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Nuevas técnicas. Transmitir el arte contemporáneo a los adolescentes

Parece indispensable mostrarles a los jóvenes el gran campo que se extiende en torno al arte. En ocasiones, cuando se les habla de arte contemporáneo muchos de ellos tienen ideas preconcebidas de este. Sin duda, lo interesante es mostrarles un amplio abanico, haciéndoles ver las nuevas técnicas, nuevos métodos de producción y representación, experiencias, vivencias...

Buscando acerca de este tema, encontré el siguiente artículo en internet, que cuenta la experiencia de un artista que tuvo que reinventarse en cuanto a materiales se trata. Con posterioridad, ha impartido clases en las que explica su técnica, acercando así, su proceso de producción de arte a los más jóvenes.

Mbongeni Buthelezi es un artista sudafricano que decidió adoptar una técnica para salir adelante como artista y no quebrarse en el intento. Su falta de recursos (y la creatividad que de allí surge), en conjunto con su pasión abnegada por el arte, hizo que hace más de dos décadas se le ocurriera una idea: quemar plásticos con colores y volverlos maleables para poder trabajar con ellos a discreción y graduarse como artista del Instituto Sudafricano de Arte.

De 24 años a hoy, esta sigue siendo su actividad artística y principal recurso en Johannesbugro, Sudáfrica . La alternativa del plástico se volvió una tendencia dominante en su obra: hoy en día tiene un reconocimiento mundial y exhibiciones en decenas de países.

* Bibliografía: Gómez, Cristina. Artículo Este artista pinta con plástico porque no tenía con qué comprar pinturas. 2/09/2015

María José Moreno López

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Del papel al suelo. De la teoría del arte a la realidad: la creación de un museo.

La entrada a la barriada El Pastorcito de Utrera, donde se encuentra el Instituto José María Infantes, deja intuir lo que uno va a encontrar cuando llegue al mismo centro educativo. La pared de la calle que lleva al Infantes, perteneciente a una escuela, está llena de pinturas conocidas. "¡Mira, un Picasso!", se oye a los transeúntes al pasar junto al muro. Pero este aperitivo no es nada comparado con lo que atesora el Instituto.

Nada más entrar, la Venus de Boticelli saluda a los recién llegados. En el suelo, durante el recreo, varios alumnos de primero de ESO barnizan una copia bastante lograda de Las Meninas, de Velázquez. Y en el techo, por encima de la balconada de la segunda planta, la sibila más famosa de Miguel Ángel contempla el entorno desde los frescos de una Capilla Sixtina en miniatura. Increíble.

La razón de este entusiasmo artístico, que ha involucrado a casi todo el personal y el alumnado del centro y que cuenta con una organización exquisita, tiene su base en el empeño personal de un profesor de Plástica, Juan Guerrero, que quiso hacer con sus clases algo divertido. Entonces, se le ocurrió la idea de comprobar en la práctica lo que los niños estudiaban en teoría. "Comenzamos con algunas pintadas y un mural", afirma Guerrero, para quien fue una sorpresa ver que los jóvenes se involucraban tanto. "Durante la adolescencia los chicos no suelen atreverse a mostrar lo que hacen. Pero aquí han superado esos miedos. Se interesan tanto que hasta utilizan sus horas libres para pintar". 

El profesorado del centro quedó tan impresionado que quiso organizar la idea y convertir el Instituto en un museo. El profesor de Historia del Arte, Manuel Jiménez, emocionado con la oportunidad que se abría para su asignatura, se involucró de lleno en el proyecto y creó, junto a Guerrero, el itinerario artístico que ahora recorren los alumnos desde primero hasta cuarto de ESO.

Los profesores han logrado la colaboración de todos los museos españoles y de algunos extranjeros, como la Nacional Gallery. Todos ellos les envían material didáctico para que puedan realizar sus trabajos. El equipo docente del centro ha ampliado el proyecto a otras asignaturas. Además de las pinturas, se ha creado una guía en papel y otra digital, en la que se muestran imágenes de cada aula con música adaptada de la época.

Lo interesante de este proyecto es cómo gracias a la iniciativa por parte del docente, los alumnos han sido capaces de descubrir el arte e ilusionarse con él. Para ellos, no solo supone el conocimiento teórico, a lo que ya se encuentran bastante acostumbrados en las aulas, sino al conocimiento también práctico, a saber utilizar sus herramientas para realizar una producción propia. Esta es la historia de una ilusión y una implicación de personas en el mundo del arte. Lo importante es llevarlos en la dirección adecuada y mostrarles el maravilloso mundo de la creación y la experimentación propia.

* Bibliografía: Choza, Pilar. Artículo El arte de la adolescencia, publicado en el periódico El País. 26/06/2016

https://elpais.com/diario/2006/06/26/andalucia/1151274140_850215.html

María José Moreno López

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Binomio arte-educación, acercamiento del arte a los adolescentes

Los adolescentes, en general, se presentan como un público difícil y en ocasiones poco interesado en adentrarse en el mundo del arte. Quizás porque no se les ha presentado de la manera oportuna o, simplemente, porque no han tenido la oportunidad de formar parte de una verdadera experiencia artística. Es por ello que resulta vital que este acercamiento se produzca de la manera adecuada y, desde el campo de la educación, es tarea de los docentes conducirlos hasta su correcta experimentación. 

La adolescencia es una etapa de cambios, de movimientos, de libertad emocional y creativa, de tránsito, de sentimiento de lo efímero y en Habitación 1418 lo saben y han querido exprimir al máximo todas estas potencialidades. Habitación 1418 es un laboratorio, un punto de encuentro, una plataforma, un grupo de jóvenes, un espacio experimental y un proyecto en continuo replanteamiento. También es todo lo que pasa los sábados en la plaza dels Àngels, en Barcelona, entre jóvenes de 14 a 18 años. Surgió de la necesidad de acercar a los adolescentes al museo de forma voluntaria y fuera de su actividad docente. El proyecto se compone de un grupo de roomers fijos y asiduos, un teen team de unos 15 jóvenes que se apoderan del espacio, lo invaden y lo redefinen. También participan de los contenidos y la elaboración de las actividades. El modelo es un remix que funciona como una canción propia.

“Hay que saltar del repetitivo ‘crear red’ o ‘hacer contexto’ y llevarlo a la acción, hacerlo posible. Habitació 1418 es un grupo de unos 15 adolescentes pero con un potencial transformador bestial. Las experiencias educativas artísticas regladas en las escuelas están en crisis y lo neoliberal se intenta imponer como única vía posible. Es el momento adecuado para hacer ruido y distorsionar”, expone Fito Conesa, artista y director del proyecto.

Lo interesante de este proyecto es cómo gracias a la manera que tienen de actuar, los jóvenes se acercan al arte a través de su propia experimentación, el arte se vive y se siente. El aprovechar las cualidades de cada adolescente y sus capacidades resulta fundamental. Los jóvenes deben ser capaces de apropiarse, de identificarse con el arte y con su producción, de hacer que forme parte de su personalidad y su historia.

* Bibliografía: Espejo, Bea. Artículo Adolescente en el museo, en el periódico El País. 10/08/2017

María José Moreno López

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The big word of ART

Por Noemí Herrera.

Con motivo de sondear un tema tan inabarcable como profundo, he ido recopilando a través de conversaciones con diferentes artistas y músicos de variadas esferas, sus personales puntos de vista para dar una visión más amplia de ese infinito y profundo agujero negro, que es para mí el arte:

Ronda de respuestas rápidas en un grupo de músicos;

Mindfuck Vehículo de expresión de la personalidad Improvisación Cultura Belleza Inspiración

Conversación con una artista relacionada con el mundo de la estética:

“A ver amor, el arte para mí, es la vida misma. No hay mejor arte que lo que hay y lo que pasa en esta vida tan bella y autentica. Hay muchas maneras de ver el arte en cosas distintas. El arte de amar. Yo por ejemplo que tengo la imaginación bastante desarrollada, veo el arte por todas partes, por donde mire, en forma de señales a veces…”

Conversación con una Fotógrafa:

Arte es solo una palabra, lo importante está detrás. Arte lo inventaron para comprender que es.. Definirlo y catalogarlo de forma poética...El arte es lo intangible, lo que se escapa a la explicación, sensaciones, intuiciones...

El arte es amor y expresión de cosas que no las puedes decir y lo plasmas, por ejemplo... En una pintura.

El arte es subjetivo. Puede ser una obra de un artista a un público o para el mismo. Con mensaje o sin él. Con intención de algo o sin ella. Puede ser bonito o feo.

Conversación con una Artista y dj: 

El arte es la materialización de la belleza del universo, es la captación de la belleza del ser humano, materializada.

El arte es cualquier cosa que tú consideres bello.

Aquello que me  haga vibrar, que me emocione, que me transmita a través de los sentidos. Para mi el arte está en todo... Y es ese todo, es el que cada uno interpreta

Para mí, algo que me provoque emociones y que tenga intención artística. En normas generales porque hay cosas sin intención artística que me parecen arte.

Conversación con una Actriz y Pintora: 

 Arte es vida. Arte es la verdad. La belleza es Arte. La complejidad  y la simplicidad también son arte. Incluso la mentira es arte, pero cuando es de verdad. Muchos años de mi vida he pensado que mi propia vida era mi obra de arte.¿Entiendes lo que quiero decir? Creo te pasa a ti también.

Conversación con una marchante de arte: 

El Arte para mí, es el ser humano jugando ser dios. Se divierte y sorprende. Creo que la evolución del arte y sobre todo el mercado del arte contemporáneo poco tienen que ver con la esencia pura de la creación desinteresada.

El arte es la manifestación íntima o pública de un impulso que no se puede contener y cuya función es puramente la expresión de la persona, es decir, la relación de la persona con el medio y la vida misma.

¿Arte? Para mi es el aire que respiro. Forma de catarsis, expiación, auto-conocimiento, valoración, autoestima. Forma de vida. Inherente.Lo único que nunca falla.

Cita de un artista e instructor

El arte... Es comunicación con uno mismo y a veces hacia los demás... Expresividad...Conlleva la reacción de uno mismo o de los demás.

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PROYECTO EDUCATIVO DEL MUSEO DE ARTE ABSTRACTO ESPAÑOL

https://www.march.es/arte/cuenca/?l=1por Irene Regueiro

Situado en el privilegiado enclave de las Casas Colgadas de Cuenca y gestionado por la Fundación Juan March, el Museo de Arte Abstracto Español alberga una maravillosa colección de pinturas y esculturas de la generación de artistas abstractos españoles de los años 50 y 60.

El museo desarrolla un extenso programa educativo elaborado en torno a las obras de la colección y dirigido a diferentes públicos. Además de los recorridos guiados por la colección y exposiciones temporales que acercan a los visitantes a los códigos lingüísticos y visuales propios del arte abstracto; el equipo docente del museo ha desarrollado una serie de recursos educativos, llamados maletas didácticas, para que los profesores puedan trabajar con sus alumnos en el aula antes de la visita.

Tuve la gran suerte de que Celina, la coordinadora del proyecto educativo, me enviará las maletas didácticas de secundaria antes de mi visita al museo el pasado noviembre y de que me presentase al resto del equipo al mismo tiempo que me mostraban el taller y el trabajo de los niños de primaria. El objetivo de las maletas no es que los estudiantes conozcan a los artistas de la colección como si de una clase de historia del arte se tratara, sino de que descubran todo el potencial expresivo de los elementos que configuran una obra no figurativa: color, volumen y materia.

Por ejemplo, en la maleta didáctica de color hay tres actividades previas a la visita, dos de ellas para realizar con toda la clase y una de trabajo autónomo fuera del aula. La actividad 1 “aproximación al objeto del arte” es en realidad común a todas las maletas; en ella el profesor guía a través de 40 preguntas una observación más profunda a un objeto común, una lata de coca-cola, que va más allá de aspecto formal adentrándose en temas como el simbolismo o la relación el usuario y su entorno.  

Centrados ya exclusivamente en el color, la actividad 2 de esta maleta comienza con la lectura de textos sobre el uso del color escritos por grandes genios de la pintura del siglo XIX y XX como Kandinsky, Matisse o Van Gogh. Tras esta lectura toda la clase debatirá sobre las dimensiones (luz, separación fondo-figura, composición, armonía, contraste...) que hacen del color la principal fuente de expresividad en una serie de obras propuestas (en la imagen Número 1077 pintado por Luis Feito en 1974 y que forma parte de los fondos del Museo de Arte Abstracto Español).

Por último, antes de su vista al museo, los alumnos realizarán un maratón fotográfico en la actividad 3. De forma individual o en pequeños grupos los chicos tendrán que recolectar o sacar fotografías para analizar uno de los tres aspectos del color propuestos: color-naturaleza (tomarán fotos del mismo objeto a diferentes horas del día para analizar como la incidencia de la luz altera la percepción de los colores), color-personal o color-símbolo.

https://www.march.es/arte/cuenca/?l=1

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PARKOUR/RECORRIDO #4

por Blanca Cabrera, Blanca Marsal, Felipe Muñoz e Irene Regueiro.

En esta visita, que hemos llamado 28014, realizaremos un recorrido por tres espacios muy diferentes que forman parte del mercado del arte: la galería Modus Operandi, la galería Cámara Oscura y el estudio de Carmen La Griega. Durante la ruta vamos a explicar a los alumnos el papel que juegan cada uno de estos lugares dentro del mercado del arte.

Al comienzo de la ruta introducimos a los alumnos unas cuestiones relacionadas con la profesión del artista y con cómo termina una obra en una institución. Comenzamos la visita en el estudio de Carmen La Griega, que nos muestra su obra y nos cuenta cómo trabaja y porqué es importante tener un estudio o un espacio donde mostrar su obra. Hablamos además del caso particular de artistas independientes que no tienen la protección de una galería o el apoyo de algún agente de representación.

La segunda parada de la ruta será la galería Cámara Oscura donde hablamos sobre el espacio que ocupan las galerías en el mundo del arte, la importancia de las ferias y cómo ponen precio a la obra del artista; además les mostramos cómo es una campaña de marketing previa a la inauguración, presupuestos...

Por último, Modus Operandi. Este espacio realiza funciones diversas, publica, gestiona y edita catálogos de artista, proyectos audiovisuales entre otros. De esta manera,visitando estos tres espacios, los alumnos tendrán una visión mucho más amplia del funcionamiento del mercado del arte, aprenderán de una manera mucho más dinámica, y por medio de anécdotas y experiencias reales conocen el funcionamiento del mercado del arte.

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Conociendo las obras a través de un juego online interactivo. Por María Dols Hinojosa

El museo Thyssen propone un gran número de actividades innovadoras para docentes y alumnos entre las cuales he podido conocer el desarrollo de un sencillo juego online que requiere la interacción de los estudiantes.

El juego consiste en realizar un recorrido virtual por el Museo a través de algunas de las obras más relevantes que tienen expuestas con la excusa de evitar que desaparezcan las pinturas de sus paredes. Gracias a la narrativa divertida de una historia, los juegos y las preguntas que te van haciendo y debes ir respondiendo para poder continuar, el interlocutor aprende de una manera muy dinámica.

Me parece una herramienta muy interesante que utilizaría con alumnos del primer ciclo de secundaria, primero y segundo de la ESO, ya que están muy habituados a los videojuegos y al manejo de las nuevas tecnologías tanto dentro como fuera del aula.

Mientras descubría el juego he ido realizando algunas capturas para ejemplificar la manera en la que se interactúa desde el principio entre juego y participante.

El jugador debe escribir su nombre y durante el resto del juego las preguntas irán destinadas directamente a la persona, lo cual me parece una manera interesante de que los alumnos se sientas más partícipes.

Cuando respondes a las preguntas, en este caso clickando directamente sobre el cuadro, te sale una explicación relacionada con la obra, la técnica, la simbología o el autor.

Las obras que aparecen durante el juego pertenecen a diferetes movimientos artísticos.

Otras preguntas se deben responder directamente de entre dos o tres opciones.

Puedes acceder al juego a través del siguiente enlace: http://assets.educathyssen.org/juegos/pequenothyssen/thyssen.html

En relación al juego anterior, dejo un enlace a una web con 19 links a diferentes recursos educativos organizados por edades y temáticas que creo que puede servir de inspiración para la preparación de futuras sesiones en el aula.

http://blog.tiching.com/los-19-recursos-educativos-mas-artisticos/

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“EL ARTE. CONVERSACIONES IMAGINARIAS CON MI MADRE” Y EL VALOR DIDÁCTICO DEL CÓMIC

por Irene Regueiro.

“El arte. Conversaciones imaginarias con mi madre” es quizás uno de los libros sobre teoría del arte más accesibles jamás escritos. En él y a través del análisis de la obra de algunos de los artistas más influyentes del siglo pasado Juanjo Sáez defiende ante su madre (imaginariamente) que el arte no ha de representar sino crear nuevas realidades, al tiempo que desmitifica la idea de que es necesario saber de arte para disfrutar de él. Además de un maravilloso punto de partida para que los adolescentes comiencen a apreciar el arte contemporáneo, este libro ofrece una visión crítica de la educación tradicional como moldeadora de ciudadanos que puede desencadenar interesantes reflexiones en los docentes, especialmente en los de artes plásticas. Sáez sostiene que el arte no puede ser enseñado como el resto de disciplinas porque eso nos lleva a valorar sólo aspectos técnicos cayendo en un virtuosismo vacío; las escuelas de arte y sus docentes han de centrarse en ayudar a los alumnos a reconocer y explotar las herramientas necesarias para ser artistas: creatividad, sensibilidad e intuición.

Muchas son las voces expertas que defienden el valor didáctico del cómic, como apuntaba el gran Francisco Ibáñez hace años en una entrevista “Quien no haya pasado por Mortadelo no va a llegar a Kafka (…) el cómic es el primer escalón hacia la gran literatura”. Por esto, considero que el más importante valor del cómic es que fomenta el gusto por la lectura ya que la hace accesible a niños y adolescentes al apoyar la narrativa en imágenes.

Los cómics muestran con una claridad visual envidiable el arte de la composición y de la secuencialidad. Viviendo como estamos inmersos en la cultura de la imagen, el cómic es una herramienta privilegiada para enseñar a los alumnos a analizar la información contenida en los medios audiovisuales. El análisis de las actitudes de los personajes (muchas veces estereotipas o simplemente exageradas) tanto a través de lo que dicen y de cómo lo dicen, contribuye a que los adolescentes desarrollen una actitud crítica respecto a los valores, aprendiendo así a observar el mundo y a comprenderse a ellos mismos. Esta actitud crítica también va hacerles valorar los elementos estéticos que caracterizan el cómic y que están relacionados con los propios del arte. Además de una mejora en el análisis de las obras plásticas y audiovisuales, la lectura y el desarrollo de historietas como recurso didáctico fomenta la capacidad de abstracción y la imaginación, dos habilidades fundamentales para la resolución de problemas de la vida cotidiana.

En los últimos años están proliferando cuadernos de actividades para adultos que pueden ser excelentes materiales didácticos en el aula como “Destroza este diario” o “Cómo ser explorador del mundo” de Keri Smith y novelas gráficas centradas en momentos clave de la biografía de genios del arte. En “Las meninas” Santiago García y Javier Olivares describen como una obra de arte se convierte en un símbolo; Barbara Stok consigue transformar biografía del atormentado Van Gogh en un relato actual en su éxito “Vicent” y lo mismo hacen Catel y Bocquet en “Kiki de Montparnasse”, un volumen sobre la gran musa de las vanguardias parisinas de los años 20.

http://astiberri.com/products/el-arte-conversaciones-imaginarias-con-mi-madre

http://www.kerismith.com/

http://astiberri.com/products/las-meninas

https://www.normacomics.com/comics/comic-europeo/vincent.html

http://www.elplanetadeloscomics.org/catel-y-bocquet-kiki-de-montparnasse/

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MEDIACIÓN ARTÍSTICA EN EL REINA SOFÍA

por Irene Regueiro.

Como hemos estado todo el trimestre a vueltas con el concepto de mediación artística, y como la verdad es que me gusta cada vez más la idea de que los docentes de arte y diseño enfoquen su trabajo hacia formas cercanas a la mediación desechando al tradicional profesor de plástica; hace un par de semanas fui a ver a los profesionales en acción en el Centro Nacional de Arte Museo Reina Sofía (CNAMRS).

El programa educativo del CNAMRS es muy amplio y cuenta con el mecenazgo de la Fundación Banco Santander. El museo ofrece visitas escolares adaptadas a todos los nivel educativos y cursos de formación para que los docentes puedan mejorar sus clases, actividades para toda la familia o para adolescentes que quieran descubrir el arte y a ellos mismos sin las supervisión de sus padres o profesores y diferentes propuestas de mediación cultural para adultos incluyendo actividades específicas para personas con discapacidades sensoriales. Todas las actividades, fechas y horarios pueden consultarse aquí http://www.museoreinasofia.es/educacion. Según la web del museo, el principal objetivo del programa de mediación artística es mejorar la experiencia del público fomentando visitas activas que lleguen a generar un diálogo espectador-museo. Para ello los mediadores (un joven equipo de historiadores del arte al que se puede encontrar con camiseta roja en los halls de las plantas primera y segunda del Edificio Sabatini) asesoran a quien se acerque al museo ayudándole a encontrar recorridos que den cohesión a su visita, resuelven las dudas que puedan surgir a los visitantes respecto a la colección y dan a conocer al público las herramientas de interpretación con las que cuenta el museo.

Además del asesoramiento directo; las propuestas de mediación cultural para adultos del CNAMRS incluyen visitas comentadas a las exposiciones temporales, otras centradas en obras clave del museo como el Guernica y recorridos transversales por distintas salas usando un tema como nexo de unión. Algunas de las guías empleadas en estos recorridos se han editado (y se pueden encontrar en http://www.museoreinasofia.es/visita/visita-individual/coleccion) para que quien lo desee pueda realizar el recorrido de forma autónoma, pero si me permitís un consejo os recomiendo uniros al grupo; las visitas son muy dinámicas e interactivas y probablemente aprendáis mucho más gracias a las preguntas de otros participantes. Las visitas son gratuitas y hay varios horarios disponibles para cada tema, uno al menos después de las 19:00, hora en la que el acceso al museo es libre.

El pasado miércoles 13 de diciembre asistí a “Feminismo. Una mirada feminista sobre las vanguardias” una mediación que realiza por Luis con la ayuda de Claudia, una interprete de lengua de signos. La visita quiere poner de manifiesto como el arte se ve influenciado por sistema de valores dominante dando prioridad a las visiones masculinas del mundo (y de la propia feminidad siempre vista desde el cristal mitológico que crea el patriarcado) y dar a conoce el trabajo de las pocas mujeres artistas cuya obra forma parte de los fondos del CNAMRS. Mi gran descubrimiento de la velada fue la pintora gerundense Ángeles Santos (http://www.museoreinasofia.es/coleccion/autor/santos-angeles), os dejo con su obra “Un mundo” de 1929.  

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CALDER PARA NIÑOS

por: Cristina Fernández

RZ100arte es un  espacio que ayuda a padres, profesores, familiares y amigos en la apasionante tarea de educar y formar a los más pequeños, fomentando el conocimiento y el placer del arte.

Si hay un artista plástico en el siglo XX cuyo trabajo es absolutamente fascinante para los niños, este es Alexander Calder. Me atrevería a asegurar que no hay niño que ante móvil de Calder no sienta un deseo irrefrenable de interactuar con él. 

 Las piezas de Calder remiten al juego. Calder  quiso despojar al artista del control de su obra para invitar al espectador en el proceso de creación y transformar con su intervención la pieza a su voluntad. En este espacio desarrollan dos actividades para acercar la obra de este artista a niños de entre 6 y 12 años.

ACT 1. Esculpamos con alambre y creemos los personajes de nuestro circo inspirados por Calder. Para ello solamente necesitáis materiales muy básicos: alambre, trapo, lana, corcho, goma, tal vez madera… y por supuesto mucha imaginación. Y de eso a los chavales les suele sobrar.

Os dejo algunas imágenes para que os sirvan de fuente de inspiración. En este enlace al Whitney Museum of American encontraréis muchas más pues en él se encuentran expuestos los juguetes que Calder construyó en su estancia en Paris.

ACT 2. Construyamos móviles cual si fuésemos Alexander Calder. Para ello necesitamos:Cartulinas, Cartón, Placas de metal si lo queremos más profesional de los colores primarios: rojo, amarillo, azul más blanco y negro. Si no tenemos una buena idea es pintarlasHilo, alambre, perchas…. algo con lo que crear la estructura sobre las que van a ir las placas suspendidas.y nuevamente mucha imaginación y paciencia para crear bellas formasEn la red me he encontrado ejemplos de lo más variado..

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JUGUETES EN CONSTRUCCIÓN

por: CRISTINA Fernández

Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente

El Museo tiene un Departamento de Educación dedicado a difundir las claves de interpretación del Arte Contemporáneo, especialmente a escolares y público infantil. Para ello, ofrecen todo tipo de actividades didácticas, desde visitas guiadas para todos los públicos a talleres para los niños.Para los centros educativos y grupos escolares existe un completo programa didáctico para fomentar el espíritu crítico y la creatividad de los más pequeños, y acercarles al arte moderno.

En el contexto de la exposición EUGENIO GRANELL Y ESTEBAN VICENTE. Construcciones y toys, surge el taller “Juguetes en construcción”, que pretende crear un espacio en el cual se oriente a padres e hijos a dar forma a sus ideas, mediante el trabajo con materiales y técnicas sencillas. Rompiendo, al mismo tiempo, con las barreras naturales que tenemos a la hora de construir objetos.

TALLER 1: TRABAJOS EN PLASTILINA 

 Concepto: introducción al trabajo con material modelable para la construcción de diversos juguetes que pueden representar elementos orgánicos. Objetivos: - Construcción de animales o personajes con diseño personalizado por cada participante. - Enseñar a mezclar y amasar el material, a modelar y armar para un acabado más resistente y finalmente añadir elementos naturales y otros para acabar las distintas creaciones. - Ofrecer recomendaciones para conservar la plastilina en buen uso. 

 TALLER 2: TRABAJOS CON TACOS DE MADERA 

 Concepto: trabajar con un material resistente y manipulable de formas geométricas dadas. Objetivos: - Trabajar con tacos de madera de distintos tamaños. - Construir juguetes y objetos atendiendo a la sugerencia de las formas y el material. - Decorar el objeto para concederle una mayor personalidad. 

TALLER 3: INSECTOS DE GOMA

Concepto: enseñar un procedimiento concreto que permita realizar juguetes-insecto. Se trabajará con formas básicas procedentes de la naturaleza y variaciones de las mismas. Objetivos: - Reutilizar materiales como gomas y bridas de atado para construir insectos imaginarios. - Plantear una forma básica de insecto a partir de la cual, se sugerirán modificaciones. - Enseñar un procedimiento para construir la forma y explicar el manejo de los distintos materiales. 

TALLER 4: BARCOS DE JUGUETE

 Concepto: recrear un trabajo de raíz tradicional. En base a un trabajo tradicional de construcción de juguetes, los barcos de corteza o roña de pino, se realizarán diversas modalidades de barcos. Objetivos: - Realizar barcos de juguete funcionales a partir de piezas de corteza de pino, tela, palitos y cuerda. - Decorar al estilo de un velero auténtico.

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«Las matemáticas en el arte salmantino»   Cristina Fdez Bonet

¿Qué pintan Picasso, Miró o Kandinsky en una clase de matemáticas? Cuando miras la Catedral de Salamanca, ¿qué ves? Estas y otras preguntas se hicieron profesores y alumnos en el IES Federico García Bernalt de Salamanca, para acabar por responderse que mucho más de lo que una mirada simple observe. Artistas y grandes obras de arte son los mejores «maestros» para que un alumno pueda aprender matemáticas, expresarse bien escribiendo o comprender el legado de las personas que un día habitaron su ciudad y les precedieron. Es otra forma de enseñar, otra forma de aprender, pero también otro modo de aprender a aprender. 

Durante un tiempo, en las plazas más significativas de Salamanca, al pie de edificios de fama mundial se pudo ver a los alumnos de 1º a 3º de Secundaria hacer mediciones y recibir explicaciones que luego plasmaron en sus trabajos. En ellos dejaron volar su imaginación y también por sus relatos paseó el Lazarillo de Tormes, tan ligado a la ciudad, como también aprendieron inglés a partir de esa mirada particular a su ciudad.

Asimismo, pudieron asistir a charlas en clase con expertos y profesionales que trabajan con ese arte, como el autor de uno de los medallones de la Plaza Mayor salmantina. Por sus aulas pasaron artesanos y canteros y los alumnos hicieron alzados, plantas de edificios.

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Roswitha Utters: El arte como terapia

Por: Iciar Aranguren 

Artes expresivas para proyectos sociales

“El arte como una manera de relacionarse con las personas”

Se trata de un taller que ha organizado Construye identidad (Un proyecto participativo que busca construir en distintas comunidades de Perú con materiales locales y técnicas tradicionales). El taller busca a través del arte 

“nutrir a los arquitectos y estudiantes de arquitectura con nuevas miradas e instrumentos que les permitan entender mejor el contexto espacial y social del grupo humano para el cual proyectan sus diseños arquitectónicos o urbanísticos”.

https://www.facebook.com/ConstruyeIdentidad/videos/752695908188261/

Se trata de un taller teórico-práctico dirigido por la pedagoga social y profesora de artes plásticas,  Roswitha Utters, que desde hace 9 años trabaja como terapeuta a través del arte en un centro penal de Lima con hombres que buscan rehabilitarse de las drogas. 

El arte en sus diversas expresiones posibilita una comunicación distinta donde expresar las emociones se hace más fácil. Ella utiliza esta posibilidad que da el arte para abrir puertas y tocar el alma de las personas con las que trabaja. ¿Podría el arte acercarnos a nuestros alumnos? 

https://www.archdaily.pe/pe/881575/taller-artes-expresivas-para-proyectos-sociales

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Fundación MARTE: Maquetas post-entrega

Por: Iciar Aranguren 

Este proyecto surgió en la facultad de arquitectura de la PUCP, Lima, dónde estuve un año estudiando. En esta universidad los alumnos trabajan especialmente con maquetas que después de la entrega se van a la basura. 

A raíz de esta imagen se creó la fundación Marte, cuyo fin social de donación, sostenibilidad y reciclaje, busca dar un segundo uso a las maquetas con un fin educativo, que permita a los niños de los asentamientos de la ciudad, interactuar con ellas y acercarse a la arquitectura. 

“ Estos pequeños y enigmáticos mundos de cartón pueden ser transformados en lo que la imaginación quiera y a la vez pueden transformar la vida de otros. La maqueta va rumbo a una nueva vida, a ser una casa voladora o un barco balsa… el juguete favorito en la mejor de sus suertes”.

Lima es una ciudad de casi 10 millones de habitantes, de los cuales, aproximadamente el 60% vive en asentamientos humanos, barrios autoconstruidos y gestionados por las propias comunidades, dónde la educación de los niños es más bien escasa y su posibilidad de acercamiento al arte o a la arquitectura prácticamente impensable. Con este proyecto se busca fomentar la imaginación y la creatividad de los niños de estos barrios a partir del trabajo de los alumnos de las facultades de arquitectura. 

https://www.archdaily.pe/pe/884788/adonde-van-las-maquetas-despues-de-la-entrega

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TALLER BOOKTUBERS EN LA CASA DEL LECTOR_ ELENA NIETO JUAREZ.

En Noviembre realicé unos talleres de como ser Booktubers en la Casa del Lector.  Aquí os adjunto algunos pantallázos de lo que prepare, links de interés y fotos.

 Un booktuber es un youtuber cuyo canal está dedicado a los libros y la literatura. Su principal

característica es que son jóvenes de entre 16 y 30 años que animan a otros jóvenes a leer. Tienen

mucho éxito porque como ocurre en otros ámbitos culturales como los videojuegos, el cine o la

música, los jóvenes prefieren que un chaval de su edad les recomiende libros, en lugar de un señor

entrajado o el librero de la esquina, al que no conoce.

Es importante entender que los booktubers no son críticos literarios. Los análisis de libros suelen ser

minoría en sus vídeos. Se dedican a informar sobre las novedades, recomendar lecturas, mostrar

cómo tienen ordenada su biblioteca, proponer retos, y otras actividades relacionadas con la pasión

por la literatura. Una evolución de los clásicos clubes de lectura que existían antes de Internet,

cuando un grupos de aficionados se reunía en casa de alguien para comentar los libros que habían

leido, o leer uno en grupo.

Uno de los Booktubers más conocidos de España es Sebastián García Mouret

con su canal EL COLECCIONISTA DE MUNDOS

https://www.youtube.com/watch?v=SBIj3Ps_PBk

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Les Arts Volant

Por Jon Iparraguirre Martínez

La Genteralitat Valenciana ha puesto en marcha este interesante proyecto, que es la versión operística de las misiones pedagógicas o el Mumo, que comentamos en clase, pero a lo grande, por la enorme cantidad de personas necesarias para llevar a cabo una producción operística. En el caso de la ópera, me parece especialmente necesaria la labor divulgativa, ya sigue teniendo hoy en día un público muy elitista. Además, se trata de un público envejecido, por lo que es importante que crear nuevas generaciones de espectadores.

https://www.lesarts.com/es/les-arts-volant/

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ReflejArte 2017/2018. Por Ana Torres

Me gustaría presentaros un proyecto en el que participa el colegio en el que estoy haciendo las prácticas. 

Participan las alumnas de 3º de primaria y las de 4º de ESO en la asignatura de Educación Plástica, Visual y Audiovisual.

Este proyecto forma parte del programa educativo de la Fundación Botín “Educación Responsable”. ReflejArte se inspira en el trabajo de la artista Julie Mehretu que se muestra en el Centro Botín, en la exposición Julie Mehretu. Una historia universal de todo y nada.

A través de su obra se propone reflexionar sobre la carga afectiva y emocional de nuestro entorno cercano y lo que nos provoca, como parte de nuestra identidad. A partir de esto se proponen diversas actividades:

1. Ejercicio previo al proyecto (por parejas)

Representación de una emoción y su contraria sobre papel y acetato, respectivamente.

2. Árbol genealógico

Consiste en un trabajo de investigación familiar, reflexión emocional y de remontarse a los orígenes (negocio que ha pasado padres a hijos, historia de algún objeto que siempre ha pertenecido a la familia, etc.). Se presentará oralmente en el aula a través de un poster explicativo con texto, imágenes y dibujos.

3. Conociendo a Julie Mehretu

Se proyectará el siguiente video que muestra la forma de trabajar de la artista (grandes formatos, capas de acetato, imágenes proyectadas...) y en qué se basan sus creaciones, con el fin de que las alumnas se sitúen en el proyecto y conozcan a la artista.

4. Visita virtual de la exposición en Centro Botín (junto a las alumnas de 3º de primaria) 

Se muestra a las alumnas las obras de la exposición. De todas ellas se han seleccionado tres con las que se trabajará. Estas son: “Invisible sun”, “Arcade” y “Easy Dark”. Sobre ellas, las niñas de 3º de primaria y de 4º de ESO harán una puesta en común de manera conjunta sobre lo que les evocan estas obras, qué ven, que les provoca, etc. 

Otra actividad que están preparando consiste en crear sobre dos acetatos una composición con dibujos (o también fotografías) y texto explicativo que resuma biografía de la artista, de qué hablan sus obras, etc., (como si fuera una diapositiva de Power Point). Se juntarán todas una tras otra creando el efecto de capas superpuestas que utiliza Julie Mehretu en sus obras.

Estos trabajos se incorporarán en el Libro del Artista, que representará una compilación de las actividades realizadas.

5. Búsqueda del tema del proyecto

Se pregunta a las alumnas qué preocupaciones tienen ellas como adolescentes. Algunos temas que surgieron fueron la amistad (lealtad, encajar en el grupo) y el futuro (incertidumbre por saber qué seré, que haré).

El tema elegido tanto por las pequeñas como por las mayores es la amistad. Ese será el tema sobre el que harán el proyecto. Próximamente dibujarán en gran formato a partir de la proyección de imágenes en la pizarra, siguiendo la metodología de Julie Mehretu.