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Lana del Rey

Si hay alguien que no podía faltar en mi lista de artistas es ella, Lana del Rey. Elizabeth Grant alias Lana del Rey es una artista estadounidense que salto a la fama después de irrumpir en el mundo de la música con su tema Video Games, una canción que rompió con los temas que estaban en reproducción, que venia a traer un poco de aire fresco al mundo del pop y rock alternativo. El vídeo de esta canción fue creado por la artista con filmaciones propias de su pagina web y un compilado de videos de archivo. La repercusión fue tal que al poco tiempo sus producciones fueron haciéndose paso en canales de música, series de televisión y películas. 

Más allá del éxito y la repercusión de su construcción musical, la artista tiene u trasfondo que le permite escribir, para algunos, desde un lugar un tanto oscuro. La artista se enfrento al alcoholismo desde los 15 años lo cual la llevó a tener que rehabilitarse y enfrentar esa situación en una institución. Según comenta en varias entrevistas, muchas de las canciones que escribe están arraigadas en sentimientos o situaciones de aquellas épocas. También resulta significativa en su construcción musical que su tío le enseñara a tocar la guitarra y su paso por la universidad donde estudió negocios y se graduó de filosofía. Su interés por la metafísica es una variante que atraviesa su composición y las temáticas troncales de sus canciones.  

El estilo de composición de Lana del Rey se encuentra en una mistura de genero que abarcan desde el rock mas indie, el pop hasta algunas variantes del hip hop, especialmente en los temas de su álbum Born to Die, rasgos que se evidencian en su forma de rimar y combinar frases. La mixtura no solo se encuentra en sus ritmos sino también en el contenido de sus letras; como estudiante de filosofía y con intereses como la metafísica sus temas hablan principalmente de su vida, de sus vivencias contadas desde una perspectiva un tanto oscura ambientadas en el calor de California, los días soleados y el verano. Si se analizan las letras hay muchas referencias de California, el verano y una asociación de este con la libertad. (California, West Cost, Coachella)

Entre los temas que me parecen mas emblemáticos de la artista podemos escuchar: Video Games, Born to Die, Young and Beautiful, el controversial Ultraviolence, covers como Summertime Sadness o Doin` Time,  Get Free, Groupie Love, entre otros. (No quiero spoilear la playlist).

Mas allá de la controversia con respecto a la artista, me parece que hay mucho para indagar de esta artista, no solo por lo disruptivo de su sonido y composición, sino del crecimiento que ha tenido como artista y persona. Considero que hay que estar atento a las novedades, màs allà de que mi opinión es totalmente parcial hay cuestiones de su profesionalidad que no deberían ser pasadas por alto, como tampoco la asociación de artistas y colaboradores con los que trabaja. 

The saddest baddest diva of rock como la denomino la revista Rolling Stone se encuentra planeando su próximo disco que hará su aparición esté 2020, sin fecha precisa aún. 

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Mansionair

El trío tiene sus orígenes en 2014. Si bien desde entonces han pasado muchos años sus producciones han sido creadas con mucho tiempo, dedicación y esfuerzo. Desde entonces han creado varios singles, los cuales dan cuenta de su crecimiento en cuanto a la conformación de sonido como también a su identidad como músicos. 

Entre los singles que sacó durante estos años, los mismos varían en cuanto a sonidos y temáticas, se puede evidenciar una búsqueda constante de un sonido propio experimentando con tendencias de sonido que fueron apropiándose en pos de cada construcción, hay varias colaboraciones con otros artistas incluso remix que logran contar otras versiones de la misma canción. Más allá de las experimentaciones y las diferentes colaboraciones el grupo siempre se mostro muy cómodo trabajando con sonidos tenues, música tranquila y presencia de algunas percusiones suaves para poder compartir sus producciones. Entre los temas que me gustaron antes de este álbum se encuentran: Pick me up, Hold me Down, durante 2018 se produjeron temas como Violet City, Falling, Easier y technicolor que fueron posteriormente incluidas en su álbum. De los remix de canciones de la banda me gustaron mucho: Wake Up Call, Home y Speak Easy. 

Después de tres años de mucho trabajo, de varias locaciones de grabación y producción, en 2019 lanzan su álbum Shadowboxer compuesto por 16 temas que según los protagonistas tiene como objetivo contar su propia historia en la realización de su primer álbum. Esta producción es el fiel reflejo de su camino personal y artístico, un recorrido de tres años de amores, desamores, rupturas, enfermedades, tiempos felices y algunos un poco más oscuros. 

Según los artistas : “Shadowboxer es sobre ser conscientes que en ocasiones podemos ser nuestro propio oponente, sobre aprender a aceptar nuestras propias sombras, aquellas que tratamos fuertemente de ignorar. Este es un disco que trata sobre decidir elevar la mirada de la oscuridad y reconocer y aceptar la luz que nos moldea”

Personalmente creo que el objetivo de la banda fue cumplido, a medida que vas recorriendo el álbum se puede sentir la progresión de una temática que ancla cada uno de los temas haciendo del viaje un camino tranquilo, un viaje por una autopista a toda velocidad sobre un asfalto perfectamente moldeado. No hay turbulencias, sacudones o disrupciones. Me gustó este álbum para trabajar tranquila, cuando necesitas un poquito de ritmo sin desconcentrarse de la tarea principal. 

Este trió parece estar despegando y se les pronostica un buen futuro en el ámbito musical, veremos más adelante qué se dice de ellos y si mantienen el buen nivel que nos están dando. 

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Cine experimental y Videoarte- conexión con la música y el cambio de sentido.

Este proyecto es parte del final de la electiva “Cultura e Identidad” de mi carrera Licenciatura en Comunicación Social. En este video se pueden ver como se yuxtaponen dos de las cosas que más me gustan del mundo artístico: El Cine y La Música. En este caso a través del cine experimental hice una representación de cómo la experiencia de ver una producción audiovisual puede ser diferente, ya sea por el formato que presenta a nivel estético como también por la disrupción en la narrativa (como lo propone el cine experimental y el videoarte). 

Pienso que la producción audiovisual con su compleja combinación de recursos es un volver a mirar en el tiempo atrapado en aquel artefacto técnico que le permite ser, supeditado a innumerable cantidad de efectos, de intencionalidades, de formas. Nuestra mirada nunca es la misma porque nosotros no somos los mismos tras cada nueva experiencia. Es por ello, que cada vez que volvemos a ver una película nos sorprendemos nuevamente, la vemos de otra forma, poniendo en práctica lo aprendido en experiencias pasadas. Es tan simple como pensar que al hombre le gusta experimentar y desea que cada vez, esa experiencia aunque parezca igual a las anteriores, sea distinta gracias al número infinito de posibilidades. Estas emociones que nos da la experiencia nos las proporciona también la producción audiovisual, además de las posibilidades de conocer otras culturas, otras historias.

Mi idea es poder desarmar lo que ya está dado a nivel visual para poder resignificarlo a través de la incorporación de la música. De esta forma, se crea un nuevo significado que sirve a los propósitos de mi intencionalidad como autora de este collage que hace un breve recorrido sobre algunos de los clásicos del cine vistos desde otra perspectiva. La performance original es diferente pero a los propósitos de demostrar los usos de la imagen y la música con un nuevo significado cumple su propósito.

A modo de conclusión:

La cuestión fundamental es poder poner al cuerpo por fuera de sus determinaciones orgánicas y funcionales, es decir, colocar en primer plano el efecto corporal porque se necesita un momento en el que el sentimiento desborde sus manifestaciones habituales.

 “(…) El contenido propio del cuerpo humano no está definido, aunque la anatomía de las vísceras sea objeto de concepciones detalladas. Es solamente que el cuerpo no tiene interioridad específica, no es sino el soporte de lo que existe. Sus procesos se relacionan con el ser que sostiene, no con su naturaleza propia. Por lo demás, la persona no está definida por sus límites físicos y por su cuerpo, sino por el haz complejo y múltiple de sus relaciones sociales.(…) La persona no se conoce sino mediante esas relaciones sociales, no por su cuerpo. Todo lo que la constituye, comprendidos sus afectos, está puesto por fuera de ella (…)”. 

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Rob Zombie

Robert Bartleh Cummings es músico, director de cine y escritor. Desde muy pequeño se intereso por la música, el cine de clase B y la contracultura. Esta fascinación lo ayudó a convertirse junto con su banda en un referente de la música debido a la tenebrosidad de su estética y sus ritmos. 

La interdisciplinariedad del artista lo ayudó a construir una imagen y estética bien pensada que se concibe desde la música, pasando por una estética caricaturesca y una fuerte incidencia del cine. Su infancia estuvo rodeada de arte, todo el arte que se puede conseguir en un pequeño pueblo de clase baja de Estados Unidos. Sin embargo, en un pueblo sin cine o grandes atracciones, Rob encontró en la televisión y más tarde en la música y en las películas de terror su fuente de inspiración. Junto con su hermano menor, supieron enfrentar el mundo y crecer construyendo un mundo a medida de sus ideas más locas. 

Con el tiempo Rob se dio cuenta de su potencial artístico, aunque muchas veces dudaba de la calidad de su trabajo debido a su fuerte exigencia por conseguir una pieza perfecta. Como gran crítico de sí mismo, también lo es de lo que lo rodea, del ambiente artístico donde se encuentra y la producción de música y cine actual. Esto lo llevo a tener varios roces con colegas y trabajadores del ámbito artístico, sin embargo eso no le impidió llevar a cabo sus fantasías más alocadas. Se propuso construir el mundo que hab��a creado en su cabeza y vivir en el. Es por ello que que tanto sus piezas musicales como las piezas cinematográficas que produce para pantallas o para sus giras tienen un trabajo creativo impresionante, el cual no solo lleva mucho tiempo de producción sino también de dinero. 

El artista siempre se planteó poder vivir en ese mundo imaginado más allá de los grandes lujos que una vida de rockero exitoso puedan darle. Eso también lo llevó a diferenciarse de muchos de sus colegas rockeros que han sido corrompidos por el éxito, las drogas y un estilo de vida bastante extravagante. Por su parte, Rob parece tener los pies sobre la tierra paradójicamente, es un tipo bastante centrado con una idea clara y el ímpetu suficiente para hacer realidad aquello que habita en su cabeza. 

Además de la música, el artista ha dirigido varias películas de cine de terror que tienen ciertos guiños hacia el cine de terror de la década de los 80, el cual considera excepcional. Algunas de las piezas que he visto y recomiendo para los amantes del cine de terror, las temáticas de zombies y una banda sonora espectacular son: The Devil Rejects y los proyectos Hallowen, Hallowen II y Lords of Halem.

Si hay algo que disfruto es cuando las disciplinas artísticas se unen en la conformación de una pieza única e irrepetible repleta de guiños al cine, sentidos y experiencias. Me parece que el proyecto de Rob Zombie es eso y mucho más, vale la pena armarlo y desarmarlo una y otra vez, tal como él lo hace en sus películas con los clásicos que marcaron su infancia y su estética de terror.

Mi Playlist para introducirte a Rob Zombie

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Missio

Es un dúo americano de pop electrónico alternativo (Si es que esa categoría existe) compuesto por Mathew Brue y David Butler formada en 2015. Si bien el proyecto musical siempre se llamó Missio, en 2015 éste estaba formado solo por Mathew, quien invitó a David en 2016 para formar parte oficialmente de la banda.

A partir de sus primero temas como solista (Nostalgia y Darling) Brue supo captar la atención de un público que buscaba un ritmo pegadizo con letras que contaran una historia más parecida a la suya, Con la llegada de Butler al proyecto, los sonidos comenzaron a intensificarse y se creó una estética sonora que de ahora en más identificaría la trayectoria de ambos artistas.

Las letras de sus canciones están basadas en las experiencias de Brue quien a través de la música supo canalizar y superar su adicción a las drogas. En cada una de las letras habla sobre esta experiencia saliendo del lugar común para empatizar con aquellos que están en el lugar que él supo estar. Hablando de lo bueno, de lo malo, de lo divertido y lo desconcertante, la banda toma una problemática compleja y la hace asequible al común de la gente a través de ritmos como el hip hop, la electrónica y el rock. Es por ello que su repertorio musical cuenta con una variación interesante: desde temas con colaboraciones con reconocidos raperos como temas “stripped” en los que quitandose todo accesorio los temas se interpretan con una crudeza que te eriza la piel. temas como Can I exist  Botton of the Deep Blue Sea o Kamikaze logran desentramar todo aquello que Brue parece tener escondido solo para él. Afortunados nosotros que podemos escucharlo después de tanta depuración interna.

Los artistas han creado piezas audiovisuales donde cuenta la historia de sus inicios como artistas y sobre sus historias personales bajo el nombre de Skeletons al igual que varios de sus stripped versions.

Como ambos expresan en las entrevistas, una de las cuestiones que hace que el dúo haya crecido tan rápidamente es debido a la relación que ambos miembros han creado entre sí, la confianza y la entrega que demuestran en cada producción, esa transparencia y vulnerabilidad que demuestran en cada tema se convierte en una herramienta para expresar no solo sus propios sentimientos sino también las luchas y peripecias de muchos de sus fans.

Saliendo de un mensaje puramente positivo y altruista ambos miembros han sido muy claro en relación al motivo de sus temas y la elección de cada uno: hay una búsqueda personal que atraviesa el objetivo general de sus composiciones, el superar día a día sus momentos más oscuros. Brue es bastante sincero: sus producciones han sido una forma de aclarar su cabeza y permitirle distraerse de las adicciones.

Creo que uno de los mensajes más claros que deja la banda es que la autenticidad importa y es exactamente eso lo que los convierte en artistas únicos.  

Si de nombrar favoritos se trata, creo que su último disco es excelente, no solo por la combinación de sonidos y géneros sino también por la calidez de sus letras y el significado de las mismas.

Un bonus track… Missio interpretando West Cost de Lana Del Rey. Cuando digo que cada uno puede crear con lo ajeno, apropiarselo y hacerlo crecer no es broma. Estos cruces de artistas son los que más me gustan.

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Mi Playlist para introducirte a Missio

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Marco Sanguinetti

Artista y compositor argentino, creador de 7 albumes y reconocido en el mundo del jazz a nivel local e internacional. Su música puede catalogarse en jazz con toques modernos y experimentales: todo se trata de las sensaciones. Este artista ha sabido consumar en su obra un gran talento musical, una visión propia y un sin fin de experiencias sonoras. Su recorrido musical da cuenta de eso, sus trabajos responden a procesos creativos diversos y permiten experimentar diferentes etapas y progresiones en cada tema, en cada disco.

El entramado musical que Sanguinetti construye es realmente extraordinario haciendo uso y abuso de las bases del Jazz y el Rock como también se notan algunos rasgos de música local toques que permiten situarlo en el corazón de la ciudad. La experiencia sonora de su trabajo te lleva más allá de lo real, te transporta en un mundo de ensueño donde prima lo sensorial y, en mi opinión, al arte abstracto pensándolo en imágenes.

Considero que la versatilidad del artista para poder representar su interior en cada obra hace de cada pieza musical un pequeño fragmento de sí que nos comunica uno a uno en cada nota, dejándose entrever una mixtura entre su persona, el artista y las calles de la ciudad que lo han visto andar.

Su disco “Como desaparecer completamente” creo que es de mis favoritos. No solo porque es fácil identificarse con él debido al guiño constante que hace con los temas de Radiohead, una banda que me gusta mucho, sino porque creo que transmite cierta complicidad con el oyente al ejercitar su oído todo el tiempo para buscar los fragmentos de la pieza original mezcladas con una producción propia y original que despierta los sentidos. Hay en cada pieza una gran parte de sí y eso hace sumamente especiales cada reversión. Es un guiño para mirar más allá de la música y sumarle un tono personal. Una verdadera interpretación.

No hay que olvidar que estamos hablando de un artista completo, no solo ha incursionado en la música sino también el cine, el teatro y la danza. Todo ello le permite redimensionar su música y apreciar una riqueza en su interpretación que no podría ser concebida de no ser por su recorrido en diversas disciplinas artísticas. Esta creatividad ha sido utilizada por el artista de forma ejemplar permitiéndole tener una impronta propia, construir una identidad musical que lo posiciona como un referente de la música contemporánea.

De su extenso repertorio me quedo con sus reversiones de Creep, Paranoid Android, Nude. Por otro lado, me gustaron mucho sus temas Niño, La ventana, San Telmo y Laberinto. Actualmente el artista se encuentra presentando su trabajo reversionando temas de Gustavo Cerati tanto en su faceta solista como algunos grandes éxitos de Soda Stereo. De este proyecto destaco: Té para tres, Paseo Inmoral, Aquí y Ahora, Puente, Lisa.

Lo que me parece sumamente interesante del músico es que se puede percibir a través de sus diferentes discos un proceso constante de cambio de fórmula, parece ser que el proceso creativo que desencadena cada trabajo es distinto, es enriquecido de alguna u otra forma por parte de sus vivencias, de la gente que participa de cada proyecto como así también de las pequeñas improvisaciones que pueden darse en cada pieza, es un convivir armónico entre diferentes instrumentos e identidades. Este es defintivamente una cualidad que nos hace mantener en la mira a este artista y a sus proyectos. Si en varias ocasiones declare mi amor al cine experimental, este artista me hace repreguntarme… quizás ese puesto también deba ser disputado por la música experimental.

Si hay algo que he ejercitado de forma impetuosa con este artista es a apreciar el poder de los detalles. Percibo que en cada pieza hay algo oculto disponible como recompensa para aquellos que están dispuestos a indagar con mucha atención; con los oídos despejados y el corazón abierto.

Mi Playlist para introducirte a Marco Sanguinetti

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Puscifer

La banda liderada por Maynard James Keenan se caracteriza por sus ritmos experimentales que rozan el rock industrial, ambiental entre otros. Si bien estamos hablando de una banda, uno de los tantos proyectos de Keenan, él es el único miembro fijo de la misma (Tal como sucede con NIN) algunos de los miembros son Carina Round, Mat Mitchell, Jeff Fried, Zargaran y Paul Barker, sin embargo cuenta con la colaboración de grandes figuras de la música tanto en la performance como en la construcción de sonidos. En varias entrevistas Maynard ha descrito a este producto como una forma de explorar su inconsciente.

El primer disco de la banda se lanza en 2007 titulado V for Vagina presenta una identidad propia que difiere en muchos sentidos de los anteriores proyectos en los que participa Maynard como lo son Tool y A Perfect Circle. En este disco se pueden evidenciar una presencia fuerte de ritmos de R&B como también reminiscencia de música de antaño, algunos arreglos típicos de la música electrónica que le aportan un ritmo más moderno en contraposición con vocales múltiples y coros que se superponen. La variación de ritmos entre temas como también al interior de cada pieza hacen del recorrido musical una verdadera aventura. Coincido en la caracterización de Maynard sobre este disco “Es la banda musical de un viaje por las calles de otra época”.

Acto seguido, tenemos Condition of my Parole, un disco que explora un poco más los sonidos provenientes de las corrientes musicales de la electrónica melódica, con ritmos más tranquilos acompañados por la voz de un Maynard más etéreo. Esa unión de ritmos hace un producto impecable. Cabe destacar que la voz de Carina Round se fusiona a la perfección complementando y aportando una impronta a cada tema en el que participa vocalmente. A comparación con el primer disco, me parece un tanto más tranquilo. Si bien hay pasajes donde se producen explosiones de sonido, tiene temas más experimentales en cuanto a sus sonidos, lo que hace ver con mayor claridad ese toque particular de la banda.

Un punto final antes de concluir: los remixes son una buena opción para reinterpretar los temas que ya te gustaron. Las reversiones explotan otras posibilidades que enriquecen tanto la interpretación como la experiencia de escuchar ese tema.

¿Qué decir sobre este proyecto? Fan indiscutible de Keenan, por lo cual, no voy a mostrarme neutral. Cada disco es una gran historia, un gran viaje. En cada tema se exploran diferentes variantes rítmicas correspondientes a géneros musicales diversos que van desde el R&B, pasando por el rock y experimental hasta una electrónica suave.

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In This Moment

Es una banda americana de metal, mezcla con un estilo gótico y algunos tintes sonoros del rock industrial y rock alternativo. Si bien la banda ha tenido muchas variaciones en su composición, los principales miembros son Maria Brink y Chris Howorth. La banda ha interpretado en grandes festivales y recitales junto con artistas de la talla de Ozzy Osbourne entre otros referentes.

Sus referencias musicales para la composición de su estilo único son: Deftones, Metallica, Black Sabbath, Metallica, Sepultura, Nirvana entre otros. Esta banda llamó mi atención no solo por la calidad de su sonido sino también por su front woman. La cantante tiene un voz extraordinaria y llega a hacer grandes notas con mucho profesionalismo. La composición de las letras de sus canciones están hechas tanto por ella como por Chris Howorth.

La temática de sus canciones ronde entre búsquedas de sentido, sobrellevar situaciones adversas y el amor en todos sus sentidos (propio, hacia otros). Las variaciones rítmicas están íntimamente relacionadas con la sletras como así también con la temática de cada álbum que parece reflejar el carácter y crecimiento personal tanto de la banda como de los artistas en su particularidad. Los cambios en los miembros de la banda repercuten en las temáticas y estéticas de la banda permitiendo un crecimiento en cuanto al nivel de profesionalismo.

En cuanto a la identidad de su sonido, a través de los albumes que han sacado se puede evidenciar mucho gothic metal, en sus últimos discos una fuerte presencia de la fornt woman a nivel estético sumado a una fuerte sexualización de su imagen, que más allá de ser un recurso muy utilizado por todas las bandas, por momento pasa a ser irrelevante, ya que la cantante se caracteriza por tener un valor vocal impresionante. Creo que es un poco innecesario, pero aun así logra ganar la atención y una vez atentos, podemos disfrutar de una muy buena interpretación. Hay que destacar el hecho de que María está en gran parte del proceso creativo y productivo de la banda, pensando seriamente que los videos (varios dirigidos por ella) tengan una gran correlación con las letras y significados de las canciones.

Personalmente el disco que más me gustó es Ritual ya que tiene un sonido y letras mucho más maduras y permiten evaluar el crecimiento exponencial de la banda. Es un disco que puedo escuchar completo y tiene muy buenos cambios de ritmos que hacen que la transición entre temas sea agradable. Dentro se su discografía rescato temas como Big Bad Wolf, Adrenalize me, Whore y un gran trabajo haciendo el cover Closer de la Banda NIN.

Para cerrar, creo que la banda encontró un sonido propio, una imagen, un poder de presentación realmente exquisito, una calidad de sonido y una combinación de variaciones climáticas que se reflejan en sus diferentes canciones. Al analizarse la banda dentro del contexto del metal y metal gótico, podríamos decir que su estilo es menos clásico y un poco más moderno aunque mantiene ciertos rasgos clásicos como el poder de las guitarras y algunos arreglos de fondo.

In This Moment es una banda para seguir, tiene mucho que dar aún y está en fuerte crecimiento. Es una versión más moderna del rock, metal y metal industrial, con todos los matices de estos fuertes géneros musicales.

Mi Playlist para introducirte a In This Moment

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Deftones

La banda se caracteriza por hacer rock alternativo, aunque en sus propias palabras, es muy difícil encasillarse en un género ya que se consideran que se encuentran en constante aprendizaje sobre el basto mundo musical. Es posible percibir en su música rasgos del nu metal y algunos sonidos experimentales.

Deftones está compuesta en la actualidad por Chino Moreno (vocalista), Stephen Carpenter (guitarrista), Abe Cunningham (baterista), Sergio Vega (bajista) y Frank Delgado (samplers). El bajista original de la banda era Chi Cheng, quien quedó en coma después de un accidente en 2008, y murió en 2013.

La banda estadounidense nace a fines de los años 80 iniciando un camino bastante sinuoso en el mundo musical. Hasta el momento, la banda posee 8 discos, los cuales han sido de gran impacto, especialmente su éxito White Pony (Mi favorito)

La composición de cada uno de los discos lleva consigo parte de la historia de la banda tanto de la banda en sí como de sus miembros a nivel personal. Por ejemplo, en Saturday Night Wrist Chino Moreno estaba atravesando un momento bastante oscuro en su vida personal, una rutina que lo llevó al consumo de drogas y que según varios de sus compañeros de banda, casi lo expulsa del proyecto. También durante la grabación de White Pony Moreno estuvo bastante involucrado en una vida de excesos y drogas. Sin embargo más allá de eso, la banda supo capitalizar todos sus malos y buenos momentos convirtiéndolos en piezas increíbles que los han llevado a conseguir un lugar dentro de las bandas de rock más reconocidas. Si se analizan en profundidad las letras de los discos se pueden evidenciar algunos relatos sobre estas situaciones o cómo se sentían en esos momentos, una vez que conoces la historia podes dar cuenta del significado de la letra y darle el sentido que el artista quiso expresar.

Otra cuestión importante a destacar es la participación de diversas figuras reconocidas del ambiente musical en la producción y creación de los diversos discos de la banda. Dentro de las participaciones se cuenta la voz de Maynard vocalista de Tool y Perfect Circle, Max Calavera cantante de Sepultura, Serj Tankian de System Of a Down entre otros. El tema Passenger que hacen junto con Maynard es todo lo que esta bien (objetivamente hablando, por supuesto)

Pensando en el contexto en el que se desarrolló la banda, el escenario musical estaba dando inicios a lo que se consideró más adelante rock alternativo y nu metal. Bandas como The Smith y The Cure fueron su principal inspiración a la hora de hacer música.

Sin embargo, tal como comentan en varias entrevistas, todos los miembros del equipo poseen influencias musicales muy dispares, por lo que catalogare su sonido en un género o ritmo es un asunto complejo. De hecho, este replanteo se hizo en muchas ocasiones dentro de la banda a la hora de tomar decisiones que determinaron el sonido de sus discos.

La experimentación en su sonido les ha permitido llegar a un sonido único y auténtico. Podes experimentar la calidad de sus temas a través de las reversiones o las versiones acústicas de los mismos, donde en cada versión se puede resaltar el protagonismo de uno de sus miembros, ya sea la Voz de Chino como las guitarras de Stephen. Los fanáticos más acérrimos aseguran que la banda no posee un disco malo y los críticos más reconocidos resaltan la persistencia de un grupo tan heterogéneo ha experimentado con los sonidos más diversos Sin duda, es un grupo el cual vale la pena experimentar al menos una vez, un tema.

Mi Playlist para introducirte a Deftones

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Marilyn Manson

Si pensabas que Trent reznor era un personaje un tanto sombrío o incluso depresivo, creo que Marilyn Manson puede ir incluso mucho más lejos, ya no solo evocando mensajes tristes o melancólicos sino también rozando y atravesando conceptos tales como el satanismo y la autolesión. Más allá de la controversia y los atuendos extravagantes, creo que hay mucho por ver y escuchar sobre este artista.

Confieso que me costó mucho encontrar una conexión con los productos del artista y mucho más con su estética. Hay mucho prejuicio e incluso una estética tan sórdida puede alejar a cualquiera, lo comprendo, pero aun así creo que es imperativo ver más allá de la controversia.

El verdadero nombre de Marilyn Manson es Brian Hugh Warner, aunque prácticamente nadie lo llama así. Vivió una infancia atravesado por la práctica cristiana y una visión crítica sobre la religión. Estudió periodismo y con su trabajo como reportero de una revista de música se acercó a figuras como Trent Reznor con quien trabajó mucho después en sus discos.

Su nombre nace de la conjunción del nombre de Marilyn Monroe, famosa actriz y referente de una era, y el nombre de Charles Manson, el famoso asesino en serie. En varias entrevistas explica que la elección del nombre es una forma de criticar los extremos por los cuales la fascinación de la cultura norteamericana es fascinada por figuras tan dispares y extremas. Uno puede discernir sobre su postura, pero en cada manifestación que realiza tiene un argumento válido que lo sostiene y es bastante crítico sobre la cultura actual.

El proyecto musical Marilyn Manson comienza bajo el nombre de Marilyn Manson & the Spooky Kids, que luego fue reducido al nombre de Marilyn Manson. En sus comienzos de la mano de Trent reznor se comenzo a producir  junto con otro artistas, los primero álbumes de la banda. De esta forma, poco a poco se fue convirtiendo en un referente del metal industrial sumando su particular estética al género.

SI bien es conocido por ser músico y compositor el artista también es pintor y productor de cine, lo cual permite ver diferentes facetas del artista. Desde su faceta como artista hay muy poco disponible para el público general, de hecho el artista ha asegurado que tiene alrededor de 60 cuadros que aún no ha publicado. Como productor de cine Phantasmagoria: The Visión of Lewis Carroll, entre otros proyectos.

¿Qué puedo destacar del artista? Creo que su capacidad de transformarse y poder hacer de sí una verdadera declaración. Considero que hay que pensar al artista más allá del gusto personal y repensar la riqueza de su contenido. Destaco música y letras como la controvertida Como White que más allá de las interpretaciones muestra un lado melancólico y oscuro del artista.

Debo admitir que son muy poco los temas o albumes que me gustan, de hecho creo que la versión de Marilyn Manson que más me gusta son los últimos discos como The Pale Emperor. donde muestra una versión más madura y menos estravagante que la de años anteriores, además que lo noto más reflexivo, más simple y accesible.

Entre las reversiones que ha hecho sobre temas de otros artistas encuentro entre Personal Jesus, Tainted Love Put a Spell on You y Sweet Dreams versiones que reflejan otros significados posibles, nuevas interpretaciones que enriquecen las originales.

Más allá de mi preferencias por un Marilyn Manson más maduro y despojado de tanta ostentación, a lo largo de su carrera ha producido temas que me interesa destacar, algunos más conocidos algunos un poco más escondidos o más propios de los fanáticos más acérrimos.

Mi Playlist para introducirte a Marilyn Manson

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Trent Reznor- NIN

Trent Reznor es uno de los referentes del Rock Industrial. Para mi, uno de los más grandes exponente. El rock industrial es una variante del rock que mezcla el sonido de maquinaria (de ahí la alusión a lo industrial), con las típicas guitarras y riff del rock junto con sonidos de samplers y sintetizadores de la música electrónica.

Pensar en Trent Reznor y en NIN por separado es un poco complejo ya que Trent es el único miembro de la banda que es estable, por ende más allá de sus otros proyectos y participaciones me resulta difícil separarlos. Me parece que tiene una impronta fuerte que atraviesa cualquier proyecto en el que participa. Si alguien puede hacerlo, por favor ¡ilumineme!

Si hay algo que caracteriza a su música y a la composición de sus letras son esa energía oscura, bastante triste, pesadumbre, un recorrido instrospectivo dentro de la mente y el cuerpo de un artista complejo que duda de sí y de su capacidad a cada instante pero se arremete a conseguir el efecto deseado, ese producto que quiere conseguir con una capacidad increíble y una sensibilidad más allá de la comprensión.

Más allá de los gustos musicales particulares y de las preferencias que pueden tenerse, este tipo de música responde a un estado anímico reflexivo, dispuesto a la introspección, al viajar al interior de cada uno y revisar en sí su propio camino.

Trent atraviesa muchas etapas en su música, reflejo de lo que vive y piensa, de su estilo de vida, de sus deseos. Como hombre común, más allá de su faceta artística, se presenta inseguro, quizás frágil, tímido y un tanto lúgubre, a simple vista. Sin embargo todo parece cambiar en el escenario donde se para recto, saca el pecho y su voz parece ser capaz de atravesar las más rígidas paredes a veces gritando, otras simplemente pronunciando las frases más sensibles.

El fuerte grado de instrospección que conlleva su música se ve reflejado en todos los aspecto: desde conseguir el sonido perfecto, encontrar la letra que expresa aquello que está sintiendo y reflejar todo eso en una composición visual que muchas veces roza lo extravagante y roza los límites de la violencia. En varias entrevistas Trent confiesa que las letras de sus canciones son extraídas de frases sueltas de su diario íntimo, el cual le sirve de disparador para la construcción de sus canciones.

En diversas ocasiones habla acerca de temas que atraviesan los contenidos de sus canciones como lo son el suicidio, el nihilismo, la religión, la tristeza y el amor. Todo ello orquestado caóticamente en album tras album. También se replantea cuestiones como su estilo de vida, la vida que eligió y lo que resignó al elegir esta vida de artista.

Todo esto atraviesa la composición del autor y todos los proyectos en los que participa. Trent no solo es músico sino que interviene en el proceso creativo de diversas bandas desde la producción y acompañamiento de bandas. Todo ello le permite tener una visión y una sensibilidad mucho más aguda a la hora de hacer música.  

Sus variaciones musicales residen en enfocarse enteramente en su búsqueda personal por encontrar las palabras adecuadas para lo que siente y matchear el sonido que transmita esa intención. Su búsqueda por encontrar que decir nos ha dejado discos sumamente personales como The Downward Spiral uno de los discos más íntimos del autor así como temas autobiográficos como Hurt o Closer, temas más conocidos del autor por su crudeza.

Otro de los proyectos que me volaron la cabeza son las versiones de Ghost I- IV. Este disco es ideal para no hacer nada y tiene una variedad de ritmos que te invita a bajar un cambio y de repente suena sumamente estruendoso, tiene muchas baladas puramente instrumentales y otras con las letras increíbles que el artista nos tiene acostumbrados. Por otro lado creo que Hesitation Mark es un disco que posee un poco de todo: letras sumamente inquietantes, sonidos increibles y una mezcla un poco menos agresiva de ritmos electrónicos e instrumentales. Puede ser un disco para poder introducirse al artista para aquellos que son un poco reticentes a estos ritmos.

Considero que la riqueza de sus producciones son dignas de ver, sentir y experimentar. Quizás para los más impresionables recomiendo sus producciones para películas y documentales como lo son The vietnam war, Before the Flood, algunas colaboraciones como The Patriots Day,  Antichrist Superstar de Marilyn Manson. Dentro del cine ha musicalizado y reversionado temas como Inmigrant Song junto con Karen O, participó en la composición de las bandas sonoras de Bird Box, The Network, Gone Girl, The Girl with the Dragon Tattoo entre otros.

Mi Playlist para introducirte a Trent Reznor

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Falsa Groupie Blog

Si buscamos la palabra Groupie en google lo primero que sale es una definición de Wikipedia que arroja el siguiente resultado:

Goupie en el sentido estricto de la palabra, es una persona que busca intimidad emocional y sexual con un músico famoso. Sin embargo, este término también se aplica a una joven admiradora de un determinado cantante o grupo musical, a los que sigue incondicionalmente.

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Si bien creo que la definición es un tanto determinista y absoluta, me permito hacer una excepción para caracterizarme, es por ello que nace Falsa Groupie. Si bien hay mucha fascinación y admiración por les musiques no siempre hay necesidad de intimidad sexual o incluso a veces se puede confundir esa admiración por el trabajo artístico con la persona. A lo que apunto es a una definición que viene a romper y a reirse del estereotipo ya que considero que mi papel en este juego va más allá de la simple admiración.

Esta es la era del protoconsumidor por excelencia (Y permitanme ponerme un tanto intelectual) por lo que voy a hacer uso y abuso de ese, mi más preciado rol. No me conformo con ser una admiradora repetitiva, de esas alguien que solo escucha y repite, quiero crear con lo que otros crearon y resignificar lo que otros hicieron por el simple hecho de que puedo hacerlo, de que necesito hacerlo para poder decir lo que creo que puede sumar a esa interpretación.

La comunicación es una construcción activa todo el tiempo aun cuando escuchamos (porque es el momento en el que interpretamos lo que otro dice y eso ciertamente es acción pura) aunque muchas veces nos quisieron hacer creer lo contrario. De esta forma, me sumerjo en la aventura de resignificar lo ajeno y crear algo nuevo.

Este proyecto consiste en:

Listas de Spotify

Reseñas y contextualizaciones de los artistas.

¡Bienvenides!