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SUEÑO DESPIERTO

A que dedicamos nuestro silencio, a un recuerdo descarnado en la terrible ignorancia y la desolación efímera. He caminado por las calles derruidas en donde temblores han sacudido sueños y esperanzas, aún se escuchan alaridos sin rumbo en las frías madrugadas. Entre los escombros aún se ven las almas escarpadas como si fueran grandes pirámides disfrazadas de gigantes dormidos.

El calor tatema las plantas de los pies cansados del guerrero del campo, en su cara se observa la nostalgia de una vida de trabajo, su mirada cansada se eleva para observar a su hijo, en las manos de aquel hombre se encuentran las grietas de la historia del mexicano sin identidad, perdido entre milenios tardíos, engañado y sobornado por la crueldad del conquistador. Arriba del pensamiento rural se encuentra la divinidad inconcebible de los dioses, vivo y gigante, respirando azufre, de color azulado, guardián, centauro, el volcán.

Entre las grandes multitudes busco en mi pasado la dichosa identidad que tanto empobrece el futuro del soñador enardecido. Encuentro en las calles a un niño corriendo entre los puestos de ropa, entre veladoras, estopas y múltiples sogas, entre el sonido descarrilado de las marchantas y la música estruendosa de los puestos. Veo a mi madre siempre positiva apresurando el paso buscando el camino, veo a mi padre con una paciencia perceptible esperando.

Viernes 24 de abril 2020.

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Marriage Story

Noah Baumbach ya nos ha traído anteriormente historias que hablan sobre las consecuencias que dejan detrás la ruptura de un matrimonio (vease toda su filmografía), ilustradas con paisajes new yorkinos y personajes muy "adoc" con la ciudad, entre ellos casi siempre artistas. En esta ocasión ocurre la discrepancia de que la historia está basada en su mayor parte del tiempo en L.A, lo cual pareciera ser una alegoría introspectiva en la vida del director y a la separación que presentan sus personajes. En su trabajo de "The Squid and the wale" se observa el cambio en la personalidad de un joven que vive con la problemática del divorcio de sus confliftivos padres, aquella película indaga bastante en la psicología familiar durante el proceso de un divorcio. Marriage Story pareciera ser, al menos desde mi perspectiva, una secuela ideológica a lo que se planteó en "the squid and the wale", solo que en esta, bajo la perspectiva del joven que creció con sus padres divorciados y que ahora lucha por establecer una familia.

Aquí se ven ambos planos, ni buenos ni malos, todo recae en la experiencia humana, en los sentimientos siempre cambiantes de dos personas que no han dejado de amarse pero que sin embargo no saben vivir juntos. La película seguramente está en parte inspirada (si esa es la palabra correcta) por el divorcio que tuvo el director con la actriz Jennifer Jason Leigh. Los personajes principales son interpretados por Adam Driver y Scarlett Johans los cuales interpelan la batalla de la separación con entusiasmo jugando entre la constante desesperación y melodrma que se vivien en estos sucesos. Su actuación en lo personal me ha parecido un poco rebuscada por no decir sobreactuada, aunque los dos tienen energía y en parte si me hicieron soltar lágrimas, no dejaba de pensar en que estaban actuando. Sus actuaciones siempre están acompañadas de diálogos frescos y un agudo sentido de su propio absurdo. Baumbach busca extraer su material para reír, no importa cuán desesperada se vuelva la situación.

La dirección es bastante buena pero el efecto que deja detrás la película recae en la edición y el guión. Cabe mencionar que todas la películas de Baumbac siempre cuentan con una edición bastante característica que hacen que el metraje sea dinámico y se cuente lo que se tiene que contar, es poco probable que te aburras viendo Marriage Story. Puede que te sientas abrumado e incómodo sin embargo la historia recorre la extensa duración como si fuera una canción lenta que se disfruta y no se sufre. La música de la película interpretada por Randy Newman fue lo único que no me gustó del todo y es que, bueno, la verdad me recordaba bastante a toy story y eso me sacaba un poco de la onda melancólica que ya venía agarrando, pero que esto es algo personal, igual y a ustedes les da demás.

La película termina siendo un corte, a veces cruel, a veces esperanzador, con mucho cuerpo y sangre roja. Podría haber sido fácilmente llamada "Lo que no te mata solo te hace más fuerte" Quizás esta fue la propia terapia del director, algo que Baumbach tuvo que crear solo para dar sentido a la pena de todo. "Marriage Story" es un homenaje conmovedor a una herida que sangraba tanto que casi mata. Se siente como una cicatriz masiva para su cineasta acompañada por un dolor hiriente que al verse, hace que uno como espectador se ponga de pie y aprecié todo lo que uno tiene, incluyendo las experiencias, sufrimiento, el amor, todo.

La película vale por los pequeños momentos que logra crear Baumbach, aquellos en donde se observan las actitudes humanas con las cuales nos podemos identificar con tanta facilidad. Aquella mirada furtiva y nostálgica, aquella lágrima retozando la mejilla con cautela, las risas espontáneas que te causa una persona a la que quieres. Cualquiera puede identificarse con las situaciones reflejadas en pantalla aún cuando sus padres no se han divorciado. Creo que al público indicado esta película puede significar un abrazo, un comentario que les diga... entiendo tu situación.

Calificación 7/10

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The Irishman (2019)

La música no es tan ruidosa, la fotografía no esta sobrecargada de extras y luces despampanantes, los restaurantes están vacíos, el sonido de los disparos son contundentes, agresivos. Los gángsters no son jóvenes ni avispados, son hombres serios, que desprecian a todo el mundo, que se la pasan sentados esperando el momento en el que alguien los pueda atacar. La nueva película de Scorsese es lenta, sombría, depresiva, sarcástica. Las películas de Scorsese como efecto secundario de la cocaína son siempre vivas, enérgicas, llenas de catch frases y personajes que son tan despreciables como entrañables, en su nueva toma al mundo de la mafia en estados unidos, podemos ver a un director que ha dejado aquella euforia, que ha madurado su estilo y que como los mejores vinos, ha traído una pieza llena de frutas maduras con un sabor especial, más concentrado, que hay que saber tomarlo para apreciarlo mejor y que deja una cruda terrible después de verla.

Es imposible no relacionar el tema de la película con la misma carrera del director. No sé si así es necesariamente como Scorsese considera su propia vida y carrera. Steven Zaillian escribió el guión de The Irishman, por lo que probablemente también tenga en mente algunas cosas pesadas sobre la vejez rondando sus pensamientos. Pero es difícil no leer un poco de autorreflexión del director en la película. Está allí en la forma en que Scorsese felizmente se deleita con su habilidad, contando alegremente una vieja historia que tal vez hayamos escuchado antes, solo para luego subrayarla, ¿socavarla? Con un inesperado y triste dolor. "Así es como habría hecho Goodfellas, si solo hubiera sabido entonces como funcionaba todo". Ese sentido de realización ciertamente se siente como un logro para nosotros en la audiencia.

Siempre me han gustado las películas larga, pero una película de 209 minutos es una película realmente larga. Aunque algunos tramos de la película tienen un arrastre repetitivo, la resistencia es gratificante. El lujoso ritmo de la película permite muchos momentos de observación penetrante y detalles que de otro modo podrían haber terminado en el piso de la sala de corte. Sus actores son impresionantes para el maratón. De Niro encuentra más sombra en Frank que en sus gángsters pasados, lo mismo ocurre con Pesci, quien silencia su staccato agitado y en su lugar opera con un alma triste. Al unirse a la compañía Scorsese por primera vez, Pacino, que brama y se pone nervioso como Jimmy Hoffa. Es clásico, satisfactorio, descomunal y extrañamente acentuado. Es una alegría verlo, tonto y serio en igual medida. Eso es apropiado, supongo, que Pacino, en su primera salida con Scorsese, hiciera las cosas divertidas y entretenidas mientras que los jugadores de siempre tienen la tarea de desarraigar, explicando suavemente la idea más profunda y triste de la película.

Toda esa melancolía no se usa para disculpar a los matones en el centro de la historia, no creo. Nos quedamos conscientes del eco persistente de las vidas que extinguieron. Y, sin embargo, la película al menos les extiende la gracia (decididamente católica) de la comprensión básica. De esa manera, The Irishman evita tanto la amargura como el empalagoso sentimentalismo que a menudo puede gobernar las películas sobre el envejecimiento y la obsolescencia. La película ofrece una mano de consuelo, no necesariamente a Frank Sheeran, a quien sí se le da un brillo cálido al final, tal vez injustamente, pero tal vez a cualquiera que se pregunte de qué se ha tratado todo el clamor de su vida. Si un espectador quiere aceptar esa comodidad en forma de película sobre asesinos, por supuesto, depende de ellos. Me encontré a regañadientes con la película, y la forma en que Scorsese la usa para tal vez, solo un poco, expiar parte de su pasado alegre sobre la violencia. En The Irishman, una alegre oscuridad se convierte lentamente en una elegía, rodeada de culpa. ¿Y qué podría ser más irlandés que eso?

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Hustlers

Hustlers. La nueva película producida e interpretada por Jennifer López y dirigida por Lorene Scafaria es una pieza intrépida , dinámica, explosiva e innovadora que retrata la historia real de como unas stripers drogaban y robaban a hombres con dinero. El clásico cuento americano de personas inmorales siendo los personajes principales, el antihéroe capitalista que se rige bajo las reglas de la vida, pero esta vez bajo el twist de que las principales son bailarinas en un club nocturno de la ciudad de Nueva York.

A comparación de la mayoría de las películas con personajes strippers, en esta no te pintan a aquella bestia sexual, que generalmente es sometida a humillación o al machismo, visto casi siempre desde un punto de vista masculino, aquí te ponen a las stripers como diosas del escenario que no han tenido la oportunidad de brillar en un mundo capitalista como en el que vivimos, estás mujeres son talentosas y llenas de sueños, tienen familia y piensan en sus hijos, también son seductoras y soñadoras, personajes tan complejos como entrañables.

La película no carece de la sensualidad que la profesión puede brindar al espectador, pero todo siempre bajo un marco de respeto y profesionalidad. La actuación de López es realmente buena, desde su primera aparición en pantalla en donde luces parpadeantes y dólares volando acompañan a su alucinante cuerpo en una de las rutinas de baile más sensuales y hermosas de la historia del cine, su actuación esta llena de personalidad y actitud sin caer en los estereotipos, es la actuación de su vida, a parte de que cada que aparece en pantalla te roba la mirada con su belleza y la fuerza de su interpretación. Constance Wu que es la personaje principal también demuestra una catedra de actuación, variando desde jefa de una organización mafiosa digna de una película de gangsters hasta una mujer tan frágil que llora en un rincón por la soledad que sufre, su actuación es de las mejores del año.

La dirección nos recuerda a los trabajos más salvajes de Scorsese, es una loca exposición llena de música pop bastante ruidosa, con imágenes en cámara lenta, llena de situaciones estrafalarias y de violencia. El guión es rápido, conciso y directo.

Afortunadamente, el tercer largometraje de la escritora y directora Scafaria trasciende en gran medida la exageración de su poderoso elenco para entregar una película que es a la vez entretenida y seria. La película es un esfuerzo pop inteligente que equilibra sus momentos cómicos oportunos sobre una historia que está, sobre todo, preocupada por la vida de sus personajes. Sin pisar el exceso de sentimentalismo o, lo que es peor, una señal hueca a los tropos de amistad femenina más buscados en la pantalla, Hustlers adopta una visión más orgánica de las intimidades mercuriales entre sus protagonistas. Es una película taquillera con una apariencia brillante, pero también le da a su historia el beneficio de la duda con cuidado en su desarrollo que parece faltar en varias películas dirigidas por mujeres recientemente lanzadas que buscan sacar provecho de vagas propuestas a la solidaridad femenina.

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Parasite

Parasite (2019). La ganadora de la palma de oro de este año, es una obscura crítica a las sociedades capitalistas tan divertida como perturbadora, un thriller de extraordinaria fuerza astuta y emocional, una verdadera genialidad que demuestra que con tan pocos elementos se puede crear tensión asaz y dar un mensaje tan complejo como lo es la representación de la desigualdad de clases sociales.  

El trabajo del director Bong Joon-Ho ha sido definido por el tema de las instituciones dominantes. Desde su opera prima en 2003, "Memories of Murder", en donde aborda la incompetencia de la policía; pasando por sus dos películas sobre  criaturas, hasta su "Snowpiercer" en donde echa una mirada severamente distópica a la incapacidad de la subclase para luchar contra las fuerzas del capitalismo. Cada una de sus películas es notable a su manera, ya que el director arroja luz sobre temas embriagadores al doblegar el medio del cine de género a su voluntad. Con "Parasite", uno de sus mejores trabajos hasta la fecha, el director articula claramente una línea que ha estado presente en todo su trabajo anterior: la guerra de clases es la madre de todas las guerras.

La película va sobre la historia de los Kim, una familia con pocos recursos que han vivido al margen de los declives sociopolíticos que se presentan en la ciudad de Seul. Los padres han sido despedidos después de que una empresa haya cerrado, mientras ellos sufren los estragos económicos, sus brillantes hijos  no han podido colarse a la universidad debido a que no han pasado los exámenes de admisión. Esta descripción por mas fatídica que parezca de una familia es una que se adapta a muchas familias de clase media en países de Sudamérica o centro américa al igual que en países asiáticos. En  "Parasite" no se busca en ningún momento romantizar la pobreza como lo hacen la mayoría de las películas que tocan el tema de la desigualdad social, aquí se sobresalta el terror que es vivir en las sombras, sin que nadie te apoye. Los Kim en su casa solo cuentan con una ventana que se asoma a una sucia calle de Seúl llena de bolsas de basura y cables eléctricos, una visión fea que empeora con un borracho que a menudo aparece para orinarse en el exterior. La vida de esta familia cambia cuando se les presenta la oportunidad de trabajar para una familia adinerada.

La primera parte de la película es por mas cómica y te ayuda a simpatizar con los personajes que tratan de abusar de la confianza de la familia adinerada, el entorno nunca deja de ser cruel sin embargo conforme va avanzando la historia las cosas se pintan más turbias, más extrañas, más incisivas. El director toma todas las cosas que parecían anecdóticas en la primera mitad y las entrelaza en un todo coherente. Lo que al principio parecía una comedia de modales se convierte en una sátira del conflicto de clases que sustenta el desarrollo de esas normas. Bong no explota el mundo natural que ha construido alrededor de Parasite, que esencialmente tiene lugar en la Corea contemporánea, pero se las arregla para inyectar lo suficiente de lo fantástico como para hacernos creer que hay más en el mundo que lo que podemos ver: un giro sobre el viejo truco del sexto sentido (estoy siendo vago sobre algunos de los detalles aquí para evitar spoilers). Los estragos sociales se magnifican.

La complejidad del guion recae en los pequeños detalles detrás de las acciones de los personajes, cada reacción tiene un propósito, un significado que se ha ido elaborando a lo largo de la película. Tanto el plot twist, como el final violento, sirven como metáfora a la historia que se ha ido desarrollando. En un momento de tensión acumulada el significado del título sale a colación y es realmente brillante, la historia vuelve a cobrar en el espectador y se posterga la tensión hasta el final.  La violencia con la que se desenvuelve la historia no viene de la nada, se justifica detrás de la consigna de frustración acumulada por cada uno de los personajes principales.  

Parasite es una parábola sobre la clase, sobre el estado y la competencia, sobre la ética complicada del esfuerzo y sobre la ansiedad siempre presente de los ricos por perder su lugar. Los dos hijos de la familia Kim creen que la mujer adinerada es "agradable", la madre de la familia Kim responde: "Por supuesto que es agradable. Yo también sería agradable si fuera tan rica”.

La película habla de nuestros tiempos con tanta fuerza que casi te molesta por decir lo que hace de manera imperceptible, por recordar todas las  injusticias del mundo en el que vivimos. Espero que Parasite viva una vida fructífera en los países de Sudamérica, donde su historia de agitación aspiracional debería resonar en muchos. En su forma agridulce (énfasis en lo amargo), la poderosa película de Bong reflexiona profundamente sobre lo que es querer y necesitar, todo el dolor de ver un sueño tan cerca y, sin embargo, demasiado grande para ser agarrado, a pesar de tanto esfuerzo ferviente. 

El final es tan cruel como la vida misma, el director no se compadece de sus personajes, la vida sigue, la muerte sigue. En un sistema capitalista, los ricos siguen siendo ricos y los pobres no tienen de otra más que soñar en que en algún día puedan llegar a dejar de ser fantasmas.

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You didn’t kill her. She isn’t gone.

— Hereditary (2018) dir. Ari Aster

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An American Werewolf In London Directed by John Landis (1981)

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Hereditary/El Legado del Diablo

Bueno, tiene rato que no me siento tan pretencioso como para ponerme a criticar películas en las que no trabajé y sin tener experiencia en el medio, pero esto es Tumblr y a mí me vale madres así que ¿por qué no?

               El legado del diablo (parece un título bastante estúpido, pero tiene sentido una vez que la ves) es una de las tres películas de terror que vi este año (no tengo nada contra el género, pero luego sueño feito), esto solo por el hecho de que el tráiler vendía un buen drama familiar que usaría elementos de terror como metáforas para problemas mentales que muchas veces heredamos a nuestros hijos sin siquiera darnos cuenta. La película resultó ser todo lo que esperaba, con muchas sorpresas al final y ejecutado de una forma que no había visto en mucho tiempo.

               Para empezar, mi mayor sorpresa, la película no usa los famosos jump-scares, toda la tensión, miedo, y adrenalina se crea de forma natural con escenas incómodamente largas, secretos escondidos en el fondo, y las increíbles actuaciones del reparto. Sé que no es una buena referencia, pero en ciertas partes me recuerda al tipo de terror que se utilizó en ACTIVIDAD PARANORMAL, solo que perfeccionado al máximo con una fotografía excelente y música envolvente, esto sin ignorar los selectos momentos silenciosos o mal iluminados en los que no sabes si realmente algo se esconde entre las sombras o si solo es tu imaginación.

               Mi único problema con la experiencia está en un efecto por computadora que se usó casi al final, no porque fuera malo, pero su movimiento resulta cómico sin querer y despertó unas cuantas risas en mi sala que me sacaron de la experiencia. Aparte de eso, no hubo un momento en el que no estuviera completamente inmerso dentro de la película.

               Considero que esta ha sido una de mis películas favoritas del año, no he podido dejar de pensar en ella desde que salí, hasta ahora me da miedo voltear a ver las esquinas oscuras de mi habitación. Creo que es algo que vale la pena ver, pero ¿qué sé yo? Solo soy un vato que le gusta fantasear con que sabe mucho de cine.

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brielarson Portrait of a Woman Listening to Her Thoughts by @jennisennis

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LOS INCREÍBLES 2 (O DE COMO HACER UNA SECUELA SEGÚN HOLYWOOD)

Vivimos en un mundo en el que al parecer a las grandes productoras (me refiero a Disney que pues prácticamente ya compro a casi todas las grandes productoras) se les ha acabado el espíritu innovador de traer nuevas historias y por lo tanto tienden a sobreexplotar una formula tan pragmática y sistémica que el simple hecho de platicar sobre ella me abruma hasta el punto de querer quedarme dormido. Esta maldita formula de hacer exactamente lo mismo que en la primera con excepción por supuesto de las partes técnicas las cuales mejoran con notable distinción  a comparación de sus antecesoras, ya sea debido a que el año en el que se hizo no había la tecnología necesaria como para desarrollar tales aspectos técnicos (los increíbles), o ya sea debido a que en ese tiempo no contaban con tanto presupuesto como en el prospecto tiempo (Deadpool). El estudio predilecto para las personas de todas las edades, esa gran empresa constituida con las bases más insulsas del capitalismo regresa con una secuela que realmente no necesitábamos pero que sin embargo vamos a tener que necesitar.

Pero oigan cuando salió el tráiler yo fui uno de esos que exclamo con emoción vibrante ¡sí! Gritando como loco psicópata con necesidad de saciar esas entrañas que solo pueden ser alimentadas por el consumismo y por chistes del bebe Jack Jack, compartí mi emoción en prácticamente  todos los lugares en los que la mente humana se dirija a perder el jugo de su brillantez, y hasta me digne a etiquetar a la persona que entonces era mi novia en una publicación de Facebook en donde por supuesto situé un emoji  digno de la ocasión y comente: “mira amor a Jack Jack”. Pero no me malinterpreten fue un error común el emocionarme debido a que el gran director detrás de esta supuesta joya cinematográfica había afirmado con convicción que el solo haría la segunda parte si encontraba un guion igual o mejor que la primera parte, esa afirmación que en ningún sentido fue cierta solo jugo con mi corazón adolecente. La película es producida por PIXAR la cual es una producción que nos tiene muy mal acostumbrados a hacer grandes animaciones cinematográficas que solo son buenas porque saben poner música triste en escenas que te manipulan para llorar. Pero bueno el caso es que estaba realmente emocionado por saber cómo iban a continuar la historia de una gran película, aunque ya venía un poco desencantado por PIXAR con películas como COCO la cual aunque visualmente es bastante impresionante, creo que su nivel argumental no es tan sublime como las predecesoras de esta productora, tampoco había sido muy fan de películas como BUSCANDO A DORY 2, MONSTERS UNIVERSITY, MI GRAN DINOSAURIO, las cuales creo que caen en el mismo argumento flojo y con la intención de simplemente saciar las cisternas de dinero en donde esconden al cadáver de Walt Disney. Pero tenía esperanza, tenía esperanza en que el director de grandes joyas como MISSION IMPOSIBLE GHOST PROTOCOL, GIGANTE DE HIERRO, RATATOUILLE, LOS INCREÍBLES, iba lograr llenar las expectativas de todos los espectadores he iba a romper la crítica común y pues prácticamente pensé que esta película iba a ser digna en romper el año en cuanto a todas las películas en genera. PUES HICE MAL cinéfilos, hice mal porque me deje llevar por el Hype.

Y ya muchos de los lectores van a estar pensando en cómo lincharme o se han de estar preguntando, apoco tan mala estuvo, pues no. Los Incredibles 2 comienza con una energía potente en donde la acción es inminente he increíblemente bien animada, la música de Michael Giancchino es simplemente increíble y hace perfecta remembranza a los dibujos animados de los años 60. La película retoma la última parte de los increíbles de manera audaz e inteligente eliminando toda confusión y falta de tiempo que pueda surgir después de un paréntesis de cualquier cantidad (especialmente catorce años) entre una secuela y su predecesora. La historia que sigue es relativamente artificial y los personajes se introducen torpemente para expandir el universo en lugar de expandir las emociones de los héroes amados. Las escenas de acción son creativas y están bien animadas, pero no son lo suficientemente memorables, tienen lugar en escenarios insípidos y no logran nada para los personajes. Hubo muchos puntos durante esta película en los que noté que Brad Bird intentaba reproducir la fórmula de la película original, la cual se hace cada vez más notable hasta el punto de que restaba importancia a la historia misma.

Desde que el villano fue presentado en el trailer, no creo que sea un spoiler decir que no se siente tan auténtico o lo suficientemente inspirado como para ser considerado como uno de los mejores villanos de Pixar. Si bien el motivo del villano está explicado, es simplemente innecesario, artificioso y poco emocionante. También se presentan nuevos héroes (como se ve en el póster y otro material promocional). Muchos de ellos están subutilizados o son innecesarios. Las partes más débiles de la película involucran a los personajes recién introducidos porque todos carecen de la vivacidad y la chispa creativa de los personajes originales. En lo personal me molestó un poco la forma en la que se desvían del mensaje original propuesto por el villano el cual es un claro ejemplo de un mensaje contra el sistema, solo para poder brindar más acción en la formula.

Sin embargo esta es una película de Pixar, por lo que hay un nivel de producción que no se puede negar. Tiene un brillo visual y un elenco de actores que no solo son de talento superior, sino que también hacen todo lo posible por sacar cada escena de manera profesional. En cuanto la traducción al español contamos con el magnífico trabajo de Consuelo Duval, Víctor Trujillo y de Dario T Pai como Edna Moda.  Lo que Víctor Trujillo hace con su voz: las variaciones expresivas en el tono, el matiz, la casi musicalidad con la que invierte sus líneas. O el rango de emoción que Consuelo Duval transmite. Este es un trabajo de gran calidad de doblaje.

Lo que me encantó de la película original fue la autenticidad que la historia, los personajes y la animación tenían para con ella. Se sentía más creativo, natural y hermoso. El síndrome era uno de los mayores villanos de la película de superhéroes de todos los tiempos, no por la cantidad de daño que podía infligir al mundo, sino por el dolor emocional que pudo causar el Sr. Increíble y su familia. Los momentos en los que Mr. Incredible lamenta sus errores del pasado y se da cuenta de cómo sus acciones afectan a los demás, especialmente a su antiguo admirador, son los que hacen que la película destaque entre cualquier otra dinámica héroe-villano. Lamentablemente, Incredibles 2 no tiene un villano o una historia tan profunda o tan reflexiva como el Síndrome.

Para todas las decepciones, Los Increíbles 2 también tiene muchas sorpresas y cualidades. El humor en esta película es un poco más presente, o tal vez más memorable, que en el original. El mensaje de la película también intenta ser más importante y necesario además de resaltar la importancia de la familia.

Esta película para mi significa un retroceso creativo por parte de Disney Pixar que ya se venía viendo desde películas anteriores. En lo personal creo que esta película se vuelve larga y no alcanza las expectativas, demostrando un fallo que expone a que actualmente las productoras se preocupan más por generar una experiencia agradable en el cine pero que no buscan la transitoriedad de su producto generando de esta forma películas entretenidas y bonitas para la vista pero no épicas que busquen infringir en la historia del cine aportando nuevas ideas.

Calificación 6/10 BUENA PARA VER CON LA FAMILIA Y PASARSE UN BUEN TIEMPO EN EL CINE.

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Disorderly is a millennial body horror novel that tackles cannibalism and cancer and harkens back to David Cronenberg films of the 1980s.

“[Disorderly] has a lot of heart to it.”

- Tim Heidecker, Tim & Eric: Awesome Show - Great Job!

“The fucking Tarantino of authors.”

- Jack Viera, WKID

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North by Northwest | Alfred Hitchcock | 1959

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A young Ian McKellen

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Me and Earl and the Dying Girl (2015) dir. Alfonso Gomez-Rejon

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The Man Who Fell to Earth

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“…I think that he becomes better and better with age. He is already a great actor, but for me he is one of the biggest in the profession and more importantly - in Europe.”

-Nicolas Winding Refn on Mads Mikkelsen

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No Country for Old Men | The Coen Brothers | 2007