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Reflexión sobre estímulos

La verdad no entiendo muy bien como se supone que reflexione sobre los estímulos, pero sí hubo algunos con los que tuve diferentes reacciones, ya sea por el estímulo en sí que me recordó a algo, o por lo que dijo la persona.

La foto del cielo vista desde un avión de Sam directamente contribuyó a que recordara una foto mía que agregue a la presentación, la de la playa. Siento que para mí las dos fotos tienen la misma energía, una especie de paz interior cuando uno siente que está en su propia burbuja, pues así es como yo suelo sentirme cuando estoy en algún vuelo, me gusta mucho viajar en avión, y la extrema paz que yo sentí en el momento que me tomaron la foto en la playa.

La frase de Cacau de su tía "Alegre a terça feira de alguém" me resonó por los diferentes cosas que dice. Habla mucho de una manera de vivir no para uno mismo pero para ayudar a los demás, cómo hacer más ameno vivir en una sociedad y ese es un sentimiento que a mí me parece fantástico y que es muy fácil de pasar por alto.

En algún momento Adrián medio explica cuál es el tema de sus estímulos, el saber un poco de todo. eso es un concepto que me fascina y en el que de vez en cuando pienso porque igual que él, a mi también me gustaría ser alguien que sabe muchas cosas diferentes de muchos temas, es una meta que me propuse desde hace mucho tiempo y la verdad no sé si lo he logrado pero es algo que comparto con Adrián. 

Sandra y yo encontramos inspiración en casi los mismo medios y de alguna manera parece que estamos cortadas con la misma tijera solo que lo suyo radica más en el caos y lo bizarro de las pesadillas mientras que yo contemplo más lo irracional de un sueño. Siento como si lo suyo fuera una explosión mientras que lo mío es una implosión pero de alguna manera a las dos nos gusta explorar lo creativa que puede ser la mente y cómo logra traer lo que esta se imagina al mundo real de alguna manera u otra.

Otra vez con Cacau y sus frases, me encantó la ironía de muchas de las frases que ella puso, en vez de ser algo que la inspira a seguir adelante o cualquier otro cosa, son cosas que ella odia escuchar. A mi también me chocan muchas frases inspiracionales, las encuentro cursis y banales, huecas y solo te dicen lo que quieres escuchar, por eso son mejores los dichos, ellos reflejan más la realidad y son universales de cierta manera. De la misma manera me da cierta mala espina la gente que no irónicamente utiliza frases como las que puso Cacau.

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Introducción de trabajo colaborativo

Vídeo 1:

Las actrices querían crear una manera de trabajar que fuera muy física, expresando así lo que esta más en el subtexto. 

El único que mencionan en este vídeo es ‘under-over’ donde las dos personas intentan hacer movimientos ya sea arriba de la otra persona o abajo de cualquier manera. Algo que me llamo mucho la atención fue cuando empezaron a darle importancia al contacto visual o la falta de, verdaderamente cambiaba todo el tono de lo que estaban haciendo, creando una historia completamente diferente solo con movimiento y la mirada.

Vídeo 2:

El punto de arranque de todas las dinámicas que se hicieron en este vídeo fue el lenguaje físico, la historia o las partes de las historia que se cuentan a través del cuerpo, una coreografía y/o la interacción física entre los actores.

Los dos ejercicios se me hicieron muy parecidos y con la misma finalidad, pero creo que me llamó más la atención ‘Hymn Hands’ por el hecho de que al estar más concentrado los movimientos en solo los brazos y el pecho podías apreciar más el detalle de los movimientos y era interesante como incluso con una gama de movimientos más limitados se podía transmitir una historia o una tensión igual de compleja que en el otro ejercicio usando otros recursos, como la mirada, la velocidad o con las tres bases que mencionaba Scott Graham. 

Vídeo 3:

Las experiencias y disciplinas de todos en la compañía ayudan a que una obra pueda contar todo lo que esta puede contar, entonces tiene que haber un método para empezar a darle marcha al proceso creativo que permita que todo el conocimiento y creatividad de todos se pueda convertir en una sola cosa.

Crearon una dinámica usando las cartas, donde se usan están como un catalizador para que fluyan las ideas e interpretaciones. Cada persona dice algo que interpreta o algo que relaciona con cualquier aspecto de las cartas, desde el juego en sí o las figuras, los colores, etc. Después para crear más confianza y entablar amistades las personas empiezan a jugar cartas. Por ultimo se hace un dibujo colectivo donde cada quien contribuye con su interpretación de las dinámicas. Al final el punto es que las conexiones que se buscan a la hora de crear una obra de teatro no se tienen que forzar, sino que salen naturalmente en el proceso creativo.

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Reflexión

Mi momento (Atmósfera):

Mi equipo y yo trabajamos lo que es la atmósfera y quisimos crear una de estrés y frustración. Para esto la idea fue crear una saturación de los sentidos, tanto sonoros como visaules y narrativos; cada personaje tenia su propio problema, y cada uno quería que su problema fuera el más importante, por lo que se crea esta competencia de quien hace más ruido y quien tiene la razón, pero al final nada de eso importa porque al final el papá se va ir al trabajo, las hermanas se van a ir juntas y la mamá se quedara en la casa. 

Creamos una situación muy familiar que hacia fácil para el publico entender la situación y meterse en ella, lo cual creo que ayudo a que ellos también sintieran el estrés. 

Antes de empezar al escena estaba un poco dudosa porque en sí no habíamos preparado lineas ni momentos de entrada, solo cual iba a ser el conflicto entre cada uno de los personajes, pero al final siento que todos supimos que el punto era hablar lo más alto posible, cada uno a su propio tempo, con su propio tono, pero todo subido 3 rayitas de nivel.

El momento de otro equipo (Significado):

Uno de los otros equipos uso el significado y siento que lo hicieron bien. En su momento dos personajes convivían cuando alguien de la nada llega y metódicamente empieza a poner cinta entre los dos separandolos y luego callándolos, todo esto sin ningún dialogo entendible, pero en vez usando gibberish. 

Siento que el usa gibberish fue una muy buena decisión porque así el publico puede interpretar la escena como cualquier cosa, desde algo literal como que la cinta es solo cinta y la historia y los personajes son simples y excéntricos; a algo súper profundo como, no sé, Ricky representaba el gobierno opresor mexicano, y Diego y André los periodistas cuyas voces son calladas, haciendo el periodismo uno de los trabajos más peligrosos del país, y la cinta simboliza el poder para callar/matar a aquellos que buscan compartir la verdad... o algo así.

Entonces creo que estuvo muy bien.

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Momentos en obras

Atmósfera: En “La Mariola” se trabajaron muchas veces escenas de terror/suspenso, pero a mí la que más se quedo fue una donde literalmente tenían a todos con los pelos de punta. En esta parte de la obra separan a el publico en tres grupos y cada uno se mete a un cuarto diferente, en mi caso la escena que presentan trata de una pillamada entre las dos actrices principales. La manera en la que hicieron el ambiente del cuarto fue bastante simple, solo pusieron un colchón en la cama y lo tendieron para que se viera como el de alguna casa normal. En el cuarto no hay ni una sola luz mas que la de la computadora que tienen las chavas, y al ellas estar contra la pared frente a el publico, nosotros nos quedamos sin tener idea de lo hay a nuestras espaldas. El acomodo de esta amera surge efecto conforme avanza la escena y el relato que cuenta empieza a crear temor en el publico, y cuando uno tiene miedo es natural querer voltear en todas direcciones para asegurarse que no haya nada a las espaldas, pero al saber que solo hay negro atrás uno no quiere voltear, lo cual hace que tengas más miedo, y así se crea un circulo vicioso donde se logra crear una atmósfera de pánico y suspenso gracias al uso del escenario, las luces (o falta de) y la historia.

Tensión: En la obra de “Robin Hood” hay una escena de tensión creada por la dinámica con la que esta hecha la obra con sus tres finales alternos. En el punto en donde se decide cual sera el final que se presentara hay un momento de quietud, que aunque solo hay durado unos segundos; el estar todo estático durante ese lapso de tiempo permite que se siembre la duda de quien ganara,  se crea una tensión en el espectador por la tensión que se mostraba en el escenario.

Emoción: en la obra “Mamma Mia!” al final se crea una emoción de felicidad y emoción en el escenario, que termina siendo transmitido al publico. La obra cierra con “Mamma Mia” mientras el elenco canta y baila, este siendo súper animado, las luces coloridas y en constante movimiento y la coreografía en muchas ocasiones permite que los bailarines se muevan por individualmente pero de manera simultanea, ayudando a crear la sensación de que una fiesta esta sucediendo en el escenario, lo cual sube de animo al publico.

Significado: en la obra “El vaquero galáctico” hay varias escenas donde un personaje da un monólogo cargando consigo un ataúd. El ataúd esta claramente conectado con una muerte, que es tanto el hijo desaparecido que el hombre menciona en su monologo, así como la esperanza de que este siga vivo. Estas dos ideas son literalmente los muertos que lleva encima y que se rehúsa a soltar. Para expresar más el peso que esto representa en el personaje, trazo que realiza el actor es lento y pesado, y el actor por su cuenta trabaja al personaje de una manera achacosa y cansada. 

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PODCAST

Judie Taymore:

1. 

Me llama la atención como en sí no se define como directora ni un puesto en especifico, y mínimo por lo que cuenta, el no tener claro un puesto no la limito en que es lo que quería crear, sino que al contrario le permitió entrar a diferentes áreas en diferentes lugares para poder hacer lo que ella quisiera.

El hecho de que haya tenido tantas oportunidades de viajar a lugares tan lejanos y estar ahí el tiempo que ella decidiera que fuera suficiente para aprender lo que tenía que aprender. Esto obviamente influenció mucho lo que ella crea y los proyectos que hace pues le dieron las habilidades necesarias.

La seguridad que tuvo para seguir las artes. Siento que su actitud ante el arte y ante sí misma como artista es diferente a la que estoy acostumbrada a ver, donde el artista se desvive por su arte y ve en este algo muy subjetivo al mismo tiempo que para los demás parece hasta imposible poder entender la mente tan extravagante del artista y mucho menos crear algo parecido. No se si me explico muy bien pero el punto es que hasta cierto punto la manera en la que ella da a entender que crea o convive con el arte es una relajada? y desapegada, como si no quisiera ella tanto crear arte, más entenderlo? por eso ella viajo para poder estudiarlo y obviamente también participó en él, pero no era porque el teatro en sí fuera su llamado ni nada, pero porque quería saber más de como este funcionaba. Y con todo el entendimiento que tuvo del teatro y de la escenografía y de la experiencia que puede ser en sí ver un teatro y las historia que este cuenta ella pudo contribuir a muchos otros proyectos desde muchos ángulos y con muchos puestos diferentes.

2. Siento que algo que influencia mucho su trabajo es la libertad que siempre tuvo para explorar y desarrollarse en lo que quisiera. Desde joven ella pudo ser influenciada y formar parte del teatro, y cuando este no le permitía explorar los papeles que ella quería se fue a estudiarlo de otra manera y busc��ndole un enfoque diferente. Luego pudo ser parte de diferentes programas y grupos donde no tenia un puesto especifico y vio el teatro desde una perspectiva completamente diferente. Siento que todo esto le dio la confianza para poder hacer cualquier proyecto que se proponga sin la necesidad de encasillarse en un solo tipo de arte o una manera especifica de crear arte. 

Marainne Elliott:

1. Por lo que cuenta de su obra esta es demasiado surreal, hasta el punto que podría parece cinematográfica porque la manera que la historia se cuenta es muy difícil de hacer en teatro. A esto también se le suma la complejidad de la historia en sí y como lograr trasmitir los sentimientos y las intenciones de la directora, lo cual hacen de esta algo complejo de realizar. Y la directora resolvió todos estos problemas sin tener una idea de como se habían resuelto anteriormente pues no había visto las puestas en escena anteriores. Esto me llama demasiado la atención pues por lo que cuenta fueron cosas muy complejas y fuera de la caja que se hicieron para hacer que las escenas parecieran sueños, y que los personajes estuvieran en diferentes lugares simultáneamente y ademas poder hacer que el espectador en sí fuera aprendiendo y como ser tan creativo como la obra demandaba, y ella, junto con su equipo vieron la manera de resolver esto y montar una muy buena obra al parecer.

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Flujo de Presentación

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MOODBOARD

Es una conbinción entre los colores, la ropa y el escenario más que nada.

los colores son fuertes, en ocasiones cubriendo todo, la mayoría de las veces son en tonalidades azules, naranjas y rosas/moradas, pero no siempre, en ciertas ocasiones son tonos más ligeros y luminosos, como los durazno, blancos, menta y amarillo.

La ropa es excéntrica, desde tela plasticosa hasta cortes innecesariamente grandes. El maquillaje también es exagerado. Todo es muy grande, muy extra, pero al mismo tiempo con mucha clase.

Los escenarios quiero que sean casonas antiguas, con diferente iluminación en diferentes escenas, pero en su mayoría grandes y viejas, estáticas y detenidas en el tiempo.

Para los sonidos pense más en canciones o pedazos de canciones:

La muñeca- Ampersan La canción es la mitad tonos en sintetizador y la otra son cantos muy calmados y casi sin instrumentación, en sí es medio tenebroso y misterioso, basicamente el tono que le quiero dar

Colores - Ampersan (3:06-3:30) En ese momento es cuando meten el sonido de unos violines y el canto de unos pajaros, que conbinados con la musica dan una buena ambietación

Utah- Wendesday (0:00-0;30)  Es un sinteizador junto con el goteo de una llave

Básicamente para sonidos me gusta que sean cosas cotidianas que estén unidas a la realidad, pero que al mismo tiempo no denotan un tiempo especifico, combinada con sintetizadores y melodías tranquilas. Siento que esto es misterioso pero no como diciendo que hay algo que resolver, solo que estas en un lugar donde las cosas no tienen sentido excepto para los personajes

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Reporte de Obras

Obras vistas:

El desguace de las musas:

Esta obra fue escrita por Calonge Eusebio, miembro de la compañía La Zaranda, quien presentó “El desguace de las musas” el pasado  jueves 24 en el Auditorio de San Pedro como parte de su festival de arte.

La obra es una comedia acerca de una compañía de actores fracasados que busca reavivar el éxito que alguna vez tuvo su teatro, esto no significa que en realidad están haciendo algo, pues en realidad solo se quejan de la vida que pudieron haber tenido de no haberse unido a la compañía, así como de lo mal que están. Humorística en muchas ocasiones pero extremadamente confusa, la obra en muchas ocasiones cambia constantemente de ser una realidad alterada de una historia trágica y decepcionante, a una extraña metáfora del limbo, con sus personajes que al parecer llevan años en la misma situación, sin envejecer ni cambiar. Además hay una extraña escena donde los personajes terminan actuando como ángeles y demonios en el juicio final del director senil, quien en algún punto de la obra muere.

La escenografía versátil permite que las acciones sigan ocurriendo sin la necesidad de que los actores o personajes salgan alguna vez de su pequeño teatro, cambiando el uso de mesas a asientos para un supuesto público, después un ataúd, o  al piso del salón; he incluso cuando los actores ocupan salir de escena, estos solo se mantienen fuera del área con la escenografía, pero nunca salen del escenario. Lo cual sirve para hacer más auto-contenido el lugar donde se supone tiene lugar la obra, pues por más que los personajes supuestamente se van, estos nunca se van.

Con los vestuarios pasa lo mismo, cuando se requiere que cambien de vestuario los actores solo se mueven a las orillas del escenario. La ropa que utilizan también sirve para darle atemporalidad a la obra pues no indica mucho de en qué época están, así cómo es posible que la obra tome lugar en los 50’s, también cabe la posibilidad de que en realidad están el en 2019 pero solo tienen la ropa vieja para usar para sus “presentaciones”. Los vestidos y trajes que utilizan están hechos para deslumbrar en la puesta en escena, pero solo terminan viéndose desalineados y hablan de una época pasada de gran esplendor. 

Otro elemento que destaca es la música, que es creada por los mismos personajes. Esta da ambientación y ayuda a establecer un tono, pero también le quita realidad a las escenas pues la música no representa una escena, sino que es creada por un personaje dentro de la escena para forzar un tono específico; esto tiene en vez como resultado algo cómico para el público.

La obra es muy graciosa dentro de su irreverencia, y permite diferentes análisis gracias a ciertas escenas o diálogos que insinúan algo más profundo. Para mi destaca el hecho de que podría ser esta obra vista desde un punto depresivo si fuera vista desde el exterior, pero al ser vista desde el punto de vista de unos personajes un poco trastornados resulta más cómica que nada. 

La escenografía fue muy minimalista en ciertos sentidos, pero al mismo tiempo logró ser muy creativa y versátil, lo cual también disfrute mucho. 

La obra, por más bizarra que fuera fue muy disfrutable y entretenida pues dentro de la irreverencia y creatividad se lograba mantener enganchado al público y haciendolo reír con el humor negro con el que era contada la historia.

Una noche de canícula:

“Una noche de canícula” fue adaptación por Jorge Francisco Rocha Orozco de el texto original “Una noche de verano” de Shakespeare. Esta fue interpretada por los estudiantes del TEC el pasado 18 de Octubre en el Auditorio Luis Elizondo.

A diferencia del texto en el que está basado, “Una noche de canícula” está situada en un futuro post apocalíptico, donde los químicos y la industrialización han acabado con lo natural, pero aun así la historia continúa con su tramas de enredos amorosos. Independientemente de el cambio de ambiente, el argumento se mantiene igual, siendo este todos los diferentes embrollos amorosos que pueden ocurrir en una sola noche.

 La historia empieza con tres parejas de recién casados, que para celebrar deciden ver una obra de una compañía un poco patética, es así como inicia y también termina la obra, pues lo consecuente es las acciones y eventos que tuvieron que suceder para que este fuera el resultado. Se nos es presentado el caso de Teseo, el duque de Atenas, que busca casarse a la fuerza con Hipólita, la reina del Amazonas; por su parte su hermana Hermia está en un dilema pues ella quiere casarse con Lisandro, el amor de su vida, mientras que su padre quiere desposarla con Demetrio, quien  también está enamorada de ella, y para hacer la situación un poco más complicada la mejor amiga de Hermia, Elena, está enamorada de Demetrio, quien no le da ni la hora del día. Por su parte la compañía teatral busca montar una obra pero son interrumpidos  por los planes de Oberón, rey de las hadas, quien busca engañar a su ex esposa, Titania, reina de las hadas, a través de una pequeñas travesuras. Al final todo esto es resuelto pero varios embrollos tienen que ocurrir antes de la feliz conclusión.

El montaje de esta resulta un poco intimidante e imponente pues es únicamente un gran puente de concreto que por el paso de los años ha sido destruido, con una de sus partes yaciendo en el piso. Esta gran estructura sirve mucho para dar una idea del tono y ambiente que se le quiere dar a la obra, pues el hecho que este caído, así como la versatilidad con la que se utiliza pues este se mantiene presente durante toda la obra, habla también de la falta de materiales y el uso de la improvisación que son necesarios al estar la obra situado dentro de un futuro miserable y destruido.

Otro elemento que ayudó mucho a la ambientación fue el vestuario, que consistía en ropa oscura y harapienta, rota e incluso descombinada. Esta comoquiera servía para darle elementos a los personajes que los caracterizan y distinguen, como en el caso de Teseo, quien tenía un mayor rango y actuaba con una confianza y soberbia nacido de su estatus, para simbolizar esto él usaba ropa militar. 

Las luces fueron parte importante también para la estética que se quería presentar pues usaban colores poco naturales como rosas, naranjas, morados y verdes que servían para hacer más interesante un lugar que debería ser lúgubre por la destrucción. 

Esta obra tenía la intención de meter al espectador en su mundo y tener su completa atención desde el momento que empezó, pues ni siquiera espero a la tercera llamada para empezar, sino que lo hizo de una manera repentina, forzando a el publico a dejar de hacer lo que estaban haciendo y poner atención. Esto también es necesario por lo enredada que se puede volver la historia y porque el principio no dice mucho de qué historia se va a contar, debido a que empieza por el final. Las actuaciones en su mayoría lograron mantener al público anclado a la realidad creada, a excepción de algunas personas, quienes tono de voz y entonación poco realista tiraba a la basura el esfuerzo hecho por los demás. 

Esta obra me gusto pues es de esas que empiezas no entendiendo nada y poco a poco la historias se entretejen hasta que todo termina teniendo sentido, y pues este tipo de narrativas me gustan mucho. Por otro lado la historia tenía que lograr combinar el texto y diálogos ornamentados de Shakespeare con una realidad futurista, lo cual es una delgada línea que se tiene que caminar, especialmente si también se trata de hacer esto realista para el espectador, y siento que algunos actores no lo logra, siendo muy plástica y exagerada su voz y movimientos, lo cual rápidamente me sacaba de la experiencia.

Al final no encuentro mucha conexión entre mi vida y el texto o la obra vista, pero el uso de la escenografía que he visto en esta obra y otras del Tec se me hace muy interesante y me gustaría trabajar ayudando a la creación de esta estando en carrera.

Obras Leídas

Un domingo color de rosa- Verónica Musalem

“Un domingo color de rosa” fue escrita por la dramaturga Verónica Musalem en el año 2012, teniendo su primera lectura dramatizada en el círculo de Dramaturgia mexicana, CDMX, mientras que su primera puesta en escena fue en Saltillo. 

La obra está hecha con solo dos personajes, Esmeralda y Roberto, quienes forman parte de la clase trabajador del país, el siendo un guardia de seguridad y ella una mucama. Juntos deciden dejar su vida estable pero estancada por una llena de aventuras y peligro, el negocio de las drogas. A través de solamente el diálogo se pinta una imagen de escenas sangrientas y descuidadas durante los crimenes que cometen, que empiezan como un simple robo y terminan con asesinatos. este estilo de vida eventualmente también se vuelve rutinaria hasta el punto en que deja de ser la aventura soñada de los personajes. Ellos también han sufrido cambios por su estilo de vida, lo cual sirve como catalizador del desenlace de la historia, que termina con sus separación y una final circular que sugiere que Roberto en vez de ser una víctima de las circunstancias, es quien arrastra consigo a víctimas ignorantes.

Esta obra sirve como una crítica social tanto a la vida de crimen a la que se meten Roberto y Esmeralda estando jóvenes, así como las condiciones que hicieron que esta vida fuera deseable. La razón principal de porqué Esmeralda y Roberto decidieron convertirse en criminales es por las aventuras y sorpresas que estarían presentes a cada momento, dejando a un lado la vida cotidiana, que aparte de ser monótona, los tiene orillados en los escalones más bajos. Y no es solo la vida actual que llevan que los lleva a querer un cambio, sino el pasado que arrastran consigo; constantemente Esmeralda hace referencia a su vida antes de irse a la ciudad, y entre más revela más absurdas suenan las situaciones, al punto en que es difícil saber si está mintiendo o no. El texto crea una yuxtaposición entre la exageración que nace por un deseo casi patológico de ser alguien más interesante y que encaja con la vida que desean llevar, y la dura realidad de que algo así, por más enfermo que suene es totalmente posible en un país como México.

Otra cosa que llama mucho la atención dentro del texto es la falta de direcciones o descripciones de escenas, el guión estando compuesto únicamente por el diálogo de los personajes. El haber creado un guión así le da completa libertad tanto al director como a los actores de interpretar las situaciones como ellos deseen, pudiendo realizar una obra muy elaborada con muchos props y cambios de escenografía, o algo demasiado simple con un mínimo de materiales. Esta libertad de creatividad es coherente con el texto pues este no es el más lineal ni estructurado, teniendo diálogos extraños, saltos en el tiempo sin dejar claro cuánto tiempo a pasado, y acciones importantes que solo son implícitas pero nunca demostradas. 

En lo personal esta obra no me gusto tanto, pues el guión depende totalmente de la caracterización de los personajes, así como la estructura del diálogo, y estos están hechos de tal manera que se sienten cansados. Los personajes, a pesar de ser dinámicos, y con un desarrollo muy diferente uno de otro se sienten circulares, a pesar de haber vivido cosas muy extremas y estar fluctuando constantemente entre el odio y el amor, parece como si fueran siempre los mismo jóvenes incautos e ignorantes del principio de la obra. Esto es ayudado por un diálogo que se vuelve tedioso después de un rato por la falta de coherencia que tiene en seguidas ocasiones.

Por otro lado un elemento que me gusto fue que al darle tanta área de oportunidad al director y actor, de este mismo guión se pueden producir resultados completamente diferentes y opuestos, lo cual puede ser interesante de ver. 

De Coraza- Conchi León

“De coraza” es una obra escrita y dirigida por Conchi León, fue realizada gracias a años de trabajar en diferentes penitenciarias yucatecas y en febrero de 2018 fue por primera vez presentada en el Teatro La Capilla, en la CDMX.

La expresión “de coraza” tiene dos significados con respecto a esta obra, por un lado es una expresión utilizada en las penitenciarias para decir ‘de corazón’; por el otro lado cuenta Conchi que al visitar por primera vez a las mujeres en prisión uno se encuentra con una coraza que las rodea, y es gracias mucho tiempo de comprensión, confianza y empatía que esta coraza empieza a desaparecer y puede uno empezar a conocerlas más a ellas y a sus historias. “De coraza” es un conjunto de pequeñas historias o monólogos que cuentan historias reales de mujeres que terminaron encarceladas, algunas justa y otras injustamente. Las historias tienen a veces un tono de humor negro, y en su mayoría mucho arrepentimiento.

El texto lo que busca es contar las historias de estas mujeres, permitirles expresarse y de alguna manera poder encontrar esa libertad de la que fueron privadas, a su vez inevitablemente logra crear empatía con el lector o espectador pues son historias honestas y humanas. La herramiento que más ayuda con este aspecto es la manera en la que las historias están siendo contadas, pues rompen con la cuarta pared y verdaderamente hay una narración de una persona a ti persona que está viendo o leyendo la obra. Esto crea la sensación de que verdaderamente son las mujeres presas quienes te están contando su vida o las de sus vecinas, amigas o compañeras de cuarto, a veces como si fueran chismes, en otras el oyente se vuelve un confesionario, escuchando las penas y temores de otras, y en una ocasión es como una escena donde uno es no más que un testigo de una situación cotidiana para la persona. 

Esta obra para mi es impactante y que tiene una pesadez que nace de lo real de la situación que presenta, verdaderamente saca a la luz lo corrupto que está el sistema y trae sentimientos encontrados pues por un lado uno asume que quienes están ahí se lo merecen de alguna manera, pero el ver lo miserable que es la vida ahí y todo lo que pierden al estar encerradas obliga a uno a reflexionar. Luego también están los testimonios de quienes están agradecidas de haber terminado ahí pues saben que por el camino que iban solo iban a terminar muertas, entonces terminar en prisión verdaderamente las salvó de alguna manera.

El guión de esta obra es muy abierta a la interpretación pues fuera de uno que otra dirección al principio de cada escena lo central son los diálogos, monólogos y narraciones de los personajes, por lo que se puede hacer cualquier cosa para representar estas mientras vayan de acuerdo con los diálogos. Otra razón de esto puede ser por lo personal que es el proyecto para la dramaturga, el guión es nacido de sus experiencia y convivencia con las reas, por lo que ya tenía ella probablemente una visión muy clara de lo que pasaría en esas partes en blanco que dej�� para la interpretación de cada escena.

Al final, “De coraza” es una obra impactante, que nace de la honestidad, el arrepentimiento y la injusticia de la vida tras las rejas y se convierte en un proyecto que es entretenido de leer y que logra cambiar los prejuicios que se llegan a tener acerca de las personas en prisión.

Así pasen cinco años- Federico García Lorca

“Así pasen cinco años” fue una obra surrealista escrita por Federico García Lorca en 1931, que iba a ser por primera vez presentada en 1936 pero eso fue imposible gracias a que estalló la guerra en España. Fue hasta 1959 que se pondría en escena en el teatro Recamier, en París.

Denominada comúnmente como una obra imposible de poner en escena y parte del ‘teatro imposible’ de Lorca, “Así pasen cinco años” es a grandes rasgos, la historia de un hombre que espera cinco años para casarse con su novia y al ser ‘bateado’ espera otros cinco años para casarse con la mecanógrafa que hace cinco años estuvo perdidamente enamorada de él. A aun mas grandes rasgos esta es la historia de un hombre y su relación con el tiempo. Pero digo a grandes y muy grandes rasgos porque la historia se rehúsa a contar su argumento de una manera tan simplista y directo, en vez tenemos personajes que no tienen nombre, aunque a veces se les da nombres a algunos y estos son de vez en cuando escritos en las acotaciones; hay un diálogo entre el Joven, personaje principal, y un maniquí, que podría representar un diálogo interno; tenemos a un niño y un gato, que resulta ser una gata, quienes fueron asesinados al principio de la obra, pero que son constantemente referenciados en momentos antes de su muerte por otros personajes mucho después en la obra; y conversaciones sobre lo relevante o irrelevante que es el tiempo y la muerte.

Y si esa trama no fue suficiente para hacer esta historia difícil de seguir, las acotaciones prueban porque es casi imposible. Es constante las veces que abran acotaciones que no coinciden con acotaciones o escenarios previamente establecidos, un momento hay un balcón y otro hay escaleras y otro hay diferentes cuartos y una sala, todo esto en la misma escena; o sucederá que que ya entrada la escena resulta que un personaje llevaba ya muchas copas de más, pero es hasta ahora que el lector se entera que el personaje estaba tomando algo en primera instancia. Esto en sí no es nada más que resultado de la corriente artística que seguía Lorca en ese momento, el surrealismo, que buscaba entrelazar los límites de la realidad con aquellos de los sueños y el subconsciente para explorar mejor nuestro entendimiento de los conceptos abstractos y/o de nosotros mismos, en este caso fue el del tiempo y el efecto de este en la vida (la muerte) y el amor (el desamor).

La obra para mi se siente como un sueño que yo tuve en colaboración con Lewis Carroll, donde la frase “cada loco con su tema” no podría ser más verdadera. Esto supondría que haría tediosa la lectura para algunos, especialmente si tienes sueño, pero también estimula de una gran manera la creatividad. Hay elementos a veces tan absurdos combinados unos con otros que uno no puede evitar imaginar cómo se vería la puesta en escena, con los trajes que de repente son descritos o lo personajes que sobresalen, como un jugador de rugby que entre por una ventana a un cuarto con estilo de 1900’s para silenciosamente llegar y besar a la famosa Novia, que el Joven ha esperado cinco años para casarse con.

Al final por más absurda y surrealista y difícil que pueda ser esta obra, especialmente para alguien que apenas está empezando a adentrarse en el teatro, es emocionante e interesante tratar de seguirle el paso a las ensoñaciones y disparates que presenta Lorca en el texto, especialmente tratar de idear una manera para hacer que todo esto sea posible en una puesta en escena, lo cual hace que se disfrute mucho esta obra y el reto que presenta simplemente entenderla.

El mutafilo- Ilya Cazés

“El mutafilo” es una obra escrito por Ilya Cazés que no ha sido ni estrenada ni publicada pero sí puede ser encontrada en la página de Dramaturgia Mexicana.

Esta obra cuenta la trayectoria de Charles Darwin, desde que era un estudiante universitario sin rumbo, hasta ser una figura que causaba respeto, admiración y conmoción en la comunidad científica por sus teorías y descubrimientos. Esta historia constantemente rompe la cuarta pared, no es cronológica y en muchas ocasiones tiene a las diferentes versiones de Darwin, una más vieja que la anterior, interactuando con las otras o creando simbolismos en las escenas.

El argumento de la obra también el gran impacto que tuvo en la relación entre la comunidad científica y la iglesia , así como la sociedad de ese tiempo, que fiel y ciegamente creía en el Creacionismo. Esto muestra cómo la verdad y el cambio pueden suceder, pero para eso tienen que enfrentar la testarudez y necedad de los paradigmas establecidos.

La obra, aunque no sienta que tiene un mensaje tan profundo y entrañable como las anteriores, está escrita de una manera que es entretenida de leer. Poco pasa en las escenas más allá de las conversaciones en escena y una que otra paradoja temporal con los diferentes Darwins, pero la manera en las que son descritas logra fácilmente crear una imagen mental de lo ocurrido, por lo que uno fácilmente se pierde en la lectura.

Cuando leo esta obra siento muchos colores suaves y apagados, como aquellos que se encuentran en un prado, con los cielos nublados típicos de Inglaterra y las brisas un poco frías que se escuchan en los momentos más solos y oscuros de la noche.

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Journal 6

Material original creado por mi: Esta es una buena opción para mí convención que me gustaría considerar por la versatilidad de mi convención. Trabajar con el movimiento y la brusquedad de este puede ser demostrado a través de muchas situaciones, no solamente las escenas usuales de Punch y Judy. 

Aunque no tengo un trabajo ya realizado, la idea principal sería un conflicto entre Punch y su hermano donde discuten por un objeto, que despues escala hasta un punto en donde los personajes se pelean, creando así una escena con características típicas del Punch y que permiten demostrar la exageración de las acciones y movimientos.

Material de la tradición: Punch y Judy dentro de sus obras que tienden a ser muy dinámicas y espontáneas tienen varias escenas que características de la tradición, como son la escena de aventar un bebé entre Punch y Judy, Punch evadiendo y engañando al  policía, o hacer salchichas de los personajes. Estas están ya diseñadas para tener un gran nivel de movimiento por parte de los personajes y jugar con el humor slapstick y la violencia, lo cual demuestra exactamente mi tradición.

Otra ventaja de usar escenas de Punch y Judy es el hecho de que hay muchos ejemplos que se pueden encontrar, especialmente videos.

La escena que usaría sería cuando el policía está en busca de Punch, quien se esconde a sus espalda, esperando el momento perfecto para pegarle con una vara; de ahí la interacción se vuelve una especie de gato y ratón con uno persiguiendo al otro, al mismo tiempo que se turnan para darse golpes con el palo. Esta escena sirve pues lo que la mueve es la interacción física y la violencia presentada en esta, por lo que mi convención es fácilmente ejemplificada.

Material relacionado a la tradición teatral: Esta sería la opción menos probable para usar pues mi convección requiere cierta narrativa donde hay un conflicto entre dos personajes para así demostrar la interacción física y en varias ocasiones agresiva que hay. Punch y Judy no tiene textos escritos ni poemas donde exista este conflicto necesario, y aunque hay mucha información en textos expositivos acerca del Punch, esta no tiene narrativa alguna ni personajes de una manera que pueda ser apropiada para mi convención.

Otro material teatral: Esta opción es muy útil, especialmente por la versatilidad que presenta. Lo único que considero necesario para el material que presentare es una escena donde se pueda presentar de una manera exagerada, cómica y física la interacción de dos personajes, lo cual es muy fácil de encontrar en una infinidad de textos, tanto teatrales como literarios, poéticos y cinematográfico. 

Hasta el momento como esta opción no había sido considerada no hay algo específico en mente, pero por el momento algo que podría ser utilizado es una pelea entre un villano y un superhéroe, pues es algo muy físico y podría ser cómico cuando se usan las marionetas; otra opción es una escena de Tom & Jerry, serie que tenía el mismo humor slapstick que caracteriza al Punch y que al ser similar en varios aspectos podría adaptarse fácilmente para ser presentado con marionetas.

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Journal 5

What are the origins of your selected tradition, and what is the relationship to the cultural context in which it originated? What are/were its functions? 

Punch and Judy has its origins in 17th century England, where an italian immigrant performed an act with the puppet version of  Commedia dell’arte ‘s Pulcinella, from there it gain popularity and became a common show in the streets, specially in the 19th century where the the industrial revolution brought means of transportation, such as trains, that allowed the characters to spread all over England and many countries in Europe. 

Punch theater has a great relationship with one of the most popular traditions of the time, Commedia dell’arte, not only because of the stereotypical characters and the humor that heavily relies on the slapstick, but because of such physicality and the almost incomprehensible voice of the main character, Punch, the little scenes can be understood by anyone, regarding the nationality.

Punch and Judy came at a time were entertainment wasn’t such a commodity, but by presenting in the streets of the busy cities as well as the prairies of the countryside it became an important piece in kids entertainment for centuries until the arrival of new, more practical ways of entertainment, such as the T.V.

Identify the key conventions from the tradition. 

Body:  There isn't much that is done with the body since its hidden behind the little theater, but it does need to be either standing up straight or kneeling, always in face of the public.   

Face: just like the body, the face of the professor isn't meant to be seen so there aren’t conventions regarding it.

Gesture: The gestures are mainly on the fingers, they make up the characters’ arms and neck, and because there’s not a lot of gesticulations that can be done with each finger while wearing a glove, they tend to be relatively simple, moving as much as the anatomy of the hand allows.

Movement: the movements are meant only for the arms, especially the hands; they need to be aggressive and expressive, since they represent the movement of each character. The gestures make clear what is the situation to the audience and carrying most of the comedy, since it is meant to be slapstick.

Voice: the most characteristic voice is the one of Punch, that is done using a swazzle, and to correctly perform the professor has to be able to switch from the voice of the other characters ( that are done either using once voice of varying the pitch) the Punch’s voice without removing the swazzle from the mouth.

Describe the challenge of exploring a convention from the tradition by completing this sentence. 

The challenge of exploring the convention is that there isn’t that much written information of a standardised way to perform the movements, if each character has a slightly different way to move or if there’s any specific technique. 

List the process of how you will physically explore this convention using five bullet points. 

practicing sign language for mobility 

doing exercise of hand coordination

mimicking already exciting performances to get an idea of the movements

 doing strength exercises for the arms

doing exercise of resistances for the arms, as well as to maintain the posture 

Identify any appropriate material that you could use to demonstrate the performance of the conventions and apply your learnings.

Puppets to fully show how the movements are seen in a performance thru the characters.

Describe the challenge of applying this performance convention to the material by completing the following sentence. 

For me, the challenge of applying the convention is that I don’t have the puppets as well as the fact that I don't have that much coordination in my hands and arms.

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Rutina

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Presentación

Este miércoles tuve mi presentación de Punch & Judy y la verdad siento que me fue bien. Al principio estaba muy nerviosa porque no estaba segura de si lo que iba a decir iba a ser suficiente para informar acerca de la tradición y si lo iba a decir todo en el tiempo suficiente. Pero luego tuve tiempo de practicar antes y gracias a eso tuve más seguridad. También ayudo que me esforcé mucho en la parte visual de la presentación entonces incluso si todo salía mal la presentación estaba bonita.

A la hora de la presentación todo salio bien, pude hablar con tranquilidad y creo que logre transmitir la información necesaria. Pero es necesario que practique más cronometrandome para no tener que acelerar mi conclusión

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¿Qué es lo que sé?

Hechos acerca de la tradición teatral:

Es una tragicomedia dividida en varios actos donde el personaje principal, Punch, tiene algún conflicto con los otros personajes.

Punch habla por medio de un swazzle, una especie de silbato de metal que crea un sonido chillón. (estos también se pueden hacer con plástico y cinta)

Está fuertemente basada en la commedia dell’arte

El personaje de Punch viene de Pulcinella, no solo en la forma de actuar, pero en el nombre, siendo Punch un anglicismo de Pulcinella, y en el diseño con nariz larga y encorvada.

Originalmente, en el siglo 17, eran títeres los personajes, fue hasta mediados del siglo 18 cuando se empezó a usar un diseño de manopla.

Fue traído desde Italia hasta Inglaterra por Pietro Gimonde en 1662, quien recibió una generosa donación por parte de los nobles a quienes les agrado mucho su acto.

Esta donación trajo a muchos otros titiriteros y artistas interesados desde Italia hasta Inglaterra, lo que ayudó a que Punch & Judy, o Punch & Joan, se esparciera por todo el país.

El nombre original de Judy es Joan, pero debido a la pronunciación que se le daba con el swazzle se empezó a usar en vez el nombre Judy.

Su popularidad fue más allá de Inglaterra, con compañías y presentaciones en todas partes de Europa, alcanzando Estados Unidos y Australia  

Las presentaciones no tienen una narrativa ordinaria, es más una serie de eventos muy vagamente relacionados unos con otros, esto en gran parte porque no hay un guión exacto de un show de Punch y Judy.

Si hay una estructura comúnmente usada en las presentaciones (ex. Punch y Judy intentando besarse al principio del acto) pero es muy libre a la creatividad de cada profesor.

Al igual que la commedia dell’arte, estas tramas simples y fáciles de comprender ayudaron a que pudiera ser adaptado para diferentes países.

Hay muchos personajes recurrentes y otros que fueron en algún momento parte de los actos, entre ellos el policía, Toby el perro, el bebé, el cocodrilo y el fantasma.

Cosas que asumo de la tradición:

Hay algún simbolismo detrás de muchos personajes, no necesariamente que simbolicen algo ahora, pero si en el momento que fueron por primera vez usados en las obras.

Tiene que haber algún guión o guía sobre alguna obra de Punch & Judy.

Parte de su declive en popularidad es por el uso de violencia presentado y normalizado en las obras.

Preguntas que tengo acerca de la tradición:

¿Cómo eran los diseños originales de los títeres?

¿Cómo eran las obras originales de Punch & Judy como para que fuera más una presentación para adultos que para niños?

¿Qué tanta influencia ha tenido el ambiente sociocultural con las historias que presentan en Punch & Judy?

¿Hay reglas o algún entrenamiento requerido para ser un Profesor?

Bibliografía:

The Art of the Swazzle: The Voice of Punch. (1996). Retrieved September 27, 2019, from https://www.spyrock.com/nadafarm/html/punchsounds.html. 

V&A. (n.d.). That's the Way to Do it! A History of Punch & Judy. Retrieved September 27, 2019, from https://www.vam.ac.uk/articles/thats-the-way-to-do-it-a-history-of-punch-and-judy. 

Friday 9 May 1662. (1662, May 9). Retrieved September 27, 2019, from https://www.pepysdiary.com/diary/1662/05/09/.

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Momento Privado

Para mi el momento privado fue algo difícil de realizar, mas que nada el proceso de saber cual iba a ser mi momento privado. Siento que son pocas las cosas que no haría frente a otros, incluso estando en un lugar publico me es fácil crear una burbuja para mi y aislarme de lo que pasa a mi alrededor, entonces lo que termine escogiendo para hacer en el momento privado es algo que si he hecho en publico, pero que cuando lo hago estando sola es diferente.

El momento que yo escogí fue cantar, es algo que yo hago seguido, en fiestas, en mi carro, con amigos o cuando estoy sola; no es algo en lo que sea buena, ni tiene una gran importancia en mi vida, pero es algo que disfruto hacer.    Cuando alguien me pregunta yo siempre digo que tengo voz de gato atropellado, y sinceramente disfruto no cantar bien en publico porque es más divertido estar en un lugar donde todos cantan igual de mal y desafinado, pero también sé que yo podría cantar mejor, es solo que no quiero exponerme a que si alguien me escucha tenga la oportunidad de criticarme. Es mejor cantar feo a propósito y que nadie te pueda decir nada al respecto porque ese era el punto, a exponerte pensando que cantas bien y que luego alguien venga y te diga que cantas feo.  

Mi momento consistía en maquillarme y poder cantar mientras lo hacía, esto con la intención de que si estaba haciendo algo que tomara toda mi atención, como es el maquillarme, me olvidaría un poco de la gente que estaba viéndome y escuchándome, porque yo estaba muy nerviosa. Estuve nerviosa desde que empezaran las presentaciones y el mero día aun más.

Algo que contribuyo a eso fue una de las presentaciones, fue un momento en donde una persona estaba haciendo algo al centro del salón, y no se que tan bien lo hizo, pero sentí que estaba tan metida en lo que hacía y todos nosotros viendo, era como un animal en un zoológico, y pensar eso me puso más tensa de lo que ya estaba. No se si en eso consiste el momento privado, pero ver a esta persona hacer algo tan de ella, tan personal,y que lo hacía solo para ella, y luego todos nosotros viéndolo, se sentía que no deberíamos estar ahí, fue algo muy bizarro e incomodo de ver. 

Pero al final al realizar mi momento creo que logre sacar todo de mi mente y solo concentrarme en lo que hacía. Al principio si era consiente de los demás, especialmente a la hora de escoger la música, y al principio estaba cantando un poco bajo, pero creo que conforme fui avanzando logre recrear un poco lo que es estar en mi tocador  en frente del espejo. Algo que me ayudo un poco más fue estar como si estuviera en mi cuarto, que es descalza, me ayudó a entrar más en la experiencia.

Verdaderamente hubo momentos en donde se me olvidaba completamente que estaban ahí los demás, no se si eso se vio reflejado pero así fue y ahora que lo recuerdo no me da tanta pena como pensé que me daría.

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Reporte de Obras Vistas

Vaquero Galactico:

La obra “Vaquero Galáctico” fue presentada el pasado 30 de Agosto, en el centro de Conarte en Fundidora. Esta producción fue presentada por la compañía Máquinas Biológicas y escrita por David Colorado, quien también dirigió en parte con Patricia Estrada. Aquí se encuentra un homenaje al verdadero Vaquero Galáctico que circuló la Macroplaza hasta su desaparición en 2009, y se logra al presentar una yuxtaposición entre un pueblo oprimido por el miedo y el monólogo de un padre que sigue esperando el regreso de su hijo.

La obra utiliza su categorización de space western para hacer uso de uno de los  temas más importantes, el valor y honor prevalentes en la tierra de nadie, donde la Sheriff Kaliska es quien se encarga de traer paz a un pueblo que lleva años de tiempos violentos.

La puesta en escena fue un claro ejemplo del dicho “menos es más” pues usando elementos muy mínimos se logró explotar la creatividad para hacer que cada escena de la obra tuviera un elemento que la resalta por la manera tan inusual en que se presentó la idea. Se logró dar una ambientación desértica y desolada usando solo luces de colores, donde cada color representaba un lugar diferente. Los naranjas eran principalmente para Nuevo Texas, haciendo alusión a las vastas planicies desérticas. Mientras que el rojo se reservaba para las apariciones de los Ángeles del Infierno, quienes como su nombre lo dicen, eran infernales, por ende las llamas del infierno los acompañaban. Y el uso de no más que una luz blanca que seguía al personaje era utilizada para la historia paralela, sobre el padre del Vaquero Galáctico, quien narra sus recuerdos con su hijo y como ha sido su vida ahora sin él, las otras ocasiones en donde una iluminación parecida se usan son para los monólogos que ocurren dentro de la cabeza del Vaquero Galáctico, donde una luz lo ilumina desde lo alto y sus pensamientos son narrados por los otros actores. 

El uso de diferentes vestuarios fue muy importante para la diferenciación de los personajes y la ambientación de la historia pues son muy diferentes entre sí y prácticos de manera en que no se entorpece cuando un actor tiene que cambiar de personaje A a B inmediatamente para la siguiente escena.El gran número de personajes que había relativo a la cantidad de actores necesitaba que cada personaje fuera muy diferente entre sí y que pudiera seguir comunicando información sobre este y su entorno, por lo que los vaqueros se veían como habitantes del desierto con sombreo o vestimentas que recordaban a estas, mientas que los ángeles tenían un estilo más post-apocalíptico que hablaba de la destrucción que han causado, también ayudo mucho el trabajo vocal y interpretación diferente que se le dio a cada personaje, para que para el público muchos de los cambios entre un personaje y otro para un mismo actor pasarán desapercibidos.

Y los actores lo hicieron excelente, los personajes eran muy demandantes no solo por las emociones y personalidad que tenían, sino por la gran cantidad de peleas en las que se metían, haciendo un espectáculo de golpes y balazos. 

A mi la obra me encanto, pues desde el principio se logró fácilmente adentrar al público a un universo que para otros hubiera sido difícil de crear sin mucha más utilería y otros elementos que evocaran el espacio, como el sonido, en cambio aquí la imaginación fue estimulada por medio de elementos minimalistas y verdaderamente se logró que el público viajará con los personajes por las estrellas. Y es que cada oportunidad que había para hacer la escena más creativa era utilizada, una de mis favoritas fue en un diálogo entre Kaliska y su mentora, en donde en vez de estar frente a frente las dos paradas sobre unas mesas veían hacia el público, simulando que se veían entre ellas, creando así lo que en televisión sería una división de pantalla, que lograba que se aprecian los gestos  de cada una. 

Y en general me encanto la historia, que desde el nombre te llama la atención. Fue muy entretenida y original, y jamas imagine ver una obra sobre vaqueros espaciales pero esta lo hizo excelente.

Al final del día esta historia tiene mucha relación con Monterrey pues fue creada gracias a un trágico evento en la ciudad. Hay muchas conecciones que se pueden hacer entre Nuevo Texas y Monterrey, especialmente en el tiempo donde el ataque ocurrió, 2009, que la ciudad tenía una mayor ola de inseguridad. Es una obra que es importante pues habla de la corrupción de la ciudad y los efectos que estos tienen en la gente común, haciéndole homenaje a una de las víctimas.

El juicio de Robin Hood

“El juicio de Robin Hood” es una obra escrita por Will Averill que se presentó el sábado 17 por los estudiantes de la PrepaTec en el Auditorio Luis Elizondo, bajo la dirección de Miguel Rosales. El tema de la obra fue lo diferente que puede ser la realidad dependiendo de quien narra y lo subjetiva que es nuestra manera de ver el mundo, esto es respaldado gracias a la dinámica que utiliza la obra para crear comedia en base a la yuxtaposición de cada testimonio de los mismos eventos siendo presentados completamente diferentes dependiendo del narrador.

La escenografía principal utilizada fue muy práctica, pues incluso con su gran tamaño y poca movilidad se logró crear una forma que pudiera tener escenas diferentes en cada uno de sus pisos, aprovechándola al máxima; en la base estaba el bosque o una iglesia por donde los personajes salían o entraban, en las escaleras grandes discursos se daban en unas versiones de la historia, mientras que en otras era una guarida y lo que a veces era un puente también servía como comedor para la realeza. Este fue el elemento que más llamaba la atención, pero no fue el único que ayudó a crear la obra. 

El más importante probablemente fueron los actores, de quienes dependía la comedia para llegar al público. Su interpretación exagerada y vigorosa creaba una personalidad muy bien definida que luego sería cómicamente reemplazada una vez se cambiaba de testigo. Y era la manera en la que actuaban en cada función que indicaba quién sería el ganador del juicio, quien cambio en cada una de las presentaciones incluso cuando la narrativa era la misma.

Otro elemento importante fueron los vestuarios y maquillaje, que ayudaban a hacer una parodia de los personajes que anteriormente se presentaban como vigorosos o razonables, solo para ser interpretados como cursis o presumidos, todo esto transmitido incluso antes de que hablara el personaje, solo con verlo.

La obra a mi me gusto mucho en parte por la obra en sí y también por el ambiente que había gracias a que muchos eran del Tec. El público, incluyéndome, se carcajeó todo el tiempo, no había broma que no fuera bien recibida lo cual hace a cualquiera pasar un buen rato, y aunque de las obras que he visto hasta ahora esta no ha sido la que más ha estimulado mi creatividad ni desafiado mis percepciones del teatro, si hablo mucho de lo importante que es tomar en cuenta a tu audiencia y sabiendo que quienes la presentan y quienes la ven muy probablemente son conocidos, por lo que se crea mucha menos presión y deja que el humor fluya mejor.