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C1: (IDENTITY) FORMLESS We claim an uncertain appearance. We have several names, but they are actually the same. We defend the imprecision of the formal structure of our work. We seek for an identity, but we want it to be increasingly unstable. We will not repeat again the same word we already said. /// C2: (EDIT) NOTHING NEW Are already there all the existing texts? How many new combinations of words are left? Perhaps, in the contemporary time, our work is limited to the task of relocating the existing parts. The work of editing, as a post-production, in the center of the scene. Reorganizing from the existing. And never more handling the new. All things similar to each other, but never exactly the same. /// C3: (FORMAT) SURVIVAL OR RENAISSANCE Is the book ceasing to exist? Or, on the contrary, living its revival? Publishing, especially in architecture, seems to be at its best. The architect clings to paper in order to fictionalize the world to come, but fails to get it built. Too many middlemen, too many agents involved. Everything has become too complicated. His frustration today is his motivation to use the print and means to legitimize his production. Publications justify the structures and efforts of architecture offices. Over 80% of the works are not built. The book, as an autobiography, or an essay, has a therapeutic value. It has a soothing effect, healing, sometimes cheating. Despite this, we still advocate the importance of publications, books and magazines, as architecture activators. Places where experiments take place, where we can take risks, make mistakes ... and that's what we want. A pencil drawing is erased and leaves no trace. An ink drawing needs to be rebuilt, or redrawn into another thing. Books become manifests, or even buildings, and we can see how they change as they age, while transforming actively architectural reality. Our format is soft because of its periodicity. Each new issue is like a reset: We have learned to implement that first reward. But perhaps we should continue diluting the limits, avoiding the ends. The format we mark is time. The text is a place to remain. So we show. /// C4: (TOPICS) CLEAR BUT UNCERTAIN Each line of the magazine is apparently clear. There is a different topic for each issue, which articulates the texts, serving as a context and giving the title. The first three issues are: Trance, Partytopias and 28º Celsius. While wondering if it is the text which suggests the issue´s topic or the opposite, we approached one of the most interesting and fragile points of the editorial work: Depending on how and where you place the texts, they have a meaning or another. Could we cut and paste the same text, relocating its parts under other subjects? Is the content we deal with so malleable? /// C5: (REPEAT) RECURRENCE OR OCCURRENCE The individual branches of the different visions that each author approaches with to his references is what contributes to the evolution of concepts. Authors repeat constantly the names of the authors in reference. It seems that they all write in the same library. René Azcuy pondered this in relation to the creative process: 'We should not be afraid to be recurrent. We all are, we dive into our imaginary, consisting of readings, images and references. A large file that will be always evolving throughout our lives. The human being has a recurring nature and that is not what we should worry about. The key is to stay alert, what concerns us is that the occurrence reaches, from recurrence. So we could re-read the texts from the references and unite the authors who have used them in their texts. We will then distort the original ideas. And it is precisely there where the interest relies. The particular interpretations of the same subject by different authors give rise to different ideas from a single starting point. They all contribute to the emergence of new concepts which will evolve the original idea. The recurrence of an author or a topic becomes then a rhizomatic propagation with unexpected results. /// C6: (BLUR) GAUSSIAN BLUR The network thinking shows us that the world is full of good ideas. And we are in constant contact with them, with fleeting good ideas. In that sense the editing work nowadays may look more like the everyday action of sitting in front of the computer attentive to the information flow passing in front of us, trying to catch the things we are interested on. The romantic image of an editor sitting in a chair waiting for someone asking to publish his work is over. But we must be alert. The fluid Bauman´s world does not structure the content, and constantly sends us a blade flow of ideas, proposals, and texts. It therefore seems that our conception of the “soft” goes beyond our own work, which eventually formalizes a more traditional, structured and robust publication than the one we have in mind. We need more of the bluring tool. /// C7: (IMAGES) WORDS PIXEL A fundamental paradox of the era of hypercommunication is that the pixel has been established as a means of privileged access to the physical, as the origin of the image. But the pixel is originally a figure, a non-image, a hopelessly "empty" element. A disappointment: the suggestive images we love and consume aren´t just lines of text, sorted and coded? The image has become a free buffet in the immediate consumption of the tip of the day. Reading is becoming slower and more contemplative. How many bytes occupies a text? How many pixels does a building measure? /// C8: ( NETWORK) MIRAGES IN THE OUTSKIRTS Frontiers are the areas where interesting things often arise. But, what happens when everything is in the border? Maybe we should go back towards a center, or many centers, in order to understand how this new territory is. We have been distracted by mirages in the outskirts. While we were all looking at the periphery, the center has been filled with holes. We have spent too much time thinking about the mesh, but we have forgotten to strengthen its nodes. The network is a collection of elements, but how many? We must continue to build networks without losing sight of the importance of their connection points, knots and systems, those which make them stick together. /// C9: (LANGUAGE) I DO NOT EXACTLY KNOW WHAT YOU MEAN WITH "THE FUZZY NEODISTOPIC INFERENCE OF SPACE IN THE POSTGENERIC CITY" Language can be perverse, a text can be misleading. A term becomes a mirage in the mirrored image of everything that is not. In the same way that the absorption and reflection of light on objects, meanings we receive are not those which terms absorb, but those who propagate. Moreover, the reading of a text is always influenced by the prior knowledge of the reader. In the language always lies the specter of ambiguity, the diffuse, and that is its magic.
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Creación líquida. Experiencia líquida. Fluir.
Iroaki Umeda es un bailarín y compositor japonés que participó el pasado mes de octubre en la treceava edición del festival MUTEK en la Ciudad de México. Como si su cuerpo se tratase de un bit más, se mueve según los sonidos que programa intentando comunicar desde lo inerte. Utiliza lo más humano, el cuerpo y su movimiento, para traducir los lenguajes del momento actual, de la tecnología y la programación intentando reconciliar el cuerpo con nuestro contexto. La actuación de Umeda tuvo lugar en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, un espacio de 1918 se inundo de ruidos y pixeles. Los palcos parecían vibrar al ritmo de las interferencias sonoras que desencadenaban los impulsos en el cuerpo de Umeda. Porque Umeda aclaraba que no realiza movimientos, sino que canaliza fuerzas puntuales que nacen de impulsos provocados en mi cuerpo de la misma forma que puntualizaba que no busca transmitir emociones sino provocar reacciones. Su cuerpo se camufla con la pantalla mientras otras veces se destaca en un juego de figura fondo, no importa qué es qué, la figura humana puede ser el motivo o el fondo, lo que importa es la sinergia.
En el mismo festival participó Murcof, legendario músico electrónico mexicano, en la terraza del Foto Museo Cuatro Caminos. Murcof nos reunió a todos en una especie de rito espiritual que se debía exclusivamente a la entrega a las melodías. Murcof prescindió de puesta en escena. Era él, sentado en el centro del escenario tras su computadora, bañado por una tenue luz rojiza que llenaba la sala y envolvía al público, el cual callado, parado, concentrado e inmerso simulaba una suerte de manada alienada pero profundamente compenetrada en un compartir particular conformando un todo. Sin palabras ni intercambios, todos ellos, desconocidos, convivían sin embargo habitando el espacio más íntimo, que es aquel en el que te dejas llevar.
Como Bauman puntualizaba en Modernidad Líquida, "La esencia de la civilidad, es la capacidad de interactuar con extraños sin atacarlos por eso y sin presionarlos para que dejen de serlo o para que renuncien a algunos de los rasgos que los convierten en extraños". La experiencia de la escucha de la música electrónica es un perfecto representante de este fluir líquido. Su consumo te concentra, te evade de distracciones exteriores, te mueve por dentro y te vuelca hacia dentro. La repetición de ritmos y el carácter de mantra te concentra en ti y en el momento, te desvincula de lo que sucede a tu alrededor permitiendo la entrega absoluta al ritual, a la música, a la máquina, lo cual lleva a una armonía absoluta pero inconsciente con el modo de vibrar de los compañeros de pista. Podría decirse que se entra en fase.
Las actuaciones de Umeda y Murcof podrían representar un gran número de opuestos, ruido frente a melodía, incomodidad frente a agrado, intimidad frente a exposición, individualidad frente a masa, pero ambos dos, son sobre todo perfecta representación de los modos de creación contemporánea en relación a procesos de posproducción y obra abierta, nunca terminada, que se reinventa en cada representación, un proceso infinito y permanente. "Lo posterior o sucesivo determina el origen. De este modo lo deconstruye. La obra es un gran espacio vacío o en construcción que siempre se está llenando de nuevos contenidos, de nuevas imágenes." Byung Chul Han
La impredecibilidad, por tanto, de lo que ocurrirá en la sesión de un deejay es máxima pues entran en juego muchos factores que están abiertos y que deben reaccionar entre sí y componer un todo, y de pronto esta disciplina se conforma como evolución inevitable de los rasgos más puros del Situacionismo. "Las situaciones que se intentan construir son obras vividas, efímeras e inmateriales, un "arte de la fuga del tiempo" reacio a cualquier fijación apunta en relación a este movimiento Nicolas Bourriaud, "La Internacional Situacionista recomienda el desvío de las obras existentes con miras a "reapasionar la vida cotidiana". El espectador entra en un estado primitivo en el que libera su cuerpo de las normas de conducta establecidas y lo entrega a la pauta marcada por los sonidos, ruidos y melodías. Como señala Sam Auringer "los sonidos son ondas sonoras, vibraciones, no sólo los percibimos con nuestros oídos, el cuerpo entero es el que escucha. Nuestro cuerpo está lleno de cavidades que vibran con su propia frecuencia. Sentimos sonidos graves en el estómago y agudos en la parte superior del cráneo" El individuo se libera y se fusiona con la música y con todos los otros conformando una masa en la que se desdibuja la figura. Es un todo continuo, un fluido que resulta de movimientos que se sincronizan sin pretenderlo. Paradójicamente, en una situación de experiencia liberarse no te "emancipa de la sociedad" como describía Bauman, sino que te conecta más al resto de miembros del grupo. La liberación de los movimientos de la razón y su entrega al ‘dejarse llevar’ acaba por acoplarte con los otros, como decíamos anteriormente, entrando en fase.
Es esta vibración lo que provoca la entrega de los cuerpos convirtiéndolo en una experiencia física y así, la arquitectura, el espacio, sus envolventes y materiales se experimentan de la forma más corpórea, casi penetrando en uno. Las posibilidades de los potentes equipos con los que se produce y reproduce la música electrónica permiten este amplio registro de espectro sonoro que alimenta los lugares, atraviesa los materiales y los hacen vibrar. Nuestros pies, en contacto con el suelo absorben ese movimiento y lo meten dentro del cuerpo. La arquitectura, ciega en principio, a oscuras, se experimenta con otros sentidos, con el tacto y el oído. Con el vértigo y las cosquillas. Es un juego de centrípetos y centrífugos. Las ondas de sonido chocan contra las paredes, pero éstas, por masa vencen en esta lucha y las rebotan o las absorben. En su lucha por escapar de la masa construida, las ondas empujan la arquitectura, las paredes palpitan, nos oprimen, nos elevan, nos agitan. Jose Manuel Berenguer explica, "El espacio es un elemento activo que vuelve utópica la escucha ideal. Durante mucho tiempo los altavoces se consideraron meros dispositivos para la amplificación de sonidos, pero en realidad son instrumentos de intervención estética." esto es, que pueden determinar por completo una pieza en función de su posición. Son un instrumento más.
La arquitectura para la escucha es hermética y cerrada al exterior. Principalmente por la importancia de controlar las cualidades acústicas del contenedor, pero parece que también por la intención de anular la actividad de otros sentidos que pudiese distraer la concentración en el sonido. Así, la sala durante un concierto o una sesión se convierte en una especie de cápsula de tiempo. En contraposición a los espacios barrocos para el espectáculo, en estos nuevos modos prefieren la no luz, el no decoro, lo aséptico del contenedor, la búsqueda de la neutralidad que podrá o no ser intervenida con proyecciones en una nueva concepción de Gesamtkunstwerk u obra de arte total en la que deejays trabajan de la mano de vijays en la generación de visuales que completan la experiencia. Los potentes ejemplos recientes de la escuela japonesa, como puede ser el trabajo de Takami Nakamoto, presentan proyectos totalmente sinérgicos en los que cuesta descubrir qué viene antes y qué después, si la música es desencadenante o es respuesta de la instalación lumínica, es un todo y ahí reside el éxito. La relación espaciotemporal cobra una nueva dimensión. No interesa el espacio, interesa la experiencia, lo que el cuerpo siente, lo que provoca en la mente. De nuevo en relación al concepto de lo fluido y lo no terminado Toyo Ito defiende que "la arquitectura debe sobrepasar la idea de parecerse a una imagen instantánea y estable dentro de un mundo dominado por la teoría de la información y las imágenes como secuencia en estado de cambio indefinido". Los sonidos de sintetizador y la repetición de los ritmos contribuyen aun más a entrar en ese trance que hace perder la noción del espacio y el paso del tiempo. Y cuando sales del lugar, ya ha amanecido.
Todos estos factores derivaron en una transcendental veneración de la experiencia de la escucha en directo. Lo físico del sonido, la experiencia sensorial y social, el efecto de grupo, el carácter abierto y con ello su irreproducibildad, desencadenaron un gran auge del live llevando a una popularización muy importante de los festivales y conciertos en los factores experienciales priman sobre otros aspectos como calidad del sonido o condiciones acústicas del espacio. Sin embargo, cada vez son más los deejays que reivindican la escucha de su música con audífonos y alejados de la fiesta para profundizar en los matices que se pierden en la escucha en estas otras situaciones. A menudo se abre un abismo entre la escucha monofónica o estereofónica de las obras en el estudio y la del espacio donde se proyecta públicamente. Las propiedades de reflexión o absorción de sonido son distintas, así como la caja de resonancia o las características de los altavoces por lo que puede ocurrir que lo que el artista escuchó y creó a través de sus equipos de una cierta forma no llegue ni a intuirse en otro lugar. La adecuación se convierte en una ardua tarea que lleva a los artistas a tener que crear pensando en las propiedades de los lugares donde se va a representar, así como a crear con distintas capas de detalle asumiendo que en determinados lugares llegará una información que se perderá en otros.
Sucede así que las mejores sesiones no tienen porqué ser en clubes habilitados para la fiesta. Porque un buen equipo en el salón de una casa puede responder incluso mejor a las expectativas de los que se van a reunir. La experiencia se domestica. La infraestructura está a nuestro alcance y en tiempos de posproducción preferimos darnos lo que queremos y poder dominar tiempos e intensidades. "Necesitamos tiempo para la escucha y profundidad, penetrar al máximo en la sutileza."
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Con el surgimiento de Internet, la escritura se ha encontrado con su fotografía. Con esto quiero decir que la escritura se encuentra en una situación similar a la de la pintura cuando la fotografía se inventó: frente a una tecnología tanto más apta para replicar la realidad, es decir, para poder sobrevivir, la pintura tuvo que alterar su curso de manera radical. Si la fotografía buscaba alcanzar un enfoque nítido, la pintura se vio obligada a suavizarlo -de ahí el impresionismo.
La venganza del texto en Escritura no-creativa. Gestionando el lenguaje en la era digital, Kenneth Goldsmith.
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MINIATURES
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Para entender este pasaje -denso y repetitivo, pero que expresa un sentimiento nítido- es necesario leer de una manera distinta a como aprendimos a hacerlo. Stein trabaja con el lenguaje como material. Las palabras son bloques de construcción. La palabra “y” se usa menos como conjunción que como separador, como puente entre dos pensamientos. Así, si leemos la palabra “y” como una coma, la frase queda dividida en segmentos y empieza a revelarse su sentido. Cada vez que leemos a Stein debemos pues aprender a leer desde cero.
Leyendo a Ryan Trecartin, Kenneth Goldsmith en catálogo exposición Lizzie Fitch / Ryan Trecartin. Priority Innfield La Casa Encendida.
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Blooming es el primer EP de Tropicalpurples, el proyecto de Pablo Escalante ; los 21 años, del productor mexicano, contrastan con la templanza de una voz que parece ir manteniendo a raya los sonidos que revolotean correteando hacia delante. También esa voz sosiega a los que escuchamos, relaja las pulsaciones haciéndonos mirar por la ventana. Nos alienta a continuar y pensar en lo que viene al tiempo que nos advierte para que no despeguemos demasiado los pies de la tierra.
VAA, label independiente de la CDMX, presenta dos temas de lo que tal vez sea una de sus apuestas más relajadas. Las melodías de Berlín y [Limitations] pueden remitirnos a ciertos ejemplos de lo que se consume actualmente en algunos de los sectores más comerciales, sin embargo, la delicadeza de los giros y la cuidada producción dan constancia de que hablan en otro registro.
Reconocemos en sus composiciones mucho de la experimentación con sonidos tan propia ya del sello. En este caso, los ruidos se estructuran componiendo un contexto natural que casi puede olerse. Podríamos estar en un bosque, tal vez en ese mismo que presenta el arte, pues con el avance de las melodías parece crecer una atmósfera envolvente que nos cobija, es blanda, pero también húmeda y resbaladiza.
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