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El silencio es oro / stalker 💁🏻‍♂️ - - - - - - - - #stalker #elsilencioesoro #illustration #doodle #CDMX #art #concept #sketch #iilustrationoftheday #ilustracion #mood #newshit #devil #concept #chill #dude #illustrator #a #2017 #draw #artwork #happy #dailydoodle #justwatch #stalkers #doodles #pink #blue #sketchtime (en CDMX)

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Catch these... PokemonGo

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Diseño

El diseño es identificar una problemática y quien la padece; es decir, el usuario y sus características para así poder satisfacer esa necesidad adecuando una forma estética y así aumentar su calidad de vida.

- DISEÑO ES PROYECTAR

Consiste de 2 etapas:

1.- La etapa de la proyección.

2.- La etapa de la ejecución.

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LA OREJA DE VAN GOGH

Con el paso de las semanas, la convivencia de los dos artistas fue empeorando, debido a sus diferencias personales, acentuadas por el carácter muy temperamental de ambos. Pasados menos de dos meses, en la tarde del 23 de diciembre de 1888, Van Gogh y Gauguin tuvieron un altercado que dio origen a una de las explicaciones que se han dado acerca de la pérdida de la oreja izquierda del primero, o de parte de ella. Gauguin en sus memorias señala que Van Gogh le amenazó y persiguió con una navaja y que por la noche el holandés se automutiló el lóbulo de la oreja izquierda (no la oreja completa). A continuación, Van Gogh habría envuelto el lóbulo en un paño y se habría dirigido a un burdel de Arlés, donde presentó este regalo a una prostituta llamada Rachel. Posteriormente regresó a la casa amarilla. A la mañana siguiente la policía lo encontró inconsciente, y fue trasladado al hospital Hôtel-Dieu de Arlés. Se avisó a Theo, y Vincent quedó ingresado durante catorce días. Gauguin dejó Arlés con rumbo a París y no volvió a tener contacto con Vincent, exceptuando algunas cartas posteriores.

Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Vincent_van_Gogh#Corte_del_l.C3.B3bulo_de_la_oreja

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¿Restos de Hernan Cortes?

En un rincón de la iglesia JESUS DE NAZARENO se encuentran los despojos que permanecieron ocultos durante un siglo.

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JOVEN CON EL ARETE DE PERLA

Autor: Johannes Vermeer de Delft Año:1665 Ubicación: Mauritshuis, La haya Holanda Medida: 25,7 x 19 cm. Tecnica: Oleo sobre tabla.

Griette una chica mucama quien trabaja para Vermeer, una historia donde ambos personajes se conectan de modo que Vermeer se da cuenta de que ella sabe apreciar el arte, dicha conceccion hace sentir unos terribles celos en la esposa de Vermeer.

Ruijven Un hombre despreciable pide a Vermeer una pintura de Griette lo que se convertiría en una pintura privada, por los celos de la mujer de Vermeer.

En esta Obra Vermeer buscaba puntos de Luz los cuales los obtenía con el brillo natural de los ojos pero le pide a Griette que moje sus labios para resaltar mas luz por lo que recurre tambien a un fondo negro para centrar la atención en la belleza de Griette y en la luz y los efectos que queria obtener.

Un dia cualquier Vermeer le pide a su mujer que use un par de aretes de perlas, el nota que se ve muy bien por lo que corre a buscar a Griette y le pide que los use, pero esta chica no tenia los lóbulos perforados por lo que se perfora solo el izquierdo para poderse colocar una de las 2 perlas

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LAS CASTAS

Así es como se clasificaban a las personas por “CASTAS” en el siglo XVIII

Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Pintura_de_castas#/media/File:Casta_painting_all.jpg

Mexico colonial, castas, la forma en la que visten, en la nueva España para que se pudieran organizar, los separaban en castas, indios y españoles, negros con indios, etc... y así es como se clasificaba a la gente.

Los “chinos” eran los de clase mas baja, los que venián de Acapulco, la gente que venia de asía, ya vinieran de las filipinas o de china, no importaba

Chino antes significaba “sin bien”

Lo mas mezclado son la casta de los chinos, ósea una persona de muchas razas, muchas mezclas, castas mezclados, sobretodo con mezcla negra que aunque la gente fuese muy pobre en esa época, usaba joyería, como uno artes de oro por ejemplo.

Mientras mas mezclado eran mas agresivos. también podían clasificarse por el color de su vestimenta.

Fuente: http://chuma.cas.usf.edu/~swohlmut/latam/colonial.html

LA CHINA POBLANA

Fuente: http://chulavista.mx/historia-de-la-china-poblana-57829

China poblana es un término que se refiere a dos cuestiones de la cultura de México que han quedado relacionadas aparentemente desde finales del siglo XIX. En su sentido más amplio y común en la actualidad, es el nombre de lo que se considera el traje típico de las mujeres en el Estado de Puebla dentro de la República Mexicana, aunque en realidad era propio sólo de algunas zonas urbanas en el centro y sureste del país, antes de su desaparición en la segunda mitad del siglo XIX.

Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/China_poblana

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NADAR

Vermeer utiliza la cámara para darle esa apariencia de luz a las cosas, así dar efectos como el de esta fotografía

Con la fotografía de Victor Hugo, nadar, nos dice que la fotografía también es arte, que nos da una imagen sublime y respetuosa, utilizando sus luces y sombras, para que como en las pinturas te transmitan algo.

con la foto que se tomo aquí en México de la guerra contra estados unidos nos da una idea de que ya se perdió la intimidad, ya no hay manera de ocultar lo que vemos.

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MUSEO UNIVERSITARIO DEL CHOPO

Visita al museo del chopo fue una visita mas que solo visitarlo fue para conocer mas un poco de su arquitectura, y ver que su ubicación es muy céntrica en la Ciudad de México, investigue un poco de sus historia:

Su inspiracion fue: “EL GRAN PALACIO DE CRISTAL” Para albergar la “Gran Exposición”, celebrada en el año 1851, como símbolo de progreso y modernidad del mundo, Joseph Paxton diseña la majestuosa estructura, el “Crystal Palace” de Londres cuya novedosa combinación de materiales, el hierro y el cristal, originaron un nuevo estilo arquitectónico, parte del Jugendstil, movimiento artístico extendido internacionalmente. 

Fuente: http://www.chopo.unam.mx/historia.html

El edificio del museo es un icono de la zona norte de la Ciudad de México. Se trata de una estructura al estilo Jugendstil alemán (equiparable al art nouveau francés) prefabricada y desarmable, diseñada por Bruno Möhring para ser cuarto de máquinas de la metalúrgica Gutehoffnungshütte (Mina de la Buena Esperanza), inscripción que, de hecho, aparece en algunas de sus viguetas. El edificio de hierro, tabique prensado y cristal albergó en 1902 la Exposición de Arte e Industria Textil, en Düsseldorf, Alemania.

El empresario mexicano José Landero y Coss compró una parte del diseño del edificio original para traerla y armarla en la Ciudad de México, con el fin de instalar la Compañía Mexicana de Exposición Permanente, S.A., empresa interesada en realizar exposiciones comerciales de productos industriales y artísticos.

De 1901 a 1905 el ingeniero Luis Bacmeister se encargó de su armado, en el número diez de la calle de Chopo (hoy Enrique González Martínez), en la naciente colonia Santa María la Ribera, símbolo de modernidad, al ser la primera colonia planeada y fraccionada de la ciudad, abarcaba 53 manzanas según el proyecto de los hermanos Flores, y sus calles tenían nombres de árboles y flores.

En 1905 la compañía de Landero y Coss se declaró en quiebra, y en 1909 se firmó un contrato de arrendamiento con la entonces Secretaría de Instrucción Pública y Bellas Artes, para destinar el edificio -conocido en aquellos años como “El Palacio de Cristal”, en referencia al Cristal Palace de Londres- al Museo Nacional de Historia Natural. Sin embargo, ante la magnitud de la gran celebración que organizó Porfirio Díaz con motivo del Centenario de la Independencia de México, la propia Secretaría de Instrucción cedió el edificio para que la delegación japonesa montara en él una Exposición de Arte Industrial, la cual inauguró el 2 de septiembre de 1910 el presidente Díaz, con la presencia del embajador de Japón. A partir de ese momento, el edificio se conoció popularmente como El Pabellón japonés. No se tiene registro de ninguna otra actividad realizada en el recinto sino hasta el 1 de diciembre de 1913, cuando se inauguró el Museo Nacional de Historia Natural, primer museo nacional dedicado a las ciencias naturales, cuya colección fundacional provino de parte de la colección del Museo de las Culturas, ubicado en la calle de Moneda del Centro de la Ciudad. Las secciones inaugurales fueron Botánica, Zoología, Biología, Mineralogía y Geología.

La placa conmemorativa a la entrada del museo dice: "Este Museo N. de Historia Natural fue reorganizado en octubre de 1915 siendo Subsecretario de Fomento el Sr. Ing. D.

Pastor Rouiax.

".

Cuando en 1917 el gobierno de Venustiano Carranza suprime la Secretaría de Instrucción Pública y Bellas Artes, emite un decreto para que el Museo Nacional de Historia Natural y su edificio dependan de la Dirección General de Estudios Biológicos, quedando a cargo de la nueva Secretaría de Agricultura y Fomento. Durante esta administración, en 1926, la viuda de Andrew Carnegie dona al museo una reproducción del llamado Diplodocus Carnegie, réplica en yeso de un dinosaurio jurásico que definiría por décadas la identidad del museo.

El 22 de julio de 1929, como parte de las disposiciones tomadas a favor de la Ley Orgánica de la Autonomía de la Universidad Nacional de México, la Dirección de Estudios Biológicos se integró a la UNAM con el nombre de Instituto de Biología, por lo que el museo y su edificio se sumaron al patrimonio universitario.

Entre 1929 y 1964 el museo experimentó un proceso de crecimiento desproporcionado. Recibía en la década de los treinta cerca de 1200 visitas diarias, era el segundo museo en ser visitado en la capital, y referencia para visitas de escuelas primarias.

Fuente:https://es.wikipedia.org/wiki/Museo_Universitario_del_Chopo

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Ejercicio #2 Siglo XIX - XX

En la pintura renacentista, la mayoría de autores si no es que todos tienen al menos uno pintura del tema religioso, en otros resaltan mucho el cuerpo desnudo y el rostro de la mujer, uno de los mas afamados resulta ser “LA GIOCONDA”

Autor: Leonardo da Vinci Creación: 1503-1519 Ubicación: Museo del Louvre, París, Francia Estilo: Renacimiento Técnica: Óleo sobre tabla Dimensiones: 77 × 53 cm

- - - - COMPARACION DE PINTURAS - - - - 

Artista: Francisco de Goya

Obra: Señora Sabasa García

Tamaño: 71 cm x 58 cm

Género: Retrato

Técnica: Pintura al aceite

Fecha de creación: 1806–1811

Artista: Leonardo da Vinci

Obra: La Belle Ferronière

Tamaño: 62 cm x 44 cm

Técnica: Pintura al aceite

Fecha de creación: 1490–1496

Ubicación: Museo del Louvre

Breve Comparación.

Se pueden apreciar dos mujeres “jóvenes” mostrando ambas medio perfil izquierdo y una pose muy dura, la primera con ropas muy sencillas y humildes la segunda un poco mas adornada, las dos tiene un fondo negro para no distraer al espectador y centrar la atención en la belleza de ambas chicas.

En la primera podemos observar una técnica mas despreocupada que la de Leonardo, pues el estilo de Leonardo ya es un estilo muy marcado y fácilmente reconocible.

Nombre: Piedad Autor: Sandro Botticelli, 1495 Técnica: Temple sobre tabla Estilo: Renacimiento Tamaño: 107 cm × 71 cm Localización: Museo Poldi Pezzoli, Milán,  Italia.

Autor: Paul Cézanne, Hacia 1900-1905 Nombre: Los grandes Bañistas Técnica: Óleo sobre lienzo Estilo: Postimpresionismo Tamaño: 130 cm × 195 cm Localización: National Gallery, Londres,  Reino Unido.

Breve Comparación

En las pinturas anteriores se observa una composición un tanto similar, la primera el tipo religioso llamada “PIEDAD” en la que se entiende el fallecimiento de una persona (la pieza central) y el sufrimiento que ha causado a los demás integrantes de esta grandiosa imagen, mientras tanto en la segunda se muestran algunas personas desnudas que al parecer están pasando un buen rato.

Las técnicas son completamente distintas en la primera podemos observar gran detalle en en todo momento pues la obra de Botticelli destaca por ser muy cuidadosa en cuanto a los colores, luz, proporción, etc, mientras que la de Cezanne es mas despreocupada y lo que busca es dar la referencia del momento o la idea que quiere poner ante nosotros los espectadores.

Autor: Rafael Sanzio, 1510-1511 Nombre: La Escuela de Atenas Técnica: Pintura al fresco Estilo: Renacimiento Tamaño: 500 cm × 770 cm Localización. Museos Vaticanos, Roma,  Ciudad del Vaticano

Autor: Joseph Mallord William Turner, 1838 Nombre: El Temerario remolcado a dique seco Técnica. Óleo sobre lienzo Estilo: Romanticismo Tamaño. 91 cm × 122 cm Localización. National Gallery de Londres, Londres,  Reino Unido.

Breve Comparación

Dos pinturas completamente distintas en cuanto a técnicas e ideas, los autores Turner y Sanzio pintaban de modos muy distintos la primera es de un estilo mas cuidadoso, mientras que Turner destaca el sentimiento de dicho momento.

En la primera nos representa el ambiente que podía ser el característico de la “ESCUELA DE ATENAS” donde se muestran personas prendiendo y practicando diferentes artes y oficios y gente charlando probablemente de algunos temas destacables de dicha época.

En la de Turner vemos la idea de un artefacto “temerario” que de entre el mar se atreve a remolcar a un dique seco, tal vez eso le causaba nostalgia o algún sentimiento de tristeza a Turner pues su obra suele ser muy opaca y poco detallada lo que a mi me remonta al recuerdo vago de algún sueño desfavorecido, Turner capta la verdadera nostalgia que provocaría ver lo que podría ser el ultimo suspiro de un dique.

Lo que puedo concluir de estas pinturas es que en el momento de plasmar las ideas ambos autores tienen una idea completamente distinta tanto Turner con sus imágenes mas sombrías que remontan a recuerdos tristes, como Sanzio la representación de una humanidad en progreso transmitiendo sus conocimientos y amaestrando mentes.

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DISEÑO ES:

- DISEÑO ES PROYECTAR

Consiste de 2 etapas:

1.- La etapa de la proyección.

2.- La etapa de la ejecución.

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REVOLUCIONES TECNOLOGICAS

Alexander Graham Bell.

Inventor de origen inglés, debe su fama al invento del teléfono y a sus estudios para limitar los efectos de la sordera.

Bell nació el 3 de marzo de 1847 en Edimburgo y estudió en las universidades de Edimburgo y Londres. Emigró a Canadá en 1870 y llegó a Estados Unidos en 1871. Aquí comenzó dando clases a sordomudos y divulgando el sistema denominado 'lenguaje visible'. Este sistema, que fue desarrollado por su padre, el educador escocés Alexander Melville Bell, demuestra cómo se utilizan los labios, la lengua y la garganta en la articulación del sonido. En 1872 Bell fundó una escuela para sordomudos en Boston, Massachusetts, que posteriormente se integró en la Universidad de Boston, donde Bell fue nombrado profesor de fisiología vocal. En 1882 adoptó la nacionalidad estadounidense.

Fuente: http://inventoshistoria.galeon.com/telefono.html

 - Prototipo armado por Bell en 1875.

Alexander Graham Bell construyó este prototipo de teléfono en 1875. El aparato consistía en una bobina, un brazo magnético y una membrana tensada. Cualquier sonido producía una vibración en la membrana y, por consiguiente, del brazo magnético. El movimiento del imán inducía en la bobina una corriente eléctrica variable. Esta señal eléctrica se convertía de nuevo en sonido mediante un aparato idéntico en el otro extremo del circuito.

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La maquina de escribir

Primer prototipo

Desde el final del siglo XIX y durante buena parte del siglo XX, las máquinas de escribir fueron herramientas indispensables en las oficinas comerciales, así como para muchos (si no todos) los escritores profesionales.

El primer intento registrado de producir una máquina de escribir fue realizado por el inventor Henry Mill, que obtuvo una patente de la reina Ana de Gran Bretaña en 1714. La siguiente patente expedida para una máquina de escribir fue concedida al inventor estadounidense William Austin Burt en 1829 por una máquina con caracteres colocados en una rueda semicircular que se giraba hasta la letra o carácter deseado y luego se oprimía contra el papel. Esta primera máquina se llamó 'tipógrafo', y era más lenta que la escritura normal. En 1833 le fue concedida una patente francesa al inventor Xavier Progin por una máquina que incorporaba por primera vez uno de los principios utilizados en las máquinas de escribir modernas: el uso, para cada letra o símbolo, de líneas de linotipia separadas y accionadas por palancas separadas

Fuente:http://www.laparlata.com.ar/la-maquina-escribir_EBAD4D1F2311

QWERTY Prototipo

Diferencias entre 2 tipos de teclados

QWERTY /  DVORAK

MODELO “REMINGTON”

Modelos mas estilizados.

Primero existio la IMPRENTA

Johan Gutenberg.

Nombre nativo: Johannes Gensfleisch Nacimiento:  1398 Fallecimiento: 3 de febrero de 1468 (70 años) Nacionalidad: Alemán Ocupación: Impresor, grabador e inventor Creencias religiosas: Católico.

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Johannes Gutenberg (Maguncia, Sacro Imperio Romano Germánico, c. 1398-ibídem, 3 de febrero de 1468) fue un orfebre alemán, inventor de la prensa de imprenta con tipos móviles moderna (hacia 1440). Su mejor trabajo fue la Biblia de 42 líneas. 

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Fuente:https://es.wikipedia.org/wiki/Johannes_Gutenberg

Primeros Prototipos de Biciicleta.

Lo que dio paso a ka invención del automóvil.

“LA TECNOLOGÍA ES SIEMPRE UN PROCESO EVOLUTIVO”.

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El daguerrotipo, también conocido como “daguerreotipo”, fue el primer procedimiento fotográfico anunciado y difundido oficialmente en el año 1839. Fue desarrollado y perfeccionado por Louis Daguerre, a partir de las experiencias previas inéditas de Niépce (antes de 1826), y dado a conocer en París, en la Academia de Ciencias de Francia.

FUENTE:

https://es.wikipedia.org/wiki/Daguerrotipo

Primer imagen creada con dagerrotipo.

Francia y Norteamérica son dos países que se ven fuertemente atraídos hacia el uso del daguerrotipo y entonces esto genera un Boom! tecnológico en estados unidos. (fotografía).

Robert Cornelius (1809–1893) fue un ciudadano americano pionero en el campo de la fotografía.

Nacido de inmigrantes neerlandeses, Robert Cornelius asistió a una escuela privada cuando era joven, siendo la química su asignatura de más interés. En 1831, comenzó a trabajar para su padre especializandose en chapado de plata y pulido de metales. Llegó a ser muy conocido en su trabajo tanto que, un día, Cornelius fue abordado por Joseph Saxton para pedirle que lo ayudara a crear un plato de plata para su daguerrotipo de la Escuela Superior Central en Filadelfia. Este encuentro fue el que despertó el interés de Cornelius en la fotografía.

FUENTE:

https://es.wikipedia.org/wiki/Robert_Cornelius#/media/File:RobertCornelius.jpg

Ciudad de México en 1839.

Primer imagen con daguerrotipo en México.

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Comparar con Goya ( 3 de mayo )

Tarea

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México Siglo XIX *Pintura

Renacimiento es el nombre que se le da a un movimiento europeo cultural entre los siglos XV y XVI, periodo de cambio entre la edad media y el mundo moderno, los exponentes mas importantes destacan de entre las artes, aunque también se renovaban las ciencias tanto naturales como humanas, fue en Florencia Italia en donde nace dicho movimiento.

Padre de la Arquitectura.

Filippo di Ser Brunellesco Lapi, conocido simplemente como Filippo Brunelleschi (1377 - 15 de abril de 1446) fue un arquitecto, escultor y orfebre renacentista italiano. Es conocido, sobre todo, por su trabajo en la cúpula de la Catedral de Florencia Il Duomo. Sus profundos conocimientos matemáticos y su entusiasmo por esta ciencia le facilitaron el camino en la arquitectura, además de llevarle a la invención de la perspectiva cónica.

Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Sandro_Botticelli

                             - EL NACIMIENTO DE LA PRIMAVERA -

Autor - Sandro Botticelli, 1484 Obra - El Nacimiento de la Primavera Técnica - Temple sobre lienz Estilo - Renacimiento Tamaño - 278,5 cm × 172,5 cm Localización - Galería Uffizi, Florencia,  Italia.

           - Quien era la modelo de EL NACIMIENTO DE LA PRIMAVERA?

Simoneta Vespucci  fue una musa italiana del renacimiento, esposa de Marco Vespucci de Florencia, familiar de Américo Vespucio. Pintada por Botticelli en varias ocasiones, fue  la familia Vespucci que la dió a conocer al mundo. Muchos pintores en Florenica quedaron locos con ella y desearon usarla como modelo. Entre éstos, los hermanos Lorenzo y Giuliano, de la familia de los gobernantes Medici.

             - Por que el cuello estaba de esta manera?

De ojos sonadores y tímidos mirando hacia ningún lugar en particular.

Su mente está en otro lado como si recordara el lugar lejano de donde proviene.

 - EL TRIUNFO DE GALATEA.       

Autor  Rafael Sanzio, 1511 Técnica  Fresco Estilo  Renacimiento Tamaño  297 cm × 225 cm Localización  Villa Farnesina, Roma,  Italia