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Pinta la Revolución

Arte moderno mexicano 1910-1950, la Revolución de 1910 transformó a México, carácter popular, son muralistas mexicanos que son reconocidos por el programa revolucionario y la incorporación del arte moderno con la política de las masas, pero realmente resulta algo más complejo.

Esta exposición se encuentra en el Museo del Palacio de Bellas Artes,  Del 10 de febrero al 07 de mayo de 2017.

Presentaremos algunos artistas, ya mencionados en este blog, con sus respectivas pinturas y un análisis de ello.

FOTOGRAFÍAS DE SU SERVIDORA

Rufino Tamayo (1899-1991)

Homenaje a la raza india, 1952

Acrílico y óleo sobre masonite.

Museo de Arte Moderno INBA.

Tamayo creó esta pintura a escala mural en cuatro paneles desmontables para que pudiera viajar a Europa con una exposición sobre el arte moderno mexicano.

El tema, una vendedora de flores de Tehuantepec, aparece como un poderoso símbolo de la identidad nacional. La figura está modelada en bloque inspirada

En la escultura precolombina, una fuente importante de la cultura mexicana. Tamayo fusionó estos elementos nacionalistas con un estilo abstracto en consonancia con las tendencias pictóricas internacionales de la década de los años cincuenta.

José Clemente Orozco (1883-1949)

Barricada, 1931

Óleo sobre tela

Modern Art. Donación anónima

Barricada, pertenece a un grupo de pinturas de caballete en gran formato que Orozco realizó en Nueva York en 1931, algunas de ellas inspiradas en murales que había pintado en México. Esta composición se basa en un panel del primer ciclo de murales que  hizo en la Escuela Nacional Preparatoria en el edificio del Antiguo Colegio de San Ildefonso. Las vistas frontal y posterior de dos combatientes se fusionan para formar una cruz que simboliza el sacrificio de los revolucionarios.

Satunino Herrán (1887-1918)

La ofrenda, 1913

La obra muestra a una familia indígena que viaja en una trajinera en una canal de Xochimilco para rendir tributo a sus fallecidos. Al fondo se aprecia la silueta del Cerro de la Estrella y al costado otras embarcaciones que celebran el tradicional rito de Día de Muertos.

Los colores sirven para representar el estado de los personajes de acuerdo con las diferentes etapas de la vida y la muerte.

David Alfaro Siqueiros (196-1974)

Campesinos,ca 1913

Pastel sobre papel

Museo Nacional de Arte, INBA

David Alfaro Siqueiros (196-1974)

Autorretrato, 1921

Óleo sobre tela

Colección de María y Manuel Reyero

En sus escritos de principios de la década de 1920, Siqueiros instó a los pintores a que se basaran en los grandes maestros del pasado para recuperar los valores intemporales de claridad, orden y artesanía para el arte moderno.

David Alfaro Siqueiros (196-1974)

Volúmenes y texturas, 1936

Oleo y piroxilina sobre madera

Colección Modern Art International Foundation

En 1936 Siqueiros viajó a Nueva York como delegado del American Artist´s Congress, la técnica fue moderna e innovadora, pintura de “rápido secado”, realizadas en espacio creativo.

Dr.Alt (Gerardo Murillo, 175-1964)

Autorretrato con Popocatépetl, 1928

Atl-color ( óleo, cera, resina seca y gasolina) sobre tela 

Philadelphia Museum of Art.

Entre 1907 y 1909, el Dr. Alt vivió por un tiempo cerca del volcán más activo de México, el Popocatépetl, un importante hito y emblema del país. En 1921 publicó un volumen de poemas exaltando al  Popocatépetl. Este autorretrato Alt mira a lo lejos impasible; su impotente frente en forma de domo converga con el cono del volcán como si la mente del artista y el cráter se identificaran como fuentes de poder sublime.

Dr.Alt (Gerardo Murillo, 175-1964)

Retrato futurista de Nahui Ollin, ca. 1921

Oleo y Alt-color sobre cartón

Colección Mária y Manuel Reyero

La palabra futurista en el título de la obra denota una forma moderna de belleza abstracta sin embargo, también refiere al estado cósmico, superhumano, del ser.

Diego Rivera (1886-1937)

Retrato de Martín Luis Guzmán, 1915

Óleo sobre tela

Colección Fundación Televisa y Archivo

Rivera introdujo ciertos elementos mexicanos en sus pinturas cubistas realizadas entre 1914 y 1915. Este retrato representa al escritor mexicano Martín Luis Guzmán, a quien Rivera encontró en Madrid y París. Guzmán lleva puesto un sarape con colores brillantes y está sentado en un equipal. Los colores y formas de estos objetos típicamente mexicanos se fusionan con el patrón visual general. Rivera estilizó la parte superior de la cabeza de Guzman a modo de sombrero matador, como un símbolo de su admiración por la cultura española.

Diego Rivera (1886-1957)

Naturaleza muerta con botella de anís, 1918

Oleo sobre tela

Museo Casa Diego Rivera, INBA

Frida Kahlo (1907-1954)

Autorretrato en la frontera entre México y Estados Unidos, 1932

Oleo sobre metal

Colección María y Manuel Reyero

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Artistas Mexicanos que cambiaron el arte de México y dejaron huella en el campo gráfico del siglo XX. QUINTA CATEGORÍA “ARTE CONCEPTUAL ”

Helen Escobedo Fulda

Helen Escobedo Fulda, más conocida por su seudónimo Elena (Ciudad de México, 28 de julio de 1934 - ibídem, 16 de septiembre de 2010), fue escultora, artista plástica, gestora de las artes y realizadora de museos, mexicana.

El padre de Escobedo fue mexicano, y su madre, inglesa. Desde 1950 hasta 1951, realizó estudios en su ciudad natal de escultura en el Mexico City College (hoy Universidad de las Américas), en el que, entre otros, estudió con Germán Cueto. Y en 1954, obtuvo una beca en el Royal College of Art de Londres donde acreditó una maestría. Sus trabajos como artista internacionalmente activa, son principalmente de tamaño monumental. Escobedo utilizó, generalmente, materiales industriales y naturales.

https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwiT8MiZoYzTAhXL1IMKHQKhB7oQjRwIBw&url=https%3A%2F%2Fes.wikipedia.org%2Fwiki%2FHelen_Escobedo&bvm=bv.151426398,d.eWE&psig=AFQjCNHeHlzG3ITOeZp1NNS9s3GF18V2Bw&ust=1491445394031475

Gran cono, 1985 de Helen Escobedo

Propone el diseño de un “bicivocho”

Helen Escobedo (1934-)

Prototipo para bicivocho

http://www.mexartes-berlin.de/img/expo/escobedo/escobedo-1.jpg

Carlos Aguirre - zona de riesgo

https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwi2_OK3oYzTAhWn24MKHWFYAwcQjRwIBw&url=http%3A%2F%2Fwww.cultura.gob.mx%2Fnoticias%2Fdescargar%2Fc-40679-presenta-carlos-aguirre-su-zona-de-riesgo-en-el-museo-de-arte-moderno..html&bvm=bv.151426398,d.eWE&psig=AFQjCNHN84oHKUCAjnSVLb4cfBSZiqauag&ust=1491445418403311

Tres décadas de producción creativa marcada por las premisas del arte conceptual presenta el artista Carlos Aguirre (Acapulco, Guerrero, 1948) en su exposición retrospectiva Zona de riesgo que abrió sus puertas al público la noche del 23 de junio en el Museo de Arte Moderno.

Explorar y reflexionar sobre agudas tensiones político-sociales constantes en la obra del artista.

“Esta es una exposición que tiene mucho de cuestiones sobre política, la implementación de la justicia, la historia oficial; es la primera vez que se reúne todo el trabajo de Carlos Aguirre y donde se ve una variedad de soluciones formales, la mayoría muy estéticas, esta muestra te presenta a un artista que parece importante que los jóvenes conozcan”, expuso Pilar García en entrevista con el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta).

Indicó que esta muestra no sólo consiste en presentar obras realizadas con anterioridad para que el público las conozca. “Creo que muchas de las piezas de Carlos Aguirre tienen que ver con la historia que vivimos en el país, por ello es importante que quien vea la exposición le encuentren sentido en el presente”.

Zona de riesgo se estructura en torno a siete núcleos que abordan problemas como la contaminación del medio ambiente y situaciones límite manifiestas tanto a nivel formal como discursivo, condiciones relacionadas con la justicia legal, la historia, la semiótica, el registro del narcotráfico, la pederastia y la experimentación gráfica.

El montaje está integrado por 110 piezas, entre cristalizaciones, cuestiones gráficas, pintura, animación, cuadernos de apuntes, cajas de luz e instalaciones, éstas se pueden observar de gran formato; en algunas está presente la construcción de condiciones límite y situaciones de peligro inminente que deliberan sobre la violencia y la vulnerabilidad de la configuración social, como la pieza Estado de derecho (1997) en la cual se ve una silla eléctrica con fotografías de personas fichadas o detenidas.

Otras instalaciones que componen la muestra son Name of dead, 2004-2010, que exhibe mil 139 obituarios recortados durante siete años del periódico The New York Times, con la que buscó ejemplificar la noción de archivo; Intervención del autorretrato de José Clemente Orozco de 1946 (2013), que alude a la legitimación del coleccionista privado Alvar Carrillo Gil, quien promovió a José Clemente Orozco y del que acopió un gran acervo, así como una sin título del año 1996, en la que se observan palas, madera, tierra, maíz y huesos humanos, con la cual el artista planteó la difícil realidad de los campesinos, quienes pueden estar separados por un límite político, pero unidos por el mismo uso que le dan a su pala.

En otras de las piezas se aborda el tema de la impartición de justicia, en las cuales el artista hace uso de distintos soportes, emplea palabras, imágenes y frases que juntó de distintos medios de información, como diarios y revistas, y en otra combina técnicas y materiales relacionados con la fotografía y la gráfica.

Carlos Aguirre (1948 - )

Sin título, 1993

Acero, ramas y cenizas- Galería Metropolitana, cd. de México, D.F. - 

https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwiqy_eloYzTAhXK44MKHTlFCAwQjRwIBw&url=http%3A%2F%2Fcuadrotv.com%2Fzona-de-riesgo-carlos-aguirre%2F&bvm=bv.151426398,d.eWE&psig=AFQjCNHN84oHKUCAjnSVLb4cfBSZiqauag&ust=1491445418403311

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https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwjriK_LoYzTAhXK3YMKHVarAygQjRwIBw&url=http%3A%2F%2Fwww.proceso.com.mx%2F357156%2Fla-polemica-exposicion-notas-contra-notas-y-el-video-retirado-por-el-inba&bvm=bv.151426398,d.eWE&psig=AFQjCNEME3e1y2PIzECDkI3WXPjXtEHb-A&ust=1491445486957622

Melquiades Herrera

Melquiades Herrera Becerril (Ciudad de México, 24 de mayo de 1949 - Ciudad de México, 18 de octubre de 2003) fue un pionero del arte del performance en México, profesor de artes visuales, escritor, catedrático de la Academia de San Carlos, de la Escuela de Diseño del Instituto Nacional de Bellas Artes, de la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México, articulista y miembro del colectivo artístico No-grupo.

https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwi6ibuOqofTAhXC7YMKHdPnBZgQjRwIBw&url=http%3A%2F%2Fwww.jornada.unam.mx%2F2004%2F02%2F13%2F10an1esp.php%3Fprintver%3D1%26fly%3D&psig=AFQjCNHwjvRW_x0byWkz4VlkxZyVc7lZxQ&ust=1491275986990161

https://es.wikipedia.org/wiki/Melquiades_Herrera

Gabriel Orozco

Gabriel Orozco es un artista mexicano que nació en Jalapa, Veracruz, el 27 de abril de 1962. Estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas entre 1981 y 1984 y en el Círculo de Bellas Artes de Madrid entre 1986 y 1987. Orozco comenzó a destacarse a principios de la década de 1990 con su exploración del dibujo, la fotografía, la escultura y la instalación. En 1998 Francesco Bonami se refirió a él como “uno de los artistas más influyentes de esta década, y probablemente también de la siguiente”.

https://es.wikipedia.org/wiki/Gabriel_Orozco

https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwiBzInArYfTAhVI74MKHUVBBx4QjRwIBw&url=https%3A%2F%2Fwww.pinterest.com%2Fkguerreroa%2Fgabriel-orozco%2F&psig=AFQjCNGTUwKBKVGXOWazRpHZ4Uf_WcWUUA&ust=1491276721723533

Cesar Martinez

César Martínez Nacido en la Ciudad de México en 1962. Es un artista establecido, cuya obra ha sido ampliamente expuesta y está representada en colecciones de toda Europa y América.

��Su creatividad única se expresa a través de una amplia gama de materiales inusuales - desde los años 80 Martínez ha estado creando arte en la pólvora, la dinamita, el chocolate, la cera, la jalea y el caucho.

 Es autor de más de 150 actuaciones artísticas y una serie de proyectos especiales, destacando "Piedad Entubada, ecología visual amplificada", 2002, que consistía en pintar el área de la tubería del Río Piedad en la Ciudad de México con motivos de agua a lo largo de una longitud de 8 kilómetros.

 Martínez estudió en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda en México y recibió su doctorado en la Universidad de Castilla la Mancha en España.

 Actualmente vive y trabaja en Madrid.

http://www.latinamericanart.com/es/artistas/cesar-martinez/biografia.html

Artista :César Martínez

Título :Territorios con faltas ortografia

Año :1999

Categoría :Escultura

Técnica :Inflated latex sculpture

Estilo :Contemporáneo

Tema :Gente

Clasificación General :Contemporáneo

Color Principal :Negro

Tamaño General :Mediano

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Artistas Mexicanos que cambiaron el arte de México y dejaron huella en el campo gráfico del siglo XX. CUARTA CATEGORÍA “PINTURA ABSTRACTA MEXICANA ”

Mathias Goeritz

Werner Mathias Goeritz Brunner (Danzig, Prusia Oriental, Imperio Alemán; hoy Gdansk, Voivodato de Pomerania, Polonia; 4 de abril de 1915 - Ciudad de México, México; 4 de agosto de 1990) fue un escultor, poeta, historiador del arte, arquitecto y pintor mexicano de origen alemán asociado a la tendencia de la abstracción constructiva e impulsor de la "arquitectura emocional"; que, tras la Segunda Guerra Mundial se estableció en México, dejando uno de los legados artísticos más importantes de la historia cultural del país, siendo uno de los protagonistas de la modernidad plástica y arquitectónica mexicana.

https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwj94ej_oYzTAhWI6YMKHeFaCk4QjRwIBw&url=https%3A%2F%2Fes.wikipedia.org%2Fwiki%2FMathias_Goeritz&psig=AFQjCNE6TMDb_HqKXyZ2xv-y1K2FAutymw&ust=1491445607597571

Torres de Satélite en Ciudad Satélite, Naucalpan, Estado de México, diseñadas por Mathías Goeritz, en colaboración con Luis Barragán.

https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwi6qK6FoozTAhWp6IMKHaH_CC0QjRwIBw&url=https%3A%2F%2Fes.wikipedia.org%2Fwiki%2FMathias_Goeritz&psig=AFQjCNE6TMDb_HqKXyZ2xv-y1K2FAutymw&ust=1491445607597571

'Corona del Pedregal en el Espacio Escultórico de la Ciudad Universitaria de la UNAM.

https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwi6paOMoozTAhXJzIMKHVOBDdUQjRwIBw&url=https%3A%2F%2Fes.wikipedia.org%2Fwiki%2FMathias_Goeritz&psig=AFQjCNE6TMDb_HqKXyZ2xv-y1K2FAutymw&ust=1491445607597571

Pájaro de fuego. Escultura en la colonia Jardínes del Bosque en Guadalajara, Jalisco.

Gunther Gerzso

Gunther Gerzso (17 de junio de 1915 – 21 de abril de 2000) fue un artista plástico mexicano de ascendencia húngaro-alemana que se destacó como pintor, diseñador de escenarios, escritor y director de teatro y cine, y que formó parte del movimiento artístico conocido como “La Ruptura”.

https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwiWhKCLp4fTAhVk5oMKHUYrD2wQjRwIBw&url=http%3A%2F%2Fwww.letraslibres.com%2Fmexico%2Fgunther-gerzso&psig=AFQjCNGyrgybgkHnkNnSGUxZpsBK1-mzLA&ust=1491275162281350

Las siguientes imágenes se encuentran en la siguiente página: https://www.latinamericanart.com/es/artistas/gunther-gerzso/obras-de-arte.html

1944 - 29 años Calle de Gabino Barreda Material: Óleo sobre lienzo. Medidas: 101,6 x 140,9 cm. Museo: Colección privada

https://www.latinamericanart.com/es/artistas/gunther-gerzso/obras-de-arte.html

1955 - 40 años Estructuras antiguas Material: Óleo sobre mansonite. Medidas: 92 X 60 cm. Museo: Museo de Arte Carrillo Gil. México

https://www.latinamericanart.com/es/artistas/gunther-gerzso/obras-de-arte.html

Artista :Gunther Gerzso

Título :Ocre, Negro Y Rojo

Categoría :Obra Gráfica

Técnica :Ink, wash, crayon and oil on paper

Tamaño General :Chico h: 29 x w: 39.5 cm / h: 11.4 x w: 15.6 in

https://www.latinamericanart.com/es/artistas/gunther-gerzso/obras-de-arte.html

Artista :Gunther Gerzso

Título :Meridional

Año :1995

Categoría :Obra Gráfica

Técnica :Mixografía® print on handmade paper

Tamaño General :Grande h: 18 x w: 41 in / h: 45.7 x w: 104.1 cm

https://www.latinamericanart.com/es/artistas/gunther-gerzso/obras-de-arte.html

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Artistas Mexicanos que cambiaron el arte de México y dejaron huella en el campo gráfico del siglo XX. TERCERA CATEGORÍA “Pintura entre la escuela mexicana y la ruptura llamada figurativismo”

Rufino Tamayo

Retrato de Rufino Tamayo sosteniendo una guitarra

https://es.wikipedia.org/wiki/Rufino_Tamayo

Rufino del Carmen Arellanes Tamayo (Oaxaca, 25 de agosto de 1899 - Ciudad de México, 24 de junio de 1991) Fue un pintor modernista mexicano.

Es considerado como uno de los pintores mexicanos de mayor importancia del siglo XX, siendo además uno de los primeros artistas latinoamericanos que consiguió un reconocimiento y una difusión de su obra internacionales, como ocurrió también con otros artistas como los integrantes del conocido "grupo de los tres" (Rivera, Siqueiros y Orozco).

De hecho, trabajó con ellos en algunos proyectos, como el movimiento muralista que se extendió en el período que comprende las dos guerras mundiales; pese a las características propias de su pintura le distinguen perfectamente del resto del grupo.

Las siguientes imágenes se encuentran en la página siguiente: https://www.latinamericanart.com/es/artistas/rufino-tamayo/obras-de-arte.html

Artista :Rufino Tamayo

Título :Perro HeridoTécnica :Color lithograph

Tamaño General :h: 24 x w: 30 in / h: 61 x w: 76.2 cm

https://www.latinamericanart.com/es/artistas/rufino-tamayo/obras-de-arte.html

Artista :Rufino Tamayo

Título :Rodajas de sandía

Categoría :Pintura

Técnica :Oil on canvas

Estilo :Latinoamericano

Tema :Retrato de Vida

Clasificación General :Contemporáneo

Color Principal :Naranja

Color Secundario :Rojo

Tamaño General :Grande Alto: 100 x Ancho: 80.6 x cm. / Alto: 39.5 x Ancho: 31.75 x in.

https://www.latinamericanart.com/es/artistas/rufino-tamayo/obras-de-arte.html

Artista :Rufino Tamayo

Título :Niños Jugando con Fuego

Año :1947

Categoría :Pintura

Técnica :Óleo sobre tela

Estilo :Latinoamericano

Tema :NiñosClasificación General :Contemporáneo

Color Principal :Amarillo

Color Secundario :Multicolor

Tamaño General :Grande Alto: 127 x Ancho: 172 x cm. 

https://www.latinamericanart.com/es/artistas/rufino-tamayo/obras-de-arte.html

Artista :Rufino Tamayo

Título :El hombre y su sombra

Año :1959

Categoría :Pintura

Técnica :oleo y arena sobre tela

Estilo :Latinoamericano

Tema :upon request

Clasificación General :Moderno

Color Principal :Multicolor

Tamaño General :Extra-Grande Alto: 130 x Ancho: 198 x cm.

https://www.latinamericanart.com/es/artistas/rufino-tamayo/obras-de-arte.html

Artista :Rufino Tamayo

Título :Estrellas

Año :1977

Categoría :Pintura

Técnica :Oil on canvas

Estilo :Abstracto

Tema :Escénico

Clasificación General :Moderno

Color Principal :Rojo

Color Secundario :Azul

Tamaño General :Chico Alto: 30 x Ancho: 45 x cm. / Alto: 118 x Ancho: 177 x in.

https://www.latinamericanart.com/es/artistas/rufino-tamayo/obras-de-arte.html

 José Luis Cuevas

http://www.joseluiscuevas.com.mx/obras.html

José Luis Cuevas es un pintor, dibujante, escritor, grabador, escultor e ilustrador mexicano nacido el 26 de febrero de 1931 en la Ciudad de México.

Las siguientes imágenes se encuentran en la página siguiente:

http://www.joseluiscuevas.com.mx/obras.html

Masturbación, 2004

Para Carmen Cuevas Acrílico sobre tela 200 x 160 cm.

http://www.joseluiscuevas.com.mx/obras.html

Retrato de Beatriz del Carmen, 28-X-2005 Acrílico sobre tela 150 x 100 cm.

http://www.joseluiscuevas.com.mx/obras.html

Mi adorada Beatriz del Carmen, 6-enero-2007 (Carta # 13) Tinta y acuarela sobre papel 50 x 34.8 cm.

http://www.joseluiscuevas.com.mx/obras.html

Giganta avanzando, 1995 Escultura en bronce 63 x 119 x 49 cm.

http://www.joseluiscuevas.com.mx/obras.html

Siameses, 2004 Escultura en bronce 40 x 55 x 10.5 cm.

http://www.joseluiscuevas.com.mx/obras.html

Autorretrato como Rembrandt, 1962 Litografía   papel 55.7 x 40.5 cm. imagen 53.2 x 38.7 cm

http://www.joseluiscuevas.com.mx/obras.html

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Artistas Mexicanos que cambiaron el arte de México y dejaron huella en el campo gráfico del siglo XX.  SEGUNDA CATEGORÍA  “REALISMO SOCIAL”

José Clemente Orozco

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/o/orozco.htm

(Zapotlán, actual Ciudad Guzmán, 1883 - México, 1949) Muralista mexicano. Unido por vínculos de afinidad ideológica y por la propia naturaleza de su trabajo artístico a las controvertidas personalidades de Rivera, Siqueiros y Tamayo, José Clemente Orozco fue uno de los creadores que, en el fértil período de entreguerras, hizo florecer el arte pictórico mexicano gracias a sus originales creaciones, marcadas por las tendencias artísticas que surgían al otro lado del Atlántico, en la vieja Europa.

Orozco colaboró al acceso a la modernidad estética de toda Latinoamérica, aunque la afirmación tenga sólo un valor relativo y deban considerarse las peculiares características del arte que practicaba, poderosamente influido, como es natural, por la vocación pedagógica y el aliento político y social que informó el trabajo de los muralistas mexicanos. Empeñados éstos en llevar a cabo una tarea de educación de las masas populares, con objeto de incitarlas a la toma de conciencia revolucionaria y nacional, debieron buscar un lenguaje plástico directo, sencillo y poderoso, sin demasiadas concesiones al experimentalismo vanguardista.

Orozco consiguió dar a sus obras un cálido clima afectivo, una violencia incluso, que le valió el calificativo de "Goya mexicano", porque conseguía reflejar en el lienzo algo más que la realidad física del modelo elegido, de modo que en su pintura (especialmente la de caballete) puede captarse una oscura vibración humana a la que no son ajenas las circunstancias del modelo. Conservó este sobrenombre para dar testimonio de la Revolución Mexicana con sus caricaturas en La Vanguardia

Su obra podría enmarcarse en un realismo ferozmente expresionista, fruto tal vez de su contacto con las vanguardias parisinas, a pesar de su consciente rechazo de las influencias estéticas del Viejo Mundo; el suyo es un expresionismo que se manifiesta en grandes composiciones, las cuales, por su rigor geométrico y el hieratismo de sus robustos personajes, nos hacen pensar, hasta cierto punto, en algunos ejemplos de la escultura precolombina. Hay que recordar al respecto que Orozco, Rivera y Siqueiros, el "grupo de los tres" como les gustaba llamarse, defendían el regreso a los orígenes (es decir, a la pureza de formas del arte azteca y de la cultura maya) como principal característica de su trabajo artístico.

Los "tres grandes" de izq. a dch.: Siqueiros, Orozco y Rivera.

http://www.artepinturaygenios.com/2011/01/jose-clemente-orozco-arte-y-desgarro.html

http://ermundodemanue.blogspot.mx/2011/12/jose-clemente-orozco-obras-murales.html

El ahorcado. 42 x 31 cm. Museo de Arte Alvar y Carmen T. de Castrillo Gil, CNCA-INBA. Ciudad de México.

http://ermundodemanue.blogspot.mx/2011/12/jose-clemente-orozco-obras-murales.html

Combate, 1925-1927. Óleo sobre tela. 66,7 x 85,7 cm. Museo de Arte Alvar y Carmen T. de Carrillo Gil. CNCA-INBA. Ciudad de México.

http://www.playbuzz.com/terrahispam10/10-obras-de-arte-para-recordar-a-jos-clemente-orozco

El mural de la entrada es espectacular, tiene 4,000 m.² está situado sobre las escaleras, está dedicado al Padre Miguel Hidalgo con la antorcha de la libertad en mano.

http://www.artepinturaygenios.com/2011/01/jose-clemente-orozco-arte-y-desgarro.html

Descripción: FIRMA Y FECHA (fabricante de las marcas) firmado abajo a la derecha De aceite en el tablero aglomerado

Notas: En la leyenda más grande que la vida de Jose Clemente Orozco ninguna figura reclama un lugar más alto que Prometeo. El artista vio claramente su propia angustia creativa refleja en la lucha titánica de héroe-mártir para iluminar a la humanidad. MacKinley Helm tituló su libro de memorias de Orozco, "Hombre de Fuego", en referencia a varios cuadros clave, así como la libre asociación del artista con Prometeo, el héroe griego que provocó la ira de Zeus Olímpico, dando a la humanidad el don robada de fuego. Nos vislumbrar el hombre de fuego en los murales de Orozco en Guadalajara, en el Tribunal Supremo, y en el Dartmouth College. Pero él está más plenamente en el fresco de Orozco en el Pomona College (el primero de los tres murales pintados en los Estados Unidos), y una serie de pinturas de caballete relacionados que datan de los 1930s-40s. La Pomona Prometeo mural representa un momento crítico en el desarrollo de Orozco. Casi todos los estudios académicos citan como un punto de inflexión en su carrera, la fusión de toda su formación previa y confiadamente anunciar un gran avance a la plena madurez artística. Robo de chispas de inspiración de Cézanne, Miguel Ángel, El Greco y su compatriota Felipe Santiago Gutierrez, a través de Prometeo Orozco se revela como un artista maduro romper los lazos de su propia formación para forjar un nuevo lenguaje visual y mitológico. El historiador de arte Karen Cordero Reiman ha sugerido que los radicales escorzo de Orozco, incluso deformada de la figura central se calculó para sugerir la liminalidad incómoda entre la divinidad y la humanidad. Prometeo pulsa con la rebelión. La frustración de Orozco sobre el filisteísmo de algunos críticos tempranos y la lucha constante de fondos para completar el ambicioso proyecto, infundió el trabajo con una urgencia especial, la alimentación de la identificación del artista con su protagonista. A pesar de la resistencia inicial a su visión, el Pomona aire libre ya ha sido aclamado como uno de sus mayores logros. "A lo largo de su vida, [Jackson] Pollock se refirió repetidamente a Orozco como 'el hombre de verdad' y consistentemente remarcó quePrometeo murales de Orozco en el Pomona College en California, fue 'el más grande de pintura en América del Norte." . Jose Pijoan, el profesora Pomona que había invitado a Orozco para pintar la pared principal de Frary Hall de la universidad, exclamó tras la inauguración del mural, "el artista mexicano nos ha dado una nueva interpretación de un tema clásico. los que han visto su trabajo están asombrados de su aptitud para la comprensión de las cosas viejas de una manera nueva. su mente creativa se da cuenta de inmediato las posibilidades de una vieja historia. el fondo de su vida es revolucionario México. Pero ahora, en el Prometeo aire libre, que ha demostrado que lo que tiene que decir es universal, no . simplemente mexicana él es más que un campeón del peón; él es un intérprete del hombre esfuerzo de la época actual y de todas las edades ".

Dimensiones: 35 1/2 por 41 1/4 pulg. (90 por 105 cm)

Artista o Maker: José Clemente Orozco

Fecha: Pintado en 1944.

   http://davidrasche.blogspot.mx/2009/03/cristo-destruye-su-cruz.html

CRISTO DESTRUYE SU CRUZ, 1943 

   70,7 x 65,7 cm

  José Clemente Orozco 

  OLEO SOBRE TELA OBRA

http://ermundodemanue.blogspot.mx/2011/12/jose-clemente-orozco-obras-murales.html

Zapatistas, 1931. Óleo sobre lienzo. 114.3 x 139.7 cm. 

 José Clemente Orozco Given anonymously. The Museum of Modern Art New York.

David Alfaro Siqueiros

David Alfaro Siqueiros (Camargo, Chihuahua; 29 de diciembre de 1896 – Cuernavaca; 6 de enero de 1974), fue un pintor y militar mexicano. Es considerado uno de los tres grandes exponentes del muralismo mexicano junto con Diego Rivera y José Clemente Orozco.

https://es.wikipedia.org/wiki/David_Alfaro_Siqueiros

Retrato de Siqueiros por Héctor García Cobo. Cárcel de Lecumberri en 1960.

Debido al atentado contra León Trotsky, se exilió en Chile durante 1941. En Chillán pintó "Muerte al invasor". En 1944 emigró a Cuba donde pintó "Alegoría de la igualdad racial en Cuba".En 1946 Siqueiros regresó a la Ciudad de México y pintó en la ex aduana de Santo Domingo, hoy Secretaria de Educación Pública su mural "Patricios y Patricidas". En su casa realizó el mural "Cuauhtémoc contra el mito" y más tarde pintó en el Palacio de Bellas Artes el tríptico "Nueva Democracia" En 1947 realizó el famoso lienzo titulado "Nuestra imagen actual".   En 1960 terminó el mural en el Castillo de Chapultepec titulado "Del Porfirismo a la Revolución". Ese año, el 9 de agosto fue perseguido, aprehendido y acusado de disolución social dado que Siqueiros era el presidente del "Comité de Presos Políticos y la Defensa de Libertades Democráticas". Fue encarcelado 4 años en la prisión de Lecumberri. Durante esa estancia, Siqueiros realizó numerosos bocetos para el proyecto de la decoración del Hotel "Casino de la Selva", propiedad de Manuel Suárez y Suárez.

Pintor de caballete y mural, expresba la innovación, en sus pinturas integra la tecnología en el arte.

pintura de avanzada, muestra el futuro de la tecnología.

Siguientes pinturas encontradas en : 

http://www.saps-latallera.org/saps/acervo-de-obra/

Alfaro Siqueiros José - David Retrato de Angélica, 1947 Piroxilina / masonite 180 x 143 http://www.saps-latallera.org/saps/acervo-de-obra/

Alfaro Siqueiros José David - Nacimiento del fascismo (Segunda versión),  1934 Piroxilina/ masonite 61 x 76

http://www.saps-latallera.org/saps/acervo-de-obra/

El señor del Veneno. 1918. 

Acuarela y lápiz de color. 58 x 46 cm. Colección privada.

http://www.saps-latallera.org/saps/acervo-de-obra/

La Nueva Democracia. 1944-45. Piroxilina sobre tela. Palacio de Bellas Artes, Ciudad de México, México.

http://www.saps-latallera.org/saps/acervo-de-obra/

El Coronelazo, Autorretrato. 1945. Piroxilina. Museo de Arte Moderno, México, México.

http://www.saps-latallera.org/saps/acervo-de-obra/

Nuestra imagen actual. de 1947. Piroxilina. 18 x 5,5 cm. Museo de Arte Moderno, México, México.

El mexicano es robusto, sin ideas, sin rostro , el que sigue , el que ejerce pero que carece de metas, sin innovación.

http://www.saps-latallera.org/saps/acervo-de-obra/

El diablo en la Iglesia. 1947. Piroxilina. 218 x 156 cm. Instituto Nacional de Bellas Artes, México.

http://www.saps-latallera.org/saps/acervo-de-obra/

Dr. Atl

Dr. Atl, (Guadalajara, Jalisco, 3 de octubre de 1875 - Ciudad de México, 15 de agosto de 1964) fue el seudónimo del pintor y escritor mexicanoGerardo Murillo Cornado. Otras disciplinas en las que participó: la exploración, geología, filosofía, historia, crítica de arte, política; era apasionado de la vulcanología; estilista, doctor, profesor; practicó la caricatura, el ensayo y el periodismo.

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/a/atl.htm

Las siguientes imágenes se encuentran en la página siguietne:

http://discursovisual.net/dvweb02/remembranza/sofiarosales.htm

Dr. Atl, El hombre que salió del mar. ca.1922-1923. Tomado de Arturo Casado Navarro, Gerardo Murillo. El Dr. Atl,México, UNAM, 1984 http://discursovisual.net/dvweb02/remembranza/sofiarosales.htm

Dr Atl, Paricutín, s/f, atl-colors sobre masonite, 62 x 92 cm. Tomado de Beatriz Espejo, Dr. Atl. El paisaje como pasión, México, Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 1994.

http://discursovisual.net/dvweb02/remembranza/sofiarosales.htm

Dr. Atl, Retrato de Nahui-Olin, ca. 1921-1925, pastel sobre papel, 44 x 54 cm. Tomado de Beatriz Espejo, Dr. Atl. El paisaje como pasión, México, Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 1994.

http://discursovisual.net/dvweb02/remembranza/sofiarosales.htm

Dr. Atl, La sombra del Popo, 1942, atl-colors sobre celotex, 124 x 178 cm. Tomado de Beatriz Espejo, Dr. Atl. El paisaje como pasión, Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 1994.

http://discursovisual.net/dvweb02/remembranza/sofiarosales.htm

Dr. Atl pintando, ca. 1903. Tomado de Beatriz Espejo, Dr. Atl. El paisaje como pasión, México, Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 1994.

http://discursovisual.net/dvweb02/remembranza/sofiarosales.htm

Frida Kahlo

Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón (Coyoacán, 6 de julio de 1907-Ib., 13 de julio de 1954) fue una pintora mexicana.

Su vida estuvo marcada por el infortunio de contraer poliomielitis y después por un grave accidente en su juventud que la mantuvo postrada en cama durante largos periodos, llegando a someterse hasta a 32 operaciones quirúrgicas.

Su obra pictórica gira temáticamente en torno a su biografía y a su propio sufrimiento. Fue autora de unas 200 obras, principalmente autorretratos, en los que proyectó sus dificultades por sobrevivir. La obra de Kahlo está influenciada por su marido, el reconocido pintor Diego Rivera, con el que compartió su gusto por el arte popular mexicano de raíces indígenas, inspirando a otros pintores y pintoras mexicanos del periodo posrevolucionario.

https://es.wikipedia.org/wiki/Frida_Kahlo

Las siguientes imágenes se  encuentran en la pagina siguiente:

http://www.latinamericanart.com/es/artistas/frida-kahlo/obras-de-arte.html

Artista :Frida Kahlo

Título : La columna rota

Categoría :Pintura

Color Principal :Multicolor

Tamaño General :Mediano

http://www.latinamericanart.com/es/artistas/frida-kahlo/obras-de-arte.html

Artista :Frida Kahlo

Título :Autorretrato con cabello cortado

Año :1920 ca.

Categoría :Pintura

Técnica :Óleo sobre Tela

Estilo :Latinoamericano

Tema :Retrato

Clasificación General :Contemporáneo

Color Principal :Multicolor

Tamaño General :Chico / Alto: 16 x Ancho: 20 x in.

http://www.latinamericanart.com/es/artistas/frida-kahlo/obras-de-arte.html

Artista :Frida Kahlo

Título :Retrato de Cristina, mi hermana

Año :1928

Categoría :Pintura

Técnica :Oil on Canvas

Estilo :Realista

Tema :Retrato

Clasificación General :Moderno

Color Principal :Multicolor

Tamaño General :Chico

http://www.latinamericanart.com/es/artistas/frida-kahlo/obras-de-arte.html

Frida Kahlo

Título :El Camión

Año :1929

Categoría :Pintura

Técnica :Óleo sobre Masonite

Estilo :Maestros

Tema :Gente

Clasificación General :Contemporáneo

Color Principal :Multicolor

Tamaño General :Mediano

http://www.latinamericanart.com/es/artistas/frida-kahlo/obras-de-arte.html

Artista :Frida Kahlo

Título : Autorretrato

Año :1929

Categoría :Pintura

Técnica :Oil on Masonite

Estilo :Latinoamericano

Tema :Retrato

Clasificación General :Moderno

Color Principal :Multicolor

Tamaño General :Mediano Alto: 30.5 x Ancho: 24 x cm. / Alto: 77.5 x Ancho: 61 x in. 30.5 x 24 in. / 77.5 x 61 cm.

http://www.latinamericanart.com/es/artistas/frida-kahlo/obras-de-arte.html

Artista :Frida Kahlo

Título :Frida y el Aborto

Año :1932

Categoría :Obra Gráfica

Técnica :Litografía

Estilo :Maestros

Tema :Retrato

Clasificación General :Moderno

Color Principal :Negro

Color Secundario :Blanco

Tamaño General :Chico

http://www.latinamericanart.com/es/artistas/frida-kahlo/obras-de-arte.html

Artista :Frida Kahlo

Título :Autorretrato en la frontera entre México y los Estados Unidos

Año :1932

Categoría :Pintura

Técnica :Oil on Canvas

Estilo :Latinoamericano

Clasificación General :Moderno

Color Principal :Multicolor

Tamaño General :Grande

http://www.latinamericanart.com/es/artistas/frida-kahlo/obras-de-arte.html

Artista :Frida Kahlo

Título :Mi Nana y Yo

Año :1937

Categoría :Pintura

Técnica :Óleo sobre Masonite

Estilo :Maestros

Tema :Retrato

Clasificación General :Contemporáneo

Color Principal :Multicolor

Tamaño General :Mediano

http://www.latinamericanart.com/es/artistas/frida-kahlo/obras-de-arte.html

María Izquierdo

María Cenobia Izquierdo Gutiérrez (San Juan de los Lagos, Jalisco, 30 de octubre de 1902 - Ciudad de México, 2 de diciembre de 1955) fue una pintoramexicana, la primera en exponer sus obras fuera de México, en 1930. Su primera exposición tuvo lugar en el Art Center de la ciudad de Nueva York. 

Su obra se caracteriza por el uso de intensos colores y temáticas que incluyen autorretratos, paisajes, naturaleza y muestras claras de surrealismo.

http://www.museocjv.com/mariaizquierdo.htm

Las siguientes imagenes se encuentran en la siguiente página: http://www.museocjv.com/mariaizquierdo.htm

El señor del caballo

Firmada y fechada

Óleo sobre massonite

44.5 X 59.5 cm.

http://www.museocjv.com/mariaizquierdo.htm

Frutero con papaya y manzanas

1943

Gouache s/papel

15x20 cm.

http://www.museocjv.com/mariaizquierdo.htm

Alegoría de la libertad (1937) Acuarela / papel 21 x 26.5 cm

http://www.museocjv.com/mariaizquierdo.htm

La soga (1947)  

 Oleo / tela   43 x 51 cm

http://www.museocjv.com/mariaizquierdo.htm

El baile del oso , 1940 Gouache / papel 40.5 x 57.5 cm

http://www.museocjv.com/mariaizquierdo.htm

Calvario , 1933    Acuarela / papel    21.5 x 28 cm

http://www.museocjv.com/mariaizquierdo.htm

[cultura-y-diseno-ii]

Objetos de diseño como objetos de cultura

Cada objeto tiene un diseño, estos objetos son fabricados con un vínculo mecánico y emociona,  eso significa, un contexto cultural, un significado; son creados en base a una cultura, para así, dar la solución a las necesidades de la sociedad requerida. 

Cada país genera un objeto para su sociedad y hay veces que hay objetos que son importados y otros exportados. Aquí veremos como los paises aceptan objetos culturales de otros países, adoptan esta cultura y benefician a otro país económicamente como cultural. 

Esto nos hace personas multi culturales, ya que adoptamos objetos culturales que no son nuestros y hasta usamos más estos objetos provenientes de otros países que objetos  provenientes de nuestro país.

Para demostrar lo que les comento, un ejemplo es la Avenida de Reforma...

La Av.Reforma, es la más importante debido a sus servicios financieros que presenta como inversión, movimientos económicos, etc.

Tiene varias glorietas como: El Ángle, Colón, Caballito de Sebastían.

La Alameda, fue el primer parque público que se construye en México, recibió el nombre de Alameda, debido a que se sembró álamos en esa zona.

Acontinuación, se muestra un plano de transmonte en México del 1854, realizado por Casemiro Castas, el mejor grabador de México.

La Alameda iba a surgir con la conexión entre Chapultepec y Reforma.

https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwiQzPHEjvjSAhXC7YMKHaGEB_IQjRwIBw&url=%2Furl%3Fsa%3Di%26rct%3Dj%26q%3D%26esrc%3Ds%26source%3Dimages%26cd%3D%26cad%3Drja%26uact%3D8%26ved%3D0ahUKEwiQzPHEjvjSAhXC7YMKHaGEB_IQjRwIBw%26url%3Dhttps%253A%252F%252Fwww.pinterest.com%252Flaurazgcostanti%252Fricardo-y-carolina%252F%26bvm%3Dbv.150729734%2Cd.cGc%26psig%3DAFQjCNECB4zdE7TzBGf8WUn9GTF2G7YMug%26ust%3D1490753174566554&bvm=bv.150729734,d.cGc&psig=AFQjCNECB4zdE7TzBGf8WUn9GTF2G7YMug&ust=1490753174566554

El plano de 1864, Maximiliano de Hasburgo mandó a realizar la Avenida Paseo de Reforma, con un estilo europeo. La avenida Paseo de reforma antes se llamaba Paseo de la Emperatriz.

https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&ved=0ahUKEwip2NKzj_jSAhVK4YMKHZpjCPIQjRwIBw&url=https%3A%2F%2Fwww.pinterest.com%2Fpin%2F202521314470122460%2F&bvm=bv.150729734,d.cGc&psig=AFQjCNHO5Vo8r-9uCqm0HJ0K6zFWHLO5Jw&ust=1490753418134247

Antes de que se formara la Av. Reforma, la glorieta del caballito marcaba el final de la Ciudad de México y atrás había una plaza de toros y ya luego se realiza el proyecto de Reforma así conectando las zonas principales de la ciudad. 

https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwj81sj3lPjSAhWW3oMKHSuHA7kQjRwIBw&url=https%3A%2F%2Flaaldeadetauro.blogspot.com%2F2010%2F02%2Fla-corrida-del-5-de-febrero-una_05.html&bvm=bv.150729734,d.cGc&psig=AFQjCNFEGTyp2a7Va514hhORVkvchFoBHg&ust=1490754792917607

Este proyecto se convierte en uno de los más importantes para la población revolucionaria del siglo XX, se da en la época del porfiriato y una parte del siglo XX. Entonces Porfirio Díaz, manda a sembrar arboles en la Av.Reforma, se encarga de embellecer las calles como: las lamparas de luz de gas, se empieza a ver automóviles, pero aún es muy raro verlos, aún eran de carrozas.

https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwjPrMXElfjSAhUH64MKHdfgDDIQjRwIBw&url=https%3A%2F%2Fwww.tripadvisor.es%2FLocationPhotoDirectLink-g150800-d152798-i156678627-Paseo_de_la_Reforma-Mexico_City_Central_Mexico_and_Gulf_Coast.html&bvm=bv.150729734,d.cGc&psig=AFQjCNEEErdOK8tS6EcwKpbOVUEcxj-jjw&ust=1490755063030864

Final de siglo XIX Porfirio arreglo la Av Reforma, primeras glorietas. 

Se cuestiona , cuando realizan dos monumentos, ya que consideran a l rey , como un idiota y por esa persona que descrubre, trae problemas al país.

Carlos IV 

Sacaron la escultura y se puso en la calle , se convirtió importante , pero menos significativo. Se vuelve más arte que el significado que se quería expresar.

http://t.umblr.com/redirect?z=http%3A%2F%2Fwww.mexicomaxico.org%2FCaballito%2Fimages%2FCaballitoClaustro2.jpg&t=ZjZmYWRiZjFkZGNjYjkyNmFlZjUzOWYzYjBmN2I5MjY0ZjNiZWE5NSxuZWtRTjFSeA%3D%3D&b=t%3AXfZwrtqmM90wztObPUMcDg&p=https%3A%2F%2Fcultura-y-diseno-ii.tumblr.com%2Fpost%2F158761377990%2Fclase-del-dia-23-marzo-objetos-de-dise%C3%B1o-tienen&m=1

Cristobal Colón.

ponen un monumento de Colón, tiene una tarea civilizadora, conectar nuevos mundos, entonces simboliza el proyecto civilizatorio de la sociedad.

El suegro de Maximiliano de Habsburgo, Leopoldo I, decidió regalarle la estatua a México, pero por razones político-sociales, el proyecto no se concretó. Fue durante el mandato de Sebastián Lerdo de Tejada cuando Antonio Escandón propuso retomar la idea y se le solicitó al escultor francés Carlos Cordier su creación. Se inauguró en 1877, en el mismo lugar que Maximiliano había elegido años atrás.

https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwj5rMrXlvjSAhWk5oMKHXm7BkoQjRwIBw&url=http%3A%2F%2Fwww.mexicomaxico.org%2FReforma%2FreformaGlor.htm&psig=AFQjCNFO9FCXmRy6QtTi-T1KVdhg4kZFpg&ust=1490755375907436

Aparecen más automóviles en el siglo. 

http://adligmary.blogspot.mx/2012/07/dime-que-auto-tienes-y-te-dire-quien.html

El mexicano es contradictorio por naturaleza,siempre tendrá dudas por su identidad.

Se cuestionan esta parte,y se corrige, para ello se hace otra escultura, se realiza a Cuahtemoc

El 5 de mayo de 1878 fue colocada de la primera piedra y nueve años después, en 1887, el monumento fue inaugurado. Vicente Riva Palacio quiso rendir honor al último tlatoani mexica y el proyecto estuvo a cargo del arquitecto Francisco H. Jiménez y el escultor Miguel Noreña. A su alrededor hay ocho jaguares de bronce y lápidas con pasajes importantes de la vida del tlatoani.

https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwia-LOkl_jSAhWM54MKHQ-XBmsQjRwIBw&url=http%3A%2F%2Fwww.mexicomaxico.org%2FReforma%2FreformaGlor.htm&bvm=bv.150729734,d.cGc&psig=AFQjCNFUySF1Nc0XxYBKUt_rorRugJvBvA&ust=1490755536139194

Presidente Porfirio Díaz, para que no se vea tan mal la historia de patria, decidió mandar a realizar dos emperadores aztecas a la Av. Reforma, fue el hazme reir, realizaron unas esculturas mul malas, por ello se enviaron al metro indios verdes.

Fueron diseñadas por el escultor Alejandro Casarín en 1891. Son dos estatuas de bronce que representan a los reyes aztecas Izcóatl y Ahuízotl, comúnmente conocidos como los Indios Verdes debido a la pátina de ese color que se genera a causa de su exposición a las condiciones climáticas. Han cambiado de ubicación en cuatro ocasiones.

https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwjq8obOmPjSAhVo2IMKHTcOBiIQjRwIBw&url=http%3A%2F%2Fportalacademico.cch.unam.mx%2Falumno%2Fhistoriademexico1%2Funidad5%2FculturaMexicana%2FciudadMexico&bvm=bv.150729734,d.cGc&psig=AFQjCNFO9elpAVghu4_apVbXkh055Yy1iQ&ust=1490755820663099

En la actualidad...

https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwis7NznmPjSAhWh6oMKHaa_DTwQjRwIBw&url=https%3A%2F%2Fwww.youtube.com%2Fwatch%3Fv%3DXhoJINNjSV4&bvm=bv.150729734,d.cGc&psig=AFQjCNFlGxY7nPzbKBiMlknymNMPaay3rQ&ust=1490755918650963

En la época del Porfiriato, el caballito ilustraba el progreso de la Ciudad de México en los 60´s, muestra una arquitectura mejorada, arte popular, hace que el caballito se vuelva una cultura sin respeto.

http://t.umblr.com/redirect?z=http%3A%2F%2Fwww.mexicomaxico.org%2FReforma%2Fimages%2FPRef1904CabIndiosA1.jpg&t=NmVhZWExZWFkOThkYmExNTNhNGFlM2YzZTliNzk5OTAwZjY0NDcwMCxuZWtRTjFSeA%3D%3D&b=t%3AXfZwrtqmM90wztObPUMcDg&p=https%3A%2F%2Fcultura-y-diseno-ii.tumblr.com%2Fpost%2F158761377990%2Fclase-del-dia-23-marzo-objetos-de-dise%C3%B1o-tienen&m=1

https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwi94abqm_jSAhWj54MKHWxyCCQQjRwIBw&url=http%3A%2F%2Fwww.siempre.com.mx%2F&psig=AFQjCNE0zzd3jLpqAvq7s7NF5lmq30mp6w&ust=1490756702366662

Se realizan postales de Reforma

http://t.umblr.com/redirect?z=http%3A%2F%2Fi.imgur.com%2FDP5JZal.jpg&t=MGE2YjcxOWViN2Y2ODVjNTU5NDFhZjhjMWM4MjliOTZmNjc1ZGJlYixuZWtRTjFSeA%3D%3D&b=t%3AXfZwrtqmM90wztObPUMcDg&p=https%3A%2F%2Fcultura-y-diseno-ii.tumblr.com%2Fpost%2F158761377990%2Fclase-del-dia-23-marzo-objetos-de-dise%C3%B1o-tienen&m=1

postal de las olimpiadas

http://cloud10.todocoleccion.online/postales-mexico/tc/2010/06/11/19862542.jpg

En la actualidad, podemos comparar como ha ido evolucionando la Av.Reforma.

Panoramica del caballito glorieta

https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwj9p_XwnPjSAhXE6YMKHdH5D1QQjRwIBw&url=https%3A%2F%2Fsansanphoto.com%2F2014%2F07%2F11%2Fpanoramas-varios%2F&bvm=bv.150729734,d.cGc&psig=AFQjCNEYNhI_djOomCjPDW3vVspCX52q7A&ust=1490757038300665

Para proteger las esculturas y edificios, se creo el christo  instalaciones arte moderno- envuelven a los objetos para su cuidado.

https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwi3-vzZnfjSAhWh64MKHY_2DiAQjRwIBw&url=https%3A%2F%2Fsites.google.com%2Fsite%2Fcarmenechavarria1979%2Fmi-blog&bvm=bv.150729734,d.cGc&psig=AFQjCNGBJu5KGgeFpDzblvvCvGV68Ffu3w&ust=1490757233823664

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No hay diseño neutro , siempre hay una contaminación ideológica, uno piensa para el gusto y no para la abstracción.

Mezcla de estilos en monumento de Cuahutemoc.

Leonas emplumadas, no se ve, solamente en México, leona con su penacho (azteca)

http://www.mexicomaxico.org/Reforma/images/GLORIETAS/GlorietaCuauhtemocJackson1887.jpg

Se ha transformado el significado del monumento del angel , ha sido tomado para celebrar, bodas, XV, marchas , protestas, ha sido usado para todo.

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Y ahora...

https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwid5dPCn_jSAhVs04MKHXc1A58QjRwIBw&url=http%3A%2F%2Fwww.fotovideo.com.mx%2Festudio.html&psig=AFQjCNHhFeQBGJMP4UKxc-cMBpwZ35envQ&ust=1490757682515454

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https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwjfkfvin_jSAhUG0oMKHe3jBfsQjRwIBw&url=http%3A%2F%2Frazon.mx%2Fspip.php%3Farticle322629&psig=AFQjCNHrvTn90KGvaURmvK_z-Wp5kj7BDA&ust=1490757773679981

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Podemos decir que, cada objeto es creado con un proposito, con una cultura, ya depende de la sociedad si quiere aceptarla y respetarla. Y no como se ha visto en México que no se respeta a los objetos culturales, ya que, han sido adaptados y usados para otros motivos insignificantes. No podemos separar la cultura de los objetos, pero si transformarla en otro significado que no era el establecido. 

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Exvotos

Una vieja tradición de arte popular llena de ángeles, milagros y extraterrestres.

Los exvotos mexicanos son representaciones del arte popular, se trata de pequeños dibujos que son donados a las iglesias como un agradecimiento por algún favor recibido o para documentar un milagro religioso perpetuado por un santo, una virgen o un ángel.

En ellos se pueden encontrar todo tipo de historias, desde agradecimientos por haber sobrevivido a una herida, una enfermedad o un accidente, hasta relatos de visitas de seres paranormales o extraterrestres.

[cultura-y-diseno-ii]

Comparación de Oficios de Linati

Podemos observar como estos oficios que presenta Linati a traves de pinturas, dibujos y fotografias ha plasmado los oficios de los mexicanos su epoca. Si vemos estos oficios y los comparamos con los oficios actuales, podemos ver que han evolucionado algunos, y es gracias a la tecnología.

Las siguientes imágenes que son acerca de los grabados de Linati, son encontradas en la siguiente url:

https://archive.org/stream/trajescivilesmil00lina#page/n251/mode/2up

https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwjropjNovjSAhUBxoMKHdOABvsQjRwIBw&url=https%3A%2F%2Fwww.pinterest.com%2Fpin%2F376965431290890938%2F&psig=AFQjCNFKVYwnDIPKoPvuc3Te79MZBrVtcw&ust=1490758576427711

Foto: UAM Azcapotzalco.

https://archive.org/stream/trajescivilesmil00lina#page/n251/mode/2up

Ubicación: Santa Mónica

https://archive.org/stream/trajescivilesmil00lina#page/n251/mode/2up

Ubicación: Atizapán

Ubicación: Atizapán

Ubicación: Atizapán

Ubicación: Atizapán

Podemos ver como aún hay lugares que continuan siendo religiosos, poniendo centros religiosos.

Ubicación: Bachilleres 1

Ubicación: Azcapotzalco

Ubicación: Atizapán

Ubicación: Atizapán

Así influyendo la religión en el comercio, esto ocasiona que la gente religiosa compre cosas “relgiosas”, beneficiando al comercio mexicano por medio de manipulación religiosa.

La sociedad ha evolcionado, al nivel de colocar lugares, llamados “locales”, para poder vender su mercancia. 

Ubicación: Atizapán

Ubicación: Satélite

Ubicación: Atizapán

Ubicación: Atizapán

Ubicación: Atizapán

Ubicación: Atizapán

Ubicación: Satélite

Hay oficios que aún no han evolucionado, como : 

Pedir dinero en la calle

https://archive.org/stream/trajescivilesmil00lina#page/n251/mode/2up

Pelea de gallos.

https://archive.org/stream/trajescivilesmil00lina#page/n251/mode/2up

El oficio del Presidente de la República actualmente.

https://archive.org/stream/trajescivilesmil00lina#page/n251/mode/2up

https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwi8lcuHovjSAhWm24MKHS6vBvsQjRwIBw&url=http%3A%2F%2Fwww.lja.mx%2F2017%2F01%2Fdesplegado-enrique-pena-nieto%2F&bvm=bv.150729734,d.cGc&psig=AFQjCNFKEQ6P3NunG3qMAL20NSsiCkxiUQ&ust=1490758427752177

[cultura-y-diseno-ii]

México Moderno -Todas las imágenes tienen una fuente: PintMex_sXIX(TI-12) , Presentación del profesor.-

Academia de San Carlos es la primera escuela de arte en América el arte europeo llega a México en el siglo XVI XIX El país teniendo variedad de culturas, en la época novohispana, las primogénitas, entraban al convento y esto era debido a la religión, portaba con joyas que representaban la religión, como la corona, la vestimenta, elegida por Dios, se volvían un símbolo de castidad.

Cristóbal de Villalpando, pintó la plaza mayor, con detalles muy específicos e interesantes, ya que esta pintura fue realizada en memoria al gran incendio en el ala sur del palacio en 1692.

Cristóbal de Villalpando (c 1649 – 1714): La plaza mayor, 1702-1704

Imagen tomada del libro: México en el mundo de las colecciones de Arte. Nueva España 2, México, UNAM/SRE/ Conaculta/Grupo Azabache, 1994, pp. 10-11.

Podemos observar la construcción en proceso como la Catedral. Las vestimentas de las personas eran específicas para cada clase social, así teniendo cierta identidad en cada uno de ellos.

Juan Antonio Prado, atribuido (c 1649 – 1714)

La Plaza Mayor de México, s. XVIII

Otros títulos: Anónimo, Salida en público del Marqués de Croix, virrey de la Nueva España, en su primera visita a la Catedral, ca. 1766

Óleo sobre tela, 212 x 266 cm

CNCA, INAH, Museo Nacional de Historia

La Alegoría de la Patria, muestra como dos culturas (mexicana y española), son unidas mediante una representación de diferentes banderas, el águila que es un símbolo mexicano agarrando una corona (símbolo europeo).

Expresando dos países unidos.

Anónimo

siglo XIX

Alegoría de la Patria

ca. 1821

Óleo sobre tela

160 x 109 cm

Colección Particular

En esta pintura, tan confusa, el cómo hay un choque entre culturas, como representan a los personajes como: los prehistóricos, españoles, indígenas. Entonces realmente no le da un sentido a la pintura. Ya que es una coronación, y no muestran un interés las demás personas que se encuentran en la pintura. Es como el pasado, el presente y el futuro en la pintura, pero ninguna tiene una relación concisa.

Anónimo

Puesto de mercado

siglo XVIII

Oleo sobre tela

Imagen tomada del libro: Guadalupe Jiménez Codinach, México, su tiempo de nacer, 1750-1821, México, Fomento Cultural Banamex, 1997, p. 75.

PINTURAS DEL SIGLO XIX 

En este lapso del siglo XIX, El 21 de enero de 1858 Benito Juárez toma posesión de la Presidencia.

Se empieza a pintar la vida cotidiana en México, y ya no acerca de la conquista.

Los bodegones del siglo, muestran una variedad de objetos, animales y vegetación.

Como también, se empieza a pintar a las mexicanas,de unamanera más realista y no como las pintaban los españoles, con idea completamente diferente.

Las Academias durante el siglo XIX

Academia de San Carlos es la primera escuela de arte en América.

Otro artista , fue el pintor Pelegrín Clavé, fundó una escuela , y dio clases de pintura a los mexicanos 

Si vemos el arte desde otra perspectiva, desde el ámbito de la clase social.

Para acabar con el siglo XIX, Benito Juarez ordenó a la Academia San Carlos, que pintaran del tema nacional y ya nada de lo europeo.

La Escuela indigenista (1867 - 1898)

La tradición criolla y la incorporación del indio a la sociedad novohispana

La etapa liberal: 

la construcción del indio como referente de la historia nacional

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INTRODUCCIÓN

En este blog, lograrás obtener un poco de conocimiento comparado en lo que hay en los libros y especialmente en los museos y galerías de arte. Entonces te proporcionaré un resumen de nuestro México, en el tema del arte.

¿Desde cuándo ha existido el arte en nuestro país?

Si quieres obtener una respuesta, te invito a que leas estos pequeños resúmenes de México, apreciarás el arte desde su prehistoria hasta la actualidad y verás sus avances y retrocesos mientras se desarrolla a través de los años.

Conocerás el arte de México, desde el obligado y adoptado arte, hasta el arte propio de México, podrás apreciarlo en diferentes ámbitos, como la arquitectura y sus estilos, la pintura y sus técnicas, la escultura, la literatura, la fotografía, la litografía.

A través que te vayas adentrando a estos textos, entenderás, como la política, la clase social, la economía ha afectado al arte en México.

Conocerás artistas mexicanos, como al igual extranjeros que vinieron a México, a aportar y obtener conocimientos del arte mexicano.

Concluyendo con esta introducción, te dejo a que te adentres y te atrevas a conocer un poco de nuestro México.

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Arte Barroco en México (contiene los ejercicios 3 y 5)

 ARQUITECTURA

El barroco es una corriente artística que surge en Italia entre en renacimiento y el neoclásico que abarca el año 1600 hasta el año 1750.

Se suele decir que el Arte Barroco es el arte de la Contrarreforma.

La tendencia del barroco es a la exageración y la ostentación.

Otra de las características del barroco que se manifiesta en la arquitectura, escultura y la pintura es el juego de las sombras.

En la estética del barroco, son muy importantes los contrastes claros y oscuros drásticos.

Templo San Francisco Acatepec,San Andrés Cholula,Puebla,México

https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwirqe_mpODSAhWh2YMKHexgCNgQjRwIBw&url=http%3A%2F%2Fwww.taringa.net%2Fposts%2Farte%2F17842354%2FNueva-Espana-Caracteres-del-barroco-mexicano.html&psig=AFQjCNER0LquHdpYAiYQB6r7S448Z1QYQA&ust=1489934450303638

https://es.slideshare.net/santorino342/arte-de-mexico

En la arquitectura se dan las superficies onduladas, las plantas elípticas y las trabazones interrumpidas, acompañadas de una exageración de la monumentalidad.

La arquitectura barroca española influyó activamente en América del Sur y contó entre sus principales figuras representativas a José de Churriguera (retablo de San Esteban de Salamanca), a José de Ribera y a los arquitectos del siglo XVIII como Hipólito Rovira, Casas Novoa y Leonardo de Figueroa.

Entre sus manifestaciones se destacan la catedral de la Ciudad de México, la basílica de Guadalupe, la fachada del Sagrario de la catedral, la capilla del Pocito y las iglesias poblanas, en México, y en el Perú una arquitectura en la que se entre mezclan el empleo de la columna salomónica con la hojarasca decorativa indígena.

El barroco en México es conocido como el barroco novohispano y apareció en México a finales del siglo XVI, y se preservó hasta mediados del siglo XVIII. Los estados que destacan en este arte son Hidalgo, Querétaro, Morelos, Oaxaca, Puebla y la Ciudad de México.

CATEDRAL DE MEXICO

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Ubicado en la Plaza de la Constitución, en el centro histórico de la Ciudad de México. Las medidas aproximadas de este templo son 59 metros de ancho por 110 de largo y una altura de 60 metros hasta la cúpula.

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Catedral de mexico cúpula

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LA FE, LA ESPERANZA Y LA CARIDAD

La fachada está elaborada con mármol y en ella se encuentran representaciones de las tres virtudes teologales: la Fe, la Esperanza y la Caridad. La Fe sostiene una cruz, la Esperanza un ancla y la Caridad sujeta a dos niños.

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EL ALTAR DEL PERDON

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 CAPILLA DE LA INMACULADA CONCEPCIÓN

      https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwjWkoinpuDSAhUH6YMKHc6pAnYQjRwIBw&url=https%3A%2F%2Fwww.youtube.com%2Fwatch%3Fv%3DwYqVYwBKN-o&bvm=bv.149760088,d.amc&psig=AFQjCNHia8d_TvskRvgxj86mZpMKjDKFuQ&ust=1489934934335381

ALTAR DE LOS REYES

https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwik68TDpuDSAhXH54MKHRAEDjQQjRwIBw&url=https%3A%2F%2Fes.wikipedia.org%2Fwiki%2FTonantzintla&bvm=bv.149760088,d.amc&psig=AFQjCNHBWO9FyTWjKfj2U7Ms_NFS03OSkg&ust=1489934977581293

https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwjNlsqRp-DSAhVD_4MKHRoUBPMQjRwIBw&url=http%3A%2F%2Fasignaturaestpue.blogspot.com%2F2015%2F03%2Fbarroco-indigena-en-santa-maria.html&bvm=bv.149760088,d.amc&psig=AFQjCNFklOfalbp8a1QCNB3b2us-VwqmuA&ust=1489935125943170

Tonantzintla viene de las palabras en náhuatl lo, que significan "nuestro" o "nuestra", nantzin, el sufijo "tzin" denota nobleza, lo que viene a significar "señora madre", y tla, que significa "junto/ a" o "lugar de". Por lo tanto, Tonantzintla significa en conjunto "Lugar de nuestra señora madre”

.Es el templo principal del pueblo, visitado anualmente por cientos de turistas mexicanos y extranjeros. Su construcción se inició en el siglo XVI.

Para finales del siglo XVII contaba ya con crucero, cúpula, sacristía y altar mayor, y fue precisamente por esas fechas que se iniciaron las labores decorativas con estuco. Se considera cuatro etapas en la construcción del templo que abarca del siglo XVI al XIX.

El decorado del interior del templo corresponde al estilo barroco indígena o barroco novohispano, consistente de una exuberante decoración con motivos indígenas, tales como ángeles con penachos de plumas, con guirnaldas de flores, con atuendos de caballero águila y con rasgos indígenas, frutas y plantas. Todo esto muestra una mezcla entre el mundo prehispánico y el mundo cristiano.

https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwjl64ewp-DSAhVq4YMKHesMA3gQjRwIBw&url=http%3A%2F%2Fwww.oaxacatravel.com.mx%2F&bvm=bv.149760088,d.amc&psig=AFQjCNGPrKtLs6K_gTHPV5h5YUqLUa6QhA&ust=1489935195433728

LA CAPILLA DEL ROSARIO EN LA IGLESIA DE SANTO DOMINGO

La iglesia se construyó a mediados del siglo XVII.

Es de estilo tardo manierista, con abundantes añadidos barrocos en su decoración, es obra de Antón Martín Calafate y Bartolomé Ruiz. Es de planta de cruz latina, con cubierta de bóveda de cañón en la nave central y de arista en las laterales, el crucero está cubierto por una cúpula sobre pechinas.

La portada lateral, en mármol, presenta una hornacina para la Virgen del Rosario.

La torre, de doble fachada, con planta cuadrangular en su base, presenta una planta octogonal en el cuerpo de campanas, que aparece cubierto por una cúpula. En la cabecera, un saliente poligonal del ábside indica el lugar del camarín de la patrona de la ciudad.

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https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwjByfH7p-DSAhUkxoMKHYvHCzsQjRwIBw&url=http%3A%2F%2Fwww.akimero.com.mx%2Ftemplo-de-santa-prisca-de-taxco%2F&bvm=bv.149760088,d.amc&psig=AFQjCNF_0-gnEOf6izTd93v91sQ0OT1zAw&ust=1489935374504745

IGLESIA DE SANTA PRISCA

Se trata de un edificio construido en la década de 1750 (más precisamente, entre los años 1751 y 1758), dedicado para el culto católico en esa población cuya principal actividad fue y sigue siendo la minería de la Plata.

La construcción fue ordenada por el minero catalán José de la Borda, uno de los más prósperos de la región taxqueña por el siglo XVIII.

Los temas centrales de la construcción son: la patrona Santa Prisca, San Sebastián, los evangelistas, las conchas (que simbolizan el bautismo de Jesús), las hojas de laurel (que simbolizan el triunfo de la fe) y las uvas, que representan la sangre de Cristo.

https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwjJ6LKRqODSAhVh7YMKHYrwBNkQjRwIBw&url=http%3A%2F%2Fexploraoaxaca.mx%2Ftemplo-de-santo-domingo%2F&bvm=bv.149760088,d.amc&psig=AFQjCNEaBZX_5DkUtwBxiRChlLvGdzMZGg&ust=1489935417467144

https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwjpgcOwqODSAhVh64MKHe7xCNoQjRwIBw&url=https%3A%2F%2Fes.viator.com%2Fes%2F7380%2Ftours%2FOaxaca%2FOaxaca-City-Sightseeing-Tour-Temple-of-Santo-Domingo-de-Guzman-Oaxaca-Regional-Museum-and-Benito-Juarez-Market%2Fd23876-6181OAXCITY&bvm=bv.149760088,d.amc&psig=AFQjCNEaBZX_5DkUtwBxiRChlLvGdzMZGg&ust=1489935417467144

El Templo de Santo Domingo de Guzmán de la ciudad de Oaxaca de Juárez

Es un ejemplo de la arquitectura barroca novohispana.

Los primeros proyectos de construcción del edificio datan del año 1551, en que el Ayuntamiento de la Antequera de Oaxaca cedió a la Orden Dominica un total de veinticuatro lotes para la construcción de un convento en la ciudad.

Santo Domingo es un complejo arquitectónico que, a pesar de seguir siendo utilizado religiosamente, es la sede del Museo Regional de Oaxaca.

https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwjxsP6DqeDSAhXo5oMKHbdeCq4QjRwIBw&url=https%3A%2F%2Fwww.mexicodestinos.com%2Fblog%2F2012%2F05%2Ftour-basilica-guadalupe-piramides-teotihuacan%2F&bvm=bv.149760088,d.amc&psig=AFQjCNGQvRprk_t4FZvWGN4j2WUJ7I_RCQ&ust=1489935610658491

https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwi0sb6XqeDSAhVK0oMKHfDVCDkQjRwIBw&url=http%3A%2F%2Fwww.altamurafilms.com%2Fphotos.html&bvm=bv.149760088,d.amc&psig=AFQjCNEbHN97iRWN9YqIJnHvz4xdQRihOg&ust=1489935686426763

Basílica de Guadalupe

La primera basílica dedicada a la Virgen de Guadalupe fue edificada por el arquitecto Pedro de Arrieta, comenzando su construcción en marzo de 1695. El día 1 de mayo de 1709 abrió sus puertas, con un solemne novenario.

En 1749 recibió el título de colegiata, es decir, que sin ser catedral, posee su propio cabildo. Su portada es exenta y simula un biombo, las cuatro torres octagonales de sus esquinas (coronadas con talavera amarilla con cenefa azul, lo mismo que la cúpula del crucero) tienen un significado asociado a la Nueva Jerusalén, la Jerusalén de oro, mencionada en el Apocalipsis

La basílica de Santa María de Guadalupe, llamada oficialmente Insigne y Nacional Basílica de Santa María de Guadalupe, es un santuario de la Iglesia católica, dedicado a la Virgen María en su advocación de Guadalupe, ubicado al pie del Cerro del Tepeyac en la delegación Gustavo A. Madero de la Ciudad de México. Pertenece a la Arquidiócesis Primada de México por medio de la Vicaría Guadalupana que desde 2010 se encuentra al cuidado de Enrique Glennie Graue quien tiene el título de Vicario General y Episcopal de Guadalupe y Rector del Santuario.

PINTURA

Las obras eclesiásticas eran, evidentemente las más importantes, no sólo por sus dimensiones sino porque tenían mayor apoyo, sobre todo gracias a las clases más poderosas económicamente. Los primeros artistas que destacan en México eran europeos: Peyrens, Andrés de la Concha y Baltazar Echave. Sus obras son de tendencia religiosa.

Y por esto los primeros pintores barrocos nacidos en México son hijos de los anteriores y, como ellos, pintan la vida de los santos, que es una clara característica del Barroco.

Posteriormente, Velasco, Villalpando y Correa, incursionan en los mismos temas. Su estilo es claramente barroco y simbólico.

Entre los pintores más importantes del XVII podemos citar a Baltasar Echave Rioja, seguidor de Murillo y Rubens, que pintó, por sólo citar un par de sus obras el Martirio de san Pedro de Arbués que le solicitó el Santo Oficio y los Tributos de la Eucaristía, la Fe y la Iglesia.

José de Juárez, fue otro de los artistas de gran notoriedad en aquel periodo.

Juan Correa, trabajó intensamente de 1671 a 1716 y alcanzó gran prestigio y fama por la calidad de su dibujo y la dimensión de algunas de sus obras.

Entre las más conocidos: Apocalipsis en la Catedral de México, La conversión de Santa María Magdalena, hoy en la Pinacoteca Virreinal y Santa Catarina y Adán y Eva arrojados del paraíso, este último en el Museo del Virreinato de Tepoztlán.

Juan Correa,  fue un pintor novohispano, activo entre 1676 y 1716. Su pintura abarca temas religiosos tanto como profanos. Se considera que una de sus mejores obras es la Asunción de la Virgen de la Catedral Metropolitana de la Ciudad de México; varias de sus obras de tema guadalupano llegaron a España, en Antequera (Málaga) existe una colección interesante en el Museo de la Ciudad sobre este pintor con pinturas relacionadas con la Virgen María; también pintó temas guadalupanos en Roma (1669).

https://www.google.com.mx/search?q=Templo+San+Francisco+Acatepec,San+Andr%C3%A9s+Cholula,Puebla,M%C3%A9xico&source=lnms&tbm=isch&sa=X&ved=0ahUKEwiovem8pODSAhUS0mMKHT7bDBIQ_AUIBigB&biw=1366&bih=662#tbm=isch&q=pinturas+de+juan+correa&*

EJERCICIO 3 - BODEGONES

FOTOS REALIZADAS POR SU SERVIDORA. 

Un bodegón, también conocido como naturaleza muerta, es una obra de arte que representa objetos inanimados, generalmente objetos cotidianos que pueden ser naturales (animales de caza, frutas, flores, comida, plantas, rocas o conchas) o hechos por el hombre (utensilios de cocina, de mesa o de casa, antigüedades, libros, joyas, monedas, pipas, etc.) en un espacio artificial determinado.

Esta rama de la pintura se sirve de un exquisito arreglo, colores y de una iluminación fina para producir un efecto de serenidad, bienestar y armonía.

Con orígenes en la antigüedad y muy popular en el arte occidental desde el siglo XVII, el bodegón da al artista más libertad de acción en la colocación de elementos de diseño dentro de una composición que otros géneros pictóricos, como el paisaje o los retratos.

Los bodegones, particularmente antes de 1700, a menudo contenían un simbolismo religioso y alegórico en relación con los objetos que representaban.

Ejemplos de un bodegón en la actualidad:

LITERATURA

En la literatura barroco novohispana.

El rasgo quizá más acusado es el contraste. Este claroscuro, que en las obras se manifiesta como paradoja, contradicción y utilización de lo real y lo fantasioso.

Dentro de los escritores más destacados están: Sor Juana Inés de la Cruz y Juan Ruiz de Alarcón.

Miguel Cabrera

(1695 – 1768)

Sor Juana Inés de la Cruz, 1750

óleo sobre tela, 207 x 150 cm

- Museo Nacional de Historia -

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MÚSICA

En cuanto a la música, sobresalen grandes compositores en Europa que influyeron en la Nueva España como: J.S. Bach, F. Händel, A. Vivaldi, T. Albinoni, cuyas importantes obras fueron interpretadas en las muchas celebraciones religiosas y profanas de la época.

Los músicos en México también trabajaron especialmente para la iglesia, escribiendo partituras de la más diversa índole y copias de aquellas obras que se interpretaban en el órgano. Antonio Sarrier, fue autor de varias piezas en tres movimientos a las que llamó oberturas, que culminaban con lo que en cuestión musical fue la vanguardia de la época: una fuga.

Juan Matías, de origen indígena fue también compositor y maestro de capilla en la sede diocesana se Oaxaca y autor de un Tratado de Armonía.

Antonio de Salazar, maestro de capilla de la Catedral de México.

ARTE NEOCLÁSICO

LA INDEPENDENCIA 1810-1821

->CAUSAS:

INTERNAS

El desarrollo de la identidad novohispana y el nacionalismo criollo.

Desesperación de los indígenas, mestizos y castas que estaban cansados de la explotación.

EXTERNAS

Las ideas de la ilustración.

Las experiencias revolucionarias de las 13 colonias.

Una Guerras Europeas y conflictos políticos de España.

->DESARROLLO:

Los criollos organizaron conspiraciones en las que planeaban como quitarle el a los peninsulares.

Fue descubierta la conspiración de. Querétaro, por lo que se adelantó la fecha del movimiento.

La independencia estalló la madrugada del 16 de septiembre de 1810.

En el inicio su principal líder fue Hidalgo y a su fin fue Morelos.

->CONSECUENCIAS:

Hidalgo abolió la esclavitud y decreto a la abolición del tributo y la restitución de las tierras a los indígenas.

Se redactó la primera la constitución de nuestro del país (Constitución de levantamiento. Apatzingán).

Después de la muerte de Morelos, la guerra de la independencia se estancó, pues se convirtió

En una guerra de guerrillas poco coordinadas entre ellas, y así termina en 1821.

ACADEMIA DE SAN CARLOS

Por otra parte la Nueva España no solo fue modificando su pensamiento religioso, sino también su economía, ya que el liberalismo económico centro-europeo fue exigiendo  cada vez mayor control  sobre la producción, comercialización y administración de la riqueza generada en el país,  ante este cambio también se modificó el modelo de enseñanza,  que a partir de entonces  se dedico a formar profesionales capacitados para resolver las novedad tanto económica como urbana y artística.

Es así como se rompe el antiguo esquema gremial  y el aprendizaje de “maestro-aprendiz” cambia dando paso a las escuelas y academias que de ahora en adelante podrían capacitar a un mayor número de alumnos tanto de disciplinas técnicas como artísticas.

Dentro de este contexto es como surge la Academia de Bellas Artes de San Carlos en 1783, la cual fue la primera institución de su género  no solo de México, sino también de  toda América; como ya sabemos la escuela se dedicó a la enseñanza de las nobles artes; es decir, la pintura, la escultura, el grabado y la arquitectura.

https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwis3LCWquDSAhVh6oMKHSzPB1UQjRwIBw&url=https%3A%2F%2Fsites.google.com%2Fsite%2Fcamiloleslie%2Fla-arquitectura-neoclasica-en-mexico&bvm=bv.149760088,d.amc&psig=AFQjCNGo4bEROZGAwhWsd_hhLY5tX3BOkA&ust=1489935959620000

http://www.fad.unam.mx/historia.php

https://es.slideshare.net/santorino342/arte-de-mexico

Detalle del patio interior de la Academia , remozado en el sigli XIX por Cavallari.                                      

                                                    1781

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La Academia de San Carlos es considerada la primera escuela de arte en el continente americano, fue fundada el 4 de noviembre de 1781 y a partir de entonces se comenzaron las clases en la Antigua Casa de Moneda, bajo el nombre de Academia de las Tres Nobles Artes de San Carlos: arquitectura, pintura y escultura. En 1791 fue reubicada en lo que había sido el Hospital del Amor de Dios, en el Centro Histórico de la Ciudad de México, donde permanece hasta hoy.

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El auge de la Academia de San Carlos transcurrió en los siglos XVIII y XIX mediante la producción de pintura, escultura, dibujo, así como la arquitectura de iglesias y centros educativos.

A finales del siglo XIX y principios del XX, la Academia vivió momentos históricos importantes, como lo fue el inicio del muralismo mexicano y el rompimiento de su enseñanza clásica y ortodoxa, ésto después de una huelga encabezada por Gerardo Murillo que propició una nueva etapa moderna de enseñanza.

La academia tardó en desenvolverse.

En 1796 se enviaron trabajos de 11 alumnos (se incluyeron también de ex alumnos), a un concurso que se realizó en la Academia de Madrid, y las opiniones del jurado fueron bastante desfavorables; en relación con pintura y escultura se dijo que deberían tomarse mejores modelos para copiar y no amaneradas estampas francesas, y en cuanto a los futuros arquitectos se criticó la falta de principios fundamentales en dibujo, proporciones y ornato.

En conocimientos técnicos parece que estaban peor: en 1795 y 1796 la Academia es consciente de sus problemas e informa al virrey que la enseñanza sería más efectiva si además de copiar a Vitruvio y el palacio de Caserta aprendieran la técnica de las monteas, cálculo de arcos y bóvedas, materias de construcción, "formación de cimbras, andamios y demás cosas pertenecientes a la práctica."

Si bien desde su fundación la Academia no contaba con suficientes recursos económicos, con las guerras de independencia empeoró. En 1811 dejaba de percibir la real dotación y en 1815 sus dos más fuertes contribuyentes, minería y el consulado, suspenden también sus entregas. Entre 1821 y 1824 no hubo más remedio que cerrar la Academia.

                                                  1929

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En 1929 la Universidad Nacional de México, a la cual pertenecía la Academia desde 1910, obtuvo su autonomía, convirtiéndose así, en la Universidad Nacional Autónoma de México, como resultado, la Academia se dividió en la Escuela Nacional de Arquitectura, que se trasladó a Ciudad Universitaria en 1953, y la Escuela Central de Artes Plásticas, la cual cambió su nombre a Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP) en 1933.

Los artistas que se han engrandecido en el arte mexicano han pasado por ahí aún antes de la independencia de México. Algunos de los alumnos que cursaron por La Academia de San Carlos son Miguel Cabrera, Rodrigo Gutiérrez y Hermenegildo Bustos, cuya obra y técnica se fueron desarrollando hasta llegar a ser grandes artistas del arte moderno mexicano.

Hermenegildo Bustos

Retrato de Dolores Hollos , Museo Andres Blaisten, 1864. Oleo sobre tela. 35.5 x 25.5 cm sobre lámina, de amigos y vecinos.Murio en 1907.

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Hermenegildo Bustos nacio en 1832 cerca de Leon Guanajuato y Estudio con el pintor Herrera. Es considerado uno de los artistas regionales. Produjo esculturas religiosas y programas murales para su parroquia; diseñó máscaras para festividades religiosas, pintó retablos, y cientos de pequeños retratos, usualmente en óleo

Rodrigo Gutiérrez

Rodrigo Gutiérrez (1848-1903) 

El senado de Tlaxcala, 1875 

Óleo sobre tela 191 x 232.5 cm Sala 21

http://www.munal.mx/micrositios/placeryorden/descargables/ExposUniversales.pdf

Rodrigo Gutiérrez es considerado como uno de los “artistas educados”. Es un Ilustrador del neoclásico en México. Su obra más conocida es el Senado de Tlaxcala que mezcla las tradiciones indígenas y romanas.

El senado de Tlaxcala. 1875 se encuentra en el Museo Nacional de Arte. En esta pintura la representación del pasado indígena experimentó un cambio sustantivo. En esta obra se puede ver la defensa de la patria. Aquí sobresale la figura de Xicoténcatl el Joven, quien levanta la voz para rechazar la propuesta de colaborar con la invasión española encabezada por Hernán Cortés. En esta obra podemos ver claramente que el indígena se vuelve el protagonista.

Miguel Cabrera

Miguel Cabrera

(1695 – 1768)

Sor Juana Inés de la Cruz, 1750

óleo sobre tela, 207 x 150 cm

- Museo Nacional de Historia -

https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwizm7TCquDSAhVL6YMKHRDIBg4QjRwIBw&url=https%3A%2F%2Fes.wikipedia.org%2Fwiki%2FMiguel_Cabrera&bvm=bv.149760088,d.amc&psig=AFQjCNHMWyPNxvPNLFzDiEaox7LNxmfo6A&ust=1489936064572105

Nació en Oaxaca, Oaxaca, el 27 de mayo de 1695. Su nombre completo fue Miguel Mateo Maldonado y Cabrera. Este artista define mejor que ningún otro el que hacer plástico de mediados del siglo XVIII y destaca en el género del retrato y como pintor costumbrista. La mayoría de estos retratos son de personajes de la religión. El tema mariano, y más concretamente la Virgen de Guadalupe ocupa la mayor parte de sus obras. Trabajó para el arzobispo José Manuel Rubio y Salinas, quien después lo nombró su pintor de cámara.Falleció el 16 de mayo de 1768, en la Ciudad de México.

Una de sus obras mas famosas es el Retrato de Sor Juana Inés de la cruz. Este famoso retrato se encuentra en el Museo Nacional de Historia.

El neoclásico en el Virreinato (1783-1810)

Las características principales en esta etapa fueron las siguientes:

El programa de enseñanza era único y era sancionado por la monarquía, para poder así reglamentar los talleres impartidos en la Academia  garantizando la formación profesional de acuerdo a los estándares neoclásicos.

Los académicos enjuiciaban cada proyecto que se pretendía construir, autorizando solo aquellos que cumplían adecuadamente la morfología del neoclásico.      

Se utilizaba el dibujo de imitación como disciplina visual que permitiera el dominio de la repetición (haciendo a un lado la capacidad creativa del autor).

Se tomaron como base las culturas griega y romana para la unificación estilística de la arquitectura.

Las escalas y proporciones de las edificaciones siempre estaban acorde a los cánones de la arquitectura clásica.

Si bien, podemos notar que en esta etapa, el naciente neoclásico orilló a la Academia  a forzar  a sus estudiantes, no sólo  a adoptar una ideología donde se realizarían copias tanto de esculturas  y pinturas de órdenes clásicos, sino también,  para lograr como objetivo final el refinamiento de la capacidad imitativa de los futuros profesionales.

También se debe mencionar que en esta etapa, la pérdida del poder de la iglesia, trajo consigo la desaparición de las magnas obras religiosas que caracterizaron al siglo XVIII, dando paso a una seria de construcciones acorde con el nuevo sistema económico como por ejemplo, la construcción de fabricas, almacenes y fortificaciones militares (aunque no se detuvo por completo la construcción de edificaciones religiosas).

Por otra parte, la arquitectura urbana realizada durante este periodo, no abandona por completo los esquemas compositivos tradicionales anteriormente usados, ya que conserva  el patio central como parte fundamental en la distribución periférica de locales y las iglesias siguen sosteniendo su trazado en base al eje direccional acceso-presbiterio.

Como figuras importantes de esta primera etapa del neoclásico podemos mencionar:

El arquitecto y escultor valenciano Manuel Tolsá (1757-1816), con obras de suma importancia como el Hospicio Cabañas de Guadalajara, el Palacio de Minería y la Casa de Pérez Gálvez o de los Condes de Buenavista (actual Museo de San Carlos) ambos situados en la ciudad de México.

https://es.slideshare.net/santorino342/arte-de-mexico

https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwiVoOTUquDSAhUI44MKHZ4kB7kQjRwIBw&url=http%3A%2F%2Fwww.mexicoescultura.com%2Frecinto%2F55880%2Fpalacio-de-mineria.html&bvm=bv.149760088,d.amc&psig=AFQjCNHOty52AaNl5Bhb_tJbDQvl5IGMkg&ust=1489936104827071

Palacio de Minería de la ciudad de México, obra maestra de la arquitectura neoclásica, diseñada y construida por el escultor y arquitecto valenciano Manuel Tolsá, está considerado como el mejor exponente de la arquitectura neoclásica en México y como uno de los mejores ejemplos de esta corriente arquitectónica en el continente americano.

La historia del Palacio de Minería, se remonta a 1793 cuando el Real Colegio de Minas de la Nueva España adquirió el predio donde ahora se asienta este edificio con la ayuda del Segundo Conde de Revillagigedo, don Juan Vicente Guemes Pacheco y Padilla, encargando el proyecto y la construcción del mismo al destacado arquitecto Manuel Tolsá, así como de la última etapa de construcción de la Catedral  Metropolitana de la Ciudad de México. El Palacio de Minería fue uno de los primeros edificios diseñados ex – profeso para la enseñanza de la ingeniería y la metalurgia, situación que adquiere mayor relevancia si recordamos que la minería era la principal actividad económica de la Nueva España y unas de las principales Fuentes de riquezas del Imperio Español.

Manuel Vicente Agustín Tolsá y Sarrión (Enguera, 4 de mayo de 1757 - Ciudad de México, 24 de diciembre de 1816) fue un reconocido arquitecto, ingeniero y escultor español, que vivió y desarrolló su actividad en la Nueva España (hoy México) desde 1791 hasta su muerte, en donde quedo encargado como Director de Escultura de la Academia de San Carlos.

https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwjbl_XbquDSAhUB54MKHRpwC4YQjRwIBw&url=http%3A%2F%2Fwww.thehistoryblog.com%2Farchives%2Fcategory%2Fsocial-policy&bvm=bv.149760088,d.amc&psig=AFQjCNHOty52AaNl5Bhb_tJbDQvl5IGMkg&ust=1489936104827071

Estatua ecuestre de Carlos IV llamada "El Caballito" en la Plaza Tolsá, frente al Museo Nacional de Arte.

Y el arquitecto, pintor y poeta Francisco Eduardo Tresguerras (1759-1833) con obras tan importantes como el Pórtico del Convento de las Teresas en Querétaro, la Iglesia del Carmen en Celaya, entre otras.

La arquitectura del porfiriato (1877-1910)

El programa de administración política del porfiriato sostiene la bandera del progreso como la máxima positivista  que debe animar la marcha de la república; para lo cual, la necesidad de la modernización fue clave de este progreso y la infraestructura resulta fundamental, es así como se empiezan  a construir caminos, el ferrocarril y los puertos. Y ante este panorama  el historicismo de mediados de siglo,  procuro mayor libertad combinatoria de los leguajes que caracterizaron a los diversos estilos artísticos.

La llamada paz “social” que dio lugar en este periodo, permitió a  los inversionistas   la formulación de proyectos cada vez más grandes y más costosos, así las fortunas acumuladas no solo en el sector privado sino también en el público, permitieron no solo la importación de técnicas constructivas de la moderna Europa si no también los materiales mismos. No solo el fierro aparece como novedad constructiva, también lo son los materiales de recubrimiento y acabado, los mármoles italianos, granitos nórdicos, bronces y vidrios; de la producción local se siguen utilizando el tabique de barro y las canteras suaves.

Es entonces  a partir de 1867 que la Academia de San Carlos, se adapta a las nuevas tecnologías cambiando su nombre por el de escuela Nacional de Bellas Artes, excluyendo de su programa  de enseñanza a la ingeniería y se dedico únicamente a la formación de artistas (pintores, escultores, grabadores y  arquitectos).

ARQUITECTURA DE HIERRO

Una técnica constructiva y estilo arquitectónico del siglo XIX, originados en la disponibilidad de nuevos materiales que se produjo durante la Revolución Industrial.

También conocida como arquitectura de la ingeniería o arquitectura industrial. Es un movimiento arquitectónico suscitado en Europa consecuente con la Revolución Industrial.

Se traslapa con el Neoclásico y el Romanticismo avanzando paralelamente y desarrollándose con mayor amplitud en las últimas décadas del Siglo XIX. Marca claramente la brecha entre pasado y presente en la historia de la arquitectura.

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Palacio Postal México, D.F. 1902-1907 Arq. Adamo Boari Ing. Gonzalo Garita

La Revolución mexicana fue un vendaval que no sólo transformó las estructuras políticas y económicas de México, sino también la forma en que se entendían el arte y su función social. La arquitectura modernista en la ciudad de México, vertiente del arte revolucionario que, como la pintura, la música y la literatura, combinó elementos de vanguardia con el renovado nacionalismo mexicano.

Las influencias del modernismo en la gran urbe cambiaron radicalmente la perspectiva estética porfiriana, pero ¿a qué se debió esto?, y ¿qué movimientos incidieron en la arquitectura de esta época?

Asimismo,  los estilos que influyeron en la temprana arquitectura del siglo XX en la ciudad de México y sufrieron variaciones dentro de la estética modernista mexicana. El modernismo se alió al nacionalismo y después este mismo estilo coadyuvó a la formación de la concepción de arquitectura postmodernista influyendo en la conciencia estética del capitalino.

El modernismo arquitectónico no sólo tuvo sus orígenes en Francia, pues otro suceso importante también influyó en su formación: la Revolución Industrial. Con el avance del sistema capitalista y sus medios de producción, cada vez quedaba menos espacio para plantearse cuestiones estéticas dentro de la arquitectura.

Oficialmente, el modernismo, como corriente artística, nace a finales del siglo XIX y vive varios procesos catárticos por las coyunturas históricas entre las que se desarrolla, hasta que es sustituido por el post-modernismo ya entrado el siglo XX.

Podemos distinguir dos procesos de formación en la arquitectura modernista en México:

El organicista: El organicista es aquel arte que denominan Art Nouveau, o simplemente modernismo. Las causas de la amplia y rápida difusión de este movimiento en Europa hay que buscarlas en la renovación del ambiente cultural que siguió a la industrialización, con el fortalecimiento económico y el nuevo poder de la burguesía. El punto básico de la estética modernista organicista es el concepto de unidad entre exterior e interior, coherencia estilística entre estructura, decoración y ornamentación; y en las artes aplicadas, una nueva calidad y dignidad de los objetos de uso, en oposición a la vulgaridad comercial provocada en la segunda mitad del siglo XIX por una producción industrial masiva.

https://es.wikipedia.org/wiki/Edificio_El_Moro

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http://cuadrivio.net/academia/la-arquitectura-modernista-en-la-ciudad-de-mexico/#_edn14

Edificio de la Lotería Nacional, ausencia de ornamentos

El geométrico: El otro estilo importante (y el que más influyó en la arquitectura post-revolucionaria) fue el geométrico o el arte que identifican como Art Déco, como una abreviación del término francés Arts Décoratifs. Este estilo (también identificado como Estilo años Veinte) es característico de la post-guerra, ya que se establece después de la exposición internacional de 1925 en París, dedicada a las “artes aplicadas e industrias modernas”.

Sus características son: su predilección por la línea curva de trazo seco, los movimientos quebrados y/o angulosos y las formas encuadradas y geométricas en la arquitectura. Son de suma importancia, ya que van de la mano con el desarrollo de las corrientes vanguardistas como el cubismo, el constructivismo y el futurismo.

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Elementos Art Déco en el Parque San Martín

La función principal de las creaciones del modernismo geométrico era poder utilizarlas como si fueran máquinas, sin que dejaran de ser hermosas al mismo tiempo. La idea era combinar el utilitarismo con la estética, así que las funciones de las herramientas del hombre dejaban de ser sólo pragmáticas y empezaron a ser también decorativas (de ahí el término Art Déco); el revestimiento de los interiores de edificios con mosaicos, candelabros y murales. Fue de vital importancia para el desarrollo de esta idea decorativo-pragmática.

Este estilo en la arquitectura se empezó a implementar en México bajo la dictadura de Porfirio Díaz, aunque no de una manera “pura” ya que muchas veces quedó mezclada con otros estilos, formando la compleja “arquitectura porfiriana”. Algunas muestras de este estilo se pueden encontrarse el día de hoy en la colonia Roma y Juárez de la ciudad de México.

Otra cuestión importante fue la utilización masiva del hierro que se producía como consecuencia de la Gran Guerra para la construcción de edificios, lo que permitió erigir rascacielos de manera más frecuente, esto afectó directamente a la concepción de la arquitectura, pues el hierro sustituyó a la piedra como estructura rebajándola a un uso de recubrimiento o meramente estético.

Un ejemplo, dado por el profesor fue el  Museo del Chopo, un edificio realizado en Alemania con un estilo Neogótico, se dice que, un mexicano compró este edifició, y fue transportado a México, se tuvo que desarmar el edificio para ya, en México se volviera a armar.

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Otro ejemplo dado  por el profesor, fue el palacio de hierro.

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Estas arquitecturas tienen el estilo neobarroco, admemás de ser de hierro, fue como terminó esta tendencia del siglo XIX.

El modernismo en México

Después de terminada la revolución, los políticos buscaban acercarse a una ideología que los legitimara como clase dominante. Regresar a los cánones porfiristas era inaceptable, ya que los políticos trataban de alejarse del antiguo régimen (aunque sólo fuera en apariencia).

Como consecuencia de la promulgación de la Constitución de 1917 y los nuevos estatutos establecidos en los artículos 3º, 27º y 123º, que apuntaban hacia una política nacionalista, la clase dominante tuvo que adaptar también su pensamiento. Esto no sólo se vio reflejado en los discursos políticos de la época, sino también en el acercamiento a nuevas potencias y corrientes filosóficas.

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Firma del arquitecto del edificio de Orizaba 28

México dejó de depender mayoritariamente de Europa y buscó acercarse más a los Estados Unidos. Además de esto, corrientes como el marxismo empezaron a penetrar en la esfera intelectual del país cambiando drásticamente algunos antiguos cinturones de relaciones porfiristas. Como consecuencia, el arte también sufrió cambios, ya que gracias a la política nacionalista ahora debió popularizarse, y al hacerlo, retomó elementos unificadores que contribuirían a la creación de una historia nacional. Como ejemplo tenemos el legado de las culturas prehispánicas.

México quería presentarse ante el mundo como un país confiable que había superado sus luchas intestinas y que tendía a superarse de manera democrática, siendo de suma importancia para la vida económica del país, ya que, sin la confianza y reconocimiento de las potencias internacionales, México simplemente quedaba aislado del mercado mundial.

Una de las maneras para demostrar que México era un país nacionalista, pero a la vez abierto al mundo, era adaptar su estética artística y arquitectónica.

México retomó los estilos «de moda» y los adaptó de una manera espectacular a su entorno. Entre estos estilos se encontraban el Art Déco de la escuela de Chicago y en menor medida el Art Nouveau franco-belga.

El modernismo en México.

es una compleja conjunción entre las formas geométricas y futuristas del Art Déco y las formas también geométricas de las grecas y deidades prehispánicas. Esto se puede ver claramente en edificios gubernamentales o importantes monumentos de la época, como:

https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwiu4fX4n-DSAhUs9YMKHQksA_4QjRwIBw&url=http%3A%2F%2Fzacatecasonline.com.mx%2Fcultura%2F46655-recorrido-virtual-bellas-artes&psig=AFQjCNH7PwJIM2M9y7lziOczKaFHCpCdQg&ust=1489933227295891

El interior del Palacio de Bellas Artes 

El palacio de Bellas Artes, cuyo diseño original creó Adamo Boari, iba a ser una de las obras más emblemáticas de la arquitectura porfiriana. Su construcción comienza en 1904 y no es terminada debido al estallido de la revolución; el proyecto es retomado por Federico Mariscal, quien lo concluye en 1934. Como mencionamos, es precisamente en estos años que la política nacionalista fluye por las venas de los mexicanos. El proyecto de Mariscal cambió terminantemente la forma de lo que iba a ser el Teatro Nacional, cuyo estilo original sería el Art Nouveau, imprimiéndole cambios sustanciales de la estética decorativa de la época.

La delicada figura de mármol blanco que se proyecta desde afuera se convierte en un pesado vestíbulo de mármol negro y rojo, asemejándose al Lobby de un rascacielos en el corazón de Manhattan. El observador se dará cuenta que la ornamentación del Palacio de Bellas Artes es muy poco común.

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El palacio de Bellas Artes, a pesar de su pesado aspecto, trata de simbolizar una oda a la fertilidad, el renacimiento del México post-revolucionario cercano a sus raíces y más productivo que nunca. Cabe destacar también la perfección del trazo geométrico del Palacio de Bellas Artes y la austeridad de su interior, que de alguna manera entra en conflicto con el exterior tapizado por elementos florales y esculturas, sin mencionar a los animales utilizados como cariátides.

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El Monumento a la Revolución

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La escuela primaria Benito Juárez

https://jorgalbrtotranseunte.wordpress.com/2011/08/05/edificio-de-la-secretaria-de-salud/

El Edificio de Salubridad de Chapultepec (hoy en día detrás de los paraderos)

https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwi1jYzxn-DSAhVp1oMKHTcKAh8QjRwIBw&url=https%3A%2F%2Fwww.youtube.com%2Fwatch%3Fv%3DyyUpIS-S51c&psig=AFQjCNEQKccIgJEi35De8mPOPoifDmOyGw&ust=1489933209726502

http://www5.sepdf.gob.mx/visita_virtual_sep/

https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwjP-_yBoODSAhVEzIMKHUwfCXAQjRwIBw&url=http%3A%2F%2Fwww.amigosmap.org.mx%2F2013%2F04%2F30%2Fconstruccion-de-un-sueno-reconstruccion-de-un-edificio%2F&psig=AFQjCNEhd5vARfIVKRYKslhKmUiiwx2J5Q&ust=1489933245543921

El Edificio de Marina (actual Museo de Arte Popular)

El Edificio de la Lotería Nacional (sobre Paseo de la Reforma, atrás de la estatua del caballito de Sebastián)

http://wikimapia.org/760849/es/Edificio-El-Moro

https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwj5kff8n-DSAhXE6YMKHdwjDCYQjRwIBw&url=http%3A%2F%2Ffotoantc.blogspot.com%2Fp%2Fmexico-df-fotografias-antiguas-iii.html&psig=AFQjCNE-svPeDpPcEVizd4Iu7GMuaeKtEQ&ust=1489933236317403

El Frontón México

https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwiXiu35n-DSAhUM5YMKHZOPDbsQjRwIBw&url=https%3A%2F%2Fes.wikipedia.org%2Fwiki%2FTeatro_Metrop%25C3%25B3litan&psig=AFQjCNF_Rh8BBdCkesM1exOQf9Z2Y_ZYnQ&ust=1489933228871218

El Teatro Metropólitan.

Sin embargo, el modernismo en México no se limitó a la construcción de edificios gubernamentales y públicos. Dos sucesos importantes al que se enfrenta la ciudad en estos años son, sin duda, la migración y el crecimiento de los suburbios ,cabe mencionar que empiezan con Cárdenas y aún hoy están vigentes, por eso, el modernismo reflejado en la arquitectura urbanística es muy especial. Se puede ubicar claramente en las colonias Juárez, Condesa, Centro, Churubusco, Roma sur, Nápoles, Romero Rubio, Guerrero (en su parte norte), Santa María la Ribera (en su parte norte también) y Tlalpan.

Lo interesante es que las nuevas colonias empiezan a ubicarse atrás de lo que habían sido las zonas acomodadas del Porfiriato, pero también se crean nuevas colonias atrás de los importantes ríos que cruzaban la ciudad, que debido a la redistribución urbana y por el  petrolero, lo cual conlleva a su vez a la utilización de máquinas movidas por derivados del petróleo, entre ellas el automóvil.

EJERCICIO - Por ello, se realizó un recorrido por reforma, para la observación de estas nuevas glorietas de Reforma, al caminar por reforma, nos encontramos con el:

MONUMENTO A CUAUHTÉMOC

La estatua del último Emperador Azteca que corona el monumento del Paseo de la Reforma, fue obra del escultor Miguel Noreña, nacido en el D.F. en 1843 y fallecido en 1894, mientras que el proyecto del conjunto se debe al ingeniero Francisco M. Jiménez quien obtuvo el premio de mil pesos en el concurso convocado por el Gral. Vicente Riva Palacio durante la gestión del presidente Porfirio Díaz. La construcción inició colocándose la primera piedra del monumento el 5 de mayo de 1877. Para desgracia del ingeniero Jiménez, no pudo ver terminada su obra pues falleció en abril de 1884.

Fuente: Fotografía de su servidora

Fuente: Fotografía de su servidora

Su discípulo de Miguel Noreña, Jesús F. Contreras, jugó un papel importante en la creación de la singular estatua de Cuauhtémoc, pues se encargó del trabajo de fundición de la misma. Se dice que dicha estatua fue fundida el mismo 13 de agosto de 1883, conmemorando el aniversario de la caída de Tenochtitlan en 1521, y que en el momento de vaciar el bronce, un chorro de metal en ignición perforó uno de los pies del ayudante de Jesús F. Contreras. 

La construcción de esta excepcional obra duró un poco más de 10 años y fue inaugurada por Porfirio Díaz el 21 de agosto de 1887, fecha que no corresponde con el aniversario de la caída del imperio azteca, como se menciona en algunos sitios.

Fuente: Fotografía de su servidora

El monumento tiene dos placas de bronce realizadas a manera de bajo relieve; en la foto de arriba se aprecia  ''El tormento de Cuauhtémoc", una obra excepcional del escultor Gabriel Guerra, mientras que el trabajo de fundición fue realizado por  Jesús Contreras. En la cara opuesta se encuentra otra placa de bronce similar, que destaca la ''Entrevista de Cuauhtémoc prisionero con Cortés", obra  de Miguel Noreña. Los 8 leopardos que rodean la base del monumento custodiando las escalinatas, fueron obra del escultor Epitacio Calvo. Esta foto también es obra de William Henry Jackson en 1888.

Fuente: Fotografía de su servidora

Fuente: Fotografía de su servidora

Los leopardos que rodean la base del monumento custodiando las escalinatas, fueron obra del escultor Epitacio Calvo y los 4 trofeos que adornan los costados del monumento fueron obra de Luis Paredes. En la imagen siguiente pueden apreciar un bajo relieve que describe la escena del sacrificio del último emperador azteca, Cuauhtemoc, acompañado según entiendo, del señor de Tacuba, Tetlepanquetzal, al momento de ser torturados mediante hogueras ardientes bajo sus pies, para que revelaran el sitio en que había sido guardado el tesoro del emperador Moctezuma II. Esta escena tuvo lugar a raíz de la caída de Tenochtitlan y se dice que fue en algún lugar de Coyoacan.

Fuente: Fotografía de su servidora

Fuente: Fotografía de su servidora

http://www.mexicomaxico.org/Reforma/reformaGlor.htm

Continuando con el recorrido, también encontramos en la GLORIETA DE COLÓN fue la:

La escultura de Cristóbal Colón

 El monumento a Cristóbal Colón de la Ciudad de México se ubica en la glorieta formada en la intersección del paseo de la Reforma y la avenida Morelos.

 La figura del navegante señala al horizonte (hacia el centro de la ciudad), bajo sus pies y a los lados de su pedestal de cantera se encuentran las estatuas de fray Pedro de Gante, Bartolomé de las Casas, fray Juan Pérez de Marchena y fray Diego de Deza, así como unos relieves a los costados del pedestal. Este monumento fue diseñado por el francés Charles Cordier.

Fuente: Fotografía de su servidora

Fuente: Fotografía de su servidora

El primer proyecto de un monumento colombino fue de Maximiliano I de México, quien encargó al escultor Manuel Vilar la planeación de un monumento que además de la escultura que honrara al genovés, contendría alegorías a los mares que circundan a México. Para ello Vilar encargaría a sus alumnos esculpir estas obras, el proyecto no se concretó.

En 1871 el arquitecto Ramón Rodríguez Arangoiti recibió la invitación del empresario Antonio Escandón de realizar el monumento, para lo cual aprovecharía los bocetos de Manuel Vilar y la escultura que este realizó.

Escandón aprobó los bocetos, cambiando las esculturas alegóricas por las que contiene hasta nuestros días. Inesperadamente Escandón, al estar en París en 1873, encargó nuevas esculturas a Charles Cordier.

 El monumento arribó a Veracruz en 1875, y fueron instaladas definitivamente en 1877 en el sitio donde, casualmente, Maximiliano había elegido el monumento. Esta era la segunda glorieta en construirse dada la expansión de la urbe hacia ese sentido. Desde la década de 1870 había iniciado el fraccionamiento de la Colonia Americana (ahora es Juárez), continuada por la cercana San Rafael.

 Tras la decisión de Escandón, Rodríguez Arangoiti polemizaría sobre la estética del monumento, acusando incluso a Cordier de plagiar el monumento de Vilar. La escultura de Vilar se colocaría en un nuevo monumento en Buenavista en 1892.

 El 12 de octubre de 1992 el monumento sufrió daños luego de una protesta por grupos indigenistas por el Quinto Centenario del Descubrimiento de América.

https://es.wikipedia.org/wiki/Monumento_a_Col%C3%B3n_(Paseo_de_la_Reforma,_Ciudad_de_M%C3%A9xico)

http://www.mexicomaxico.org/Reforma/reformaGlor.htm

Este caballito amarillo está ubicado en Paseo de la Reforma, en el centro de la Ciudad de México.

La escultura mide 28 metros y está hecha de placas de acero recubierto de esmalte acrílico. Está ahí desde 1992 y el escultor que la hizo se le conoce como “Sebastián” aunque su nombre real es Enrique Carbajal, es de Chihuahua y nació en 1947.

Sebastián, en sus inicios creaba esculturas transformables o desdoblables, pero después se especializó en esculturas monumentales que no sólo decoran nuestro Paseo de la Reforma, o la puerta de Chihuahua, sino también ciudades alrededor del mundo como San Antonio, Texas en Estados Unidos o la ciudad japonesa de Osaka.

Fuente: Fotografía de su servidora

El modernismo aplicado a las casas habitación no fue muy diferente al de los edificios gubernamentales. Se siguió la línea nacionalista adornando edificios con grecas o águilas, haciendo alusión al pasado prehispánico. Pero esta arquitectura no estuvo limitada al modernismo nacionalista, también rescató elementos del futurismo de la escuela de Chicago imprimiéndole formas geométricas cortantes a las fachadas, a veces agregándole cariátides o elementos flamencos a las construcciones (el edificio Río de Janeiro de la calle Orizaba es un claro ejemplo).

Otro elemento importante fue la introducción del condominio a la lógica arquitectónica de la ciudad. Como mencionamos anteriormente, el fin de la arquitectura modernista era de carácter utilitarista, así que entre mejor se aprovechara el espacio de construcción más efectiva resultaba la edificación. Aunque los primeros condominios fueron construidos durante los sexenios de Manuel Ávila Camacho y Miguel Alemán, aunque la idea se manejó desde el sexenio de Lázaro Cárdenas.

El Ángel de la Independencia

Fuente: Fotografía de su servidora

La altura del Ángel, contando las gradas, es de 94.66 metros. La estatua es hueca, está hecha con bronce y representa a la Victoria Alada a punto de emprender vuelo.

Fuente: Fotografía de su servidora

Por la cultura popular, es conocido como el Ángel de la Independencia, pero su nombre oficial es el Monumento a la Independencia; ya que se trata de una bella escultura que fue montada en 1910 para conmemorar el centenario de la independencia de México por el entonces presidente, Porfirio Díaz.

La primera piedra de dicha estructura fue colocada un 2 de enero de 1902 por el general Porfirio Días. Dentro de ella, puso un cofre dorado con el acta de independencia y unas monedas de la época.

El mexicano Antonio Rivas Mercado fue el arquitecto responsable del proyecto, mientras que el escultor italiano Enrique Alciati fue el encargado de las esculturas y bajorrelieves y el ingeniero Roberto Gayol de la obra civil.

Diana la cazadora

Fuente: Fotografía de su servidora

es un monumento localizado en la avenida Paseo de la Reforma, en la Ciudad de México. Su construcción inició en 1938. El diseño de la fuente estuvo a cargo del arquitecto Vicente Mendiola Quezada, y la escultura fue realizada por el escultor Juan Fernando Olaguíbel. Fue inaugurada el 10 de octubre de 1942 por el entonces presidente Manuel Ávila Camacho.

En 1970, Alfonso Corona del Rosal mandó construir una réplica de la escultura, colocó la réplica en la Ciudad de México, y la original en Ixmiquilpan.

La escultura de la Diana Cazadora, cuyo nombre verdadero es el de «La Flechadora de las Estrellas del Norte», inicia su historia en 1942, cuando el entonces presidente de México, Manuel Ávila Camacho, a través del regente del Distrito Federal, Javier Rojo Gómez, inició un programa de embellecimiento de la ciudad que incluía la creación de varias fuentes monumentales en glorietas o esquinas representativas.

El arquitecto Vicente Mendiola y el escultor Juan Olaguíbel, fueron comisionados para que realizaran la construcción de una de estas fuentes para una glorieta que se localizaba sobre el Paseo de la Reforma cerca de la entrada al Bosque de Chapultepec. El tema que se eligió fue el de Diana, la diosa romana de la caza, la Luna, pero en esta fuente, esa diosa, en vez de cazar con su arco bestias en los bosques, ahora flecharía las estrellas de los cielos del norte, de ahí el nombre de la escultura.

CONTINUANDO CON LA ARQUITECTURA MEXICANA...

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Parte posterior del Edificio Rio de Janeiro

EJERCICIO 5 - Realizamos una visita a la  Iglesia de Santa Teresa la Antigua hoy en día llamado Ex Teresa Arte Actual.

La iglesia de Santa Teresa la Antigua perteneció al conjunto conventual de la Orden de las Carmelitas Descalzas en la Ciudad de México, el cual fue levantado en el siglo XVII, y conocido originalmente con el nombre de "Convento de San José de las Carmelitas Descalzas". 

El templo es uno de los mejores y más bellos ejemplos de la arquitectura del barroco novohispano aplicado en los conventos de monjas de la Ciudad de México. 

Su fundación se realizó a comienzos en el siglo XVII y la estructura actual que conocemos hoy en día corresponde solo al templo, el cual ha pasado por varias restauraciones y reformas arquitectónicas realizadas sobre todo a finales de los siglos XVII y XVIII, y algunas importantes en el siglo XIX. 

Destacan en la fachada de acceso al recinto las bellas portadas gemelas de acceso principal cuyas columnas trabajadas en cantera son de estilo salomónico, así como también la majestuosa cúpula levantada por el arquitecto Lorenzo de la Hidalga a mediados del siglo XIX para la capilla de la que fuera la principal imagen venerada y representativa de este templo: 

El Cristo de Santa Teresa. 

El diseño de ésta cúpula la hace uno de los símbolos distintivos en el horizonte Oriente del Centro Histórico de la Ciudad de México, la cual presenta tanto en su interior como en el resto de la capilla una excelente decoración neoclásica, así como pinturas murales realizadas por el maestro Juan Cordero en las pechinas, el coro, el ábside y bóveda de la misma.

Fuente: Fotografía de su servidora

A partir de 1993 hasta la fecha, alberga el proyecto de cultura del Instituto Nacional de Bellas Artes denominado Ex Teresa Arte Actual.

Para este fin, el ex templo ha sido objeto de una amplia readecuación a cargo del arquitecto Luis Vicente Flores, que combina la soberbia arquitectura colonial con la contemporánea, creando un contraste que reafirma la belleza de ambas y otorga al espacio una nueva funcionalidad.

Además, se considera como un edificio reversible, es decir, en algún momento se podría quitar.

Es una estructura que no le causa peso al edificio antiguo, no está recargada sobre el inmueble original, sino que tiene su propia estructura.

 Con la creación de Ex Teresa Arte Actual se abre un espacio para enlazar las propuestas de los artistas con el público y se abre también un foro donde estos creadores encuentran un espacio para el fortalecimiento de un diálogo y para el intercambio de ideas, de propuesta y de manifestaciones que dejan ver la condición del arte contemporáneo.

Un diálogo que se extiende con la permanente participación de artistas internacionales que presenten su trabajo individualmente, en muestras colectivas o a través de la impartición de cursos y talleres. Como espacio para el arte contemporáneo Ex Teresa Arte Actual tiene entre sus objetivos principales el ser un espacio para el fortalecimiento de dichas prácticas, y la búsqueda permanente de un debate que construya la plataforma conceptual donde el público pueda acceder a los nuevos lenguajes visuales y a reconocer los principales elementos que lo definen.

Fuente: Fotografía de su servidora

De  1678 a 1684 adquirió la  fisonomía barroca que conserva  hasta  nuestros días, gracias a la intervención del arquitecto Cristóbal de Medina y Vargas, en la que prevalece un diseño austero acorde  con los principios de la orden de las Carmelitas Descalzas, que entonces lo habitaban. Los primeros óleos que  decoraron sus muros estuvieron a cargo de Luis Juárez.

Fuente: Fotografía de su servidora

El templo consta de una sola nave levantada con dirección Norte-Sur, y se encuentra un poco entremetido respecto a la Calle de Licenciado Primo de Verdad, formando así un pequeño atrio en su lado Poniente, el cual se encuentra delimitado hacia dicha calle por una reja de hierro forjado, y en su parte Norte también está delimitado, por la estructura de la torre del templo, la cual consta de dos cuerpos.

El segundo cuerpo del campanario cuenta con dos columnas pares en cada esquina, las cuales son de orden corintio.

 Para la construcción del templo, se escogieron materiales que aligeraran el peso de la estructura, tomando en cuenta las características del suelo de la ciudad y del predio sobre el que se edificó la obra. Ocupando así los materiales propios de la zona e ideales para la ligereza de la construcción, como se había realizado anteriormente en otras construcciones edificadas en la ciudad, tanto civiles como religiosas, destacando en ambas el uso de la piedra pómez (un tipo de roca magmática volcánica, ligera y porosa, propia de la región) para levantar los muros del templo, mientras que se escogió la cantera para labrar las portadas y marcos de ventanas, así como sus detalles y ornamento.

Fuente: Fotografía de su servidora

El templo consta de una sola nave levantada con dirección Norte-Sur, y se encuentra un poco entremetido respecto a la Calle de Licenciado Primo de Verdad, formando así un pequeño atrio en su lado Poniente, el cual se encuentra delimitado hacia dicha calle por una reja de hierro forjado, y en su parte Norte también está delimitado, por la estructura de la torre del templo, la cual consta de dos cuerpos, rematada por una pequeña cúpula sobre la cual a su vez remata un pequeño cupulín. El segundo cuerpo del campanario cuenta con dos columnas pares en cada esquina, las cuales son de orden corintio.

Para la construcción del templo, se escogieron materiales que aligeraran el peso de la estructura, tomando en cuenta las características del suelo de la ciudad y del predio sobre el que se edificó la obra. Ocupando así los materiales propios de la zona e ideales para la ligereza de la construcción, como se había realizado anteriormente en otras construcciones edificadas en la ciudad, tanto civiles como religiosas, destacando en ambas el uso de la piedra pómez (un tipo de roca magmática volcánica, ligera y porosa, propia de la región) para levantar los muros del templo, mientras que se escogió la cantera para labrar las portadas y marcos de ventanas, así como sus detalles y ornamento.

https://es.wikipedia.org/wiki/Iglesia_de_Santa_Teresa_la_Antigua#Descripci.C3.B3n_arquitect.C3.B3nica

http://www.exteresa.bellasartes.gob.mx/

[cultura-y-diseno-ii]

Revolución Industrial en México

https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwjR0dK8q-DSAhXK7YMKHdn5APMQjRwIBw&url=http%3A%2F%2Fwww.pueblanoticias.mx%2Fnoticia%2Fmecanicos-interoceanico-importantes-actores-sociales-de-la-revolucion-13733%2F&bvm=bv.149760088,d.amc&psig=AFQjCNHuUaTp4B4zq06WOKj5VGT_G9SnHA&ust=1489936281049303

Mientras que los países más avanzados se enfrentaban a los cambios con la revolución industrial, en México estos cambios no llegaron pronto, sino que surgió de la influencia, a través del tiempo, de múltiples factores en las relaciones sociales. Los mexicanos estaban en luchas revolucionarias para hacer de este país un pueblo libre y hasta la instauración del régimen del General Porfirio Díaz a finales del siglo XIX y principios del XX el país fue impulsado de manera importante, las costumbres y la fisionomía de las ciudades, los transportes y la producción de bienes materiales cambiaban para dar paso a la nueva modernidad.

La década de los años treinta, se ven cambios profundos en la organización política y social de la nación mexicana.

Se crea una infraestructura básica en agricultura, en caminos y otras áreas; se expropia el petróleo y los ferrocarriles. Se establece un sistema de financiamiento para el desarrollo, y sobre todo, se construye la mentalidad nacional hacia la conciencia plena de sus derechos frente a los intereses extranjeros, así como a la importancia de adoptar reformas y medidas a la distribución de la riqueza.

Como parte de este impacto en 1937 se crea la Comisión Federal de Electricidad y es durante el periodo de 1940 a 1946 que se crearon las bases para un proceso de industrialización en México, mejor conocido como el “Modelo de Industrialización Sustitutiva”.

[cultura-y-diseno-ii]

BLOG DEL PROFESOR

http://culturadeldisenouam.blogspot.mx/?m=1

[cultura-y-diseno-ii]

La fotografía en México

Las imágenes más antiguas datan del 1857, año en el que Benito Juárez fue nombrado presidente interino de la República mexicana. Sin embargo, la mayoría procede del período que va desde el inicio de la intervención francesa, a principios de la década de 1860, hasta el final de la Revolución mexicana en 1920.

Désiré Charnay, Ruinas de Kalmanalco, 1858. 

http://www.getty.edu/research/tools/guides_bibliographies/photography_mexico/introduccion.html

https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwiPgq2vrODSAhVK0oMKHfDVCDkQjRwIBw&url=https%3A%2F%2Fes.wikipedia.org%2Fwiki%2FPorfirio_D%25C3%25ADaz&psig=AFQjCNF_zafELi0KgQOH8uWOB3DO32jlNQ&ust=1489936561387223

El invento que fue patentado en Francia a nombre de J. M. Daguerre fue traído a nuestro país por comerciantes franceses. En ese contexto histórico, llegaron muchos fotógrafos itinerantes, algunos de ellos invitados por el gobierno de Porfirio Díaz y otros atraídos por el "exotismo" de esta nación, cuyo gobernante deseaba llevar a la modernidad. Y la cámara fotográfica llegó como un producto mismo de la modernidad.

A pesar de que las primeras fotografías que se tomaron en México aparecieron sólo seis meses después de que se anunciara la invención del daguerrotipo en 1839, hubo que esperar hasta la intervención francesa (1864-1867) para ver el florecimiento de la fotografía en México. 

Durante esta época la labor de los fotógrafos estaba estrechamente vinculada a la corte de Maximiliano y a la documentación oficial de acontecimientos políticos, por lo que tendía a legitimar la posición del emperador. 

La corte llevó a México la moda europea de las cartes-de-visite, y pronto circularon por todo el país retratos del emperador Maximiliano, la emperatriz Carlota, el general Bazaine, los miembros de la corte y sus partidarios. François Aubert, fotógrafo oficial, creó imágenes de la corte en momentos de descanso, durante ocasiones ceremoniales o en períodos de guerra, documentando la trayectoria de Maximiliano hasta sus últimos momentos.

Augustus Le Plongeon, Alice Le Plongeon with rifle, Chichen Itza, 1873. 

http://www.getty.edu/research/tools/guides_bibliographies/photography_mexico/introduccion.html

Otros fotógrafos de la época prefirieron dedicar su obra a temas de viaje y exploración. 

Los fotógrafos extranjeros en particular estaban especialmente interesados en documentar la etnografía, la arqueología y la naturaleza del país. Su interés se nutría del “redescubrimiento” idealizado de la América de antes de la conquista, cuando en comparación con los sitios arqueológicos de Europa y el Oriente Medio eran aún unas tierras indómitas y agrestes. 

Désiré Charnay, que comenzó sus exploraciones arqueológicas en 1858, fue el primer arqueólogo-explorador en romper con la visión romantizada del antiguo México, y en usar la cámara fotográfica como un instrumento de investigación científica.

Unknown, Some of the Party at Aguascalientes, 1895.

http://www.getty.edu/research/tools/guides_bibliographies/photography_mexico/introduccion.html

Tanto el gobierno mexicano como empresarios privados se valieron de la fotografía para promocionar México. 

Más interesados en las promesas del futuro que en un pasado remoto, fotógrafos como William Henry Jackson, Charles B. White, Abel Briquet y Guillermo Kalho documentaron los avances del progreso. 

Sus imágenes, tomadas durante un largo período de relativa estabilidad política, muestran el paisaje mexicano en un proceso de transformación provocado por proyectos de ingeniería, como cables telefónicos, túneles, vías férreas, puentes y pantanos. 

La obra de estos fotógrafos conmemora además los logros del ambicioso gobierno de Porfirio Díaz (1884-1910), y realza la riqueza de los recursos naturales de México con el fin de atraer inversores extranjeros. 

Fotógrafos como Agustín Víctor Casasola y Kalho estaban siempre dispuestos a documentar ceremonias oficiales tales como la inauguración de edificios y de obras públicas.

Hugo Brehme, Ansprache vor hotel aus, 1911.  

http://www.getty.edu/research/tools/guides_bibliographies/photography_mexico/introduccion.html

En 1896 Rafael Reyes Spíndola, propietario de varios periódicos, comenzó a incluir fotografías en sus publicaciones. 

A medida en que México iba afianzándose en el siglo XX, la fotografía periodística se convirtió no sólo en un medio para documentar los cambios que acontecían en la nación sino también para mantener al público al corriente de esos cambios. 

Sin embargo, a finales de la primera década del siglo XX, el instrumento que el gobierno de Porfirio Díaz había sabido usar tan hábilmente para dar a conocer sus logros pasó a testimoniar su ruina. 

El colapso del porfiriato y los años subsiguientes de revolución fueron extensivamente documentados por fotógrafos mexicanos, europeos y americanos que se desplazaron por todo el país siguiendo los avances de la revolución. 

Los líderes revolucionarios por su parte se apresuraron a sacar partido de cualquier oportunidad para promocionar sus causas a través de fotografías en periódicos, tarjetas postales e incluso en el cine. 

Muchas imágenes de la revolución exponen la brutalidad y la violencia del conflicto y son verdaderos precedentes de la fotografía de guerra. A partir de 1914 muchos fotógrafos extranjeros abandonaron el país para cubrir la conflagración en Europa; sin embargo, un fotógrafo local, y heredero del legado de la Revolución mexicana, pudo documentar el asesinato de Pancho Villa en 1923, tres años después de que se hubiera restablecido la paz y cuando el notorio revolucionario vivía retirado en su rancho.

[cultura-y-diseno-ii]

Prehistoria en México

MESOAMÉRICA

https://es.slideshare.net/santorino342/arte-de-mexico

El conjunto de grupos indígenas que habitaron en la época prehispánica del centro y sureste de la actual república mexicana.

PRECLÁSICO

A partir del año 1500 antes de Cristo, en el valle de México, se inició el desarrollo artístico de la cultura en barro y cerámica. Los indígenas se instalaron a las orillas del lago Texcoco, los cuales se caracterizaron por sus técnicas agrícolas de pesca y por el desarrollo de la cerámica.

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Tlatilco, Zacatenco, Arbolillo y Cuicuilco, estox fueros los lugares más importantes.

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Aproximadamente en los años 200 aparecen los primeros vestigios de arquitectura, conocida como la pirámide de Cuicuilco.

CLÁSICO

En este periodo, se comenzó a construir enormes centros ceremoniales, orientados por los movimientos de los cuerpos celestes ( los mayas, teotihuacana, totonaca, mixteca, zapoteca y tarascas).

POSCLÁSICO

El periodo de lucha y la dispersión de la población, llegando a nuevos grupos como la cultura toltca y azteca.

CERÁMICA

Las figuras de barro abundan las mujeres embarazadas o con niños en los brazos, con adornos en la cabeza, collares y orejeras.

PRACTICAS FUNERARIAS

Enterramientos:

Cadáver extendido.

Tienen los miembros encogidos en posición prenatal.

Se encuentran bajo el piso de la casa, frecuentemente portaban mascaras de barro, para no ser reconocidos por los espíritus.

PINTURA CORPORAL 

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La pintura fue realizada por el estuco, la que después se retiraba y dejar el dibujo, creció la cultura de la pintura y el tatuaje.

RELIGIÓN

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Se rinde culto al fuego, lluvia, aire, astros y planetas ( sol y la luna).

Los pueblos eran muy religiosos, los sacerdotes y los chamanes ocupaban un lugar importante en la sociedad.

Todas las esculturas de Mesoamérica eran politeístas ( creencia de varios dioses).

TLATILCO

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Antigua ciudad mexicana, se ubicó en las orillas del rio Texcoco.

Una de sus características principales fueron los figurines, son pequeños ídolos antropomorfos y zoomorfos de arcilla

Son llamadas mujeres bonitas cuyos exagerados rasgos femeninos nos remiten a ritos agrícolas.

OLMECAS

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Cultura madre más antigua, florecio entre los estados de Veracruz y Tabasco, las ciudad más importantes fueron : los tres Zapotes y San Lorenzo ( Veracruz) y la Venta (Tabasco).

Olmeca significa “habitante de la religión hule”, los pueblos mesoamericanos reconocen a esta cultura como su raíz.

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Los olmecas introdujeron el juego de pelota hecha con hule, su religión admitió sacrificio humano.

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Deformaban el cráneo para darle aspecto de aguacate, los hombres usaban la cabeza rapada las mujeres con altos peinados.

Usaban orejeras y narigueras y andabas medio desnudos.

ARQUITECTURA

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Consistía en plazas centrales en cuyo alrededor se establecían bases piramidales que servía de plataforma para los templos.

ESCULTURA

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El material usado fue el barro y la piedra.

Utilizaron las técnicas del patillaje y esculpido respectivamente. Se puede observar el naturalismo, idealismo y la abstracción, así como rasgos físicos de los animales.

Ejemplos:

Cabezas colosales , estatuas como el “luchador”, “el pensador”, “el señor de las limas”.

Las caras de niños.

Altares y estelas en bajo, medio y alto relieve.

CABEZAS COLOSALESFueron dedicadas a los sacerdotes y a los jugadores de pelota. Tienen toneladas de peso y hasta tres metros de altura, labradas en piedra basáltica; caracteriscas por su tamaño y grandiosidad.

TEOTIHUACANOS 

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Se localizan en el noreste del lago de Texcoco.

Teotihuacán significan “Lugar de los dioses.

Para sobrevivir, cultivaron maíz, frijol, calabaza, algodón, etc. Además, construyeron canales que servían para encauzar el agua.

Idearon las llamadas chinampas, levantadas cerca de los lagos.

ARQUITECTURA

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Centros ceremoniales y las construcciones obedecen a un plano perfectamente proyectado; las avenidas son anchas y rectas, con la pirámide del Sol, además de la Calzada de los muertos.

Los edificios eran construidos en honor a La Serpiente Emplumada 

( Quetzalcóatl) y al Dios de la Lluvia ( Tláloc).

PIRÁMIDE DEL SOL

La pirámide más grande de Teotihuacán.

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PIRÁMIDE DE LA LUNA

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La pirámide de la Serpiente Emplumada ( Quetzalcóatl) y al Dios de la Lluvia ( Tláloc).

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Tiene un significado mágico-religioso. Los taludes están cubiertos por la serpiente como símbolo de la tierra.

Las cabezas de La Serpiente Emplumada ( Quetzalcóatl) y al Dios de la Lluvia ( Tláloc).

Representan los días del año, ya que suman 365 en total.

ESCULTURA

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Se distinguen las máscaras realistas trabajadas en alabastro, las cuales se colocaban sobre los cadáveres o sobre los envoltorios de los muertos.

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Chalchihuitlicue ( la falda de jade) Diosa de la lluvia.

PINTURA

Fueron grandes pintores, retrataron principalmente la naturaleza y sus actividades cotidianas, predominan los colores verdes, azul, rojo, amarillo y blanco, diferenciados por la línea.

PALACIO DE TEPANTITLA

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ATETELCO

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PINTURAS DE TETITLA Y DE OTAPANACAZCO

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MAYAS

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Los mayas fueron el pueblo con más esplendor en Mesoamérica.

Abarcaron la península de Yucatán, Guatemala, Belice , parte de Honduras y del Salvador.

Principales ciudades Quintana Roo : Tulum

Yucatán : Chichen Itzá y Uxmal

Campeche: Caolalcalco

Chiapas: Bonampak y Palenque

PINTURA

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Los mayas alcanzaron una perfección técnica y una gran calidad artística.

ESCULTURAS

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Usaron barro, madera, piedra y el estuco.

Las estelas mayas.

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ARQUITECTURA

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Fue de carácter religioso , como: Palenque , Tulum , templo “lo frescos”, palacio del gobernador UXMAL.

La falsa bóveda y el estuco.

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Un logró técnico que más llamó la atención, fue la falsa bóveda y el estuco que se usó para incluir los pavimentos, paredes y esculturas.

LITERATURA

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Hay tres códices de gran importancia:

Peresiano (predecía el futuro)

Desdrense (Astronomía)

Precortesiana (tenía una corteza de árbol)

Libros:

Popol Vah o libro de los Quichés ( cosmología, religión y mitología)

Chilam Balam

Cakchiqueles

ZAPOTECAS

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Ubicación: 

En el estado de Oaxaca.

ESCULTURA

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Estelas que se encuentran en Monte Albán conocidas como “los danzantes”.

Urna Zapoteca

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Labrada en piedra caliza.

El rostro central representa los rasgos felinos.

ARQUITECTURA

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Fue el Emplazamiento del antiguo centro Zapoteca.

MIXTECOS

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Habitantes del país de las nubes, ubicaban en las ciudades Yagul y Mitla.

YAGUL

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Ciudad mesoamericana de origen Zapoteca,  terminó en dominio por los Mixtecos.

MITLA

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Antigua ciudad mexicana , siendo de los yacimientos mas antiguos.

Son notables en la decoración de sus construcciones con elaboradas grecas, es llamado Grupo de la Iglesia.

Se establecieron en los actuales estados de Guerrero, Oaxaca y Puebla.

CULTURA

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La pictográfica ( Códice Náhuatl) , los murales y la cerámica pintada de los mixtecos demuestran la habilidad artística de su cultura.

Destacaron en la orfebrería

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MÁSCARAS

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CÓDICES MIXTECOS

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Son hechos sobre piel de venado de la historia política y social que narran , aspectos del pensamiento religioso.

ARQUITECTURA

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Aportaron conceptos arqueológicos como las recas geométricas de piedras ensambladas que adornan los palacios.

 Uno de los edificios mas importantes es el juego de pelota o tlachtli.

Legados mixtecos

Calendario análogo y técnicas agrícolas.

PRIMERAS CIVILIZACIONES

TOLTECAS

Su principal ciudad fue Tollan o Tula, se encuentra en el sur del estado de Hidalgo.

Tolteca significa: Artesano o artista.

Eran imaginados como los Artistas del Pasado.

Y Quetzalcoatl como el sabio, él que conoce los grandes secretos del mundo.

ESCULTURA

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CHAC MOL

Designa un tipo de escultura de un hombre acostado sosteniendo un plato sobre su vientre.

ATLANTES DE TULA

Guerreros Toltecas, esculturas Antropomorfas , que sostenían con la cabeza el techo de una habitación.

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ARQUITECTURA

PALACIO QUEMADO

Denominado palacio quemado, es un edificio de techo plano sostenido por columnas, a los lados hay habitaciones con banquetas corridas, decoradas con precesiones de dignatarios o sacerdotes pintados en rojo, azul, amarillo, blanco y negro.

JUEGOS DE PELOTA

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Se han encontrado con seis juegos de pelota, dos en el interior del Recinto Principal y otros en Xochicalco.

TOTONACAS

ESCULTURAS

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Achas, yugos y palmas.

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Arcilla de caras sonrientes -representa el alma de las personas.

TAJIN

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Ciudad estaba dedicada a la deidad del mismo nombre, el dios del rayo y la lluvia, el centro ceremonial se compone de una serie de edificios dispuestos en plataformas, escalonadas y explanadas artificiales, rodeadas de una fértil selva tropical que ha contribuido.

TARASCOS

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Los tarascos o purépechas se asentaron principalmente en la región oriental del estado de Michoacán y no de Guerrero como comúnmente se cree. La cultura inició aproximadamente en el año 1200 d.C y su esplendor terminó hacia el año 1600 d.C.

Su gobierno era monárquico y teocrático, es decir que Teocracia es la forma de gobierno donde los administradores estatales coinciden con los líderes de la religión dominante, y las políticas de gobierno son idénticas o están muy influidas por los principios de la religión dominante. Generalmente, el gobierno afirma mandar en nombre de la divinidad, tal como especifica la religión local, como la mayoría de las culturas prehispánicas , eran politeístas.

En el año 1522 llegaron los españoles, los miembros de la Cort y Calzontzin, el único soberano de la nación procuraron ganarse su amistad. Les dieron a sus hijas como mujeres y los llamaron “tarascos” que en su lengua significa “yerno”.

YÁCATAS

Eran pirámides edificadas sobre grandes plataformas que tenían, una parte en forma pirámide y con la forma de cono. Las yácatas estaban hechas con piedra volcánica y lajas unidas con argamasa.

Posteriormente descubrirían las losas, estas miden 45 metros de largo por 250 metros de ancho aproximadamente.

AZTECAS

Fundaron México-Tenochtitlan.

Fueron conocidos como aztecas o mixecas.

Su ultima migración fue Chichimeca.

PIEDRA DE SOL

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Se trata de una roca de basalto olivo, de unas 25 toneladas y 3.58 metros de diámetro, tallada a finales del siglo , fue llamado erróneamente calendario Azteca.

MASCARAS, AVES Y SERPIENTES

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El templo mayor y el recinto del Templo Mayor fueron el centro absoluto de la vida religiosa mexica.

Además, en el recinto del Templo Mayor, tenían los aspectos más importantes que son: la vida política, religiosa y económica de los mexicas.

DANZA

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La música, el canto y la danza acompañaban a todas las ceremonias de carácter religioso, matrimonios, funerales, sacrificios, incluso en los de carácter político como la noticia de un nuevo dirigente. Se hacían en los patios de los templos.

ARTE COLONIAL SIGLO XVI

PRIMERA EXPEDICIÓN

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Primera expedición fue en 1517 salió de Cuba la expedición que descubrió nuestro país, encabezada por Francisco Hernández de Córdoba.

Salió de Cuba, llegando a Islas Mujeres, de la Isla paso a Quintana Roo, Yucatán y Campeche.

SEGUNDA EXPEDICIÓN

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En 1518 salió la segunda expedición que llegó a México encabezado por Juan de Grijalva.

Siguió la misma ruta que Hernández de Córdoba y en el Estado de Tabasco bautizó el río como Río Grijalva.

De Tabasco regresó a Cuba.

TERCERA EXPEDICIÓN

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En 1519 salió de Cuba la tercera expedición, la última encabezada por Hernán Cortes.

Viajó al suroeste y por ello llegó a Cozumel.

De la isla pasó a Quintana Roo, Yucatán, donde se subió a su barco Jerónimo de Aguilar, quien hablaba dos idiomas el Maya y Espanol.

De Yucatán pasaron a Campeche, Tabasco en donde le regalaron 20 mujeres entre ellas la Malinche, quien hablaba Náhuatl y Maya.

De Tabasco pasaron a Veracruz, donde Cortes forma el primer Ayuntamiento de México, llamado “La Villa Rica de la Veracruz”.

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Ruta de Hernán Cortes 

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Para que nadie regresara quemo los barcos, se quedaron en el país y con ello empezó la lucha entre los indios y los españoles.

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Solo una vez fueron derrotados los españoles, en un pasaje conocido como “La noche triste”.

Los españoles derrotaron al último tlatoani: Cuauhtémoc.

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Con ello acabaron con las civilizaciones prehispánicas , el 13 de Agosto de 1521.

A partir de ese día empezó una nueva etapa para el país, conocida como la Nueva España , México Colonial.

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La nueva España.

RELIGIÓN

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Fray Franciscano , Fray pedro de gante: fundo en México ,  primero escuela para indios.

https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwicxu71r-DSAhXD7oMKHa3CBccQjRwIBw&url=https%3A%2F%2Fes.wikipedia.org%2Fwiki%2FBernardino_de_Sahag%25C3%25BAn&bvm=bv.149760088,d.amc&psig=AFQjCNEmi-eldAn8EVQpHjWDuGP2q_B6yQ&ust=1489937506030658

Fray Bernardino de Sahagún: desarrollo su labor en Hidalgo.

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Fray Juan de Zumárraga: Trajo a México la primera imprenta.

EL DESARROLLO DEL ARTE MEXICANO DURANTE LA CONQUISTA ESPAÑOLA

Después de una introducción en el arte prehistórico, podemos observar como el arte empieza y como se desarrolla, después de la conquista de los españoles.

El arte se expresaba de manera gráfica, con el tiempo los mexicanos buscaban una identidad propia y no la que tuvieron que adoptar por los españoles. Al descubrir México, vinieron extranjeros al enterarse de este descubrimiento, lo que realizaban era pintar y dibujar a los indígenas, como por ejemplo, uno de estos extranjeros, era Francisco Javier Clavijero, el escribió un libro llamado “Historia Antigua de México”, contiene representaciones en diferentes técnicas de los indígenas, una de estas representaciones que logró convertirse en una expresión de identidad indígena mexicana, fue el águila comiéndose una serpiente sobre un nopal, esto se volvió parte de la cultura indígena.

https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwiF1MzPxOTSAhUh34MKHRn8A7sQjRwIBw&url=https%3A%2F%2Fwww.decogaleria.com%2Fes%2Flitografia-nacional%2F11505-60X90-FUNDACION-DE-TENOCHTITLAN.html&bvm=bv.149760088,d.amc&psig=AFQjCNEJMFYQf-vVGJjon0JDHIaL8JyMfg&ust=1490080427169448

 Francisco Javier Clavijero, (Puerto de Veracruz, México, Nueva España 9 de septiembre de 1731- Bolonia, Estados Pontificios, 2 de abril de 1787) fue un jesuita novohispano, autor de varias obras históricas. La más conocida es la Historia Antigua de México, obra importante en la historiografía colonial novohispana por ser una defensa humanista en favor de los indígenas novohispanos.

Historia Antigua de México (1780).

https://es.wikipedia.org/wiki/Francisco_Javier_Clavijero

Francisco Xavier Clavijero, óleo sobre tela, siglo XIX. Museo Nacional de Historia, INAH. Imagen tomada del libro: Enrique Florescano y Rafael Rojas, El Ocaso de la Nueva España, México, Editorial Clío, 1996, p. 22.

https://es.wikipedia.org/wiki/Francisco_Javier_Clavijero

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Estos textos eran la realidad del indígena mexicano, ya que lo españoles tenían otra idea acerca de la cultura indígena. Y así empezaron a surgir pinturas acerca del tema de la conquista, algunos pintores expresaban al indígena como héroe y otros como víctimas.

Los españoles pensaban que las civilizaciones de México, su cultura era vista como satánica, debido a las tradiciones y costumbres que tenían estos indígenas y por ello merecían ser destruidos. Javier Clavijero rescata pinturas que muestran un punto de vista acerca de los indígenas mexicanos, españoles y de otros países como E.U, Francia, etc. Cada uno con un punto de vista diferente acerca de la cultura mexicana.

El asalto al teocali - Cuadro de Emmanuel Gottlieb Leutze , 1848

http://www.latinamericanstudies.org/cortes-1.htm

Félix Parra. Fray Bartolomé de las Casas (1875). La labor educativa de los frailes fue un tema popular entre los liberales.

http://www.latinamericanstudies.org/cortes-1.htm

Félix Parra. Escenas de la conquista –la matanza de Cholula (1877). Visión decimonónica de la conquista de México.

http://www.latinamericanstudies.org/cortes-1.htm

Juan Ortega. La visita de Cortés a Moctezuma (1885). Visión decimonónica de la conquista de México.

José María Jara. La fundación de México (1889). Retrata un tema nacionalista y ubica los orígenes de México con este tema clásico.

http://www.latinamericanstudies.org/cortes-1.htm

Isidro Martínez. Fray Pedro de Gante, padre de los indios (1890). Visión decimonónica de la conquista espiritual de México.

https://www.google.com.mx/search?sa=G&hl=es-MX&q=conquista+espiritual&tbm=isch&tbs=simg:CAQSkwEJnocfNxp3HwIahwELEKjU2AQaAAwLELCMpwgaYgpgCAMSKMIcvhvAG8EcvRyOHPcRvBvBF6sRiS7YL7g66STILc8vmTu9Ork6iy4aMIU5vUUXf-oy0iCI4KOXcd9aIWuWYUqT34aNEN_13WdQ2FI1u6BaE51UkHbg978QyWSAEDAsQjq7-CBoKCggIARIEQwkI6Qw&ved=0ahUKEwjP5pqc0JjTAhUP0GMKHSuPCUgQwg4IGSgA

Leandro Izaguirre. El suplicio de Cuauhtémoc (1892). Visión decimonónica de la conquista de México.

 Hernán Cortés estaba torturando a Moctezuma para que le dijera donde estaba su tesoro, podemos ver un tema de la conquista, el indígena es visto como un héroe derrotado y aún después de varios años, los pintores siguen con el tema de la conquista.

https://www.google.com.mx/search?sa=G&hl=es-MX&q=cuauhtemoc+le+quemaron+los+pies&tbm=isch&tbs=simg:CAQSlQEJB8oPYU4gmLwaiQELEKjU2AQaAggCDAsQsIynCBpiCmAIAxIo9Qu_1F6oR9BiWGaAZqxG7HIIEvRy4Ork62D6-OrY6tTqJLrQ64yS3OhoweQWblPKvShIOlIzgYY5SGAvsMuNzdRui0lRCDHey3XKfEll-ymoD0oZMgm_1AILe8IAQMCxCOrv4IGgoKCAgBEgSBFXATDA&ved=0ahUKEwi42-LX0JjTAhURHGMKHYpuA-kQwg4IGSgA

Félix Parra. Fray Bartolomé de las Casas (1875). La labor educativa de los frailes fue un tema popular entre los liberales.

Isidro Martínez. Los informantes de Moctezuma (1893). Visión decimonónica de la conquista de México.

Imágenes obtenidas: http://portalacademico.cch.unam.mx/alumno/historiademexico1/unidad5/culturaMexicana/pintura

Grabado de Cristóbal Colón presentando a los Reyes Católicos un grupo de esclavos indios a la vuelta de su primer viaje.

http://8www.ecestaticos.com/imagestatic/clipping/8a3/227/d64/8a3227d64f891b9e08c36306b6dc9ee5/colon-no-se-toca-cultura-y-los-tribunales-impiden-a-los-alba-vender-sus-cartas.jpg?mtime=1426013597

http://mundodelmuseo.com/ficha.php?id=706

Al ver estas imágenes podemos ver como pensaban los pintores nacionales y extranjeros acerca de la conquista.

Como, por ejemplo, este grabado, en el hacen ver nuevamente al indígena como una amenaza, alguien peligroso, satánico, con estos pensamientos que tenían acerca de los indígenas los españoles, decidieron volverlos “civilizados”, con una nueva religión y cultura.

Imagen que muestra a indios de Zempoala con presentes para Carlos V (extraída de Historia de Nueva-España,1770)

https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwi_qOCxqOXSAhVn6IMKHZtRCUcQjRwIBw&url=https%3A%2F%2Fwww.uv.mx%2Funiverso%2Funiverso-615-temis-024%2F&bvm=bv.149760088,d.cGc&psig=AFQjCNHMc4cM8XMbpSe8Wbq4O9ephlmGjg&ust=1490107294435939

Debido a estos cambios de cultura, México ha quedado sin cultura realmente, ha tenido tantas transiciones, que no tiene identidad su población, y más adelante se hablará de como México sufre por una combinación de razas, entonces se vuelve un país con culturas combinadas, esto se vuelve un problema para los indígenas y mestizos mexicanos.

Se realizó una escultura de tlahuicole en honor a los indígenas, pero este indígena es un personaje irrealista ya que tiene una fisonomía y un cuerpo con características europeas, esto se realizó con el propósito de dar una idea a los españoles de cómo eran los indígenas mexicanos.

Esta obra forma parte de la corriente mexicana romántica, cuyo interés fue la exaltación del pasado mexicano a través de la pintura histórica, los bodegones y escenas costumbristas. Los artistas de la época emprendieron una búsqueda de héroes de significación nacional para representar en sus cuadros, de modo que Manuel Vilar, uno de los principales exponentes de la escultura de la Academia de San Carlos en este período, eligió por tema el "retrato" de un héroe de la época prehispánica.

Tlahuicole fue un guerrero tlaxcalteca prisionero de los mexicas, quien prefirió morir en combate a aceptar la libertad que le ofrecía Moctezuma II, lo cual sería vergonzoso para su nación. En esta representación en yeso, aparece como hombre valeroso, en posición de combate y expresión feroz, con musculatura exagerada que recuerda a la escultura helenística del "Lacoonte".

La escultura quedó vaciada en yeso puesto que no hubo quien financiara su traslado al bronce o al mármol. En este período, la producción escultórica monumental tuvo estas mismas consecuencias y solo en el último cuarto del siglo la situación mejoró. La escultura forma parte de la colección del Museo Nacional de Arte.

Tlahuicole Manuel Vilar (1851) México

https://www.google.com.mx/search?sa=G&hl=es-419&q=tlahuicole+guerrero+tlaxcalteca&tbm=isch&tbs=simg:CAQSlQEJK5B1sTOogN4aiQELEKjU2AQaAggEDAsQsIynCBpiCmAIAxIogQ-ND44P2Rm5D4wP4A-6D4QPkxmELtMsgy6GLo0kgi2FLvktvySOJBowSPViAedYatQ0_1ZbkvxelBgvYSJ6trCDrzWATYjnpbY1JsNBAvcaKSS_1yF6hZZdnqIAQMCxCOrv4IGgoKCAgBEgSSPDXeDA&ved=0ahUKEwjZpLvU0ZjTAhXINiYKHfkgB4UQwg4IGSgA

Al implantar una religión, conocieron a la virgen Guadalupe y lo adaptaron de manera que la virgen tenía rasgos indígenas.

Juan Patricio Morlete Ruiz

Mexicano, 1713 - 1772

Virgen de Guadalupe

Mediados del siglo XVIII

Óleo sobre tela, 210 x 137 cm

Con la inscripción:

Non fecit taliter omni nationi

Colección privada

https://lh3.googleusercontent.com/Qs8a_dl83-E931QKifUPYYSOx3GSIAWH2gDP0oeMmJBHvCBwyJzJERxBTvqokDI7rCKENw=s85

Podemos ver las dos culturas totalmente diferentes, esto hace que los indígenas pierdan su verdadera identidad. Al adoptar una nueva religión, estaban olvidando sus costumbres y tradiciones y ese era el objetivo de los españoles.

https://www.google.com.mx/search?sa=G&hl=es-419&q=basilica+of+our+lady+of+guadalupe&tbm=isch&tbs=simg:CAQSlwEJVA-vCpUEm-YaiwELEKjU2AQaBAgACEIMCxCwjKcIGmIKYAgDEijtFqgVggTzGIMErQ70GMMVlhn3GNAkvy25Lekp5jiqN-455CjwOcgkGjDQILQToyC1jSQlM8vutVzD6ONuFbLsKUmfoUPU-UTtTXwhujjlCqIpZLk-J9sKzGogBAwLEI6u_1ggaCgoICAESBKRlU10M&ved=0ahUKEwj_2MLk0ZjTAhVCbSYKHeVxDSwQwg4IGSgA

http://www.proyectoguadalupe.com/iconos2.html

Se publica el primer libro en España, España “La monarquía indiana”, contiene religión y su imposición a otras religiones en 1615.

Fuente: Presentación del Profesor Morales: Nacionalismo_ArtMex

José de Ibarra y Baltasar TroncosoLa Virgen de Guadalupe intercede por la epidemia de Matlasahuatl de 1737.

Fuente: Presentación del Profesor Morales: Nacionalismo_ArtMex

José Vivar y Valderrama(Activo primera mitad del siglo XVIII)

La consagración de los templos paganos y la primera misa en México - TenochtitlánMediados del s. XVIII

Óleo sobre tela, 400 x 410 cm

Fuente: Presentación del Profesor Morales: Nacionalismo_ArtMex

Las tradiciones de los indigenas, como las bodas, estos festejos eran grandres, como lo muestra la pintura siguiente.

Anónimo

Boda india con danzantes voladores (Ciudad de México), c 1690

Biombo, óleo sobre tela, 167.4 x 304.8 cm

Los Angeles County Museum of Art -

Fuente: Presentación del Profesor Morales: Nacionalismo_ArtMex

Fuente: Presentación del Profesor Morales: Nacionalismo_ArtMex

 En 1857 se obtiene la primera imagen de la patria. La pintura se describe con tema religioso novohispano para crear posturas no laicas.

En esta imagen vemos una mujer mexicana con algunas facciones de mezcla racial cargando una constitución, creando una idea de Virgen laica de la patria.

[cultura-y-diseno-ii]

Litografía en México (1837-1849)

México de principios del siglo XIX, cuando recién emergía de la revolución de Independencia como un Estado vulnerable, bajo un dificultoso proceso de formación.

La lucha de 1810 había desestructurado gran parte del Estado y las nuevas clases políticas avanzaban con tropiezos hacia lo imposible de la república. Aquél país causado por la guerra, políticamente agotado y en plena crisis económica.

Esto despertó el interés de muchos extranjeros que, al suspender la dependencia de la Corona Española, vieron abrirse las puertas de México.

 Para 1821, éste era un país en el umbral de la modernidad donde el arte, la ciencia y la tecnología se estaban transformando a partir de nuevos lenguajes que tuvieron su origen en el último cuarto del siglo XVIII.

El invento de Alois Senefeler, la litografía (1798), había causado una revolución de importantes consecuencias en la reproducción y divulgación masiva de imágenes en Europa y los Estados Unidos. 

La facilidad de efectuar el dibujo directamente en la matriz de piedra calcárea con un lápiz graso y la posibilidad de efectuar amplios tirajes monocromos y a color, superaba con creces las virtudes de los anteriores métodos de grabado e impresión como lo eran la xilografía, el buril, el aguafuerte y la aguatinta, espacialmente cuando de elaboración de impresos como revistas y periódicos.

La impresión litográfica haya sido para la reproducción de imágenes lo que la imprenta de tipos móviles fue para la palabra escrita.  Esto podría ser cierto si consideramos la amplísima popularización de las publicaciones ilustradas destinadas al consumo masivo durante el primer tercio del siglo XIX y décadas posteriores.

Los inicios en México y la llegada de los “artistas viajeros”

Claudio Linati y Gaspar Franchini arribaron al puerto de Veracruz el 24 de septiembre de 1825 para establecer el primer taller de litografía en la capital de México, iniciando labores a partir de enero del año siguiente.

Junto a Florencio Galli y el poeta cubano José María Heredia, fundaron y publicaron “El iris”, primera revista de circulación nacional ilustrada, que apareció entre febrero y septiembre de 1826 con un total de cuarenta números.

https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwiA986qsuDSAhXn7IMKHeexDyQQjRwIBw&url=https%3A%2F%2Fes.wikipedia.org%2Fwiki%2FEl_Iris&bvm=bv.149760088,d.amc&psig=AFQjCNH19gs12Au7frnkvrXzrs3e29NEfQ&ust=1489938163284622

http://www.casa-catherwood.com/catherwoodencastellano.html

Históricamente, podríamos partir de la publicación de  “El iris”  como el inicio de una nueva etapa en la divulgación de imágenes y contenidos mediante la prensa en nuestro país, fue calificado muy pronto, por amplios grupos sociales, no como un inofensivo periódico literario, sino como una encendida publicación subversiva( intención de  alterar  el  orden  político,  social  o  moral  establecido), crítica y radical, membrete que por cierto sus autores no trataron de desmentir.

El impacto de la introducción de la litografía a México a escasas tres décadas de su invención, se dejaría sentir a lo largo del todo el siglo XIX: directamente en la realización de otras revistas, periódicos y álbumes como el de la Colección de antigüedades mexicanas que existen en el Museo Nacional de 1827, e indirectamente en las maneras en que la sociedad mexicana consumió los panfletos, folletos, libros por entregas, semanarios, periódicos, pasquines, etc.

-Imagen- Clauio Linati- 

https://newtrendmx.wordpress.com/2013/07/26/claudio-linati-pionero-de-la-litografia-en-mexico/

Linati con el principal colaborador de la revista, el escritor cubano Heredia, basadas principalmente en el disgusto de Linati por la burla política. El  21 de julio de 1826  Heredia dejó de participar en El Iris. A pesar de todo, el periódico continuó su publicación hasta septiembre de 1826 , y en él aparecieron varias imágenes litográficas a cargo de Linati, quien ya para entonces había formado un pequeño grupo de discípulos mexicanos para enseñarles la nueva técnica.

Pero, unida a esta actividad artística, sus libelo escritos en que se denigra o insulta a personas o cosas levantaron enorme desconfianza entre las autoridades mexicanas que por ultimo, lo llevarían a la ruina. Finalmente, lo que decidió, fue que se suspendiera El Iris, y que Linati fuera forzado a salir del país al finalizar el año de 1826  a bordo del transporte, rumbo a Nueva York, serán esos escritos políticos que atacaron al mismo gobierno mexicano.

Desde esa ciudad, el 15 de enero de 1827, Linati prosiguió su viaje a Amberes a bordo del Dawn, a donde llegó el 15 de marzo. De regreso a Bruselas, Bélgica, se estableció como autor y litógrafo, y produjo artículos sobre México para L’Industrie en 1828 y 1829, mientras preparaba 48 litografías, basadas en sus acuarelas, de las costumbres y los vestidos mexicanos, junto con un resumen sociohistórico.

El famoso libro Trajes civiles, militares y religiosos de México fue editado en 1828 por Charles Sattino y litografiado por la Litographie Royale de Gobard con ilustraciones a color realizadas a la acuarela. Después del lanzamiento editorial, y quizá por el vivo interés que le despertó México, Linati regresa el 9 de diciembre de 1832 , desembarcando en el puerto de Tampico pero ahora con tan mala suerte que casi inmediatamente de tocar tierras mexicanas es atacado por la fiebre, misma que lo lleva a la muerte el 11 de ese mes, sin poder aportar nada más al arte litográfico.

Los “artistas viajeros”

Barón de Humboldt

http://www.analesiie.unam.mx/index.php/analesiie/article/view/1890/2989

De todos los viajeros que llegaron a México en el siglo XIX, el primero en ser conocido fue el científico alemán barón Alejandro de Humboldt (1769-1859). Dicho personaje estuvo en la Nueva España entre 1803 y 1804, lapso en el cual realizó importantes estudios científicos de toda índole, al igual que los que ya antes había llevado a cabo sobre otras regiones de Sudamérica en el mismo viaje que le llevaría varios años.

Fruto de estos estudios fueron 30 volúmenes agrupados bajo el título general de Viaje a las regiones equinocciales del nuevo continente, publicados entre los años de 1807 y 1834, y su obra de economía política Ensayo político sobre el reino de la Nueva España. Si bien todos o casi todos estos volúmenes de la primera obra están profusamente ilustrados, destacan para nuestro tema los que llevan los números XV y XVI de la colección, denominados Vistas de las cordilleras y monumentos de los pueblos indígenas de América, publicados en París entre 1810 y 1813. Es en estos tomos comúnmente llamados Vistas y monumentos, donde se encuentra un gran número de grabados que ilustran varias ruinas arqueológicas del Nuevo Mundo y paisajes que representan lugares destacados como lagos, ríos, montañas, volcanes, etcétera. Cabe destacar que las imágenes fueron hechas por artistas europeos bajo la supervisión y con ayuda de los apuntes tomados por el mismo Alejandro de Humboldt.

Elizabeth Ward

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El siguiente viajero es la señora Elizabeth Ward, esposa del primer embajador británico en nuestro país, sir Henry George Ward. No se tienen mayores datos de su vida y obra artística, y se conoce mejor a su esposo, quien fue embajador en México de 1825 a 1827. Como algunos autores han señalado, la presencia de Ward, además de ser diplomática, se debió a un intento de orientar las inversiones inglesas sobre la minería en nuestro país, por lo cual escribe su famosa obra México en 1827,  editada en Londres en 1828. Este libro pretendía ser una monografía completa sobre la situación geográfica, la geología, el clima, la población, la producción agropecuaria, la historia, la forma de gobierno, el ejército, la religión y por supuesto la minería de México. Para enriquecer sus observaciones, el embajador realizó viajes al interior del país con toda su familia, incluyendo a su mujer y a sus dos pequeñas hijas. Gracias a ello y a las aficiones de la señora Ward para el dibujo y la pintura, se incluyeron varios grabados en el libro México en1827.

Federico de Waldeck

http://www.analesiie.unam.mx/index.php/analesiie/article/view/1890/2989

Federico de Waldeck (1766-1875) no ha merecido hasta la fecha un estudio a la altura de la influencia que tuvo en México, tanto positiva como negativamente, pues hay que señalar, como adelante veremos, el tráfico que hizo de piezas arqueológicas, lo cual despertó una de las primeras defensas del patrimonio arqueológico nacional por parte tanto de las autoridades como de varios escritores. Se sabe que Waldeck fue un pintor grabador nacido en Praga en 1766 y muerto en París en 1875 a los 110 años. Aficionado a los viajes, visita la ciudad de México por primera vez en julio de 1826; por instancias de Galli traba amistad con Claudio Linati. Para entonces ya traía un bagaje cultural muy amplio sobre el país, pero especialmente sobre Palenque y la zona maya. Posteriormente, con las prensas que había dejado Linati, es invitado para que dibuje y litografíe, junto con Pedro Robert, la obra Colección de antigüedades que existen en el Museo Nacional

Por el saqueo de piezas arqueológicas, que además no se cuida de ocultar y hasta parece orgulloso en declarar, todo lo cual lo hunde finalmente. Debido a estos problemas, que obligaron al gobierno mexicano a confiscar sus papeles y apuntes, Waldeck sale del país en 1836 partiendo de la ciudad de Mérida. Ya en París, Federico Waldeck publica su famoso libro Viaje pintoresco y arqueológico a la provincia de Yucatán entre 1834  y1836.

[cultura-y-diseno-ii]

http://vhistmex.blogspot.mx/2010/10/castas.html

Artista anónimo, "Expresión de las Castas de gentes de que se compone este Reyno de Mexico; los motivos porque resultó la diversidad; y los nombres con que se distinguen todas las calidades: Hecha en Puebla de los Angeles", ca. 1750. 

http://pueblosoriginarios.com/recursos/colecciones/castas_2/castas_2.html

Andrés de Islas, "No. 4. De español y negra, nace mulata", 1774.

En el caso del término "mulato", recordemos que es definido en Covarrubias como "el que es hijo de negra, y de hombre blanco, o al revés

http://pueblosoriginarios.com/recursos/colecciones/castas_2/castas_2.html

Miguel Cabrera. "1. De español y de india, mestiza", 1763.

En este famoso cuadro de Miguel Cabrera, el hombre español, la mujer india y su hija mestiza se hallan frente a un puesto de textiles que nos ubica en un mercado.

La riqueza material y sobre todo la prosperidad de la Nueva España enmarcan esta escena familiar. Los textiles que vemos detrás de la mujer india, quien está no solo tradicional sino también ricamente vestida, al igual que su hija mestiza, son diseños indígenas tradicionalmente hechos por mujeres. 

En el marco del mercado, la india aparece representada como un elemento valioso en tanto mediadora entre culturas en la empresa de explotación comercial colonial.

A la vez, las figuras representan, características asociadas con la raza, la subordinación de las mujeres al hombre español las vuelve un símbolo de la subordinación indígena y mestiza a los españoles (asociados con los criollos). 

La subordinación de la niña mestiza es representada relacionalmente ante la figura del hombre español: por su condición de infante, por su género, y por la asociación cultural que establece su vestido tradicional indio, al hombre, al padre, español. 

La mirada de la niña dirigida hacia arriba y su posición en el centro del cuado fija la superioridad del español, acentuada por la punta del sombrero negro que continúa la línea de la mirada de la pequeña mestiza. No obstante la clara asimetría de las relaciones que representa esta escena, el mensaje es uno de prosperidad y armonía, perceptible en los rostros de las dos figuras femeninas que dirigen una mirada atenta y subyugada al español que les habla a ambas. 

Más pinturas y su análisis http://pueblosoriginarios.com/recursos/colecciones/castas_2/castas_2.html

Recopilando acerca del tema de las castas, la sociedad de castas fue producto de la mentalidad del siglo XVIII. El término casta significaba “mezcla racial”, es decir, el cruzamiento entre los principales grupos de la sociedad novohispana: indígenas, mestizos, blancos y negros, así como el resultado sucesivo de múltiples mezclas entre éstos.

Hoy sabemos que la pigmentación de la piel está determinada por los genes biológicos y no por la “sangre” de las personas, de manera que estas pretendidas nomenclaturas raciales plasmadas en los cuadros, científicamente no son ciertas y sólo son propias de la forma de pensar que se tenía trescientos años atrás.

Referencias documentales indican que el origen de estas obras se puede rastrear hacia 1710, cuando el virrey Fernando de Alencastre Noroña y Silva, duque de Linares, quiso darle a conocer al rey Felipe V y a su corte, las diferentes mezclas raciales de la Nueva España.

La primera encomienda se le hizo a Juan Rodríguez Juárez, reconocido artista de la época, y pronto se unirían otros pintores como José Joaquín Magón, José de Páez, Andrés de Islas, Miguel Cabrera, Vicente Albán y Francisco Antonio Vallejo.

Fue así como nació el género de pintura de castas, arte que se mantuvo vivo durante cien años ante la necesidad de nombrar y clasificar a la población de la Nueva España frente al crecimiento desbordado e incontrolable del mestizaje multirracial.

Pintores destacados en las obras de las castas, fueron:

Miguel Cabrera (Oaxaca, 1695* - 1768). Óleo sobre tela 1763.

Serie firmada y fechada en 1763 por el pintor Miguel Cabrera.

Las obras detectadas se encuentran ubicadas en el Museo de América de

Madrid y en el Museo de Historia Mexicana, aunque aún hay cuadros que su

paradero es desconocido para poder reunir un conjunto completo.

Resaltan la suntuosidad de los detalles de la indumentaria femenina, además,

la composición del personaje español, que sólo muestra su rostro de perfil, es

único en su tipo en esta colección.

IMÁGENES OBTENIDAS EN LA PÁGINA SIGUIENTE:

https://alcolonial.wordpress.com/2012/12/09/pintura-de-castas-miguel-cabrera-imagenes/ Obras del año 1763:

1. De español e india; Mestiza

2. De español y Mestiza, Castiza

3. De español y Castiza, español 

4. De español y Negra, Mulato

5. De español y Mulata; Morisca

6. De español y Morisca; Albina

7. De español y Albina; Torna atrás

8. De español y Torna atrás; Tente en el aire

9. De negro e india, China cambuja.

10. De chino cambujo e india; Loba

11. De Lobo e india, Albarazado

12. De Albarazado y Mestiza, Barcino

13 De indio y Barcina; Zambaiga

14. De Castizo y Mestiza; Chamizo

15. De Mestizo e india; Coyote

16. indios gentiles

José Joaquín Magón (Puebla sin fecha). Óleo sobre tela. Hacia 1770

Las noticias sobre la vida del pintor José Joaquín Magón son escasas, nació en Puebla, pero al parecer residió en la Ciudad de México y sus obras de corte religioso están distribuidas por diversos templos de ambas ciudades.

Se subrayan el reino de la naturaleza como las características raciales de los personajes, sin embargo, “el contenido de las cartelas, probablemente fue rellenado por otra persona o por el autor, pero siguiendo indicaciones ajenas”, ya que no hay una clara relación entre las descripciones de los textos con lo que se está representado.

Los burócratas buscaron clasificar la composición de la población americana, en especial en las capitales de los dos principales virreinatos, el de Nueva España y el del Perú. Del mestizaje de los tres troncos originarios: españoles, negros e indios, surgieron las castas, que recibieron nombres que variaban de región a región y cambiaban a través del tiempo. En Nueva España existieron cincuenta términos para identificar a los resultados de los sucesivos cruces.

Surgió un género pictórico, que mostraba el mestizaje junto a escenas de la vida cotidiana. José Joaquín Magón, un pintor de la región de Puebla, México, que vivió en la segunda mitad del siglo XVIII, fue el creador de los conjuntos más entrañables. Una serie de 16 lienzos de su autoría fueron llevados a España por Francisco Antonio Lorenzana y Butrón en 1772, cuando dejó México para hacer cargo del arzobispado de Toledo. Hoy se exhiben en el Museo de América, Madrid.

Los óleos miden 115 cm de ancho por 91 cm de alto, amplia las imágenes para verlas en detalle.

IMÁGENES OBTENIDAS EN LA PÁGINA SIGUIENTE:

http://www.3museos.com/es/2015/07/22/galeria-de-castas/

1.- De español e india nace Mestiza

2.- Español y Mestiza producen Castiza

3.- De Español y Castiza torna a Español.

4.- De Español y Negra sale Mulato.

5.- De Español y Mulata sale Morisca.

6.- De Morisco y Española, Albino.

7.- De Albino y Española lo que nace Tornaatras.

8.- De Albarazado y Salta atras, sale Tante en el aire.

9.- De Negro e India sale Lobo

10.- De Lobo e India, sale Cambuja.

11.- De Indio y Cambuja sale Sambahiga.

12.- Mulato e India engendran Calpamulato.

13.- De Calpamulato e India, sale Givaro.

14.- De Mulato y Mestiza, sale Cuarteron.

15.- De Cuarteron y Mestiza, Coyote.

16.- De Coyote y Morisca, nace Albarazado.

José de Páez (1720 - 1790¿?).

Poco se sabe de la vida de este prolífico pintor del siglo XVIII, su estilo clasificado por algunos expertos como sentimental, lo asemeja a las obras del pintor Miguel Cabrera.

Páez aportó algunas escenas que confieren a este conjunto un sabor particular, como la del interior de una chocolatería con cestos y petates

 https://www.google.com.mx/search?sa=G&hl=es-419&q=miguel+cabrera+pintura+de+castas&tbm=isch&tbs=simg:CAQSlQEJpj4ieAhStMsaiQELEKjU2AQaAggCDAsQsIynCBpiCmAIAxIo4gqZFYIN2wrmCtwKxxeVFeMK4AqSKIwo1DWLNoo2kSiHNpAo9zX2NRow2mwZwjCyWSz5opm_1SjhrOsC0x4oW82lQCm9svvb7YfNW0eh8rTxwgtB7IIencQdaIAQMCxCOrv4IGgoKCAgBEgTWOYcMDA&ved=0ahUKEwjc6ceC05jTAhVFSiYKHQ5oA1kQwg4IGSgA

Juan Rodríguez Juárez (Ciudad de México, 14 de julio de 1675-1728), pintor del Barroco español que vivió en el virreinato de Nueva España.

Perteneció a una extensa familia de pintores del México colonial, entre los que cabe citar a su abuelo José Juárez. Su estilo es intermedio entre el tenebrismo y la pintura barroca tardía o rococó. Hacia 1694 pertenecía a una cofradía y ya era asistente de pintor. Tuvo como maestro a José de Padilla y trabajó en su taller.

IMÁGENES OBTENIDAS EN LA PÁGINA SIGUIENTE:

http://www.3museos.com/es/2015/07/22/galeria-de-castas/

Autorretrato en el Museo Nacional de Arte de México.

De español y negra produce mulato c.1715

De mestiza y español produce castizo c.1715

De español y de india produce mestizo c.1715

De mulato y mestiza, produce mulato c.1715

 De español y mulato, produce morisca c.1715

http://www.3museos.com/es/2015/07/22/galeria-de-castas/

Andrés de Islas. Óleo sobre tela. 1772

Aquí se encuentran reflejadas ciertas cargas ideológicas, como, por ejemplo, el retrato donde una madre mestiza amamanta a su hija castiza. Era mal visto por los europeos, que las familias de México tuvieran la costumbre y vieran con buenos ojos al ama de cría. Se pensaba “que la criatura absorbía con la leche el mal carácter y los defectos físicos de la nodriza y se sostenía que, por culpa de tal costumbre, no era de extrañar que hubiera muchos hijos de buenos y honestos padres con malas y perversas costumbres.”

http://www.3museos.com/es/2015/07/22/galeria-de-castas/