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Home, 2017 

90 moniteurs, tourne-disque (qui tourne au ralenti, le disque est recouvert de charbon). 4 projecteurs sur écrans.

ICARO ZORBAR

Il s'agit d’un environnement sonore plongé dans le noir, chaque moniteur diffuse un point lumineux et situé en hauteur dans la pièce, l’ensemble rappelle un ciel étoilé. Un autre point de lumière provient du tourne disque, ce qui permet de le voir tourner et de comprendre d'où vient le grésillement. Tandis qu’un peu plus loin un oiseau en mouvement est projeté sur un ventilateur, son vol parait rapide, sa projection se termine sur le mur opposé, cette fois les mouvements de l’oiseau apparaissent au ralenti pour un rendu évoquant la décomposition du mouvement par la chronophotographie.

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Phases of the moon (Harvest), 2017

Sculptures en verre.

DOMINIQUE BLAIS

Phases of the moon (Full moon cycle) consiste en l’envoi quotidien à la Biennale par l’artiste d’une représentation en verre de la lune. Le premier envoi est daté du 6 septembre 2017, le dernier du 5 octobre : l’œuvre se déroule donc d’une pleine lune à la suivante, soit la durée d’un cycle lunaire complet. Tous les colis sont rigoureusement identiques, à l’exception du timbre postal, qui représente la phase lunaire de la date d’envoi. Le protocole mis en place par Dominique Blais est un dispositif à la temporalité finie, qui entre en résonance avec celle, infinie, des mouvements célestes. La délicatesse et la fragilité des matériaux et des moyens employés par l’artiste (le verre et le papier) se superposent à une réalité matérielle permanente et inaltérable. L’accomplissement du geste artistique est tributaire de la collaboration involontaire des services postaux, qu’il s’agisse de l’oblitération des missives ou de leurs transports. L’activation de l’œuvre est donc collective, et joue ainsi de l’interdépendance de chacun de ses éléments, dans un système suspendu et dynamique.

Courtesy of the artist and Galerie Xippas, Paris.

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Rainforest V (variation 2), 2015

DAVID TUDOR

Compositeur américain, David Tudor a commencé sa carrière comme pianiste. Il est notamment le premier à jouer la composition silencieuse 4’33’’ de John Cage. Il s’associe à ce dernier à partir de 1948 et entame avec lui une collaboration jusqu’à la mort de Cage. Captivé par la spatialisation sonore et les innovations technologiques, David Tudor crée le Project of Music for Magnetic Tape, groupe pionnier de musique électronique improvisée. Son œuvre Rainforest V (Variation 2) (1973 – 2015 / réalisé par : Composers Inside Electronics – John Driscoll, Phil Edelstein) est un écosysteme d’objets qui plonge le visiteur au cœur d’une véritable matière sonore. Chaque sculpture chante, croasse, cliquette ou carillonne, jouant ainsi sa propre partition avant de résonner de nouveau dans l’amplificateur qu’est l’espace d’exposition, pour se joindre enfin à la joyeuse cacophonie d’un bruit devenu collectif. Ce groupe d’objets hétérogènes fait écho à la grande diversité de la flore et de la faune du monde naturel, respire et résonne en une agitation constante – en une forêt de sons.

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Bataille, 2017

RIVANE NEUENSCHWANDER

L’installation Bataille de l’artiste brésilienne Rivane Neuenschwander, créée pour la Biennale, conjugue l’héritage du Repente nordestino, pratique poétique historique du Nordeste, et de la poésie concrète brésilienne qui, dès les années 1950 avec Augusto do Campos, s’affranchit de la syntaxe de la phrase pour envisager le poème comme un « objet sensible », à l’usage des mots chez les Situationnistes qui transforment l’espace urbain en un théâtre de l’errance et de la contestation politique. Rivane Neuenschwander explore le sens de mots issus de banderoles et pancartes des manifestations, du Brésil à Lyon. Des slogans d’insurrection, de liberté, de résistance, d’utopie ou de justice. Ces mots transposés sur des étiquettes – telles celles qui griffent les marques des vêtements – forment un lexique qui s’échappe de l’espace de la révolte collective pour devenir un alphabet poétique intimiste que chaque visiteur peut recomposer, transporter en les épinglant sur ses vêtements et se faire, à son tour, le messager d’une poésie engagée. L'artiste poursuit son œuvre à Lyon avec la collaboration de jeunes, d'écoles et de lycées, dans le cadre de la plateforme Veduta.

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Untitled, 2016 

Ensemble de 7 peintures sur toile montées sur un châssis aluminium.

2.80 x 1.80cm

CHRISTODOULOS PANAYIOTOU

Pour la Biennale, l’artiste présente Untitled, série composée de pulp paintings, étranges monochromes de papier dont les couleurs proviennent de billets de banque démonétisés. Véritable métaphore de la perte de la valeur du travail, son oeuvre ne cherche pas à détruire ou à abandonner mais plutôt à déplacer l’intérêt sur la valeur de l’art. Christodoulos Panayiotou met ainsi en avant la fragilité d’une de nos croyances les plus fortes, selon laquelle l’échange et le commerce seraient l’un des piliers de notre société.

Collection Nicoletta Fiorucci, Londres.

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MARCHES DU MUSÉE, 2010

Musée d’art contemporain Lyon.

BEN

Vous connaissez ces écritures pleines d’impertinence et de poésie. Ben a l’habitude de se faufiler partout et d’intervenir sur les objets les plus inattendus. Lors de sa rétrospective au musée en 2010, il s’est emparé des marches d’escalier pour s’adresser aux passants et les accompagner dans leur itinéraire… 

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Pleated image, 2017

YUKO MOHRI

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The Shift I-VII, WV2016-107 to 114, 2017

The Blue Shift, WV 2017-136 to 17, 2017

Encre, crayon à l’huile, pastel gras, crayon sur papier.

140 x 280cm

JORINDE VOIGT

Dessins et collages grand format, lignes et écriture, encre, aquarelle et feuille d’or traversent les oeuvres de Jorinde Voigt. Les œuvres de l’artiste développent une grammaire visuelle où pensées, données scientifiques, phénomènes météorologiques ou encore vitesse s’entremêlent. Si Jorinde Voigt a longuement exploré le médium photographique en ayant la sensation de rester à la surface de l’image, c’est avec le dessin qu’elle cherche à rendre visible le processus de création. En faisant disparaître les frontières entre science et art, l’artiste analyse les structures des motifs culturels et des phénomènes naturels les plus divers, afin de représenter le monde par ses paramètres cachés et révéler la simultanéité des possibilités. Pour la Biennale de Lyon, l’artiste présente les derniers chapitres de son oeuvre Song of the Earth qui mêle art visuel et musique. Les dessins créés pour Song of the Earth, inspirés par la symphonie éponyme de Gustav Mahler, révèlent la direction de la rotation de la Terre ou encore le nombre de rotations par jour. Son oeuvre devient une transcription musicale pour les performeurs qui ont toute liberté d’interpréter cette partition et peuvent ainsi ouvrir la performance au hasard, à l’improvisation et aux structures rythmiques créatives.

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Lichtrotoren, Sonne des Meeres, 1967

HEINZ MACK

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NEW HORIZON IS A WAVE

EWA PARTUM

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Moré Moré [Leaky]: The Falling Water Given #4-6, 2017

Installation de cadres en bois, objets trouvés, ...

YUKO MOHRI

Sensible à la notion d’accident et de hasard qui interviennent dans La Mariée mise à nu par ses célibataires, même et les ready-made de Marcel Duchamp, Yuko Mohri crée des œuvres qui s’apparentent à des écosystèmes autonomes dont la conception improvisée et aléatoire met en jeu différents phénomènes intangibles, la gravité, le magnétisme ou les variations thermiques. Moré Moré [Leaky]: The Falling Water Given #4-6 devient ainsi un théâtre d’objets réalisé à partir des réseaux de colmatage des fuites d’eau qui fissurent le métro de Tokyo. L’ensemble de photographies qui l’accompagne a pour sujet les réparations improvisées de fuites d’eau dans le métro japonais, qui ont inspiré l’installation. La juxtaposition des images fixes et des structures en bois soutenant des voies d’eau cinétiques et des objets trouvés sur place invite le spectateur à considérer les relations symbiotiques entre nature et technologie – entre l’esthétique et la fonction.

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Over the rainbow, 2016  

Installation de micro billes de verre, sable blanc, projecteurs.

Dimensions variables.

HAO JINGFANG & WANG LINGJIE

Hao Jingfang & Wang Lingjie conçoivent et réalisent des objets et des environnements hybrides. L’arc-en-ciel, provoqué par la réflexion des rayons de lumière sur une surface irisée de l’œuvre Over the Rainbow, apparaît comme un instant fugace à saisir. Visible seulement depuis certains points, il se déplace avec la marche du spectateur, puis disparaît. Le dépouillement du dispositif souligne la nature délicate de cette apparition. L’expérience sensorielle et méditative permet d’apprécier différents phénomènes liés à l’écoulement du temps, aux variations lumineuses ou aux limites de notre perception. Tout autour, les traces de pollen de lotus convoquent un temps cyclique et contradictoire. Le pollen de lotus est à la fois l’élément mâle de sa reproduction, et donc de sa future germination, mais aussi son fossile - ce qui reste après le pourrissement de la plante et qui se conserve plusieurs milliers d’années. Les historiens et les archéologues s’en servent pour analyser la transition du climat et le changement des espèces. Il symbolise également l’immanence et qui renvoie dans le bouddhisme aux trois stades de l’existence – le passé, le présent et l’avenir.

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Two Columns for One Bubble Light, 2007 

Three Stops for an Animal Architecture under Gravity, 2007

Minimal Surface of a Body Evolution on a Field, 2007

Stand up, Speaker up, see up, 2007

Installation (polyamide, polypropylène, tissu en coton, sable, mousse, lumières fluorescentes, marchepied en contreplaqué).

ERNESTO NETO

Ernesto Neto conçoit la sculpture comme le lieu d’un échange de sensations et le support d’une interaction entre le corps du spectateur, les matériaux mis en œuvre et l’espace environnant. À la suite des artistes néo-concrets brésiliens, Ernesto Neto revisite les formes biomorphiques d’artistes européens tel que Jean Arp, dont certaines œuvres sont d’ailleurs présentées au sein de Two Columns for One Bubble Light, véritable lab­yrinthe spatial : à la lisière de différents mondes – entre faune et flore, animé et inanimé, moderne et contempo­rain – Ernesto Neto invite le visiteur à déambuler sous un ciel de polyamide dont les trous, à la manière de Dad­amaino ou de Lucio Fontana, laissent l’énergie circuler. Par un jeu de poids et de contrepoids, Two Columns for One Bubble Light, tout comme Three Stops for an Animal Architecture under Gravity et Minimal Surface of a Body Evolution on a Field, lestées de sable, se maintiennent en équilibre parfait, comme en attente d’une présence humaine qui viendrait l’activer. Stand up, Speaker up, see up sert enfin de marchepied au visiteur, qui peut ainsi prendre de la hauteur, et regarder au-dessus de l’horizon textile qui divise l’espace.

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World Markets, 2004

Structure acier, inox poli et incrustations.

5 x 7,2 x 5m

WANG DU

Agrandissement d’une page de journal économique, la sculpture pourrait raconter l’histoire d’un grand de ce monde agacé par les mauvaises nouvelles boursières. Les valeurs spéculatives et éphémères se retrouvent comme gravées dans le marbre. Ou plutôt dans l’inox qui recouvre ici la sculpture d’acier. Monument improbable à la mémoire des traders disparus ? Pour Wang Du, si les infos passent, tout comme les cotations, les œuvres restent. L'oeuvre de Wang Du, World Markets, de 2004 a été donnée au Musée par la société Tair Kameleone en 2009. L'oeuvre a intégré la collection et est installée aux abords extérieurs du Musée. Elle est visible en permanence.

Collection du Musée d’art contemporain de Lyon.

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Sans titre (Melancholia) [Philips 523, robe bleue], 2016

DOMINIQUE BLAIS

L’œuvre Sans titre (Melancholia), malgré les signes apparents de sa destruction, est toujours en fonctionnement, comme le signalent le mouvement de rotation du disque et les craquements sonores discrets. Le souffle du haut-parleur prolonge une analogie corporelle initiée par le titre de l’œuvre. En effet, dans la médecine antique, la mélancolie est associée à la bile, et on l’envisage comme un élément actif du corps humain. L’écartèlement ostentatoire de Sans titre (Melancholia) peut être rapproché des représentations picturales d’écorchés, ces cadavres dont l’intérieur était offert aux regards des étudiants et des curieux, afin qu’ils y cherchent des traces de la vie.

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Lichtrotoren, Sonne des Meeres, 1967

Aluminium, moteur.

1.43 x 1.43 x 0.17m

HEINZ MACK

Avec Otto Piene, Heinz Mack fut le cofondateur en 1957 du groupe ZERO, mouvement qui a accueilli des participants tels qu’Yves Klein, Jean Tinguely, Piero Manzoni ou Lucio Fontana. Sous l’influence des avant-gardes des années 1950-1960, Heinz Mack s’impose comme l’un des principaux représentants de l’art cinétique allemand. Ses sculptures, qu’il nomme « structures dynamiques », entremêlent souvent mou­vement et jeux de lumières. Entre produits industriel et objets précieux, fixité et mouvement, le monochrome Lichtrotoren, Sonne des Meeres (Rotateur de lumière, soleil de la mer) active autant l’imaginaire que les sens.

Collection Centre Pompidou, Paris - Musée national d’art moderne.

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Concetto spaziale. La fine di Dio  (63-FD.17),1963

Huile sur toile et cadre doré.

81 x 100cm format ovale.

LUCIO FONTANA