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OS RITOS DE MORTE QUE NOS CONDUZEM A UMA LUTA BASEADA EM VALORES ÉTICOS E ESTÉTICOS INEGOCIÁVEIS

Ana Beatriz Almeida cria corpos ancestrais para desaparecidos políticos negros que foram mortos na ditadura e nos leva a uma profunda reflexão sobre o universo

A luta não se negocia, e tendo já dito com o próprio corpo – este que é revestido de legítimo material bélico, com a própria pele em chamas por tudo – está quem ressalta aos nossos olhos e ouvidos: “A luta não é negociável, e não se vende a memória”. Vamos assim, de maneira trôpega, acompanhando o movimento das omoplatas, tateando esquinas do tempo, que se dobram para fora do pensamento eurocêntrico, diferente do que nos ensinaram nas escolas. Ainda de mente imatura, vamos ensaiando cuidadosamente embarcar na obra de Ana Beatriz Almeida, uma artista múltipla e apaixonante que nasceu no ano de 1987, no bairro do Fonseca, em Niterói – RJ.

Ela, que é uma estudiosa sobre a morte e iniciada na religião Vodoun, nos deu a honra de ser nossa entrevistada na terceira edição da Coluna Translação. É um alento poder ouvir Ana Bee, batizada carinhosamente por esta coluna como a nossa Abelha Rainha. É precioso imergir em suas mágicas construções e perceber como é bonito redescobrir o desejo de aprender outros desejos, outras narrativas, que não passem pelas mãos brancas da história. “Eu criei entidades para desaparecidos políticos que tiveram seus corpos sumidos pelo Estado. O trabalho considera essas pessoas que lutaram pela democracia e eram negras. Então, na verdade, elas estão lutando numa luta contínua que vem desde a escravidão. E assim, acabam vindo para aconselhar a gente como forças atuais, poderosas, que impactam o porvir. Tudo isto aconteceu em 2016, durante o impeachment da Dilma. Ainda não vendi estas obras no Brasil, é uma performance ritual e o que crio são entidades”, antecipa Ana Beatriz, sobre a obra Kalunga, que dá inicio ao segundo ciclo de danças de cura, criadas a partir de ritos de morte do candomblé do Recôncavo baiano.

O projeto é uma parceria com o artista Thiago Consp e a cineasta Luara D, onde Ana Bee desenvolveu rituais de transição para duas personalidades vítimas da tortura na ditadura militar no Brasil. Numa instalação-rito, percorre-se um trajeto composto por três fases onde imagem, corpo, texturas e cheiros guiam o público através de um rito de passagem. Nesta travessia, o mar aparece como metáfora para a morte. Entre sensorialidades, fotografia e videoarte, o público é introduzido com beleza profunda e cuidadosa ao universo simbólico da morte na cultura afro-brasileira. Guiada por duas vertentes distintas da resistência política da época: o líder operário da greve na Fábrica de Perus, João Breno, e a estudante negra que abandonou o curso de letras da USP para aderir à guerrilha do Ararguaia, Helenira Resende Nazareth – a quem Ana nitidamente cultiva uma ligação ancestral de resistência que virá ser o foco principal deste trabalho. Através de Sumaia Leite, uma amiga que já sabia da pesquisa em andamento, Ana conheceu Helenalda Resende Nazareth, que, infelizmente, ainda em 2015 buscava o corpo da irmã assassinada pela ditadura. “Sem um corpo não há crime, eles não querem encontrar o corpo, pois um corpo é uma evidência de um crime bárbaro com magnitude suficiente para devastar quem ficou aqui sentindo saudade. Eu quis dar algo para esta irmã, era o mínimo que eu podia fazer naquele momento”, relembra.

Sua paixão pela pesquisa sobre a morte se deu por um acaso profissional, embora já fosse engajada desde os 17 anos na prática do butô, dança que surgiu no Japão pós-guerra. Foi só em 2010 que Ana soube da existência da Irmandade da Nossa Senhora da Boa Morte. “Cheguei no município de Cachoeira sem querer. Na verdade, fui para estudar tecidos de santo, através de pesquisa antropológica para uma ONG. Me falaram desta antiga irmandade, provavelmente o primeiro grupo feminista abolicionista da América Latina, que se instaura por volta de 1820 em Cachoeira. Lá foi o local que recebeu o maior número de pessoas durante a escravidão. O mais louco é que eu nunca mais parei de ir lá e nem de pesquisar sobre isto. O tema da minha última obra se chama o Sacrifício Ritual, e fala justamente sobre este corpo ancestral que criei para Helenira Resende, a única mulher negra do curso de Letras da FFLCH-USP, foi torturada por Sérgio Fleury na ditadura. Depois ela foge para o Araguaia e vira líder de destacamento de tiro. Helenira morre em 1972. Ela merecia um portal preciso de comunicação, porque a vida dela significou muito, é urgente recordar esta existência. O trabalho quer relembrar que ela foi a filha de um dos mais antigos médicos da cidade de Nazaré das Farinhas, provavelmente um dos primeiros médicos da Faculdade de Medicina da Bahia, e que era comunista como o meu avô era. Tem umas narrativas, uns deslocamentos que se repetem, e justamente é esta a lógica do candomblé”, explica Ana.

Com uma ternura ácida e irreverente na maneira de doar-se, a artista tece uma infalível trama, de liga potente, capaz de transformar o conhecimento de sua ancestralidade em um verdadeiro presente para nós. A partir dos olhos dela, a lógica do retorno, junto com as dobraduras do tempo, vai nos ensinar o que ninguém nos contou, mas precisávamos finalmente saber. Ana é capaz de mover a energia da morte através de ritos de renascimento e também transitar entre mundos desconhecidos através de suas performances, baseadas em experiências profundas de autoconhecimento. Sua pesquisa e seus trabalhos lançados nos dão fortes indícios de que é inútil tentar separar a linha da vida e da morte, e esta dedicação virtuosa tem levado a artista pelo mundo afora.

Ela foi curadora convidada da Bienal de Glasgow 2020, é mestre em História e Estética da Arte pelo MAC-USP e doutoranda no King’s College (Reino Unido). Depois do final de 2018 e início de 2019, realizou workshops em instituições africanas e europeias com sua pesquisa sobre novas ferramentas de crítica de arte contemporânea da África e Ritos de ascendência africana (Instituto ANO – Accra / Gana, Zinsou – Cotonou / Benin, Tate Modern-London /Inglaterra, CCA- Glasgow / Escócia, KM Institute for Contemporary Art- Berlin / Alemanha).

Dotada de uma paciência também irreverente, a artista segue esmiuçando para nós a dinâmica dos ritos com origens no candomblé, e nos empresta conhecimento para avançar, fazendo o exercício instigante de pensar conosco sobre o mercado de arte brasileiro, que, ainda muito atrasado, continua excluindo cinicamente artistas negres, através da lógica do racismo estrutural de uma elite branca defasada. Na militância artística, Ana desenvolve um brilhante trabalho com a 0101 Plataform, onde atua há um ano como curadora, captando, projetando, apoiando grandes artistas contemporânies, proporcionando visibilidade, lutando por equidade. Metaforicamente, cumpre o papel da águia bravia, protetora de seus filhotes: não negocia suas obras, nem as des artistas que representa, sem que haja uma política de reparação, ações afirmativas em relação à porcentagem de vendas das obras destes artistas negres.

tem os odus, como se fosse a cabala dos iorubás, mas ela também existe nos Ewe, produzir estas divindades em forma de ritual vai de encontro com o sentido de produzir novos Orixás. Provavelmente a Helenira é um Orixá meu. Assim é, um ori que tem uma trajetória proxima à minha. Que eu estou cuidando com carinho para não ser esquecida. Querem que ninguém saiba que Helenira existiu, mas eu sei que ela existiu. E aí, olha a curva do tempo se formando, esta obra está sendo desejada por grandes galerias aqui no Brasil. Queremos vender, mas não em valores que repitam uma vulnerabilização estrutural. Tem coisa que não pode ser negociada, a luta não tem preço. Você não negocia a luta, a vida dela já foi roubada, já foi extirpada. Até hoje ninguém sabe cadê o corpo de Helenira, eu não posso simplesmente vender o ‘corpo’ dela, né? A construção destes ritos vem daí, produzir novos Oris. Quebrar a lógica do sistema. Somos 1% no mercado de arte, ou menos, é um dado triste e cruel, estamos bem ligados sobre a perpetuação destas práticas, queremos reparação”, diz Ana.

A militância nos campos da arte e da política foi inevitavelmente inspirada pelos avós maternos de Ana. “Da minha avó [que costurava para drag queens] eu herdei o desejo de ser artista, do meu avô, o chamado urgente de lutar contra injustiças. Ele participou da Var Palmares, um braço da luta armada no Brasil. Era boxeador, depois foi diretor da Central dos Bondes, durante a ditadura permaneceu clandestino com a família”. Para a artista, o universo que lhe sobrava ainda criança era o cotidiano de uma casa afetada pelo medo de perder a liberdade democrática, este foi um fator marcante para encadear o desconhecido e transformar agonia em arte. “Minha mãe sofreu muito com ansiedade infantil. Imagina uma criança de oito anos que vive nervosa pois ela acha que o pai irá desaparecer. Esta noção de um possível sumiço político foi um trauma. E aí usarei a lógica iorubá para pontuar. Você é a sua mãe e sua mãe é você. O seu óvulo estava sendo formado na no útero da sua avó, então você e sua mãe têm mais do que uma raiz. Ela nunca me falou sobre isto claramente, foram coisas que eu descobri muito tempo depois. A ansiedade dela sempre foi visível. Angústia com comida sempre foi visível. Nunca entendi direito de onde isto vinha. Eu sabia que tinha a ver com o momento em que meu avô estava clandestino, mas eu nunca soube em detalhes. O Natal na minha casa era uma loucura. Minha avó adorava fazer a ceia, minha mãe usava os tecidos africanos na mesa e meu avô gritava que éramos iludidos”, relembra a artista.

Ainda em Niterói, num universo em que ela não se encaixava, inclusive por ser uma das únicas alunas negras da escola, a artista sentia que aquele ali definitivamente não era o seu lugar no mundo. “Queria sair deste lugar. Eu não clara, nem branca, não tinha o estereótipo da Malhação. Não tinha vocação pra ser uma Juliana Paes. Esteticamente eu era negra. Não tinha saída para mim, eu não ia ter uma adolescência ok. Eu era esquisita, eu era vista como ‘aquela aluna negra’. Queria saber como seria viver num lugar diferente. Então prestei vestibular para USP, para cursar tecnologia têxtil, mas tinha algumas atividades artísticas e de engenharia. Fiz Tecnologia Têxtil, que é o atual Têxtil e Moda. Eu quis também ir à São Paulo para fazer CPT (Centro de Pesquisa Teatral) e trabalhar com Antunes Filho”, conta.

Outro ponto crucial para alçar voos maiores foi descobrir a verdadeira e brutal história da colonização, através de uma viagem com a mãe na infância. “A minha mãe era muito de boa, ela fazia umas mensagens subliminares comigo, é muito boa pedagoga, não precisa dizer que está fazendo uma coisa para ela fazer a coisa, é canceriana e muito manipuladora. Quando eu fiz seis anos ela me perguntou: você quer uma grande festa ou viajar pela Bahia? Obviamente eu falei que queria viajar. E a gente fez o que eu nunca vou esquecer, uma viagem que ia de Abrolhos, passando por Arraial D’ajuda, Vera Cruz, no primeiro lugar onde os portugueses chegaram, até Salvador. Ela queria fazer esta viagem independente do que a escola iria me contar nos próximos anos. Ela queria que eu visse como meus próprios olhos como se deu a colonização, me transformando para sempre”, conta Ana.

Já estabelecida na cidade de São Paulo, sua vocação artística gritava cada vez mais alto, sobrepujando a rotina acadêmica e seus métodos de pesquisa dentro da USP. Ana precisou reconsiderar o rumo de sua pulsante jornada de descobertas. “Eu queria ser artista, mas eu não queria assumir. Virei antropóloga, aí durante o período que eu estava pesquisando a Irmandade Nossa Senhora da Boa Morte, eu percebi que eu ia ser muito escroto publicar sobre aquelas mulheres. Elas me contaram várias coisas íntimas dos rituais. Liberando para mim coisas muito sérias e importantes. Se publicasse dentro da antropologia, iria instrumentalizar aquele conhecimento que estava sendo confiado a mim. Então, resolvi mudar de antropologia para arte e aí cheguei aqui onde estou, uma pesquisa que já dura quase dez anos”, ressalta.

“Eu queria ser artista, mas eu não queria assumir. Virei antropóloga, aí durante o período que eu estava pesquisando a Irmandade Nossa Senhora da Boa Morte, eu percebi que eu ia ser muito escroto publicar sobre aquelas mulheres. Elas me contaram várias coisas íntimas dos rituais. Liberando para mim coisas muito sérias e importantes. Se publicasse dentro da antropologia, iria instrumentalizar aquele conhecimento que estava sendo confiado a mim. Então, resolvi mudar de antropologia para arte e aí cheguei aqui onde estou, uma pesquisa que já dura quase dez anos”, ressalta.

De tal modo, encontrando seu lugar no mundo, a artista estabelece uma relação afetiva de ancestralidade com a comunidade onde nasceu o candomblé. “Lá é onde tem a igreja de onde saíram os três primeiros terreiros mais antigos, Gantois, Casa Branca e o Ilê Axé Opó Afonjá. Elas tinham uma igreja na Barroquinha, que foi queimada em 1820 pelo Governo da Bahia. Na frente tinha os ritos católicos. E, nos fundos, os africanos e afrodescendentes podiam cultuar suas tradições. Sem interferência, por conta da fachada da igreja católica. Esta irmandade se organizava com o intuito de promover um funeral justo para a os escravizados. Antes da irmandade havia uma deposição dos corpos das pessoas escravizadas na rua. Se você fosse um escravizado sem família, se você morresse trabalhando, não teria um funeral. Você era só uma mão de obra, e como o corpo estava desprovido de alma, eram jogados na rua, provocando desequilíbrio psicológico na população escravizada. Então a Irmandade da Nossa Senhora da Boa Morte se organizava em torno de fazer um ritual justo para aqueles que morriam em situação de escravidão, elas também adquiriram a liberdade de outros escravizados para que eles não morressem dessa forma”.

Outra análise pertinente da artista questiona o conhecimento detido pelos antropólogos sobre os ritos de candomblé. “Acontece que depois desta uma década estudando a Irmandade da Nossa Senhora da Boa Morte para a Unesco, como uma pesquisa da USP, sabendo muito, pois elas se abriram demais para mim, eu fui realmente abraçada pela comunidade a ponto de não conseguir publicar coisas sobre elas, sem elas. Na minha defesa da dissertação mesmo, trabalho com duas irmãs da Boa Morte. É uma disputa de narrativa mesmo da antropologia. Os antropólogos são os que detêm grande poder, grande conhecimento sobre o candomblé. E na maior parte eles são estrangeiros, como Pierre Verger, Roger Bastide, nenhum deles é mulher, nenhum deles é negro, e eles são de cânones do candomblé. Esta pesquisa é um trabalho de transformação, compreensão e generosidade. A irmandade é um grupo feito só por mulheres negras e existe até hoje. Falando com você fica bem nítido para mim que a 0101 Platform, vem desta inspiração. Você tem estas mulheres que se organizam em uma estrutura, que permite tudo, permite a vida. Elas se organizavam nesta estrutura da igreja, na verdade você tinha ali muitas etnias, e elas possibilitavam que eles pudessem cultuar seus ancestrais, qualquer um que tivesse um culto, podendo ser Zulu, Jejes ou Bantus. Enfim, eles podiam cultuar seus ancestrais, que é uma das coisas mais importantes, né? O direito à ancestralidade. É isto que tirava a humanidade das pessoas. Então a organização destas mulheres é justamente construir um lugar onde se podia cultuar estes ancestrais”, conta.

A trajetória política de Ana ganha mais fôlego em 2016, onde passa a atuar diretamente na Ocupação Preta, da Funarte. “Depois do impeachment ficou tudo muito estranho. Me movimentei bastante. Fizemos a ocupação virar uma ocupação preta, depois fomos para o Aparelha Luzia, centro cultural e quilombo urbano de São Paulo. O Aparelha foi criado pela ativista, artista, educadora e deputada estadual Erica Malunguinho. Evidenciamos as candidaturas de mulheres negras, principalmente a Erica e ela foi eleita. Estar neste movimento e na luta contra a criminalização do candomblé. Foi isto que eu fiz enquanto a Helenira estava dormindo. Nesta época fiquei pensando, cara eu sei tudo isto. O que que eu vou fazer? Continuei a pesquisar a Boa Morte e pensei na Tia Ciata [Hilária Batista de Almeida, com 16 anos, participou da fundação da irmandade na Bahia], que perseguida, veio para o Rio de Janeiro e acabou fazendo o carnaval. Quase tudo que a gente vê de carnaval foram conceitos da Tia Ciata. A ala das baianas é uma homenagem à irmandade. As passistas também, e elas são referências a esta mulher, durante o período fértil. E é aí que ela é perigosa, o período fértil da mulher é próximo do sangue. Pensei no sacrifício da Tia Ciata, o sacrifício das mulheres negras negligenciadas”, ressalta.

Carnaval, democracia destroçada, o corpo deposto da mulher negra, o sacrifício da existência de uma, acontecimentos que conduziram Ana a viver na pele a emblemática figura da passista, na Vai-Vai, em São Paulo. Literalmente na avenida, ela rasga mais uma camada de sua pesquisa, complexificando para sempre a objetificação da mulher negra. “Somos sacrificadas em prol da construção no país. Principalmente a figura da passista e como este ícone da identidade nacional carrega uma consagração ao estupro deste próprio corpo. Ao mesmo tempo é um fundamento da Tia Ciata, que relaciona a mulher negra, nesta fase fértil e jovem. Como que ela pode negociar finalmente. Pois ela está longe da morte e perto da vida. Ela negocia o sexo, ela negocia a festa, a alegria, ela negocia com o corpo. O corpo vira a própria arma bélica dela com a sociedade. E a passista é rainha de qualquer forma. Aquela para onde todos os olhos estão olhando. Ela é um sujeito. É muito difícil matar uma passista no carnaval. Tem muita gente olhando para ela. E aí está a ferramenta usada pelas mulheres da periferia. De tentar ser passista para garantir que não vai morrer. Uma garantia que você não vai ser condenada ao trabalho doméstico. Fiz o processo seletivo de passista mesmo, e aí volta o lado do antropólogo, né? Tudo para entender o que é isto. Este corpo criado pela Tia Ciata, pela irmandade. Pensando nas yamis, que também é uma figura da cultura e iorubá e funciona na atualidade. Esta zona de negociação. Consegui virar passista, curto muito esta obra, que se chama o Sacrifício Ritual”, conta a artista, que já teve a obra exposta no Can Serrat, em Barcelona, e na Bienal de Glasgow, Escócia.

Deitando novamente sua obra aos ritos de morte no candomblé, Ana dá seguimento ao sacrifício e vai fundo numa outra fase do ritual-performance. “O corpo da passista entrou em vários lugares. Toda hora alguma instituição brasileira pede este trampo. Aí é isso, é o corpo estuprado que deu origem à nação. Ela tem este poder que a Tia Ciat Home a falou, poder de negociar que tipo de vida se vai ter. Na sequência vêm os fundamentos do candomblé. O frango tem uma função, daí eu fiz o tchiodohun, que é o rito de divinização do ancestral, na cultura Ewe. Eu peguei o corpo da passista, que no caso era o meu corpo mesmo, e botei numa canoa de madeira maciça e enviei este corpo para a pedra que tem o assentamento mais antigo das divindades femininas primordiais, Nanã, Olokun, Oxum e Iemanjá, e eu mandei este corpo para este assentamento que fica em Cachoeira, é o assentamento mais antigo do Brasil dessas divindades”, explica Ana, que com a obra faz uma reencenação artística do rito de divinização dos reis de Uidá e Daomé. O thiodohun consiste em colocar o corpo do rei morto em uma canoa que atravessa o rio que une o país de vives e o país des mortes, afim de que ele adquira poderes sobrenaturais.

Ao finalizar a obra O Sacrifício Ritual, algo parece de fato mover o tabuleiro dos Orixás. As confluências que não passaram despercebidas pela jovem artista agora lhe darão uma espécie de licença para explorar geografias mais profundas de sua ancestralidade. “Logo depois que terminei o ritual fui para uma viagem curatorial que passou por Gana, Togo, Benin e Nigéria, na qual eu encontrei artistas que eram Ewe e jogaram Fa para mim. No jogo eles me falaram que, se eu cheguei ali, é porque devia ter feito um sacrifício para voltar. Disseram que sou do grupo de pessoas que não poderiam voltar para o continente depois da escravidão. Mas, já que eu tinha conseguido voltar, me questionaram se eu tinha feito algum sacrifício antes de chegar lá. E na hora eu pensei, claro que sim, fiz O Sacrifício Ritual. Mas eu precisei fazer outro sacrifício lá, para poder voltar à África. Me deram algumas opções de locais, depois fui saber que era onde estavam espalhados os Almeidas. Acabei chegando ao Benin, e lá conheci-os, uma parte deles, são a cara da minha família paterna de São Gonçalo. Meus tios são um a cara do outro. Quando nos encontramos teve um jogo de Fa para confirmar se eu era mesmo da família. Meu Vodoun é o mesmo que de meu ancestral que retornou ao Benin [Joaquim de Almeida, Zoki Azata], significa que sou muito da família. E tem umas brisas, minha função é de Bokor Visionaire, que significa aquele que tem a missão de comunicar o material com o imaterial, e o visível com o invisível”, revela.

Dentro de tão amplo aspecto, a trajetória artística que passeia pela geografia ancestral vai se fortalecendo e ganhando novos sentidos. “Depois de tudo que vivi, ficou bem mais nítido, meu foco era a Nalda, irmã da Helenira. É ela quem está viva para sentir saudade. Foi assim que eu fiz Onira. Se você ver a fotografia, tem uma árvore enorme, eu fiz esta roupa como quem faz roupa de Egun mesmo, embora eu não possa me iniciar no candomblé brasileiro, daí depois eu descobri que é por conta detsa história do Vodun. Pois a lógica do candomblé é esta, quando você é iniciado no candomblé você está se reconectando com seus ancestrais. Como o meu ancestral acabou conseguindo morrer onde os avós deles morreram, não faz sentido me reconectar com os meus ancestrais aqui, porque de alguma forma eu posso voltar, e os meus ancestrais estão lá. Estão aqui também, mas a conexão mágica deles é lá. Então, não faz sentido eu me conectar com eles aqui. Eu nunca fui iniciada no Brasil, mas aqui eu seria de Oya Balé, que é divindade que separa a alma do corpo, e é a divindade que cuida da roupa do Egun. A roupa que o ancestral vai vestir para vir falar com os ancestrais. Para falar com quem ficou sentindo saudade. Então, eu fiz a roupa, depois a gente foi para esta árvore na Ilha de Itaparica, é um lugar sagrado de Baba Egun, na Gameleira. Uma igreja que foi construída em 1530. Uma Gameleira que é conhecida como Baobá brasileiro na memória da África. Ela cresceu em torno da igreja que estava em ruínas, agora a igreja é sustentada pela árvore. Foi lá que eu fiz o ritual de iniciação do corpo novo de Helenira, que se chama Onira.

Onira é uma qualidade de Iansã que está relacionada com a borboleta, também está relacionada com os heróis que morrem no campo de batalha. Na verdade, é como se a borboleta fosse a alma de um herói que morreu num campo de batalha. O que as galerias querem comprar é isto, o registro de imagem destes rituais, entende? A luta tem um valor ético e estético inegociável. Porque ela, em si, já é o último recurso de negociação entre as pessoas e os sistemas”, termina Ana Bee.

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PODCAST TRANSLAÇÃO: JOICE MARINO ESTREIA NOSSO CALENDÁRIO DE ACONTECIMENTOS INCRÍVEIS

Estamos felizes em anunciar, nesta primeira edição do ano, que a coluna Translação também será um podcast. Este primeiro episódio, que timidamente chamamos de “um objeto experimental”, é composto pelo texto da entrevista que realizei com o poeta Zé Carol e que traz a ilustração de Lane Bum, material publicado em agosto de 2020, no site extinto site Revistas de Cultura.

Era o início de tudo, estávamos tateando linguagens e tentando saltar um pouco do que tradicionalmente se poderia fazer com a história de um poeta em transição que nos presenteou com uma tradução inédita de um texto russo. Fato é que para todes nós da equipe translação, Danill Kharms foi uma excelente porta de entrada, ou um alçapão de amplitude infinita, que nos deu abertura para outras alucinações, outros delírios mais graves ao longo do ano, inclusive este documento sonoro que subimos com muito orgulho e despretensão para a nossa plataforma no Spotify (siga-nos).

E foi com esta base de texto e imagem que a atriz Joice Marino, criadora do podcast, costurou uma narrativa sonora, nos convidando a mergulhar profundamente nas tramas de sua pesquisa sobre o som e o fluxo criativo, e desdobrando sentidos para além das palavras. Joice tenta e consegue subverter a sua própria mente (e a nossa também) nos caminhos de um teatro que se liberte dos adestramentos intelectuais. Um rastro ruidoso pelo qual podemos nos aproximar da sua experiência íntima de criação, onde carne, vozes, números, ruídos e cores não parecem estar preocupados em cravar diferenças entre si. Partindo da imagem e do texto como estados de concentração, a atriz nos cria um estado de coisas em que nossas definições se confundem e avançam para além dos limites que traçamos. Neste estado então criamos, não delimitamos.

Para finalizar com um tom mais pessoal, ressalto que conheço Joice há mais de uma década, e que esta artista em minha vida está como um místico totem de conhecimento experimental, a quem recorro sempre a fim de desviar-me das burocracias criativas, que poderiam me acometer com o que chamo de “doença de ataraxia poética”. Contra este mal que me assola, e creio que a todes poetas, recorro a ela. Está ali um antídoto poderoso, talvez minha única guru possível (risos). E é certo encontrar nela algum tipo de acolhimento eficaz, que flui naturalmente de sua experiência como corpo vagante no mundo. Não é à toa que seu animal interior é um javali. A maneira como ela faz seu câmbio intelectual prevalecer no caos é um frescor lenitivo na moleira de um recém-nascido, que dentro da bolsa sufocante de alguém, está cruzando um deserto árido, sem dar-se conta da travessia, e o deserto é o cotidiano.

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UM CHÃO PARA BIA E UM MANIFESTO PARA O MUNDO

Não há o que Bianca Kalutor já não tenha testemunhado nesta vida. Conversar com ela é como ir rasgando, uma a uma, as mentiras que nos contaram. É insano tentar acomodá-la em um espaço convencional, assim como tornar o discurso desta artista algo simples, embora esteja o tempo todo dizendo claramente o que tem que dizer. É preciso ter coragem para compreender todo universo que pulsa de sua existência. É extrema, sim, muito mais do que todes nós juntes poderíamos imaginar. E para entender Bianca é preciso ir muito além da palavra, códigos, totalidades. É preciso andar com ela pelas mesmas vielas, nas mesmas calçadas que ela andou.

No entanto, é mesmo com a palavra que vislumbramos contar essa história, através de um documento minucioso, que contém todas as informações necessárias para chegarmos a um lugar comum com Bia. Um manifesto inédito, que publicamos hoje, num dia tão despretensiosamente calculado. E lançamos também uma chamada pública que batizamos de UM CHÃO PARA BIA, que traz um tema urgente para esta artista: moradia. Assim, com bastante pressa, chegamos à 4a edição da Coluna Translação, com a sorte de poder ainda entrevistar uma artista tão importante na cena Queer contemporânea.

Quem ainda não conhece Bia, provavelmente irá conhecer em algum momento, e talvez não tenha sido ou será uma experiência tão agradável, mas com certeza transformadora. Bia não vai morrer mais, ela está em todo lugar. Bia é um artefato de fogo, uma flecha em chamas, uma navalha certeira, pronta para desarmar os discursos mais contundentes sobre o que é existir. Atualmente com 34 anos, ela contraria as estatísticas: quantas travestis você conhece? Bia, por estratégia, ainda está viva, e as pessoas chegam a se espantar, se perguntam como ainda seja possível. Uma artista negra, travesti, abandonada à própria sorte na infância, que passou por abrigos públicos, unidades de ressocialização, prisões, habitou na solidão mais profunda, respirou nos lugares mais bizarros, negociou com seu corpo, morou nos mais pútridos becos corrompidos pelo preconceito.

Teve sua vida nas mãos de muitos psicopatas do Estado, os que são pagos para torturar corpos negros, corpos trans. Negociou, trapaceou, sobreviveu. Aqui, em uma metáfora literária canônica, Bia poderia ser a poeta Vírgilia, que acompanha Dante até o inferno e faz um tour pela memória deste país racista que aniquila suas próprias filhas pretas. Um inferno bastante real, um caldeirão que não parece ter fim para Bia e para muitos – a maioria de nós. Bia está viva, mas muito vulnerável, já que ainda luta por um chão, por acolhimento, afetividade, concretude, longevidade. Quer poder ter um cachorro alto correndo no quintal, ter filhos, ter plantas, desejos básicos. Através da luta de Bia vamos poder contribuir para mudar uma história que se repete, mas que também irá ecoar aos quatro cantos do mundo. Até quem sabe chegar na lua.

Eu passei por muitas situações, muitas questões na minha vida, que eu acho que não tenham sido o suficiente para eu entender como é que é o mundo. Acho que a gente não tem que entender como é o mundo. Porque a gente é só viver. E aí isso pra mim se torna bizarro, torna-se bizarro porque eu não vivo, eu interpreto. Você entendeu? Eu não vivo. Quando eu vivo a minha espontaneidade… Eu procuro me preservar, porque minha espontaneidade não é ainda vista, não é ainda comentada. Agora, neste momento, que as pessoas estão notando, estão falando, estão procurando saber sobre pessoas trans, estão querendo na verdade encontrar talentos para explorar. Só que na verdade a gente não vem desse lugar. A gente não vem desse lugar que vai ser um talento. Hoje eu me descobri artista. Minha consciência como ser artista vem já de anos, só que não necessariamente eu sou “reconhecida”. Eu me reconhecer como artista pedia requisitos, porque a palavra artista é para quem já havia preenchido os requisitos. Hoje não, hoje eu sei que meu corpo é arte. Eu ser viva é arte. Eu me vejo sendo interpretada na televisão, eu me vejo sendo interpretada na rua. Eu me vejo sendo interpretada. Ou, se não é isso, é o contrário: eu estou interpretando todas essas coisas. Você entende o que eu estou querendo te dizer? Quando eu acordo, que eu me maquio, quando eu “transpasso uma heterossexualidade” por conta da passabilidade social feminina. Hoje eu entendo o que é ser a mulher, aí eu fico num lugar muito venenoso da coisa. Porque eu saber como é ser a mulher é triste. Que hoje me faz querer dizer que não, eu sou a travesti, e a travesti é diferente da mulher [cis] heterossexual. Eu afirmo isso por conta da política, porque há uma política que enquadra todos nós. Eu sou artista e sou também uma ativista. Eu não posso lutar sua luta no sentido de vida, porque não é minha história de vida. Eu posso falar, posso divulgar sobre a sua luta, mas eu não vou poder lutar sua luta. A minha luta é de um lugar de empregabilidade. De empregabilidade que nos falta. De possibilidades sociais. De proteção. Lei. Lei de proteção.

(Trecho da entrevista de Bianca Kalutor concedida a Érica Magni para a Coluna Translação)

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A BRASILEIRA QUE FEZ LA FEMME COMER LA NATURE DE FRANK BURBAGE

Na mitologia grega, Hera estava com o peito cheio de leite e Zeus queria botar o Hércules, que não era lho dela, para mamar. Ela se negou a dar o peito pra um lho que não era dela. Então, quando Hera estava dormindo, Zeus vai lá, pega Hércules e encaixa no peito de Hera, que prontamente acorda, toma um susto e tira o peito rápido, e jorra leite no céu, formando a Via Láctea...

Cecilia Cavalieri é alguém que se transladou por díspares coagulações até chegar no título de quase formada, ou quase doutora em leite. O jorro de suas tetas foi tão grande, assim como o voo de suas ideias, que inevitavelmente chegaram à França, onde publicou, em língua francesa, o LA FEMME – o que ela não chama de livro e sim de dispositivo contracolonial de discurso losóco. “Eu mudei todas as palavras nature (natureza) para a palavra femme (mulher), em um livro de bolso de 1995, chamado La Nature, de Frank Burbage”, conta Cecilia. Na segunda edição, a coluna Translação nos presenteia com uma tradução inédita da introdução do livro La Femme, assim como detalhes íntimos da pesquisa de Cecilia sobre o leite. Pesquisa esta que se encaminha para os contornos nais, já que ela deve defender sua tese de doutorado em breve pela UFRJ, ainda sem data marcada, pois se divide nos papéis de mãe, artista e acadêmica. “A maternidade é um ato político por si só. Ainda mais quando você é artista. Este corpo de artista que precisa gerir um corpo de criança, sendo o corpo da criança no contexto do Brasil, onde não há nenhum subsídio para que uma mãe exista. Não há creche pública para todos, quando a criança nasce você tem que entrar numa la de espera. Entre outras questões, tipo o uso da fralda descartável, não entendia o peso desse descarte poluidor. Fui entender as estatísticas. Quando a Dora tinha 11 meses, eu entrei no doutorado. Estava em plena formação acadêmica e fui estudar também o aleitamento. Fiz uma segunda formação real, estava em plena concepção como mãe nutriz. Realizando a formação parental, fui ler quinhentos livros de pedagogia, entender a educação Montessori. Inclusive achei o m da picada este esquema que prega uma autonomia para a criança. Aí você entende como esses processos são parte de uma construção de uma sociedade muito doente, que prega esta liberdade, como fala a Maria Montessori, uma ‘autonomia da criança’. Qual é a criança que tem autonomia? Não existe autonomia, e este conceito é um conceito que catapulta muito os outros conceitos liberais. Até projetos neoliberais do Estado... então, não existe autonomia”, argumenta Cecilia. E defende que é preciso enxergarmo-nos como organismos codependentes, para saltar do olhar comum, podendo então ser parte desta tese losóca, que praticamente nos coloca de frente para uma lente macroscópica no cotidiano de uma doutora, mãe, mulher, artista, lactante.

Link para baixar tradução em português inédita de trechos de La Femme https://ceciliacavalieri.com.br/a-mulher-trechos

Link para baixar o pdf original do livro La Femme em francês https://ceciliacavalieri.com.br/la-femme-download-pdf

O ponto de partida da pesquisa de Cecilia tem muito a ver com a lósofa ecofeminista Emilie Hache e sua coletânea lançada em 2016, o livro Reclaim: Recueil de textes

écoféministes (Reclaim: Coleção de textos ecofeministas). “Conheci a Emilie em 2014, quando organizamos o evento Os Mil Nomes de Gaia (Evento idealizado por

Home +Cultura Minha Conta Minha Sacola Déborah Danowski, Bruno Latour e Eduardo Viveiros de Castro e coorganizado por Alyne Costa, Cecilia Cavalieri, Felipe Sussekind e Juliana Fausto), ela era uma das

https://revistasdecultura.com/a-brasileira-que-fez-la-femme-comer-la-nature-de-frank-burbage/ 4/14

17/06/2021 Revistas de Cultura | A BRASILEIRA QUE FEZ LA FEMME

conferencistas. Nós estávamos grávidas de dois meses. Ainda naquela fase de não contar para ninguém. Mas ela me falou sobre a gravidez dela, e eu contei sobre a minha, no jardim da Casa de Rui Barbosa. Ficamos amigas na hora. Eis que, em 2015, nasceram Dora [em maio] e Ferdinand [em abril]. Em 2016, ela lançou este livro que mudou a minha vida e, em 2018, fui para a França fazer a bolsa sanduíche com ela como minha orientadora, conta Cecilia. Ela enfatiza que foi a partir do livro de Emilie que encontrou um texto de Susan Griin, chamado Où sont exposées conjointement et chronologiquement les idées de l’homme à propos de la nature et des femmes (Onde são apresentadas conjunta e cronologicamente as ideias do homem sobre a natureza e as mulheres).

Finalmente, Cecilia havia batido de frente com a problemática que faria uma ponte importante para um experimento literário até então inédito para ela e para muitos lósofos franceses. “O livro de Susan faz uma análise cronológica das ideias dos pensadores homens [cisgênero] em torno da natureza das mulheres [cisgênero]. Ela nos mostra que a ideia de natureza e a ideia de mulher são muito aproximadas, não só neste ‘mundo das ideias’, mas inclusive no mundo prático, este lugar que a gente perfura, penetra para extrair petróleo, que é a terra. Há muitas relações de semelhança entre o que se fala de mulher, a noção de mulher, e a noção de natureza. Ambas servem para fecundar. Aquela que nos dá comida, que nos nutre, que a gente precisa para nosso sustento. A que precisa ser fertilizada, todo este imaginário que vem de uma ideia de entendermos a mulher, e de entendermos natureza. E aí, quando eu pego este livro, eu penso: e se eu zer o teste literal desta hipótese? Se eu pegar os textos da história da losoa e trocar todas as palavras natureza pela palavra mulher, o que acontece? Fiquei trabalhando por um tempo, procurando uma coletânea de textos em português que fosse suciente. Não achei, tentei na coleção Os Pensadores, sugestão da amiga e lósofa Juliana Fausto, e fui lá atrás. Não rolou. Porém, com a coleção, eu acabei desenvolvendo um outro trabalho com vassouras e buracos, o Mundos em fricção – Exercício interespecíco de tradução de miolos, obra concebida em de 2018”, ressalta Cecilia.

Depois de pesquisar nos livros escolares e também não obter sucesso, Cecilia acabou tendo uma ajudinha de ninguém menos que Deborah Danowski. “Ela é uma das pessoas para quem dedico o livro LA FEMME. É uma lósofa super importante, que trabalha com negacionismo. Fundadora de linhas de pesquisa na PUC, como Filosoa Moderna, Metafísica, Novas Ontologias, Pensamento Ecológico. É idealizadora do evento Os Mil Nomes de Gaia. Um dia ela achou um livro de bolso da editora francesa Flammarion, uma coleção de livrinhos de bolso. Ela me mostrou e disse ‘talvez esse livro te interesse’. E, realmente, o livro se chamava La Nature (A Natureza), e para mim foi muito mais simples, porque eu escrevi o livro e quei trocando a palavra natureza por mulher. Obviamente, eu ria muito, rolava de rir. Mas, enm, depois a gente vai lendo e vai entendendo que é engraçado por um lado. Mas, por outro lado, é tudo tão absurdo e ao mesmo tempo é perverso, é duro demais”, conta Cavalieri.

Audaciosamente, num belo dia de setembro, o livro LA FEMME foi publicado em Floriparis, pela editora Psémata [um selo artimanhoso da Cultura & Barbárie], em 2019. Com um curto orçamento, muito bem remanejado do valor oferecido pela bolsa da CAPES, Cecilia reuniu uma equipe de mulheres amigas para realizar um projeto grandioso: fazer uma piada urgente com os nomes mais clássicos da losoa, ressignicando La Nature, de Burbage. Ela apenas trocou as palavras natureza por mulher, desde a introdução até o último artigo, que é de Spinoza, começando por Aristóteles. A diagramação do livro é de Marina Moros, da editora Cultura e Barbárie, e a revisão é da francesa Anne-Laure Blusseau, da editora Questions Théoriques. No total, deu para imprimir 400 exemplares e ainda fazer uma tarde de autógrafos na La Centrale 22. Depois do lançamento, a autora inicia um processo bastante divertido e libertário, quando começou a inltrar alguns exemplares de seu LA FEMME nas principais livrarias intelectuais da cidade. “Inclusive o Bruno Latour me procurou por inbox no facebook, dizendo que estava deslumbrado e admirado com La Femme, que tinha ganhado um de Emilie Hache. E perguntou como poderia conseguir mais. Como não tem em circulação ocial, z chegar até ele 5 exemplares, conta.

Além de natureza por mulher, Cecilia foi trocando todos os congêneres. “Troquei naturalismo por feminismo, natural por feminino... e aí depois eu descobri que este cara, o Frank Burbage, é importante, e que o LA FEMME tinha virado um sucesso entre os lósofos acadêmicos. Os nossos amigos franceses acharam muito ousado, isto porque eu estava tocando no cerne da existência do pensamento francês, debochando disto. Não adianta a gente só ficar pensando e fazendo os exercícios ecofeministas. Tive uma oportunidade de fazer uma interferência relevante, que chamo de uma intervenção do futuro na história da losoa. Era muito incômodo estar ali enquanto brasileira que não tinha lastro ou berço, num contexto elitizado por si só. Eu, uma mulher latina que demorou 12 anos para conseguir um diploma de graduação. Sempre trabalhei muito, não pude me dedicar aos estudos imediatamente. Como é a realidade de muitas pessoas. E aí aconteceu este livro, eu o deixei em várias livrarias muito fodas de Paris, e também em Toulouse, quando fui falar na Université Toulouse Jean-Jaurès, a convite de Jean-Christophe Goddard. A grande jorrada/gozada é que não posso ser processada por plágio porque troquei todas as palavras e troquei o nome do autor. Em francês, não sou competente em traduzir losoa, mas sou bem competente para avacalhar”, termina Cavalieri.

em um laboratório de especulação cientíco-poética durante 3 semanas de observação vivi ao lado de quatro línguas maternas

observei a decantação a transformação a decomposição a degeneração

a disposição dessas línguas no tempo outrora durante 30 meses de experiência leitosa e doméstica na qual nutri minha filha um corpo de filha percebi que quanto mais ela falava menos ela mamava o leite era sua primeira língua a língua materna as primeiras gotas de leite nascem com o bebê a composição do leite se transforma com o bebê os anticorpos são gerados a partir da comunicação entre saliva & mamilo estudos de imunologia clínica revelam que uma vez que o bebê cai doente o número de leucócitos aumenta no leite de sua mãe

há épocas em que o bebê precisa mais de açúcares há épocas em que o bebê precisa mais de gorduras há épocas em que o bebê precisa mais de proteínas o leite as envia sob medida

nossa língua é uma derivação do leite o leite é vivo durante 3 semanas em um laboratório de especulação cientíco-poética vivi ao lado de quatro leites

maternos ovelha – vaca – cabra – monika vi que nenhum leite é branco eles são todos uma variação de amarelo vi que o leite de ovelha é mais gordo vi que as moscas preferem a cabra vi que o leite de vaca se tornou menos sólido que os outros vi que o leite de monika produziu bolhinhas de ar vi o nascimento de quatro luas

corpos celestes são corpos com tetas a via láctea de uns é a via crucis de outres há galões de pus nos ventres das crianças desmamadas do antropocenoas vacas já enviaram uma mensagem cifrada

O leite é uma transmissão de uxo de informação entre uma glândula mamária e uma língua. É como se o leite fosse uma língua mãe. A língua de quem mama e a saliva em contato com o leite seria, em sua tese, um relevante sistema informacional, potente, que foi erradicado da experiência humana.

Este sistema de comunicação nos teria sido roubado. Assim, seria uma língua que foi roubada de outros contextos mamíferos. Gosta de pensar no conceito como língua mãe. Mas também estuda muito a questão da transgeneridade: todo corpo humano é capaz de produzir leite.

Toda glândula mamária é capaz de produzir leite. Assim, todo homem e mulher trans, homens e mulheres cis, todos os seres que possuem glândula mamária podem produzir leite e amamentar.

Todo leite é o leite de uma ou outra mãe e de um ou outro bebê. O leite é especíco. Cada espécie produz um tipo especíco de leite para cada lhote.

No contexto humano, pensar este leite como um leite materno, talvez não seja parte de uma conclusão nal da pesquisa, pois há de se trabalhar a possibilidade de um leite paterno, por exemplo... por que não? Podendo ser também um leite transterno. Enm, leite humano.

Quando falamos de leite humano, devemos nos preocupar em não repetir os mesmos defeituosos e insucientes conceitos do humanismo. Conceitos que fundam a nossa cultura e entender que este humanismo de alicerce é o mesmo que exclui os animais, as crianças e mulheres.

A luta, então, seria como chegar ao m desta tese sem reproduzir o discurso humanista que exclui animal, criança e mulher. Não repetir os mesmos erros de um sistema de pensamento patriarcal para pensar esta linguagem.

‘Via Lactea – uma especulação cosmopoética’ (2019) é uma investigação indisciplinar em torno da noção de leite como língua e com trabalhos que atravessam a ecologia/economia dos corpos de leite que nutrem a vida contemporânea, partindo de uma observação doméstica: quanto mais minha lha fala, menos ela mama; o leite é sua relação mililítrica com o mundo; o leite materno é uma língua, é a língua-mãe. Trata-se de uma pesquisa experimental (constelações teóricas, imagéticas, escultóricas e sonoras) em torno da amamentação e do leite: não apenas sobre a relação mãe-lhx mas, no Antropoceno – em meio ao colapso moderno e climático –, uma questão cosmopolítica do feminismo multiespecíco que pensa as línguas não-negociadas com outras mamíferas e os sistemas de subalternização humana e não- humana envolvidos na amamentação prolongada e interespecíca. Neste contexto, como não fazer um paralelo entre a economia do leite na terra e a formação leitosa do céu ocidental?

Este vídeo é composto a partir de um timelapse feito da observação de 4 leites de fêmeas distintas: cabra, vaca, ovelha e monika (1 foto a cada 7 minutos, durante 3 semanas). Para a composição sonora, gravamos e manipulamos leites de diferentes densidades (karoline, vaca, cabra e ovelha) com hidrofones.”

Por @ericamagni

[colunatranslacao]

Texto inédito do poeta Danill Kharms, traduzido por Zé Carol

“Mas o tempo não para, meu curso segue inalterado...”

Em estado de transição, Zé Carol nos presenteia com um texto inédito de Kharms, poeta russo, e nos convida a pensar sobre a busca pela intimidade com a linguagem que habita o corpo, e somente a partir daí, iniciar o que poderíamos chamar de a grande jornada de uma literatura da alma. Mas, até chegar a este formato claro de pensamento sobre a importância da própria linguagem, há uma trajetória feita por ele que é inspiradora e nos leva a pensar na busca da linguagem como a grande mola propulsora de uma existência. Esta história em translação começa em Uberaba, Minas Gerais, no ano de 1989. De uma família simples que já tinha dois lhinhos, nasceu mais um, que naquela ocasião foi batizado de Carolina. Sendo assim, Zé passou a vida performando uma identidade feminina, aparentemente meiga e tímida. “Foram quase 30 anos sendo mulher compulsoriamente, tendo que executar a performance como mulher. Agora, com outra performance, vou de encontro a uma palavra: fragilidade. No entanto, minha relação com a minha intimidade ganha mais força, partindo do princípio que a força é simplesmente uir e se moldar através do tempo, não mais tensionar para caber”, explica Zé Carol, que em 2017 decidiu abandonar o nome social Carolina e nalmente assumir-se José. A coragem veio depois de tanto ler e imergir nos textos do poeta russo Danill Kharms, ao mesmo tempo em que começou a conhecer pessoas trans, recebendo forças para embarcar no processo intenso de transição de gênero.

Durante o tempo que cursou Letras – Português-Russo na UFRJ, de 2011 a 2016, Zé se apaixonou pelo poeta russo e passou a decifrar os códigos de sua linguagem intimamente. O encontro foi repentino, pois antes de entrar para a faculdade Zé não tinha ideia de que tudo precisaria ruir para transformar-se no agora em movimento. “Tinha este professor que selecionou prosas curtas do Kharms e levou para a gente traduzir e pensar a parte linguística. Mesmo sem compreender muito, bem no início, eu percebi que tinha um ritmo estranho ali, e que isso era algo maior que a palavra em si. Quando a gente traduziu eu gostei muito e comecei a procurar coisas dele. A literatura russa pra mim virou só Kharms...”

Пять неоконченных повествований

Дорогой Яков Семенович,

1. Один человек, разбежавшись, ударился головой об кузницу стакой силой, что кузнец отложил в сторону кувалду, которую он держал в руках, снял кожаный передник и, пригладив ладонью волосы, вышел на улицу посмотреть, что случилось. 2. Тут кузнец увидел человека, сидящего на земле. Человек сидел на земле и держался за голову. 3.Что случилось? — спросил кузнец. Ой! — сказал человек. 4. Кузнец подошел к человеку поближе. 5. Мы прекращаем повествование о кузнеце и неизвестном человеке и начинаем новое повествование о четырех друзьях гарема. 6. Жили-были четыре любителя гарема. Они считали, что приятно иметь зараз по восьми женщин. Они собирались по вечерам и рассуждали о гаремной жизни. Они пили вино; они напивались пьяными; они валились под стол; они блевали. Было противно смотреть на них. Они кусали друг друга за ноги. Они называли друг друга нехорошими словами. Они ползали на животах своих. 7. Мы прекращаем о них рассказ и приступаем к новому рассказу о пиве. 8. Стояла бочка с пивом, а рядом сидел философ и рассуждал: Эта бочка наполнена пивом. Пиво бродит и крепнет. И я своим разумом брожу по надзвездным вершинам и крепну духом. Пиво есть напиток, текущий в пространстве, я же есть напиток, текущий во времени. 9. Когда пиво заключено в бочке, ему некуда течь. Остановится время, и я встану. 10. Но не остановится время, и мое течение непреложно. 11. Нет, уж пусть лучше и пиво течет свободно, ибо противно законам природы стоять ему на месте. И с этими словами философ открыл кран в бочке, и пиво вылилось на пол. 12. Мы довольно рассказали о пиве;теперь мы расскажем о барабане. 13. Философ бил в барабан и кричал: Я произвожу философский шум! Этот шум не нужен никому, он даже мешает всем. Но если он мешает всем, то значит он не от мира сего. А если он не от мира сего, то он от мира того. А если он от мира того, то я буду производить его. 14. Долго шумел философ. Но мы оставим эту шумную повесть и перейдем к следующей тихой повести о деревьях. 15. Философ гулял под деревьями и молчал, потому что вдохновение покинуло его.

A relação de Zé com o poeta da vanguarda russa, que morreu considerado louco numa cela psiquiátrica, começa na universidade. Este encontro foi decisivo para a reativação de códigos adormecidos, que para ele só poderiam mesmo ser acordados via poesia. “As performances compulsórias geram na gente um estado de distração, coisas das quais muitas vezes convenientemente nos distraímos, e esta distração faz com que no momento a gente não conduza a energia, e morre a inquietação de buscar um vocabulário que contemple tais palavras, para tais sensações e sentimentos. Kharms me proporciona uma intimidade com o russo que eu não tenho com outros autores. Lembro de car numa imersão muito grande daquelas condições que ele propunha. Eu não lia muito, mas eu carregava aquele estado de leitura, concentração absoluta durante as atividades, a poética dele penetrava nessas atividades que eu executava. Ele se inltrava no meu dia a dia. O que me interessava era isto, o estado de concentração que eu estava quando lidava com o texto dele, traduzindo, lendo, etc. E pouco a pouco ele foi fazendo ruir minha relação com a academia. As construções que eu dava continuidade... este encontro com Kharms foi descontinuando meus caminhos na busca desta “correção” performática, pô, e ele era um cara cis... Um homem cis branco, que não é uma referência europeia propriamente, até hoje, não é reconhecido”.

Zé traduz um texto inédito do poeta para o Revistas de Cultura, onde é possível observar que a partir da dialética do poeta vanguardista, tudo pode acontecer, as coisas vão se desintegrando ao longo do texto, as mutações acontecem naturalmente, e outras possibilidades de narrativa vão surgindo de um nada que parece não ter mais m. “O Kharms foi uma ferramenta para que eu pudesse cavar um túnel de fuga do universo ilusório que eu tinha criado para mim. Esta gura de um suposto louco, que morreu numa cela psiquiátrica (provavelmente de fome, durante o cerco de Leningrado), ele era alguém que estava ali escrevendo, se colocando, mergulhado num risco completo no regime soviético, ele sabia que ele não poderia ser lido naquele momento, esta urgência de concentração que ele passa através da palavra me alimentou muito. Ele não era publicado na época, exceto por algumas publicações infantis, que não considero tão infantis assim, pois tinha um jogo tão profundo de palavras, com a linguagem e com a sonoridade delas – efeitos simbólicos que não eram comuns nos poemas infantis – e aí ele já começa a ser perseguido politicamente, incomodava a proposta dele de fazer as crianças pensarem para além da normalização da vida e do regime político que já se expandia na época”.

Cinco narrativas inacabadas

Caro Iakov Semenovitch,

1. Um sujeito, ao pegar um embalo, bateu com a cabeça tão forte na ferraria, que o ferreiro pôs de lado o malho que estava segurando, tirou o avental de couro e, alisando os cabelos com a palma da mão, foi para a rua ver o que tinha acontecido. 2. Lá o ferreiro viu o sujeito sentado no chão. O sujeito estava sentado no chão, segurando a cabeça entre as mãos. 3. “O que aconteceu?” – perguntou o ferreiro. “Ai!” – disse o sujeito. 4. O ferreiro chegou mais perto do sujeito. 5. Nós vamos interromper a narrativa sobre o ferreiro e o sujeito desconhecido para iniciar uma nova narrativa sobre quatro amigos de harém. 6. Era uma vez quatro adoradores de harém. Eles acreditavam ser agradável ter umas oito mulheres ao mesmo tempo. Eles se reuniam de noite e ponderavam sobre a vida num harém. Eles bebiam vinho; bebiam até carem bêbados; estatelavam-se embaixo da mesa; eles vomitavam. Era repugnante olhar para eles. Eles mordiam os pés uns dos outros. Eles chamavam uns aos outros com palavras de mau gosto. Ficavam se arrastando com a barriga. 7. Nós vamos interromper este conto sobre eles e dar início a um novo conto sobre cerveja. 8. Ao lado do barril de cerveja um lósofo estava sentado e raciocinava: “Este barril está cheio de cerveja. A cerveja está fermentando e cando mais forte. Eu estou fermentando a píncaros altíssimos em minha razão e cando mais forte em meu espírito. A cerveja é uma bebida corrente no espaço, já eu sou uma bebida corrente no tempo. 9. Quando a cerveja está presa no barril, ela não pode uir a lugar nenhum. Para-se o tempo, e eu co parado. 10. Mas o tempo não para, meu curso segue inalterado. 11. Não, é melhor que a cerveja siga seu curso livremente, pois vai contra as leis da natureza mantê-la num mesmo lugar”. E com essas palavras o lósofo abriu a torneira do barril e a cerveja escorreu pelo chão. 12. Nós já contamos o bastante sobre a cerveja; agora vamos contar algo sobre o tambor. 13. O lósofo bateu no tambor e gritou: “Eu produzi um ruído losóco! Ninguém precisa deste ruído, ele é até incômodo a todos. Mas se ele incomoda a todos, quer dizer que ele não é deste mundo. E se ele não é deste mundo, então ele é do outro mundo. E se ele é do outro mundo, então eu o produzirei”. 14. O lósofo cou fazendo ruído por muito tempo. Mas nós vamos parar esta narrativa ruidosa e passaremos à próxima narrativa, silenciosa, sobre as árvores. 15. O lósofo caminhava sob as árvores e estava em silêncio, pois a inspiração o abandonara.

27 de março de 1937

“Na vida movimentada de Dandan, faltava, contudo, um ganha-pão” (MOUNTIAN, Daniela)

Daniil, ou Dandan, teve apenas dois poemas publicados além dos poemas para crianças, que eram sua fonte de renda. Na medida que o regime foi cando mais rigoroso, ele foi publicando menos e menos os textos infantis. Seus textos, como os de outros vanguardistas, eram considerados antissoviéticos.

Tinha muitas vivências poéticas no cotidiano com outros artistas que acreditavam que a poesia deveria ser uma força fundamental na vida de qualquer pessoa comum. Eram muito conhecidos na cidade (Kharms nasceu e viveu em São Petersburgo) por irromperem nas cenas diárias causando alguma agitação, com a poesia, o manifesto, a performance.

Frequentava muitos grupos que eram chamados de futuristas, mas que se diferenciavam muito e até se opunham ao futurismo italiano (que deu origem ao termo). Viveu transitando entre diferentes grupos durante o pulsante período da vanguarda russa.

Ele estava refutando os modos de se conceber poesia, linguagem e relações.

Contestava o tempo, o espaço, o recorte do corpo humano. A contestação era muito profunda. Ele não se encaixava na academia nem na proposta de realismo socialista, não era acolhido por nenhum lado, e assim era muito fácil ser condenado à prisão e a trabalhos forçados, quando não à morte.

Ele foi preso duas vezes. A segunda vez foi em 1941 e, no ano seguinte, ainda preso, ele morre.

Escrevia sem estar sendo publicado. Após sua morte, a veiculação e a publicação de seus textos continuaram sendo proibidas, mas ele era lido clandestinamente.

Estava escrevendo aquilo que o levaria à morte.

Esta relação dele com a palavra é o que chamo de urgência pela intimidade com a vida. Mas isto não se dá de uma forma romantizada ou puramente emocional... Seus textos são estranhos, às vezes truncados, absurdos.

Como artista, reivindicava a busca pela intimidade com a realidade como a base de todas as relações, todas as formas de materializar a vida, seja trabalhando, conhecendo, se movendo, reivindicava a natureza de todos os movimentos que se transformam em normas e conjuntos de papéis impostos sobre a sociedade.

Propõe uma experiência literária que tem relação imediata com o processo da vida, gerando estados transitórios a partir de personagens que podem desaparecer do nada, ou carregam memórias falhas, onde as partes do corpo se espalham, enm, dispersam-se as construções todas.

Em nossa longa conversa por Skype, durante a pandemia, Zé Carol contou que voltou para Minas, está inventando uma nova forma de existir em si mesmo, fazendo seus próprios móveis, criando bichos e plantas, se voltando mais para a terra, ao lado de Lane Bum, que assina a bela arte da entrevista e responde no Instagram como @lane_bum.

Além da tradução do russo, Zé nos deixa também dois poemas escritos antes do início de sua transição. E ressalta que está aberto para receber pedidos de revisão, criação e tradução.

nem era alguém apagar-se soba palavra

nem era alguém apagar-se soba palavra

nem era não apagar-se soba palavra

média a voz que atravessa não ao meio de todas as coisas

zé carol, 2016

a lua queimou meus olhos é tudo claro sim é bonito tudo cheio de dores

zé carol, 2015 ou 16

“Eu ainda gosto destes dois poemas de antes da transição, porque neles dois tem um desejo muito forte de experimentar o silêncio pela poesia ou a poesia pelo silêncio. Na época, eu sentia isto porque conheci uns poemas da Alejandra Pizarnik e também estava lendo a Nina Rizzi. Eram poemas que alimentavam muito este desejo em mim. Este desejo que ainda sinto hoje, mesmo a partir de outras referências, que não vêm só de leituras.”

“Eu ia fazer uma lista de artistas trans, mas eu quero apenas enfatizar a existência da Bianca Kalutor. Uma artista absoluta que é empurrada pros lugares de mais vulnerabilidade nesta sociedade. Tem que ter muito fomento e visibilidade, ela movimenta muito a vida de pessoas trans, agiliza muito rolê, a presença dela devolve tudo ao movimento. @bibikalutor83 @kalutor50”

Por @ericamagni

Revisão: zé carol