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Beau Travail y Marat

La influencia de La muerte de Marat en la película Beau Travail de Claire Denis puede entenderse al examinar la conexión temática y visual entre ambos eventos.

La muerte de Marat es un suceso histórico que ocurrió durante la Revolución Francesa, cuando Jean-Paul Marat, un líder político radical, fue asesinado en su bañera por Charlotte Corday. Este evento, que se convirtió en un símbolo de la violencia y la agitación de la época, ha sido representado en numerosas obras de arte y literatura.

En Beau Travail, Claire Denis establece un paralelismo entre la muerte de Marat y la narrativa de la película, que se desarrolla en un ambiente militar en Djibouti. El personaje principal, Galoup, es un ex sargento que recuerda su tiempo en el ejército y su obsesión con uno de sus subordinados, Sentain.

Por otro lado, se puede observar una escena que toma como base una pintura icónica, La muerte de Marat de Jacques-Louis David. Lo interesante de esta escena es que recrea la postura y la composición visual de la pintura de David. Galoup adopta una posición similar a la de Marat en la pintura, lo que crea una conexión visual muy evidente entre ambos. La similitud de la postura y la composición ayuda a transmitir una sensación de melancolía y reflexión en la película.

Además, esta referencia visual también establece una conexión temática entre el personaje de Galoup y el tema de la muerte en la película. Al igual que en la pintura de David, donde Marat está muerto, Galoup parece estar en un estado de introspección y contemplación sobre su propia existencia.

La película explora la violencia, la pasión y la mortalidad de una manera similar a cómo se ha representado históricamente la muerte de Marat en el arte y la literatura.

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Terrence Malick, el director de la película "Days of Heaven" (1978), es conocido por su enfoque visual y artístico distintivo. En "Days of Heaven", Malick trabajó estrechamente con el director de fotografía Néstor Almendros y, más tarde, con Haskell Wexler después de que Almendros tuvo que abandonar la producción debido a conflictos de programación.

La película está notablemente influenciada por pinturas realistas y románticas del siglo XIX. La estética visual y la cinematografía de "Days of Heaven" están fuertemente inspiradas en artistas como Andrew Wyeth y Jean-François Millet.

Andrew Wyeth era conocido por sus pinturas detalladas y realistas de paisajes, a menudo capturando la belleza y la serenidad de la naturaleza. Esta influencia se ve claramente en las impresionantes tomas de la película que destacan los vastos paisajes, campos de trigo dorado y el cielo expansivo. La película utiliza la naturaleza como un elemento narrativo, y la influencia de Wyeth se refleja en la forma en que la cámara captura la belleza y la inmensidad de la tierra. Wyeth también era conocido por su manejo experto del color y la luz, y estas características se reflejan en la paleta de colores cálidos y en la forma en que la luz del sol juega un papel importante en la cinematografía de "Days of Heaven". La película utiliza la luz natural de manera efectiva para crear atmósferas evocadoras y pintorescas. Millet, un pintor francés del siglo XIX, era conocido por sus pinturas que retrataban la vida rural y los trabajadores agrícolas. En "Days of Heaven", la historia se desarrolla en un entorno rural y sigue la vida de trabajadores migrantes en una granja. Las imágenes de los personajes trabajando en los campos, la cosecha y la vida cotidiana reflejan la influencia de Millet en la representación de la vida rural en la película. Al igual que Millet, Malick utiliza la composición de las escenas para destacar la relación entre los personajes y la tierra. Las escenas a menudo presentan composiciones pictóricas, donde los personajes se integran armoniosamente con el entorno natural, creando imágenes que evocan la sensibilidad de las pinturas de Millet.

Personalmente, considero que la combinación de la influencia de Wyeth en la representación visual de la naturaleza y la habilidad de Millet para retratar la vida rural y los trabajadores agrícolas contribuyen a la estética única de "Days of Heaven". La película logra capturar la belleza y la poesía de la vida en el campo, al tiempo que utiliza la cinematografía de manera evocadora.

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Corrompida por la vida

Cría cuervos de Carlos Saura es una película donde se representa la subjetividad del paraíso infantil, donde el acecho del pasado es constante en el eterno presente. Ana Torrent nos ofrece una actuación espectacular que retrata la pérdida de la inocencia, un lienzo manchado antes de lo ideal. Este metraje, aparte de tener ecos surrealistas, relata la historia de una infante consumida por la melancolía con la idea tan incitadora de la misma muerte. Particularmente, el uso de simbolismos en esta película es crucial desde mi perspectiva. Desde la misma casa paralizada rodeada de modernidad, hasta la misma vestimenta que refleja la psicología de los personajes a través del color. A lo largo de la película, vemos una familia algo decadente; sin embargo, la hermana mayor y la menor siguen manteniendo cierto grado de pureza a pesar de sus vivencias. Ellas constantemente utilizan colores en sus prendas que simbolizan la juventud y calidez. Por otro lado, Ana usa colores como vino y rojo; estos dando a entender que ha madurado y experimentado más cosas que sus prójimos. La tía y la cuidadora de igual manera se visten con tonos más sombríos y frívolos, representado una existencia ya corrompida por la vida per se. Esta historia habla de la fuerza de los recuerdos y las consecuencias que estos ocasionan. Cómo es que unas personas se arraigan tanto al pasado por no saber cómo enfrentar su presente, provocando mecanismos de defensa para lidiar con su miserable existencia.

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Regando la mortalidad

Takeshi Kitano a través de Hana-Bi, nos ofrece un extraordinaria película que representa la sutileza del cine japonés al hablar sobre la vida per se. A pesar de que este filme sea una hipérbole de la violencia, es ligera simultáneamente ya que retrata de manera magnífica lo sustancial de la existencia: el amor.

"¿Por qué darles agua? Esas flores están muertas." Esta frase es sumamente emblemática y que a mí parecer sintetiza la película ese manera impecable. Es decir, cómo es que lo bello de la vida es finito y efímero, por ende, es apreciable. Por más que cada ser vivo esté en una muerte constante, no significa que se tenga que descuidar el tiempo y las personas que tenemos en ese determinado presente. En esta película se hablan de dos tramas principales de manera paralela, está Yoshitaka Nishi ( ex detective) que opta por estar constantemente con su esposa (tiene leucemia terminal). Por otro lado, está el detective Horibe, que sufre de una grave depresión por ser abandonado por su esposa e hija, y también por haber quedado parapléjico en un accidente. Sin embargo, ambos se percatan de la importancia de la pasión ante la vida y como es necesaria mantenerla y regarla constantemente sin importar las consecuencias. Nishi deja la violencia para trabajar en su relación a pesar de su estado precario y Horibe empieza a pintar para expresar sus sentimientos y enamorarse de la vida una vez más.

Esta película es una obra de arte desde mi percepción por la manera en la que se proyecta la relación que el ser humano tiene con sus prójimos, consigo mismo, la vida y el tiempo. La disconformidad ante las vicisitudes de la vida y sin embargo, optar por seguir regando nuestro aliento.

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Mi mundo en éxtasis

El director Víctor Erice en la película El espíritu de la colmena utilizó la estética y el estilo pictórico de Zurbarán para crear una atmósfera en la película que refleja la soledad, la oscuridad y la melancolía de sus obras.

Zurbarán fue conocido por sus pinturas religiosas y por su uso del claroscuro, que consiste en la representación de imágenes a través de contrastes de luz y sombra. Esto se evidencia en la película en la escena en la que la niña Ana, protagonista de la historia, visita una exposición de arte y se encuentra con un cuadro del pintor. En ese momento, la cámara se centra en el rostro de Ana, iluminado sólo por la luz que emana de la pintura, creando un efecto de contraste entre luces y sombras similar al estilo de Zurbarán.

Además, el tema de la religión y la espiritualidad que caracteriza la obra de Zurbarán también está presente en la película. A lo largo del metraje, se reflexiona sobre la existencia de un espíritu o alma, y se exploran temas como la infancia, la soledad y la muerte. Estos temas son recurrentes en la obra de Zurbarán, quien destacó por sus representaciones de santos y mártires.

Esta influencia se puede apreciar tanto en su estética visual como en su temática, creando una conexión entre el lenguaje visual del cine y el arte pictórico que enriquece el mensaje y la experiencia cinematográfica.

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Personajes

Persona es una película inefable del director sueco Ingmar Bergman de 1966, donde la premisa principal se basa en lo etéreo; en lo empírico durante la travesía de la película más allá que de la comprensión per se.

Esta historia entre dos personajes cuestionan temas desde la dualidad de uno mismo hasta las mismas convenciones de la imagen, y cómo es que una misma persona es multifacética y puede tener múltiples representaciones en un mismo cuerpo. El verdadero dilema reside en abrazar cada matiz que tu identidad tenga que ofrecer y que paulatinamente tú lo vas descubriendo acompañado únicamente de tu persona.

Esta experiencia es completamente onírica y surrealista, puesto que el impacto auténtico reside en lo emocional y no en lo intelectual. Si es evidente la crisis existencial sobre uno mismo al igual que el amor y odio que se desarrolla a tu propia identidad; sin embargo, la clave es la relación de lo sensorial y el contacto íntimo a través del lenguaje cinematográfico por más incomprensible que sea.

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Danzando sobre la miseria

Federico Fellini, director y guionista italiano a través de Las noches de Cabiria nos ofrece una inigualable y moderna película donde la mujer a pesar de las vicisitudes de la vida busca reivindicarse una vez más. Cabiria, interpretada por Giulietta Masina, es la protagonista, cuyo papel es de una miserable prostituta que trabaja en uno de los barrios más pobres de Roma. A ella la podríamos considerar como una romántica incurable, debido a sus expectativas y en cuanto a como persiste fiel a la idea del amor pese a sus previas situaciones amorosas. Esta historia es el arquetipo idílico de esos individuos que se mantienen al margen del compromiso, siempre siendo espectador y nunca partícipe del amor.

Personalmente, yo considero que la escena más importante y determinante de esta película es el final. Aquel preciso instante donde ella opta por sonreírle a la vida por mas que no existiera motivo alguno, dejando la misantropía para los moribundos. Caribia, después de haber sido robada y despiadadamente decepcionada se encuentra caminando a la deriva, con su mirada y mente hacia el limbo, siendo rodeada por extraños que son cómplices de su felicidad. Paulatinamente, en esa escena podemos observar su crudo rostro antes desfigurado por la vida, se va poco a poco tornando en un reflejo de pureza. Ella nos demuestra un gesto cálido y bondadoso en un ambiente frío a pesar de haber sido abandonada por la esperanza en múltiples ocasiones. Es evidente que nadie se acostumbra al sufrimiento, sin embargo, ella se mantiene resiliente y auténtica hacia cada oportunidad que le arroja la vida sin previo aviso, gozando cada experiencia lo mas vivaz y memorable posible. La última escena donde únicamente se puede observar su rostro y a algunas personas a su alrededor, transmite y representa un canto hacia la vida, donde ella danza sobre la miseria, constantemente rescatando algo bello aun y cuando se encuentre en las condiciones mas precarias. Su sensibilidad nunca fue entumecida por los golpes del destino y se mantiene en un vacío de incertidumbre, donde ella opta por amar la existencia con sus virtudes y defectos si es que eso significa sentir plenamente.

Por otro lado, la escena más dramática desde mi punto de vista es cuando ella se mete a un local y encuentra a un mago que tiene la capacidad de engañar y manipular a su audiencia. Ella es llamada para contribuir en un acto de magia en donde ella es hipnotizada y termina recitando una escena de amor, ahí su alma es completamente desnudada. Cabiria, por primera vez nos revela aquel sueño que persigue continuamente, el poder encontrar su verdadero amor y modificar su vida actual. Aquí podemos ver la magnitud de su autenticidad y sinceridad, como describe sus anhelos tan meticulosamente y es capaz de demostrar cada emoción sin remordimiento alguno. Sin embargo, en esta escena en particular podemos ver como el público, una vez que ella termina su trance, es completamente humillada por haberse desvestido emocionalmente, ya que su vulnerabilidad es percibida como una deficiencia a los ojos ajenos. Otra vez fue víctima de una ilusión perpetuada por un hombre... y en instantes fue quebrantada para la satisfacción de otros.

Esta película retrata a una mujer desgastada por la vida, donde Cabiria es cristalina en esencia y alma y lo único que la mantiene de pie es la percepción que tiene ante la vida. Su manera de ver el horizonte, es aquello que la salva y la decepciona simultáneamente...

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Humanizando la inhumanidad

Peeping Tom es una película que retrata impecablemente el origen de la psicopatía y sus síntomas, donde se representa la transgresión de la mirada y la penetración de la mirada en las víctimas. El director Michael Powell nos relata la historia de una persona voyerista que está en búsqueda del auténtico retrato del miedo a través del asesinato de múltiples mujeres. 

Desde el comienzo, se nos informa que el padre del protagonista (Mark Lewis) es un científico, específicamente biólogo. Su padre mostraba un interés particular en la reacciones químicas generadas en el sistema nervioso por algún tipo de pánico o miedo. En consecuencia, la manera en la que él experimentaba era a partir de su hijo, grabándolo clandestinamente y asustándolo deliberadamente para obtener esa reacción vulnerable del ser humano. En un futuro, la misma película nos enseña como Mark replica las mismas conductas depravadas e inhumanas implementadas por su padre, desarrollando la escoptofilia (el mórbido placer de observar a las personas) ya que él siempre fue sumiso del espectador y nunca conocedor de la privacidad. 

Sin embargo, lo polémico de Peeping Tom es la empatía que se genera por parte de la audiencia hacia el mismo depredador, cómo es que podemos sensibilizarnos hacia alguien que perpetúa la muerte per se para su satisfacción. Puede ser por el hecho de su misma historia, es decir, cómo es que sus traumas de cierta manera definieron su persona y sus acciones del presente (apegándonos a la teoría freudiana); sin embargo, sería algo mediocre ya que no habría evolución de un individuo. Mark siendo humano, demuestra la dualidad de cualquier individuo, cómo es que somos un personaje al los ojos de otros y alguien distinto en nuestra intimidad. Al igual sobre cómo todos compartimos el común denominador de la excitabilidad por cosas posiblemente ilícitas. Finalmente, está película retrata el peligro de la imagen y cómo la misma mirada siendo completamente intangible tiene la capacidad de violar a cualquier individuo de diversas maneras hasta penetrar nuestra alma.

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De la vanidad a la vulnerabilidad

 "Mientras seas guapa, estarás mucho mas viva que los demás." Agnès Varda, una directora francesa reconocida por ser pionera del Nouvelle Vague e iniciar el cine feminista; a través de Cleo de 5 a 7 nos adentra a la idiosincracia de Cleo (Florence), una cantante privilegiada sumamente vanidosa y superficial que se encuentra en un dilema existencial debido a una posible enfermedad terminal. Donde lleva a la protagonista a poner toda su vida en retrospectiva, cambiando su mirada de ángulo y empezar a ver de manera diáfana. Esta película nos pone en la premisa de como la belleza sin duda alguna es una bendición pero de igual manera una maldición.

Desde el inicio de la película observamos a la protagonista Cleo siendo narcisista, egoísta y caprichosa en todo momento. Constantemente abrumada por la idea de la decadencia física, ya que ella esta siendo objeto y no sujeto. Esto quiere decir que siempre esta a la vista del espectador, siendo quebrantada por reflejos ajenos y nunca esclarecida por su propia visión, puesto que el valor del escrutinio público en esta película es monumental. Ella está atormentada por la superstición, esto se logra observar por los simbolismos y los mismos comentarios representados a lo largo del largometraje, lo que provoca que ella no tenga un juicio crítico propio y continuamente se vea manipulada por fuerzas exteriores a ella. Se debe mencionar que Agnès Barda utiliza la estética para dar significado, ella es fiel creyente de como la connotación de lo visual y lo estético deben coexistir ya que esto ayuda al ritmo del desarrollo del personaje. 

De igual manera, el miedo a la fealdad es un tema crucial en la película, en general el poseer cualquier tipo de defecto es un miedo que tiene Cleo. Usualmente, las figuras públicas y famosas al ser deseadas e idolatradas, son posicionadas en un pedestal cercano a la inmortalidad, donde la perfección es casi su seudónimo. En estos casos, se tiende a olvidar que son portadores de sensaciones, de emociones, de vivencias como nosotros, que siguen siendo humanos y que poseen defectos. El marco de error para estas personas es nulo, debido a que ya tienen expectativas que cumplir y apariencias que demostrar; en ese mundo lo único seguro es que la fama satisface al espectador y explota al protagonista hasta que lo único que reste es su título. 

Por otro lado se puede destacar la importancia de la mirada, ya sea como arma para construir prejuicios o como herramienta para explorar otras perspectivas. Cleo al ser el foco de atención continuamente, olvida que existen otras narrativas a su alrededor y es ignorante de su entorno. Al progresar la película, tiene un encuentro determinante con un soldado que se irá al día siguiente a la guerra en Argelia. Su conexión trasciende el tiempo, empatizan mutuamente ya sea por azares de la vida o por el común denominador de la muerte y se encaminan hacia una travesía donde los cuestionamientos son desde lo literal hasta las ambigüedades de la vida. Uno podría llamarlo amor, coincidencia, serendipia o simplemente algo completamente inefable que surge entre dos individuos. Cleo dijo que siempre fue arruinada materialmente y nunca verdaderamente amada, tal vez eso era lo único que necesitaba para empezar a vivir la vida de manera plena. 

Esta película es humana, puesto que representa la crudeza de las inseguridades y las emociones que una mujer experimenta al afrontarse con alguna vicisitud. Nos incomoda ya que todas hemos sido tan arrogantes y superficiales en algún punto de nuestra existencia al igual que Cleo; sin embargo, también hemos sido tan vivaces y agradecidas una vez que fuimos conscientes de nuestras conductas. Realmente nos hace comprender como la vulnerabilidad no es debilidad si no todo lo contrario, es el estado más puro del ser humano. Donde cada individuo se da la libertad de sentir cada emoción tal y como es sin culpa alguna, sin apariencias falsificadas si no únicamente pura esencia palpitante. Nuestra mirada es el escalón para observar más allá del horizonte y para evitar la ceguera de  la neblina que de vez en cuando opaca nuestro juicio.

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La marioneta de la opulencia

Sunset Boulevard expone de manera algo hiperbólica el ángulo ignorado y decadente de las estrellas de Hollywood, cómo es que la industria establece una relación completamente utilitaria con sus trabajadores y los consume ya sea exponencial o paulatinamente. El director austriaco Billy Wilder nos relata las repercusiones generadas a largo plazo por la fama y el éxito convencional, proyectando al espectador una relación sumamente codependiente y depresiva en la que sacian sus carencias a través de su hipócrita compañía.

La película inicia con un crimen en una mansión sofisticada, que es algo bastante predecible siendo esta film noir y progresivamente vemos que el narrador es un escritor agobiado por su crisis económica que se mantiene fiel a la idea de que algún día sus palabras serán leídas. Tras varios imprevistos como sus deudas pendientes y la policía en búsqueda de su carro, el protagonista llamado Joe Gillis invade por accidente un terreno aparentemente deshabitado, opta por entrar a la anticuada mansión y el ambiente era fúnebre y frívolo. Un mayordomo lo dirige hacia la habitación principal donde residía una mujer intrigante y enigmática, se encuentran ambos personajes; ella era una antigua e icónica estrella del cine mudo llamada Norma Desmond y él un guionista aficionado tratando de pagar la renta. Al conocerse, ella es hostil al inicio, sin embargo, aprovecha la oportunidad para que que Gillis lea su guión y que finalmente lo pueda llevar a Paramount para reivindicar aquel nombre suyo que había desvanecido. En este preciso momento, podemos observar como ambos personajes se aprovechan recíprocamente, Joe Gillis para obtener un beneficio monetario y ella para mantener su título de estrella. 

La mayoría de la película se desarrolla en su mansión, donde la opulencia se desborda de rincón a rincón y el narcisismo se refleja de pared a pared. Norma Desmond tiene retratos y fotos de ella de manera exuberante al igual que sus decoraciones excesivas, casi dando a entender su inexplicable miedo a la soledad al evitar el vacío (horror vacui). Así mismo, se presenta una escena en la que estos dos personajes están viendo una película en la que claramente ella es la protagonista donde dice una frase sumamente distintiva "no necesitábamos diálogos, teníamos rostros". Esto denota como ella sigue estancada en otra época, con su antigua juventud y permanece en un un limbo de una fama extinguida. Joe Gillis describe al lugar como "un parálisis decrépito" al estar constantemente alienados de la sociedad, puesto que ella se había disipado hacia el olvido desde hace mucho tiempo, ya había dejado de ser la estrella. 

Por otro lado, conforme progresa la historia, se desarrolla una enorme necesidad y conformidad económica por parte de Joe hacia ella y una impresionante dependencia emocional del lado Norma hacia él. Ambos personajes han sido únicamente compañeros de la soledad ya bastante tiempo, y en consecuencia la actriz compra la compañía del guionista para que los dos estén juntos en su incomodidad. Evidentemente, es perecedero este trato implícito, ya que Joe teniendo una vida por delante deja de ser víctima del consumismo por unos instantes. Empieza a escribir nuevamente, puesto que había dejado su pasión por placeres superfluos y se reencuentra con una mujer llamada Betty Schaefer, que es la contraparte de aquello que conocía mientras estuvo con Norma. Ella tenía presencia aún y cuando se encontraba del otro lado de la cámara, lo incógnito, tenía la capacidad de adaptarse al cambio y tenía la apertura a innovadoras ideas; donde el hecho de dejar una huella indeleble en el mundo y ser recordada no era su prioridad. Ellos empiezan a tener un vínculo más íntimo, donde comparten pasiones y disfrutan el tiempo que conviven juntos; pero él sin realmente revelarle el hecho de cómo ha sido sumiso de una mujer que lo mantiene.

Al final, cada personaje se enfrenta a su destino... con desconcierto, cobardía y psicosis. Donde unos optan por huir de la incertidumbre para no exponer su vulnerabilidad, otros huyen de la conformidad cuando esta ya los había ahogado desde un inicio, y otros prefieren mantenerse en aquel pretérito que siempre añoran.