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JEAN AUGUSTE DOMINIQUE INGRES (1.780-1.867).
Fue el alumno y heredero de David, es el continuador del clasicismo en el siglo XIX. Es un pintor fiel a la línea y al dibujo. La base de su arte es el dibujo como un producto de la línea pura. En 1806, Ingres se marchó a Roma, donde permaneció 18 años, y descubrió a Rafael. Estos años de trabajo serán los más fecundos de su carrera. A ellos pertenecen voluptuosos desnudos femeninos, entre los que cabe destacar "La bañista de Valpinçon". Es un pintor fiel a la línea y al dibujo. La base de su arte es el dibujo como un producto de la línea pura. Su principal obsesión es la mujer y el desnudo femenino. para la que comprará escenas clasicistas, orientales y puras invenciones.
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JACQUES-LOUIS DAVID (1.748-1.825) Se formó a partir del arte grecorromano y de los antiguos maestros de la pintura italiana, desde Rafael a Caravaggio. Su temática se inspira en el mundo antiguo, aunque David le otorga un significado contemporáneo con un mensaje moral destinado a la sociedad del momento. Elige acontecimiento de la antigüedad que glorifican las virtudes del patriotismo, el valor y el sacrificio. Se inspiró en los relieves, de los que tomó la simetría y la ordenación paralela de las figuras. Sus figuras están modeladas como las estatuas antiguas. La anatomía está representada con precisión.
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CARACTERÍSTICAS DEL CLASICISMO
Estilo
El clasicismo se inspira en los modelos clásicos e ideales de belleza de la Antigua Grecia y Roma, con enorme atención a las formas, que deben armonizar con los contenidos. Los artistas y compositores del clasicismo tuvieron al equilibrio, la sencillez, la sobriedad y la proporción como ideales estéticos.
Temas
Con el clasicismo se da un regreso lo clásico e imperecedero, y esto no solo se refiere a las formas y estilos, sino también a que se produce una vuelta temática, en la que lo religioso (que hasta entonces dominaba) pierde protagonismo en favor de las grandes gestas y los relatos mitológicos, o de los sentimientos humanos.
Contexto histórico
El clasicismo nace en una época en la que Europa revisa de manera crítica el orden establecido; una época en la que crecen la filosofía y la ciencia, lo que permite ir saliendo de un largo período de oscurantismo para dar paso a la razón, a la reflexión, al mundo de las ideas. La burguesía surge como clase social relevante.
Clasicismo e Ilustración
El movimiento de la Ilustración de Francia es un claro ejemplo de este proceso intelectual, que propone a la razón como método universal de generación de conocimiento. La publicación de L’Encyclopédie o Dictionnaire raisonné des sciences, des arts et des métiers bajo la dirección de Diderot y d’Alembert (1751-1772) materializa este proceso; dicha obra incluye artículos de Voltaire, Rousseau, Condillac y Turgot.
Pintura
Se reprodujeron escenas históricas y mitológicas. El espacio se iba recreando mediante planos sucesivos, sin brusquedades; con las figuras siempre hacia el centro de la composición; no hay violentos contrastes ni actitudes exageradas. .
Escultura
La armonía del cuerpo humano, tal como la habían plasmado los griegos y romanos, fue sin duda el principal tema de la escultura. La expresión de los caracteres y los estados de ánimo también tuvo un papel central. En escultura destacan las obras de Miguel Ángel.
Arquitectura
En arquitectura, durante el clasicismo se pasa a la búsqueda de mayor equilibrio entre base y altura, dominando la horizontalidad y lo unitario, dejando atrás el ideal gótico. Son buenos ejemplos de la arquitectura clásica la Puerta de Alcalá o el Museo del Prado, en Madrid, así como la famosa Puerta de Brandeburgo en Berlín.
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CLASICISMO
El clasicismo es una corriente estética y cultural que tuvo su apogeo hacia finales del siglo XVIII, acompañando a la compleja transición que vivió Occidente al salir de la denominada Edad Moderna para pasar a la Edad Contemporánea. La vuelta a la antigüedad tenía un inconveniente: la escasez de pinturas antiguas. El pintor tuvo que inspirarse en la escultura, por lo que el ideal de este periodo es el dibujo, por lo que deja de preocuparse por la luz.
Los temas son clásicos, mitológicos, históricos, etc. Los autores más destacados son los franceses David e Ingres, el alemán Mengs, y los españoles Salvador Maella, Francisco Bayeu y José Madrazo.
se caracteriza por la búsqueda de la serenidad, el equilibrio y la armonía de las formas propias de la tradición greco-romana
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CARACTERISTICAS:
Uno de los principios básicos de la escuela era formar un movimiento de artistas con plena conciencia social e intelectual, formar jóvenes artistas que no cayeran en lo típico. Perseguían la armonía entre arte e industria. Lograr una cultura del pueblo y para el pueblo era una meta común en los movimientos culturales de la época que pretendían innovar.
Unión de arte y funcionalidad Esta fusión es elemental porque hace que el artista ya no sea una entidad aislada, sino que entra a la sociedad como un personaje útil, interviene directamente en ella. El arte entra a los hogares con una función. Se trataba de crear productos funcionales y económicos pero a la vez atrayentes para el mercado. Para esto se utilizaron materiales más baratos (como metal, vidrio, cristal, madera, entre otros).
En Bauhaus se enseñaba a crear. El trabajo manual era la base del artista. Gropius incitaba a sus alumnos a probar con distintos materiales, a conocer sus propiedades, manejarlos y adoptar el que más le acomodara.
Consideraban las formas y los colores básicos representaban un precio industrialmente más económico, por lo que las formas del círculo, el cuadrado y el triángulo fueron tomadas como puntos de partida. En las clases sobre forma se empezaba a trabajar con estas figuras elementales y a cada una de ellas se le atribuía un carácter determinado. Así, el círculo era ‘fluido y central’, el cuadrado resultaba ‘sereno’ y el triángulo, ‘diagonal’.
La escuela en sí era un laboratorio, querían ejercer una experiencia vivificante en el mercado pero no absolutamente masiva. Buscan la calidad y no una novedad efímera. Para ellos la belleza radica en el material, sin ornamentos. Critican el uso de formas innecesarias.
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ARTE BAUHAUS
La Bauhaus fue la escuela alemana artística en la que se unificaron la arquitectura las artes plásticas y la artesanía, que ejerció enorme influencia en la arquitectura contemporánea, acaparando un gran abanico de posibilidades de expresión como en las artes gráficas e industriales y el diseño de escenografías y vestuario teatrales. Con tan solo catorce años de existencia logro gozar de muy buena fama llevándolo al calificativo que aun se manifiesta de “estilo bauhaus”. Fue fundada en Weimar en 1919 por el arquitecto Walter Gropius quien unió las antiguas escuela Superior de arte del Gran Ducado y la escuela de Artes y Oficios, dando así origen a la Bauhaus estatal de Weimar, en la que la principal intencion era la simplicidad de la forma reduciendo el objeto a la mera funcionalidad.
Lugar en donde grandes artistas contemporáneos se congregaron para hacer parte del grupo de docentes que llevarían a cabo el éxito de la Bauhaus; Artistas como wassily Kandinsky, Paul klee, Lyonel Feininger, Oskar Schlemmer, pioneros de la época. De igual forma László Moholy-Nagy, Johannes Itten, Josef Albers quienes hicieron grandes aportes a la reforma pedagógica de la escuela.
Llena de prejuicios y malentendidos la bauhaus cargada con tales cuestionamientos logro convertirse en abreviatura de la modernización radical de la vida.
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PRINCIPALES EXPONENTES.
En el arte minimalista, entre los arquitectos, diseñadores industriales y gráficos más interesados en crear espacios y productos minimalistas destacan:
Alvar Aalto: nacido en el, finlandés, figura capital del modernismo internacional y de lo que se conocería como diseño escandinavo. Sus edificios aprovechaban la naturaleza a lo Frank Lloyd Wright, mientras su mobiliario se inspiró en las sillas tubulares de Marcel Breuer que tenía en su propia casa.
Dieter Rams: nacido en el 1932, alemán, es uno de los diseñadores industriales más influyentes del siglo XX. Definió un estilo poco pretencioso, elegante, legible, esencial sin ser frío, legible y con un riguroso lenguaje visual.
Jonathan Ive: nacido en 1967, británico. Su talento para aportar su propia visión minimalista del diseño, inspirada en trabajos previos como el de Dieter Rams, así como la tutela intuitiva de Steve Jobs, conformaron el tándem diseñador-industrial más reconocido del minimalismo.
Kenya Hara: nacida en el 1958, japonesa, experto en la creación de imágenes corporativas, parte de los conceptos estéticos zen, wabi-sabi, iki, etc. Cree que el minimalismo y los productos desnudos, usables y bien pensados marcarán el siglo XXI.
Tadao Ando: nacido en el 1941, japonés, es un arquitecto autodidacta cuya obra ha sido categorizada como “regionalismo crítico”. Para realizar sus obras se ha servido de su profundo conocimiento de las corrientes filosóficas y estéticas japonesas que tanto han influido el diseño occidental desde el siglo XVIII.
Alberto Campo Baeza: nacido en el 1946, español, su obra arquitectónica es reconocida en todo el mundo como uno de los exponentes del minimalismo, con especial atención a la interacción de sus espacios y la luz.
Eduardo Soto de Moura: nacido en el1952, portugués, es uno de los arquitectos más reconocidos, cuya obra. Sus edificios se integran con el entorno después de interpretarlo sin pretensiones y, como otros diseñadores y arquitectos minimalistas, trabaja con texturas ásperas e intemporales, tales como el hormigón, las piedras y la madera local.
Álvaro Siza Vieira: nacido en el 1933, portugués, quiso ser escultor y sus anhelos se cumplieron en parte, al convertirse en arquitecto. Su arquitectura es intemporal, áspera, estoica. Sus edificios están atentos a la luz y se han alimentado de su entorno.
Phillippe Starck: nacido en el 1949, francés, es uno de los diseñadores industriales más reconocidos por expertos y gran público. Sus diseños son funcionales y tienen una vocación ecológica:
John Pawson: nacido en el 1949, británico, su trabajo en arquitectura y diseño industrial se inspiran tanto en la tradición estética y filosofía orientales como por la sobriedad occidental. En sus obras trata de resolver retos de espacio, proporción, luz y materiales, a través de un lenguaje de patrones que siempre tiene en consideración el entorno y contexto cultural.
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CARACTERÍSTICAS DEL ARTE MINIMALISTA:
Las características más destacadas de este estilo de arte, si hablamos de manera general, son:
Abstracción total: las obras operan sólo en términos de material, superficie, tamaño y color.
Se expresa con gran austeridad en la composición y la ausencia de ornamentos innecesarios,
Máxima sencillez: buscan la reducción para eliminar toda alusión simbólica y centrar la mirada en cuestiones puramente formales: el color, la escala, el volumen o el espacio circundante.
En la escultura: se usan formas semejantes a cubos, pirámides o esferas, organizadas en ángulos rectos, generalmente en series.
En la pintura: se utilizan las superficies enfáticas monocromáticas, generalmente pintura blanca sobre fondo blanco o de otros colores apenas modificadas con líneas y puntos casi imperceptibles por marcas cerca del borde o por pincelazos.
Niegan calquier efecto ilusionístico y literal, haciendo que la pintura sea sólo “pigmento específico” sobre una “superficie específica”
Utilización directa de los materiales manipulados lo mínimo posible.
Se emplean distintos materiales a fin de explotar la interación de sus características físicas.
Juegan con la creación de contrastes como brillante-mate, suave-áspero, opaco-transparente, y grueso-fino.
En la pintura se aplica la pintura empastada con efectos de jaspeado o a base de gruesas pinceladas paralelas, a fin de acentuar el carácter literal.
Se crean obras de gran formato y pinturas sin marco.
Predominio de formatos y colores neutros.
Purismo estructural y funcionalidad, con una gran precisión en los acabados.
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MINIMAL ART
El concepto minimalista, de forma general, es diferentes cosas que se han visto reducidas a lo esencial y quita los materiales que sobran, a todo aquello que ha sido reducido a lo esencial, sin elementos sobrantes que rellenen sin un sentido.
El arte minimalista es una corriente artística contemporánea surgida en Estados Unidos, durante la década de los años 60, que tiene como tendencia reducir sus obras a lo fundamental, utilizando sólo los elementos mínimos y básicos, por lo tanto solo se verán representaciones de cosas esenciales y fundamentales para el artista, que utiliza la geometría elemental de las formas, buscando la mayor expresividad con los mínimos recursos, siendo como una crítica a la desmesura y el recargamiento de ciertas manifestaciones artísticas del momento, particularmente la del pop art.
El minimalismo tiene sus raíces en los aspectos reductores de la modernidad, y es a menudo interpretado como una reacción contra el subjetivismo y emocionalismo del expresionismo abstracto y el pop art, y un puente a las prácticas del arte postmoderno.
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Roy Lichtenstein
Lo más característico de Lichtenstein son sus composiciones salidas directamente de las viñetas de los comics, que son ampliaciones de los personajes de los dibujos animados, reproducidas a mano, con la misma técnica de puntos y los mismos colores primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos.
Por ejemplo, Good Morning, Darling; Now, mes petit pour la France o Whamm!, donde la técnica del cómic aparece mucho más remarcada con la inclusión de la característica onomatopeya.
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Richard Hamilton
Es uno de los pioneros del Pop Art británico y su collage titulado ¿Qué es lo que hace de los hogares de hoy en día tan diferentes, tan divertidos?, ha sido considerado la primera obra del Arte Pop.
Es un collage fotográfico que ataca directamente a la sociedad de consumo, al culto al cuerpo, al erotismo, a la publicidad y a la tecnología doméstica que intentan disimular una sociedad vacía de contenido y que tan sólo elogia lo superficial y la apariencia. Introduce ya elementos típicos como el televisor, el magnetófono o el póster de una viñeta de cómi
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POP ART
El Arte Pop fue un movimiento que surge a finales de la década de 1950 en Inglaterra y Estados Unidos como reacción artística ante el Expresionismo Abstracto, al que consideraban vacío y elitista. Se caracteriza por el empleo de imágenes y temas tomados de la sociedad de consumo y de la comunicación de masas y los aplican al arte.
El Arte Pop utiliza imágenes conocidas con un sentido diferente para lograr una postura estética o alcanzar una postura crítica de la sociedad de consumo. Como su propio nombre indica "Arte Popular", toma del pueblo los intereses y la temática.
El Pop es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura caracterizada por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie. Se sirve de los objetos industriales, de los carteles, de los artículos de consumo comercial. Describía lo que hasta entonces había sido considerado indigno para el arte: la publicidad, las ilustraciones de revistas, los muebles de serie, los vestidos, las latas de conservas, los "hot-dogs", botellas de coca-cola, etc. Esto se lleva al arte, surgiendo un estilo desnudo y mecanizado, de series reproducidas que enlaza directamente con el mundo de la publicidad.
El tamaño de las obras será cada vez más espectacular, se amplían los motivos y pasan a primer plano o se multiplican a lo largo de la superficie pictórica. La expresividad queda desplazada a un segundo plano, siendo un estilo impersonal que retrata su contemporaneidad con sutil conformismo.
El Arte Pop fue apreciado y aprobado por el público gracias a sus formas fáciles y divertidas y a sus contenidos, que podían ser captados sin dificultad. Al espectador le gustaba reconocer objetos corrientes en los cuadros porque así se ahorraban el esfuerzo que representaba la interpretación de las obras del expresionismo abstracto, pero no comprendieron su carga de ironía y de ambigüedad
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