al cambio del curso de los hechos llegando a modificar la historia de la misma. Es un factor muy impórtate en los medios de comunicaciones o lideres políticos.
• Dejar de tomar decisiones en el momento preciso, cuando todos los indicadores e instinto te dicen que debes hacerlo, es dejar las cosas en manos del destino.
• Un comunicador debe de ser sagaz e inteligente. El debe de tomar riesgos calculados, al costo que sea, cuando el propósito sea noble.
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Sentido de la oportunidad.
• Es la habilidad, capacidad, fortaleza o virtud que tiene una persona, de tomar una decisión o acción a tiempo y en el momento oportuno, de manera que garantice el éxito de lograr el propósito perseguido.
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Introducción al arte y nuevas tecnologías.
• Las artes visuales y tecnología siempre estuvieron vinculadas. Dado que toda realización artística supone una tecnología de producción, una técnica, una serie de instrumentos y de procedimientos.
• Actualmente el Internet como instrumento para la creación, reproducción y difusión de la expresión artística, constituye un nuevo nexo entre el arte y las nuevas tecnologías.
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