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PONGO en Madrid. Miércoles, 6 de mayo a las 20:30.

Entradas anticipadas a la venta próximamente.

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La cantante y rapera Pongolove –así conocida cuando formada parte de la banda de música electrónica Buraka Som Sistema– ahora roza la gloria con el breve nombre de Pongo, que es sinónimo de la última música negroafricana. La chica viene de Lisboa, pero con su ineludible conexión angoleña de sangre y nacimiento, abrazada a una música altamente vital, en donde destaca esa increíble mezcla del kuduro y el dancehall con un poco de EDM, rhythm & blues y funk.

Todo en ella es una fiesta, escénica y musical, cuya última expresión hoy se entrega en un disco necesario, Tambulaya, que será argumento principal de su visita a Conde Duque, con todo el poder del ritmo en vivo, con sus colores, aromas y movimientos, pues Pongo también entiende el baile como parte esencial de su canción. O como ella explica a su manera: “Bailar es más que un acto reflejo, es una respuesta, una contestación a un clima adverso capaz de unificar a la gente bajo una misma fuerza común”.

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CRAIG LEON & CASSELL WEBB (RVNG Intl, UK). Miércoles, 4 de marzo a las 20:30.

Entradas anticipadas a la venta (13€)

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Productor, arreglista y compositor icónico dentro de la vanguardia electrónica, autor de álbumes imprescindibles hoy de culto como "Nommos", Craig Leon se asoma muchas veces a le memoria musical excelsa del gran público por su decisiva aportación al lanzamiento de bandas como The Ramones, Suicide, Talking Heads y Blondie. O de artistas y formaciones igualmente protagónicas del universo clásico, caso de Luciano Pavarotti, Joshua Bell o incluso la London Symphony Orchestra. No obstante, la incidencia de Leon como creador descubre poderosas razones y argumentos, caso del mencionado “Nommos” de 1981, una obra totalmente avanzada a su tiempo y con audaces reflexiones sonoras que al año siguiente continuaron con “Visiting”; hoy ambos títulos son pieza de coleccionista. Ya en fechas más recientes cuenta con otros igualmente visionarios álbumes, como el interesantísimo “Bach to Moog: A Realisation for Electronics and Orchestra” para Sonny Classic, o la serie “The Canon: The Anthology of Interplanetary Folk Music”, que incluye dos volúmenes. En su visita a Conde Duque vendrá acompañado de una de sus colaboradoras más habituales y cómplices, la cantante y también productora Cassell Webb.

Te lo trae Giradiscos.

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ASMÂA HAMZAOUI & BNAT TIMBOUKTOU Ajabú!, Marruecos Miércoles 26 de Febrero a las 20.30h en Casa Árabe, Madrid

Anticipadas a la venta en casaarabe.es

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La maestra del guembri marroquí Asmâa Hamzaoui y su banda Bnat Timbouktou acaban de publicar su primer LP Oulad Ighaba.  Asmâa nació en Casablanca, tiene 22 años, y los que saben dicen que la primera mujer en tocar profesionalmente el guembri, ancestro africano del bajo e instrumento emblemático del folklore magrebí. Tan importantes y sagrados son los instrumentos en el gnawa que cada maâlem (maestro) transmite este título honorífico legando su guembria un discípulo, que entonces queda investido como tal. Esta es la otra parte de la historia que hace de Asmaa una maâlema: su padre, Mâalem Rachid Hamzaoui, la llevó a tocar con él a un festival, cuando ella tenía 12 años, y tras ese concierto bautismal decidió legarle su propio guembri y, en él, su título.

Te lo trae Giradiscos y Casa Árabe

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MOON DUO presentan The Lightship Martes 17 de Marzo a las 20.30h en Conde Duque, Madrid

Anticipadas a la venta proximamente

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Stars Are The Light muestra la cara más bailable de Moon Duo. La característica guitarra de Ripley Johnson (líder de Wooden Shjips) muestra su lado más lánguido y refinado, dando protagonismo a los sintes de Sanae Yamada, creando una percusividad espaciosa que invita al cuerpo a moverse al son de sus ritmos hipnóticos.

Producido por Sonic Boom en la sierra de Sintra - a la que los romanos llamaban "las montañas de la luna"- el exuberante paisaje y las poderosas energías lunares de la zona ejercen una fuerte influencia en el ambiente y las texturas del disco.

Te lo trae Giradiscos y Suena Conde Duque

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PERE UBU The Long Goodbye Tour  Jueves 16 de Enero a las 20.30h en Conde Duque, Madrid 

Anticipadas: €15 general / €13 reducida en Conde Duque 

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The Long Goodbye, el nuevo disco de Pere Ubu, es el final del camino. David Thomas lleva años hablando de su búsqueda de la Satisfied City (Ciudad Satisfecha) y parece - si no se trata de otra de sus bromas - que ha llegado el momento. Titulado como la novela de Raymond Chandler, el disco fue editado el pasado mes de Julio por Cherry Red y descrito por Rolling Stone como 'electro-garage'. David Thomas (voz), Gagarin (sintes y cajas de ritmo), Keith Moliné (guitarra) y el legendario Chris Cutler (Henry Cow, Art Bears) a la batería repasaran el disco junto con clásicos de su extenso catálogo. Y avisamos, como ya es costumbre en sus conciertos, 'expect the unexpected' (espera lo inesperado).

Además, el día anterior (miércoles), David Thomas y Chris Cutler ofrecerán un taller de improvisación de entrada libre, en el que invitaran a los músicos asistentes a tocar con ellos y descubrir los secretos de la improvisación en el contexto del rock experimental.

Te lo trae Giradiscos y Suena Conde Duque

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SESSA Light in the Attic, Brasil Jueves 16 de Abril a las 20.30h en Café Berlín, Madrid

Anticipada: €15 + gastos en Mutick y en Dice.fm; taquilla: €18

En su primer disco en solitario, Sessa apunta nuevas direcciones dentro de la música brasileña moderna. Acompañado en directo por un coro de acompañamiento 100% femenino y percusiones afro-brasileñas, el resultado es de una belleza cautivadora.

audio video web Grandeza es el brillante debut en solitario del artista brasileño Sessa, que el sabio equipo de Light in the Attic ha definido como "alucinantes vibraciones brasileñas modernas... que tocan el jazz cósmico, la psicodelia y la tropicalia". Canta en portugués, con letras sexuales y viscerales en la línea de Caetano Veloso y florituras melódicas que recuerdan a Tom Jobim o Arthur Verocai. La novedad, sin embargo, es un deliberado tratamiento minimalista poco común en la música brasileña contemporánea que entronca directamente con la desnudez de Leonard Cohen. Sus directos son ya material de leyenda en su Brasil natal, acompañado por un coro de acompañamiento 100% femenino y percusiones afro-brasileñas. Mientras la música trata temas como la sensualidad del cuerpo y la transcendencia espiritual, la música apunta hacia nuevas y más sutiles direcciones del pop global en 2019 - un uso profundo, minimalista y casi insinuado de las infinitas texturas y ritmos que definen la historia de la composición musical carioca, a la que ahora se une Sessa como una de las nuevas y más prometedores voces.

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RUSSIAN CIRCLES TORCHE  Sábado 21 de Marzo a las 19.30h en Sala Copérnico, Madrid 

Anticipadas: €25 + gastos en Mutick y en Dice.fm; taquilla: €30

RUSSIAN CIRCLES Sargent House, USA

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Russian Circles bautizaron como ‘Guidance’ a su disco de 2016 en referencia a la incertidumbre sobre el futuro, un título apropiado para aquellos días - unos meses antes de las tumultuosas elecciones presidenciales americanas – pero en realidad era más una referencia a la falta de planes mientras se adentraban en su segunda década como grupo que un comentario social. Si había una reflexión acerca de su dirección como formación musical o dudas individuales sobre seguir faenando como artistas underground, los 3 años de implacables giras de presentación del disco sirvieron para reforzar el esfuerzo hercúleo de los 3 miembros del grupo. Con su nuevo ‘Blood Year’, Russian Circles abandonan las encruzijadas sonicas de discos como ‘Guidance’ y ‘Memorial’ para ofrecer la colección de canciones más directa y poderosa de su carrera.

Con Mike Sullivan, Dave Turncrantz y Brian Cook viviendo en diferentes ciudades, Russian Circles siempre han trabajado uniendo fragmentos y grabaciones caseras en producciones de estudio meticulosas y ricas en texturas, pero tras 7 giras por USA y 5 por Europa presentando ‘Guidance’, el trio hizo un esfuerzo por componer ‘Blood Year’ con la misma atmósfera orgánica de un directo. En una era en la que los discos de rock a menudo se diseñan sobre una cuadrícula computerizada, Russian Circles decidieron grabar las bases de sus nuevas canciones juntos en una misma habitación - la de los míticos Electrical Audio de Steve Albini - en tomas completas y sin claqueta.

Si ‘Guidance’ pretendía ser una exploración de caminos divergentes, el nuevo disco es una decidida declaración de autoridad. Manteniendo la destreza, las técnicas polifacéticas y las composiciones dramáticas que han sido marca de la casa desde el primer día, ‘Blood Year’ se centra en los aspectos más poderosos del repertorio del grupo.

TORCHE Relapse, Usa

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Tras 15 años de carrera, Torche se han consolidado como una de las piezas angulares del heavy rock americano. Su esperadísimo nuevo album, 'Admission', nos muestra una banda que sigue expandiendo sus temáticas y habilidades compositivas, las mismas que siempre han reverberado con sus fans a lo largo de su aclamada obra discográfica. Todo sobre 'Admission' apunta a una elevación. El trabajo de guitarras es una inacabable colección de riffs frescos y potentes, con un amplio rango de texturas profundas que se demuestran más versátiles y aplastantes que nunca. Las inolvidables harmonías vocales del grupo se apoyan en una sensibilidad pop que propulsa su música a nuevas cotas. Canciones como 'Slide', 'Times Missing' o la monumental 'Admission' que da título al disco son buenos ejemplos de estos elementos, dando lugar a uno de los discos más cautivadores del 2019. 'Admission' es una auténtica triunfada que sirve para impulsar a Torche hacia el próximo capítulo de su ya inimitable carrera.

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DREW MCDOWALL (COIL) presenta ‘Time Machines’ Jueves 28 de Noviembre a las 20.30h en Independance (Atocha 127), Madrid

Anticipadas: €12 + gastos en Mutick; taquilla: €15

La persistencia lo es todo. Eso decían las “máquinas del tiempo” que desarrollaron los legendarios Coil en 1998. Por entonces, el escocés Drew McDowall había entrado en los planes de la mítica pareja formada por Balance y Sleazy, precursores de una lírica endiablada surgida de los escombros del apocalipsis industrial que desataron Throbbing Gristle. La música de aquel disco (“Time Machines”) ya había superado con creces aquel escenario devastado y a su vez proponía un viaje distinto: abandonar cualquier emoción al moverse por el tiempo sentado en una sola nota musical. La percepción del viajero condicionará la travesía, aunque siempre sometida a esa absoluta insistencia. Insistencia en mantener esa nota como misión en la vida. Persistencia en plantearnos el mismo viaje veintiún años después. Como si las Time Machines jamás hubiesen descansado de sí mismas. Drew McDowall las mantiene a pleno rendimiento.

'Time Machines' es uno de los discos de drone más influyentes de los últimos tiempos: sintetizadores modulares e influencias de la música tibetana que buscan crear sensaciones alucinógenas e inducir al trance.

Drew McDowall se unió a Coil en los 90 y fue fundamental en el desarrollo del nuevo sonido del grupo, dejando atrás el avant-pop industrial de sus inicios para mirar hacia sonidos más complejos y abstractos. Anteriormente colaboró con Psychic TV y formó parte del movimiento post industrial inglés con el grupo punk The Poems.

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MOOR MOTHER CRUHDA Viernes 15 de Noviembre a las 21.30h en Siroco, Madrid. 

Anticipadas: €15 + gastos en Mutick; taquilla: €18 

El 8 de Noviembre sale a la venta Analog Fluids of Sonic Black Holes, el nuevo trabajo de la artista, poeta y activista de Filadelfia Moor Mother, del que ya se pueden escuchar 3 adelantos.

MOOR MOTHER Don Giovanni, USA

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Moor Mother es Camae Ayewa, escritora, poeta, activista de género, profesora y músico de Filadelfia. Su narrativa afrofuturista, a caballo entre lo moderno y lo ancestral, tiene como base una electrónica disonante, fragmentada e incómoda, que opera en los límites del spoken-word, el rap, el punk y el free jazz. Tras los aclamados Fetish Bones (2016) y The Motionless Present (2017), documentos vitales sobre el devenir de la cultura negra a través de siglos de opresión institucional, publica en estos días Analog Fluids of Sonic Black Holes (Don Giovanni, 2019). Artista comprometida, está detrás del colectivo Black Quantum Futurism, Rockers! Philly, serie de eventos protagonizados por artistas marginalizados, proyectos como Zonal (Justin Broadrick y Kevin Martin aka The Bug), Irreversible Entanglements, 700 Bliss (junto a Dj Haram) y colaboraciones con el Art Ensemble of Chicago.

CRUHDA Madrid

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Hasta los 18, Cruhda se las pasó en Meco tocando el clarinete en la banda municipal del pueblo pasodobles, marchas y temazos como Amparito Roca o La Madrugá. Esto explica muchas cosas. Por otra parte, desde los 5 años desarrolla un entendimiento y conexión con la muerte y todos sus muertos muy especial. Esto también explica mucha cosas.

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JAVIER DÍEZ ENA presenta Theremonial II, more dark, exotic & danceable theremin music  Jueves 14 de Noviembre a las 20h en la sala 2 del Palacio de la Prensa, Madrid. 

Anticipadas: €10 + gastos en Mutick; taquilla: €14 

Javier Díez Ena vuelve a la carga con Theremonial 2, que edita Beat Generation el próximo 11 de Noviembre. La presentación en Madrid será en la sala 2 del Palacio de la Prensa y contará con los visuales de Corazón de Helfta. audio video web Un concierto de música de theremin oscura, exótica y bailable. 100 años después de su creación, el theremin ya no es un instrumento solista. En manos de Javier Diez Ena se expande, se multiplica! Adopta todos los roles de una banda completa propulsada por sonoridades de ayer y de hoy. El concierto “Theremonial II, More Dark, Exotic & Danceable Theremin Music” es la traslación al directo del disco del mismo título, creado bajo idénticos parámetros, todo lo que suena es theremin, multiplicado en todas las direcciones imaginables. La ambivalencia “oscuro y exótico” a la que hace referencia el subtítulo “Dark & Exotic” explica el amplio espectro estilístico y estético del que se nutren las composiciones: encarnado especialmente en los dos extremos que podrían ser la Exótica y el Space Age Pop y la música industrial pasando por la influencia de genios de la protoelectrónica como Raymond Scott, Jean Jacques Perrey o Tom Dissevelt. No en vano el theremin es considerado el antepasado directo de todos los sintetizadores. Pero en este disco se amplía la influencia formas de electrónica más modernas. Y aquí entra en juego ese nuevo ingrediente (“danceable”), sus posibilidades como generador de ritmos es algo nunca imaginado antes para este instrumento. Gracias a la grabación de bucles, a la alteración de su timbre y al procesamiento del mismo a través de herramientas habituales en la electrónica moderna (como los beat repeats o los pedales de glitch) el viejo theremin sintoniza por fin con el s. XXI con nuevos efectos en la audiencia, ya no solo provoca el levantamiento de cejas sino también el movimiento de los pies. La parte visual es una creación de la artista Corazón de Helfta (antes conocida comoEl Problema) especializada en el collage y en la superposición de elementos antagónicos que refuerzan la sensación de viaje sensorial que ya apunta la música. Todo lo que suena está creado por el theremin y éste se libera de su papel exclusivamente solista para adoptar múltiples roles como generador de ritmos, texturas, armonías y por supuesto melodías. Esto es posible gracias a la utilización de múltiples pedales de efectos y la superposición de capas grabadas en riguroso directo con una loopstation o pedalera de loops (bucles). De esta manera el timbre del theremin viaja de lo reconocible a lo inaudito desplegándose en un concepto de orquestina mutante y sorprendente, llegando a desplegarse unas posibilidades nunca imaginadas para este instrumento. El theremin es el instrumento electrónico más antiguo que ha llegado hasta nuestros días. Se cumplen ahora 100 años desde su aparición. Fue inventado en 1919 por el científico y músico ruso Lev Sergevich Termen (aka Leon Theremin). Es el único instrumento que se toca sin tocar, simplemente moviendo las manos en el aire alrededor de las dos antenas de las que consta, en torno a las cuales hay creado un campo electromagnético cuya alteración varía el tono generado por los dos osciladores que hay en el interior del instrumento. A pesar de haber sido concebido como instrumento musical y haber sido utilizado como tal su sonido ululante también se ha empleado en numerosas películas y suele ser asociado a la ambientación de cualquier escena que requiera de un componente paranormal. La particularidad de su modus operandi lo convierten en uno de los instrumentos de más difícil ejecución.

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NIHILOXICA live + djs TOPANGA KIDDO & DAVID G. BALASCH Sábado 9 de Noviembre a las 00h en Siroco, Madrid

Anticipadas: €12 + gastos en Mutick; taquilla: €14. La entrada incluye consumición

NIHILOXICA Nyege Nyege Tapes, Uganda

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Nihiloxica hunde sus raíces en la fuerza de la antigua tradición de percusión del reino de Buganda y la vierte en la pista de baile a través de una lente oscura y una sensibilidad tecnológica contemporánea.

Todo comenzó con el Nilotika Cultural Ensemble, un combo bugandés que proporcionaba una salida para los jóvenes de Kampala, transmitiéndoles prácticas espirituales y musicales a comunidades desfavorecidas de la ciudad. El Ensemble comenzó a actuar en unas noches de la floreciente escena electrónica de Kampala llamadas Boutiq Electroniq, en el embrionario Club Nyege. Los djs pinchaban pistas electrónicas y Nilotika improvisaban en directo.

En 2017, el bateria de jazz y productor Spooky-j y el músico e ingeniero de sonido Pq fueron a Kampala para escribir, ensayar y grabar un conjunto de directos que se convertirían en el EP debut del grupo, Nihiloxica, publicado con rotundo éxito de crítica por Nyege Nyege Tapes, uno de los sellos más excitantes de los últimos años que ha sido aupado a estatus de culto gracias al apoyo del festival y su correspondiente exposición al público europeo.

Mientras que la música de Uganda a menudo transita por el lado más feliz de la vida, Nihiloxica invoca los tambores de Buganda, los envía al inframundo y nos los devuelve en un proyecto en vivo diseñado para alcanzar el estado de trance creado por grupos de percusión indígenas y fusionarlo con la música del club europea diseñada para alcanzar exactamente los mismos objetivos.

TOPANGA KIDDO Brrrrrap Mónica Franco (AKA Topanga Kiddo) es dealer y digger musical desde que funciona su memoria. Su apego por la electrónica, la música negra y la world music se aprecia desde sus principios en diferentes medios (Ràdio 4, Rocket Magazine, CaraB Mag, PlayGround Mag, GoMag, Beatburguer…). Comparte el momentum nacional electrónico con los miembros de Brrrrrap, colectivo al que se unirá en 2012 y con el que lleva siete años tratando de encontrar los sonidos de las pistas de baile del futuro.

DAVID G. BALASCH Passat Continu

David G. Balasch cuenta con una amplia trayectoria como DJ a sus espaldas. Responsable uno de los blogs de referencia sobre música de baile, Tower Of Meaning, ha colaborado con Red Bull Music Academy y Primavera Sound y atesora una envidiable colección de vinilos. Desde 2017 es una de las cabezas pensantes de Passat Continu, el sello hermano de Modern Obscure Musicque se dedica a las reediciones y a la recuperación de piezas de artistas que han quedado olvidados por el paso del tiempo.

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KHANA BIERBOOD GuruGuru Brain, Tailandia Martes 5 de Noviembre a las 21h en Fun House, Madrid

Anticipadas: €12 + gastos en Mutick; taquilla: €15

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En su último trabajo, Khana Bierbood se llaman a sí mismos Strangers from the Far East, pero hay algo extrañamente familiar en el disco de debut del quinteto tailandés. Su mezcla con tintes lo-fi de garage rock, surf, sergioleonismo y pop psicodélico reclama un espacio propio en el circuito del rock de inspiración 60's y 70's. Al mismo tiempo, los tailandeses utilizan algunas de sus influencias tradicionales nativas como elemento distintivo e ilustrativo del cómo y dónde, dando por resultado una contagiosa mezcla de lisergia californiana, selva asiática y spaghetti western. El quinteto se sirve del sonido vaporoso de los teclados además de unas escalas de guitarra fuera de la normativa occidental.

Aunque sea el maridaje entre oriente y occidente seguramente lo primero que salte a la vista, Strangers from the Far East es un sólido primer disco construido entorno a sonidos psicodélicos. Gob Yutthana (voz y guitarra), Jay Rathchanon (bajo y vocales), Ohm Chanutpong (batería), Peep Sirimit (percusión y teclados) y Mo Kittinan (guitarra) llevaban siete años tocando sin apenas haber grabado hasta su fichaje por Guruguru Brain, sello con base en Amsterdam con un catálogo trufado en estimulantes y exóticos discos.

Producido por Go Kurosawa de Kikagaku Moyo en los estudios Tsubame de Tokyo, Strangers from the Far East aprueba con nota en su empeño por amasar aproximaciones al surf y garage rock, determinado en la ejecución y con un buen sentido de estructura en la grabación. Este será su primer paso peninsular.

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HALEY FOHR DE CIRCUIT DES YEUX: SALOMÉ  Martes 15 de Octubre a las 20:30h en Conde Duque, Madrid 

Anticipadas: €10 en Conde Duque; taquilla: €12 

La icónica ‘Salomé’ (1923) recibe un nuevo tratamiento sonoro a cargo de Haley Fohr de Circuit des Yeux - comparada con Nina Simone, Nico e incluso Scott Walker - en un proyecto comisariado por Opera North (Leeds) en el que aporta un contexto contemporáneo y un discurso más feminista a la controvertida cinta dirigida por Charles Bryant y basada en una obra de Oscar Wilde.

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La trama ha servido de inspiración a emocionantes piezas musicales, la más notable la opera de Strauss del mismo nombre, que supo ver en el texto de Wilde un shock de modernidad. Como Strauss, Fohr encuentra una resonancia contemporánea en la sensualidad y la violencia que destila Salomé, y lo convierte en un espejo sonoro de nuestro tiempo.

Aunque hoy en día es considerada un clásico, la adaptación cinematográfica de Salomé fue notablemente menos exitosa cuando se estrenó - en parte por los supuestos excesos tras bambalinas de la protagonista y productora Alla Nazimova. En décadas recientes, su combinación de Art Nouveau, modernismo y glamour de la era dorada de Hollywood han contribuido a su creciente reconocimiento como extraña gema y pieza angular de la cultura gay.

“Compuse esta partitura con una versión de la película sin intertítulos, y por eso creo que debe ser proyectada de esa manera. Puede que sea una petición un poco atrevida, pero silenciando la conversación pienso que pronto brota una nueva historia en su lugar, y la partitura la compuse tanto para esa historia alternativa como para la propia película.

Salomé, la película muda de 1923 protagonizada por Alla Nazimova, fue adaptada de una obra de Oscar Wilde. La representación de su guión original fue prohibida y considerada como una interpretación demasiado arriesgada de la historia bíblica que la inspiró. Inicialmente encontré que su argumento estaba sumamente anticuado y plagado de estereotipos. Salomé es una persona convertida en objeto, despojada de su nombre (que bíblicamente significa "hijastra de Herodes"), y tachada de hembra peligrosa y seductora en la mitología cristiana. "Femme fatale" es una metáfora mezquina y pasada de moda usada por la industria del entretenimiento, confundida en sus orígenes con un paso adelante en el empoderamiento de la mujer ¡pero eso fue a principios del siglo pasado! ¡Es una escena del pasado, escenificada en el futuro! El diseño escénico moderno y avant garde (diseñado con gusto por la propia Nazimova) es una síntesis poderosa de su absurdidad conceptual. Se presta a la tendencia natural a encontrar la utilidad de esta pieza en nuestro mundo contemporáneo. En esta era de desmembramiento de la misoginia yo pido que utilicemos esta película histórica y la re-contextualicemos como un nuevo tipo de sátira - una que representa la (otra) psyche de la mujer moderna en su tránsito por el traicionero laberinto que va de la inocencia (pureza) a la madurez femenina (sabiduría).

Es esta una historia sobre una mujer que, aunque anhela ser escuchada, está privada del camino a la verdad. Cuando veo cómo Salomé necesita a Juan Bautista, veo a una mujer que necesita ser comprendida, no deseada. Cuando veo a Salomé bailando la danza de los siete velos - un acto al que toda mujer es sometida en algún momento de su vida - yo veo a una mujer usando la única herramienta de la que puede echar mano, la mirada masculina. Cuando veo a Salomé pedir la cabeza de Juan Bautista, veo a una mujer suicidándose socialmente gracias a un poderoso acto de anarquía en el que reniega del mundo en el que vive. Un mundo que no le escucha y del que no puede formar parte.

El final de la película me deja profundamente triste. La muerte y la destrucción mostradas son un espejo del mundo actual, producto de nuestras acciones. Dejadnos silenciar estos diálogos unilaterales, este bucle de respuestas que deja al resto impotentes y sin recursos. Ha llegado la hora de escuchar la historia de otras, incluso si es en idiomas que aún no entendemos. Porque donde no hay verdad, no puede haber amor, y donde no hay amor, no puede haber paz.”

Haley Fohr

Te lo trae Giradiscos y Suena Conde Duque

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El Palacio de Cibeles cumple 100 años en 2019. Exposiciones, conciertos y otras actividades han desgranado un programa que ha acompañado la efeméride del edificio a lo largo del año. Durante estos meses ha quedado patente algo ya sabido: lo importante que el Palacio de Cibeles es para los madrileños. Por ello, el broche final a las celebraciones tiene que ser el más festivo, gozoso y popular que concibe una ciudad como la nuestra: una verbena.

Todo Madrid queda invitado a compartir tres días de fiesta que celebre no sólo el cumpleaños del Palacio, sino que nos permita proyectar una mirada lúdica y divertida sobre lo imaginado, lo soñado y lo alcanzado, pero también sobre la posibilidad de lo inimaginable en estos cien años en nuestra ciudad.

Miraremos hacia atrás para convocar a la música, la gastronomía, las personas, la cultura, la actividad de aquel Madrid que vio nacer al Palacio de Cibeles; pero, como otra forma de encarnar las promesas de aquellos años, lo haremos desde nuestros días. Así, nuestra verbena se verá atravesada por una continua banda sonora que contará con los aires frescos y desinhibidos del cuplé de Glòria Ribera y Laura Inclán; con los sones renovados de más allá del atlántico que proponen Candeleros o Los Pirañas; con el espíritu aventurero y los ecos polinesios y tropicales, psicofonías orientales y rumores espaciales de L’Exotighost; con las propuestas híbridas que, desde África, aportan al jazz o al pop Nadah el Shazy o Idris Ackamoor; o la interpretación desenfada y heterodoxa que hacen sobre la música clásica Patricia Escudero & Luis Delgado o L’Ocelle Mare. Charangas y DJs invitarán a compartir los espacios a través del baile.

Hay una evocación de la ciudad en su tradición gastronómica; sus aromas y sus sabores llenarán los espacios de la Galería de Cristal de la mano de la Asociación de Restaurantes y Tabernas Centenarios de Madrid y de Mahou.

Del mismo modo, hay una identidad asociada a los rincones y las gentes de Madrid, como se encargarán de mostrarnos las ilustraciones de Álvaro Bernís, Begoña García-Alén, Elena Éper, Javier Lozano, Joaquín Secall, Luis Pérez Calvo, Luis Yang, María Melero y Roberta Vázquez.

Y también hablamos de memoria al recordar una primera vanguardia artística que alumbró aquel Madrid y que se expresará en nuestra verbena a través del color, en una llamada a la imaginación que también atravesará un buen número de actividades abiertas a todos los públicos. Serán aquella y la ilusión las que nos harán girar en un carrusel, y correr en una pista de coches de choque, y volar en un dirigible, y saludar desde el centro de una pista de circo o ser protagonista de tu propia película.

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MINAMI DEUTSCH GuruGuru Brain, Japón Jueves 19 de Septiembre a las 21h en Fun House, Madrid Anticipadas: €12 + gastos en Mutick; Taquilla: €15

audio video web En apenas un par de años, el sello de Tokio GuruGuru Brain, fundado por miembros Kikagaku Moyo, se las ha apañado para hacer lo que muchos sellos locales independientes han afrontado como un reto: brillar en el underground asiático y empezar a generar interés por algunos artistas locales a nivel internacional.

Esto no se debe ni a una inteligente estrategia de marketing ni a sus contactos, simplemente ha sido porque la música que han escogido para publicar ha sido buena -muy buena- y han sido capaces de encontrar demanda para ella mientras se difundía la palabra fuera de la isla.

La cuarta publicación de GuruGuru Brain fue un LP debut de sus amigos (y, aparentemente, compañeros de piso) Minami Deutsch, con Kyotaro Mula liderando el cotarro. Editado por Captcha en los EEUU y Cardinal Fuzz en Europa, resulta una escucha esencial para los amantes del motorik de los 70, el la línea de Neu!, Harmonia y Kraftwerk.

Su nuevo álbum titulado With Dim Light sigue expandiendo la destreza y lenguaje de estos auto-denominados "repetition freaks" un conjunto de canciones en el que incorporan guiños al post-punk y rock psicodélico de los años 60, demostrando que están dispuestos a ampliar sus límites musicales conservando su gran capacidad de escribir canciones y alargarlas en el tiempo y el espacio.

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TONY ALLEN & JEFF MILLS LES FILLES DE ILLIGHADAD + DAMIAN SCHWARTZ Jueves 7 de Agosto a las 21h en Matadero, Madrid

Entrada libre hasta completar aforo

Dos de los mayores maestros vivos del ritmo, ni más ni menos que el percusionista nigeriano Tony Allen, considerado por muchos como el padre del afrobeat, y el estadounidense Jeff Mills, considerado por muchos como el padre del tecno, se encontraron por primera vez en un escenario en París en 2012. Desde entonces, cada vez que se encuentran llegan a unos límites insospechados de sinergia, donde reina la improvisación, la creatividad y el instinto. Ambos lo reconocen como algo extraordinario. Dos titanes en un concierto en el que lo digital y lo analógico, lo orgánico y lo sintético se convierten en una sola cosa.

Tan prometedora cita merece un apetitoso aperitivo, que parece pensado para la ocasión: un concierto previo de Les Filles de Illighadad, grupo musical de folk africano contemporáneo compuesto por mujeres nigerinas, junto con el productor y DJ de música electrónica Damian Schwartz, fruto de su trabajo conjunto en una residencia artística en Matadero Madrid.

En colaboración con Matadero Madrid - Centro de Creación Contemporánea, el Centro de residencias artísticas de Matadero Madrid y con el apoyo de AECID.

La representación de los conciertos se desarrolla en el marco de la actividad cultural Veranos de la Villa 2019, organizada por el Ayuntamiento de Madrid

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Electro-Queer: LOTIC + FAKA + DJ HARAM Domingo 7 de Julio en Matadero Madrid entrada libre hasta completar aforo

Coincidiendo con la celebración del Orgullo de Madrid, dedicamos una noche a la creación sonora producida desde diferentes perspectivas políticas de género. Tres propuestas musicales de vanguardia en las que la música electrónica y el modo de presentarse en escena se hacen vehículo del activismo social y cultural a favor de la diversidad. LOTIC Tri Angle, Berlin audio video web Lotic es la DJ y productora J’Kerian Morgan, nacida en Houston (Texas) y afincada en Berlín. De ascendencia africana, Lotic se ha creado un personaje con múltiples pliegues desde un posicionamiento intergénero y se ha convertido en uno de los referentes de la electrónica queer, con una producción musical con tantas vertientes e influencias que se hace difícil de etiquetar. FAKA Non World Wide, Sudáfrica audio video web Faka es un colectivo de músicos, performers y activistas sudafricanos creado por Fela Gucci y Desire Marea. Este dúo intenta redefinir y visibilizar la cultura e identidad LGBT en la Sudáfrica actual. Musicalmente presentan una fusión entre el folklore de reminiscencias religiosas y las tendencias electrónicas más innovadoras de su país, lo que se ha llamado gqom, un género de música house africana nacido en las calles de la ciudad de Durban. DJ HARAM Hyperdub, USA audio video web DJ Haram es una productora y DJ de Nueva Jersey, actualmente con sede en Filadelfia. Forma parte de Discwoman, plataforma de artistas que lucha por el empoderamiento femenino en el mundo de la música electrónica. Intenta expandir los límites de la música de club con una actitud experimental y rinde homenaje a sus orígenes integrando en sus mezclas la música de baile de Oriente Medio. Su primer EP, Grace, lo publica hoy mismo Hyperdub.

La representación de los conciertos se desarrolla en el marco de la actividad cultural Veranos de la Villa 2019, organizada por el Ayuntamiento de Madrid