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#2

REAR WINDOW, Alfred Hitchcock (1954)

 “He was leaning slightly out, maybe an inch past the window frame, carefully scanning the back faces of all the houses abutting on the hollow square that lay before him. You can tell, even at a distance, when a person is looking fixedly. There’s something about the way the head is held.”

“When you’re worried or disturbed, that’s an internal preoccupation, you stare vacantly at nothing at all. When you stare around you in a great sweeping arc at windows, that betrays external preoccupation, outward interest.”

 It Had to Be Murder, de Cornell Woolrich.

 Un genio del suspenso es como lo catalogan algunos expertos del cine,  Hitchcock reconocido director británico  sucumbe a los encantos de la industria norteamericana, a eso de 1938 decide cambiar de residencia y llega a florida con su familia, donde se instala y continua con su brillante carrera como director, adoptando algunos estandartes de la muy industrializada escena gringa sin perder su estilo que firma cada vez que puede saliendo en sus producciones por ejemplo, en una de sus  grandes producciones como “Rear Window” o “ La ventana indiscreta”   aparece en el minuto 25 de la película, arreglando un reloj en el apartamento de un compositor, mientras este está tocando una melodía en su piano.

En esta historia tenemos a  L. B. Jefferies cuyo rol en la narración es indispensable, ya que es un observador por profesión (fotógrafo) .  todas las situaciones se desarrollan  alrededor de un nucleo muy importante que es la necesidad de reposo que le ordena el medico y su necesidad  de observar todo lo que le rodea en especial a las personas , el argumento de la película recae en un hecho espacial importante ya que los apartamentos del patio aportan los numerosos personajes y pequeños relatos que en un principio parecen individuales e independientes pero con el transcurso de la película se van entrelazando .

Se plantean dos historias paralelas que van muy de cerca, por un lado tenemos el romance que mantienen Kelly y nuestro personaje principal y por otro lado la sospecha cada vez mas fuerte de Jeff que en el edificio de al frente se había producido un asesinato, Jeff como buen bservador se basa en pequeños gesto y  acciones que otros encontrarían discretas para ir reafirmando su sospecha.

Es un película que evoca un suspenso muy profundo de escenas muy lentas pero muy poderosas , con unos encuadres  decisivos al mejor estilo de Hitchcock

  Jaime Santiago C.

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#1

NOSFERATU, UNA SINFONIA DEL HORROR. (1922)

 “ BLUT IS LEBEN!”

  Nosferatu es sin duda una de las grandes muestras del cine expresionista alemán junto con “El gabinete del Dr Calligary  y otras obras alemanas de la época que a su medida mostraban de manera poética la depresión y la angustia que se vivía en la Alemania de la posguerra y la depresión económica que esta trajo , también ha sido  un referente de la cinematografía de terror a través de la historia destacándose como una muestra clara de la distorsión de la realidad y siendo una visión de lo que no es.

Es una adaptación  del director  alemán  F.W. Murnau  de la historia escrita por el  irlandés Bran Stoker. En la época  Murnau no pudo conseguir los derechos de la obra de Stolker por ser el cine considerado como un arte menor, por eso es que se decide hacer una adaptación a la historia original y el Guion cuenta con deformaciones del relato original como el cambio de los nombres de los personajes y algo de la trama.

Así tenemos como muestra final la historia de Hunter un empleado de bienes raíces que emprende un viaje desde su natal bremmen hasta Checoslovaquia con la promesa de poder vender un inmueble justo enfrente de su hogar  al adinerado pero desconocido Conde Orlock , la historia se desarrolla alrededor de la ida de hunter y el regreso a casa con Orlock,  la doble personalidad, el excentricismo del Conde y la ingenuidad de Hunter el vendedor inmobiliario adicional a esto  también una existente tensión latente que se nota muy ligeramente al inicio del filme entre hunter y su esposa y se va incrementando a medida que los actos van sucediendo.

Hay escenas muy fuertes que muestran un poco el estilo del director y la vanguardia a la que pertenece, por ejemplo en el segundo acto existe una escena donde la esposa de hunter es hechizada por la angustia que sentía y en una especie de visión logra materializar la presencia de su amado a pesar de estar separados por muchos kilómetros, una distorcion absoluta del espacio.

Es una producción de imágenes impactantes a pesar de los pocos recursos utilizados toda imagen todo acto y situación es un llamado contundente al espectador , la composición de cada cuadro en conjunto con la situación de los actores generan una especie de atmosfera de intriga de tensión y suspenso muy fuertes, sin duda y a pesar de su antigüedad Nosferatu mantiene al espectador en un constante remolino de emociones.

��Jaime Santiago Conde.��

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Vida de perros – CharlesChaplin  1918 Por: Jaime Santiago C.

Vida de perros – Charles Chaplin  1918

Por: Jaime Santiago C.

 Filme escrito y producido por el famoso actor y productor  Charlie Chaplin en el año de 1918, es un filme a blanco y negro que mostraba la perseverancia de este personaje por transmitir sus ideas sin usar la voz para pronunciar palabra, lo que le permite a los actores desarrollar un fuerte  sentido del lenguaje corporal. La película se vale de dinámicas actorales de un carácter muy sencillo (como por ejemplo la escena donde hacen fila para aplicar al trabajo en la cervecería), pero sin duda muy divertidas para el espectador, y así ocurre en la mayoría de la reproducción.

A nivel de sonido implementan una composición que en su generalidad evoca dinamismo pero en ciertos espacios particulares ayuda a generar la sensación de angustia o zozobra, se acelera el tiempo o se vuelve lenta la situación acorde a la composición sonora. Por otro lado la configuración de imagen es muy ordenada en muchos cuadros de la composición se nota un respeto por la ley de los tercios, lo cual provee al film de una estética contundente y clara, me parece que cada cuadro ha sido premeditado y se nota en su ejecución conjunta, también a nivel de imagen encontramos otros elementos como los cuadros de te texto que hacen la labor de articular escenas y dar más información sobre el contexto.

La historia de la película nos muestra la cotidianidad de un vagabundo de ciudad y todas las situaciones por las cuales podría pasar el , desde la batalla que tienen entre desempleados por un trabajo hasta la persecución de la justicia a causa de un pedazo de comida.  Paralelamente se muestra la situación de un perrito callejero en situaciones análogas a las del vagabundo, sus historias convergen cuando el perro es perseguido por otros perros, y el vagabundo decide ir a rescatarlo, tal vez, por un sentimiento de empatía, desde ahí son una dupla inseparable y atraviesan situaciones divertidas, como cuando se roban el pan de un cocinero o cuando intentan conquistar a la mujer del bar.

En conclusión este es un film muy divertido con una actuación brillante de Charlie Chaplin y su perro, unas dinámicas de escenas muy interesantes, acompañadas de una composición de audio e imagen contundentes, sin duda alguna debió haber sido una producción muy bien criticada en la época.

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La animación temprana y sus primeras expresiones

La animación temprana y sus primeras expresiones

Por: Jaime Santiago C.

 Viendo a Quirino Cristiani en sus contadas entrevistas, se puede evidenciar que la animación y su concepción responden a la necesidad del artista de ver movimiento en su imagen y también de las nuevas posibilidades  que plantea los nuevos estudios de la imagen en movimiento propiciada por la fotografía y los nuevas creaciones cinematográficas que se estaban explorando en la época.

El mono relojero uno de los primeros cartoons direccionados principalmente a un público infantil donde Constancio C. Vigil, un reconocido escritor de historias para niños le hace el encargo de animar el relato “el mono relojero”  al ya mencionado Cristiani que Tuvo como animador principal al catalán Juan Oliva y a Kayser, esta animación a diferencia de las anteriores creadas por Cristiani no era elaborada por recortes de dibujos superpuestos, sino que utilizaba ya la técnica desarrollada en los estudios de Walt Disney: los acetatos. La historia cuenta la vida de un mono mascota que vivía con un relojero como su ayudante, motivado por el cansancio que esta labor le producía y la curiosidad que lo caracteriza, decide irse de la relojería, la historia continua mostrando las hazañas de las cuales se jacta el mono para sortear las inclemencias de su escape, solo equipado con una escopeta y un reloj se lanza a vivir la vida lejos del cobijo de su dueño relojero, el corto animado culmina con el regreso del mono arrepentido debajo del techo de su cuidador, el relojero.

En la narrativa se evidencia un estilo contundente ligado fuertemente a el cuento. Se desarrolla de una manera creativa y divertida trayendo a colación elementos como la personificación de los animales y de alguna manera es una narración dinámica porque visualmente trata de llevar el hilo de la historia de una manera rápida liberando movimientos de bajo rango acompañados secuencialmente de dinámicas más fuertes, proporcionando al corto de unas relaciones de animación contundentes.

El corto ya es una elaboración acompañada de música y sonorización diseñadas por José Vasco Vigo Se vale de tres elementos compositivos importantes a nivel sonoro, en primer lugar los instrumentos clásicos que le dan un ambientación propia de la escena al corto y le ayudo al observador a entender los tiempos y velocidades a los que responde la animación, en segundo lugar las voces muchas veces no tienen un protagonismo importante  pero sin duda es un componente importante de la animación, y en tercer lugar también podemos encontrar un diseño de Foley que mas alla de hacernos entender como espectadores los sonidos propios de las cosas a un nivel realista, proporciona también momentos de énfasis en ciertas acciones o situaciones .

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El debut de la imagen con movimiento y la personalidad intrínseca de la animación en la historia

El debut de la imagen con movimiento y la personalidad intrínseca de la animación en la historia

Por : Jaime Santiago C.

 A través de la historia del arte hemos podido ver la evolución del lenguaje estético del ser humano  y a su vez la madurez conceptual que como especie poseemos. El lenguaje no es más que la manifestación dimensional de nuestras reflexiones, pensamiento y creatividad.

La aparición  de la animación en el planeta tierra, es una respuesta a las necesidades que como especie estábamos requiriendo a nivel abstracto, que nos ha permitido desarrollar una comprensión más compleja de cómo funciona el universo y cómo podemos interactuar con él en diferentes dimensiones y temporalidades, esta nueva propuesta que se determina por el cambio morfológico de la imagen en el tiempo, en esencia y forma,  también ha abierto las puertas a un mundo totalmente nuevo, trasciende la percepción de la realidad como se había entendido a la época, no solo de una manera gráfica sino también interactiva, el suspenso o el drama generado por personajes ficticios y estrambóticos antes se limitaba a la imaginación del perceptor de un cuadro por ejemplo, o una escultura, manifestaciones estáticas en el tiempo , ahora, con la aparición de la animación surgen unas nuevas maneras de acercarse al arte y  la precepción estética del receptor de la obra no se limita a la imaginación del qué pudo pasar o del qué va a pasar de una imagen estática .

A través de la experimentación de la imagen; de la fotografía y los nuevos modos de reproducir fotogramas en forma conjunta pero individualmente permitieron el descubrimiento realizado por el artista gráfico Quirino Cristiani, que en vez de reproducir fotos de realidades externas ha decidido crear dibujos con la facultad del movimiento que le permite la técnica que ya se había desarrollado tiempo antes en los primero cinematógrafos, lo que le permitió a  Cristiani en un inicio proyectar su arte hacia la sátira con pequeñas animaciones (“los que ligan”, 1919) con una calidad propia de las primeras animaciones, eran movimientos básicos en escenas que causaban polémica, aquí ya se puede esbozar la esencia de este nuevo arte en dos núcleos principales: primero el dinamismo de la imagen que en términos prácticos es la forma y lo que causa en el espectador, y segundo la trama que es lo que provee al espectador el interés o por el contrario su desinterés ,  que en práctica es el fondo de la obra.

En estas primeras  obras animadas  en los inicios del siglo XX se puede ver un estilo muy básico en comparación a las nuevas técnicas modernas de animación, sin embargo muchos artistas destacaron por su fluidez y composición a la hora de animar, entre ellos podemos encontrar al francés Émile Cohl que en 1908 estrena su producción Fantasmagorie, su longitud está en el rango del minuto, un pequeño corto donde hace gala de su imaginación a la hora de hacer fluir la imagen, aunque  los dibujos de una manera muy arcaica a blanco y negro logra una muestra de dinamismo y emoción destacable para la época, además de una narrativa interesante, Otra producción destacable de la época fue efectuada por el estadounidense Winsor McCay en 1914 con su primer cartoon “Gertie the Dinosaur” que en principio es una mezcla de cine y animación aún mudo, mostraba de alguna manera el proceso de cómo se llegó a crear  el concepto de Gertie y de cómo se llevó acabo la animación, visualmente es una propuesta interesante y fluida (en la parte de la animación) se vale de trucos visuales para mostrar el movimiento y las perspectivas del dibujo, como la roca que muestra su volumen bajando por el cuello de Gertie cuando ella se la traga, otro aspecto interesante de esta animación es la parte interactiva, ya que la narrativa no desconoce al espectador sino que lo incita a participar de la obra de una manera activa. Por otra parte al otro lado del globo (Japón) también se estaban generando nuevas dinámicas en la animación con Kobu tori en 1929, en su estilo se destacan los claroscuros como gran parte de su composición. En esta pincelada histórica sobre la animación temprana no se puede concluir sin antes haber mencionado a Walter Disney, es el creador del famoso personaje Mickey Mouse personaje casi emblemático en la cultura estadounidense, Walt como le llamaban ya en el círculo de animadores, fue importante en la escena de animadores ya que fue en sus estudios donde por primera vez se utilizó la técnica del acetato lo que ayuda posteriormente a la sistematización de la industria animadora.   Todos ellos y algunos más que no se mencionan en este escrito son los padres de la animación contemporánea entendiendo también que la brecha que nos separa de ellos no es tan amplia, fueron ellos quienes hicieron toda la labor exploraría en la parte técnica, así abriendo posibilidades para la creación artística. Cogiendo estas bases los animadores en la última centena de años han desarrollado diversas propuestas a nivel formal , se han generado infinidad de temas a nivel de fondo pero siempre manteniendo estos dos pilares como parte intrínseca de la animación.      

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Un viaje a la luna, (Hmnos Lumiere), y la personalidad de la época.

Un viaje a la luna, (Hmnos Lumiere), y la personalidad de la época.

Por: Jaime Santiago C.

 En este pequeño corto realizado por los hermanos Lumiere siendo uno de los primeros en su categoría y desarrollo, nos muestra en primera instancia un pensamiento lógico y creativo a la hora de sortear las limitaciones que la época le traía al mundo de la cinematografía, se desarrolla en escenas con una sola locación, a nivel escenográfico es destacable la originalidad de sus piezas, se consolida una dinámica visual enmarcada por el dinamismo otorgado por los diferentes actores en escena; en segundo puesto se muestra también de alguna manera el espíritu de la época, con esto me refiero a que en este caso el cine ha sabido llevar a una abstracción dinámica lo que se estaba viviendo y sintiendo en ese tiempo en ese lugar.

Previo a la llegada a la luna por el astronauta Neil Armstrong representando a los Estados Unidos,  se desarrolla “un viaje a la luna “ por los hermanos Lumiere,  en una era parcialmente invadida por la sistematización de los procesos industriales,  se empezó a tener conciencia de las capacidades y alcances de la creación humana y la imaginación, razón que solo iba alimentando a los creativos de nuevas ideas y de romper paradigmas anclados a la razón humana por el tiempo, querían romper barreras, en este caso la barrera del cielo, llegar a la luna creo yo que ha sido desde los inicios de la civilización uno de los deseos fantásticos latentes más importantes para nosotros, en este corto presentado por los Hnos.  Lumiere no solo se hace una representación de como pensaban que se iba a llegar a la luna precisamente por las limitaciones que la época planteaba sino que también muestra de alguna manera la madurez con que se veía socialmente  esta idea innovadora.

Sin duda alguna este corto no solo ha logrado inmortalizarse en la historia de nuestra especie  como una  de las primeras películas creadas, sino también se ha convertido en un referente para todo entusiasta del cine gracias a la importancia que los hallazgos técnicos hechos en su realización tuvieron para la época.

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Reseña- La cerca, cortometraje Colombiano

cortometraje colombiano dirigido por Ruben mendoza en el año 2005, donde se puede apreciar una calidad de producción buena, con un manejo de cámara y dirección de fotografía interesantes  y de alguna manera una critica a la sociedad colombiana en la época bipartidista creo yo que con la intención del director de tocar las fibras lejanas pero no tanto de la memoria colectiva del colombiano, valiosa artimaña para la consecución del arte, donde a través de  Francisco Maldonado y su padre (personajes principales), toda esa tensión que hubo entre enemigos políticos fue trasladada y re escalada al conflicto familiar entre este par de personajes.

una de las cosas mas importantes en este filme en cuanto a la calidad y potencia de la historia y mensaje es sin duda la tensión que viven los dos personajes principales durante todo el corto, donde es clara la poca empatia que sentía Francisco por su padre que fue un matón al servicio de las élites políticas colombianas y un padre y esposo borracho y violento, por esto el sentía un gran remordimiento por el  pero aun así estuvo dispuesto a recibirlo en su casa pasados diez años de la muerte del único vinculo que al parecer les quedaba, su madre y esposa, que en el documento de su herencia deja claro que los potreros que les pertenencian a francisco y a su padre, que ya estaban separados hace un muy buen tiempo por una cerca, deberían convertirse en uno solo pasada una década de su fallecimiento y si se llegaba a incumplir este ultimo deseo los potreros y todo lo que había en ellos pasaría a manos del estado, esta fue la razón real para que el padre de Francisco lo buscara, el no tenia ni la mas mínima intencion de perder sus tierras aunque allí hubiera matado centenas de hombres por razones que el no entendía, en la otra mano Francisco estaba totalmente despojado de esa necesidad de poseer esas tierras tal vez por la cantidad de sangre con que se se alimentaban las plantas y animales que ahi vivían.

habiendo pasado todo el ultimo dia del año en una tension latente alivianada por el aguardiente , tras haber hablado y recordado todos los eventos que los habian obligado a llegar a ese momento, se cumple el plazo, son las 12:00 de la medianoche del ultimo dia del año, ambos embriagados por el licor, ambos con un deseo, el padre se dirige a la cerca con rapidez para tumbarla, lo sigue Francisco que recordando los sueños que le aquejaban en la noche donde despojaba de la vida a su padre al mejor estilo carnicero que el mismo le habia mostrado, le propina sendo machetazo en el cuello justo al lado de la cerca, la tension se libera y el filme muere.

Jaime Santiago Conde