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50- Fata Morgana (Werner Herzog, 1971)

Siendo este otro filme del excéntrico director alemán, Herzog captura los espejismos de los desiertos del Sahara y Sahel, donde a través de una narración en voiceover recita el mito de la creación maya, mejor conocido como Popol Vuh. El filme se divide en tres partes: La Creación, donde se aborda el mito maya, Paraíso y La Era de Oro. Cada parte cuenta con una fotografía excepcional, y una composición visual muy digna de ser mencionada. Como mencioné en las reseñas anteriores, la fotografía manejada en la filmografía de Herzog suele ser el aspecto que más disfruto de sus filmes, al no ser tan fan de su persona y de su papel como director en cuanto a su cast y crew.

Cabe mencionar que lo más interesante del filme fueron todos los problemas que tuvieron en la producción y durante el rodaje de la misma. De acuerdo con la información que encontré, el rodaje del filme tuvo una duración de 13 meses de los cuales hacían tomas de manera esporádica. La tomas en su mayoría fueron realizadas por el fotógrafo Jörg Schmidt-Reitwein encima de un Volkswagen , mientras Herzog conducía. Durante el rodaje, algunos de los problemas con los que se enfrento la producción fueron duras tormentas de arena, problemas al cruzar la frontera, conflictos que tuvieron en el país de Camerún al tener el fotógrafo el mismo apellido que un alemán mercenario el cual se escondía de las autoridades y que había sido recientemente condenado a muerte, y finalmente el que Herzog haya sido metido en un cárcel infestada de ratas.

Es un filme cuyo tema se centra en mostrar a los seres humanos y a su propio mundo, mostrándolo desde un punto de vista no-humano y mitológico, acompañándolo con imágenes mesmerizantes y con cierto toque de ilusión óptica, la cuales tienen un composición que son capaces de causar paz en el espectador.

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49- Hasta los enanos comenzaron pequeños (Werner Herzog, 1970)

Una vez más, este filme del director alemán Werner Herzog explora a un grupo marginado por la sociedad: los enanos. 
En este filme cómico con tonos melodramáticos, Herzog se enfoca en un grupo de enanos confinados a una institución localizada en una isla remota. A lo largo del filme vemos como este grupo empieza a tener actos de rebeldía en contra del sistema opresor que los confine,y al no saber que hacer con ella mismos terminan destruyendo cualquier cosa que los rodea. Es un filme que hace referencia a la naturaleza liberadora y a la vez destructora del espíritu humano al encontrarse en un estado de liberación en contra de la sociedad.

A pesar de tener momentos bastante simpáticos en donde se ven involucrados los personajes del filme, llega un punto como a la mitad del filme donde el caos llega a ser tal, que personalmente encontré bastante irritador, ya que vemos como la destrucción va escalando y como los mismos enanos entran en una etapa de locura destruyendo todo lo que se les cruce, y su vez riendo escandalosamente de lo que sucede.

Siendo este el tercer filme de Herzog, y tras haber conversado un poco acerca de su persona y su naturaleza mitómana, encuentro a este personaje no tan agradable, provocando a su vez mi disgusto por su filmografía. He de admitir que es un filme bastante interesante por el concepto que maneja en cuanto a la idea de destrucción y descontrol, y a su rebeldía. Además de que el usar solamente a enanos para el filme, muestra este lado o grupo social al cual Herzog le gusta manejar y usar en sus filmes. Creo que es un personaje que puede ser percibido como pretencioso por las temáticas que maneja, no obstante no pone de lado su trabajo, así como la estática y composición que suele haber en sus filmes.

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48-La Soufrière (Werner Herzog, 1977)

Este mediometraje documental del director alemán Werner Herzog se lleva acabo en la isla de Guadeloupe, colonia francesa localizada en el Caribe, y cuyo volcán de la región se estimaba que iba a erupcionar . 
Herzog aprovecha la oportunidad para ir al lugar, al enterarse de que habían locales que habían decidido quedarse en la isla a pesar de haber sido evacuada, y hacer así un filme acerca de ellos. En el documental Herzog explora las calles desiertas, así como realiza tomas áreas de donde se encuentra la caldera del volcán. A lo largo del filme, conversa en francés con los tres diferentes hombres que se encuentran en la isla, donde cada uno muestra su postura y razón por la que se decidieron quedarse en la misma. Herzog es un personaje particular que suele tener cierta curiosidad y obsesión por aquellos que son los marginales de la sociedad, o de cualquiera que no viva de acuerdo a las convenciones estipuladas. En este documental se ve reflejado su interés por aquellos que no siguen a la corriente, y deciden esperar su propio destino poniendo como pretexto la voluntad de Dios. Es un documental cuyo tema central es la destrucción, que busca hablar de la naturaleza de una sociedad que vive cerca de un volcán, y entrelazar así temas con la vida y la muerte… que hablando de la muerte, en la producción de este filme, a pesar de que el volcán no hizo erupción, hubo un poco de polémica en el filme, ya que Herzog arriesgo la vida del crew para filmar en una isla cuyo volcán pudo haber explotando en cualquier momento. Como mencione antes, al ser un personaje bastante excéntrico, es un director que es capaz de tomar el riesgo necesario para poder llevar a cabo sus filmes

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47- Dos o tres cosas que sé de ella (Jean-Luc Godard, 1967)

Filme de director francés Jean-Luc Godard, se muestra como ensayo de los puntos de vista que tiene el director hacia la vida cotidiana y mundana de la sociedad contemporánea de la época

Como muchos filmes de director francés, esta historia no cuenta con un arco narrativo del cine convencional. Narrado por el mismo director a manera de susurro, en el filme se muestra la vida de mundana Juliette Jeanson (Marina Vlady) mujer casada de alta sociedad que esta involucrada en la prostitución.

Es un filme con tonos sociales, que busca hacer un análisis reflexivo de lo que es vivir en la sociedad moderna, desde el punto de vista del director, sin dejar de ser bastante intimo y único por la manera en que es desarrollada.

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46- Une minute pour une image  (Agnès Varda, 1983)

En este programa dirigido por Agnès Varda se analizan 16 imágenes, seleccionadas por distintos fotógrafos y por la propia Varda, en donde tal y como lo dice el titulo, en una duración de un minuto distintas personas analizan la foto y dan su interpretación acerca de ella.

Toda esta idea surgió cuando Varda se encontraba realizando Ulysse y se percató de que distintas personas tenían distintas interpretaciones para su fotografía, por lo que decidió hacer una selección de imágenes que fueron proyectadas a estas personas, donde se les mostraba la imagen brevemente, y sin decirles ninguna información acerca de ella, estos personajes hacían sus comentarios e interpretaciones acerca de las fotografías que se les eran mostradas. De acuerdo con Varda, fue un proyecto bastante enriquecedor puesto que cada individuo tiene su propia visión, donde se muestran las distintas ideas que se tiene sobre las imágenes en donde hay maneras de pensar muy distintas unas de otras.

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45- Ulysse (Agnès Varda, 1982)

Con una duración de tan sólo 22 minutos, en este pequeño documental Varda examina una foto que tomo en Egipto en 1954 y entrevista a los dos sujetos que salieron en ella.

La fotografía consiste en un hombre desnudo que esta de pie en el lado izquierdo de la fotografía, un niño pequeño sentado junto al hombre sobre un a playa rocosa, y en una cabra muerta que se encuentra del lado derecho inferior, muy alejada de los otros dos.

En el documental Varda va a Egipto y es capaz de visitar y entrevistar al hombre desnudo, nuevamente desnudo; a Ulysse, el niño de la fotografía que ahora es un hombre con familia y quien parece no recordar nada de la foto a pesar de haber hecho un dibujo de la misma en su infancia; e inclusive a un par de niños y mostrar en cuadro a una cabra en representación a la fallecida de la foto.

Considero que es un documental que sirve como una recapitulación o parte del proceso creativo que Varda llevo a cabo con su fotografía, y que logra convertirlo en intimo, reflexivo y personal.

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44- 7p., cuis., s. de b., …à (Agnès Varda, 1984)

Mediometraje realizado por la directora francesa Agnès Varda, 7 pièces, cuisine, salle de bain, es un ensayo visual narrado de una manera despreocupada y relajada que resalta algunos aspectos de la cotidianidad y comodidad de la vida en casa, de la clase media francesa.

La historia general es acerca de un agente de bienes raíces, al cual nunca vemos en pantalla, que busca vender una casa de 7 habitaciones con cocina y baño. Varda construye por imágenes y viñetas distintos momentos que suceden alrededor de la casa, en donde una vez más vemos su magistral puesta de cámara, donde las acciones que ocurren frente a ella siempre se muestran bellas y con un tono de vagabundeo narrativo.

Es un filme con un tono intimo ya que hace que el espectador forme parte de lo que sucede, puesto que nos invita a recorrer sus pasillos vacíos, entrar a sus habitaciones, conocer a las familias que la habitan y ser testigo de este estado de confort hogareño francés.

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43- Je vous salue Sarajevo (Jean-Luc Godard, 2006)

Pequeño filme de una duración de tan sólo dos minutos; el aclamado director francés Jean-Luc Godard hace un pequeño montaje acompañado de un texto escrito por él mismo en donde toma una fotografía del conflicto bélico que hubo en el periodo de la guerra de Bosnia.

En el montaje, Godard utiliza la fotografía y le hace distintos close-ups de una manera abstracta para hablar del significado de la imagen mostrando alguno de sus elementos y presentándolos como distintos símbolos como la violencia, el poder, y la protección. 

El uso narrativo que utiliza Godard para el corto lo muestra como un texto honesto e inteligente, que se presta para la interpretación más reflexiva. Considero que lo que se busca transmitir es este estado de decadencia y contradicción que hay en nuestro mundo, es un filme que habla de la importancia del arte, y como la misa se convierte en un punto de confort para la sociedad en general. Es una critica efectiva que le hace Godard a nosotros, los seres que habitamos este mundo.

"In a sense, fear is the daughter of God, redeemed on Good Friday. She is not beautiful, mocked, cursed or disowned by all. But don't be mistaken, she watches over all mortal agony, she intercedes for mankind; for there is a rule and an exception. Culture is the rule, and art is the exception. Everybody speaks the rule; cigarette, computer, t-shirt, television, tourism, war. Nobody speaks the exception. It isn't spoken, it is written; Flaubert, Dostoyevsky. It is composed; Gershwin, Mozart. It is painted; Cézanne, Vermeer. It is filmed; Antonioni, Vigo. Or it is lived, then it is the art of living; Srebrenica, Mostar, Sarajevo. The rule is to want the death of the exception. So the rule for cultural Europe is to organise the death of the art of living, which still flourishes" – Jean Luc Godard, "Je Vous Salue, Sarajevo" (1993).

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42- Il Sorpasso (Dino Risi, 1962)

Comedia italiana dirigida y co-escrita por el director italiano Dino Risi, Il Sorpasso (La vida fácil, en español) es considerada como un filme de culto italiano, además de ser considerada como la obra maestra de Risi.

La historia del filme es acerca de un abogado llamado Roberto (Jean-Louis Trintignant) que se encuentra en pleno y arduo estudio, y que sin embargo conoce y se ve arrastrado por Bruno (Vittorio Gassman), individuo que aparece fuera de la casa del primero y que por una razón o la otra termina adoptándolo como complice de sus locas aventuras. Roberto aparece como un personaje tímido e introvertido mientras que Bruno es todo lo contrario. Es de esta manera que ambos terminan haciendo amigos, y Bruno logra al final sacar el lado extrovertido de Roberto para finalizar con un muy inesperado final.

Lo que me gustó del filme es que usan el lado de road-tripping del cine, ya que el filme transcurre la mayor parte en el carro de Bruno junto con su inolvidable sonido de claxon.

Considero que la manera en la que se desarrolla la película es de un excelente ritmo, puesto que vamos viendo la transición y el cambio en la personalidad de los personajes.

Risi logra sacar a relucir el defecto humano en que no todo es lo que parece, y que las personas están llenas de capas. Al principio, el personaje de Bruno parece ser positivo y de buena influencia para Roberto, y a pesar de que en momentos es así, es el mismo Bruno quien termina provocando el terrible final. Es un filme que muestra los dos lados de la moneda, y las consecuencias de la misma.

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41-Sullivan's Travels (Preston Sturges, 1941)

Basándose en el titulo del clásico libro ¨Gulliver's Travels¨, (los Viajes de Gulliver en español) esta comedia americana de 1941 y dirigida por Preston Sturges, narra la historia de un director de Hollywood llamado John Sullivan (Joel McCrea) quien busca realizar su siguiente largometraje, donde el género que quiere abordar es un melodrama, sin embargo, Sullivan al haber tenido siempre una buena vida, decide que quiere estar en los zapatos de una persona humilde para así entender su estilo de vida y poder hacer una película más verídica. Es así como el filme sigue el trayecto de las encrucijadas y aventuras en las que se ve Sullivan, para concluir con él dándose cuenta que las comedias son en realidad su mejor contribución a la sociedad.

Veronica Lake aparece como uno de los personajes principales, resaltando su personaje por su estilo y su actuación en el filme, ya que fue éste alguno de su primeros roles grandes en el cine de Hollywood.

A pesar de tener tonos cómicos, a lo largo del filme también hay momentos de tensión, contradicciones y seriedad. 
La escena cuando Sullivan y La Chica (Veronica Lake) viven la realidad de lo que es ser pobre, es una escena que busca retratar la pobreza en la sociedad americana de entonces. Asimismo, la escena cuando roban e inculpan a Sullivan, donde se ve retratada la injusticia en el sistema jurídico, ya que no busca embellecer, ni mostrar al pobre ¨noble ¨, sino que ser más verídicos y acercados a la realidad.

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40- Ma vie de Courgette (Claude Barras, 2016)

Siendo este el primer largometraje del director suizo Claude Barras, se puede apreciar un filme prometedor con un entendimiento acerca de lo que es ser niño. La historia del filme es acerca de Courgette (o calabacín, en su traducción en español), quien queda huérfano tras ocasionar la muerte prematura de su madre abusiva, por lo que es llevado a un orfanato, donde tiene que lidiar con nuevas relaciones con otros niños, entender sus sentimientos, hacer amistades, y crecer en un ambiente diferente del que tenía

A pesar de ser un filme animado (stop motion) es una película  que no esta solamente dirigida a los niños, sino que a un publico más amplio puesto que toca temas bastante profundos acerca de ser un niño y crecer en una ambiente difícil y diferente a lo que esta catalogado como normal.

Es un filme bello, con temas acerca de la amistad y de lo que es crecer y comprender el mundo que te rodea. Es gracioso, peculiar y conmovedor, que es impresionante cuando te das cuenta que no son personas de carne y hueso.

Considero que uno d elos aciertos del filme fue que las voces de los niños fueran realizado por niños de la edad, y no adultos, dándole así un toque más real. Es un filme lleno de humanidad que hacen a este filme rico de emociones y real.

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39- I soliti ignoti (Mario Monicelli, 1958)

Obra maestra del director italiano, Mario Monicelli, en donde la risa se vuelve parte de la narrativa al ser un constante al estar viendo el filme. La historia se enfoca en Peppe (Vittorio Gassman) y Mario (Marcello Mastroianni), ladrones quienes son absolutamente pésimos robando. Sin embargo, Peppe cree que ha logrado planear el robo perfecto que los hará ricos, por lo que necesitará la ayuda de sus otros compañeros criminales para robar un casa de empeño por medio de un túnel y saquear la caja fuerte. Pero su plan se encuentra lejos de ser perfecto, ya que los otros integrantes del grupo tienen todo menos experiencia para cavar túneles, convirtiendo en todo este proceso vandálico en una comedia impecable.

Contando con un cast de actores talentosos, el filme cuenta no sólo con una temática y con unos personajes bastante interesantes y simpáticos, sino que toda la estética cinematográfica del filme es impecable, así como el soundtrack de la misma.

Es un filme en el que no dejarás de reir, y en el que cada fragmento mantendrá al espectador atado a la pantalla. Cada personaje tiene su personalidad y sus pequeños momentos en donde son contextualizados con la historia, donde el final es tan claro por quien es qué que provocaran las ganas de verla una vez más.

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38- Ugetsu Monogotari (Kenji Mizoguchi, 1953)

Basado en el libro con el mismo titulo de Ueda Akinari, el filme narra la historia Genjuri (Masayuki Mori) y Tobei (Sakae Ozawa), campesinos que se dedican a hacer vasijas de barro y a trabajar en el campo. Ignorando la advertencia de un sabio de su aldea, Genjuri deja a su esposa e hijo para ser seducido por un espíritu que amenaza su vida, y alternadamente a esto, Tobei, quien sueña con ser samurai, logra hacerlo costándole su propia esposa. Es un filme que se enfoca en la ética moral en tiempos de guerra, el mundo de los espíritus y en el deber familiar. Aborda el tema de el sufrimiento por parte de la mujer de aquellos tiempos en época de guerra, y en la toma decisiones que pueden definir el destino de una persona. Es un filme que cuenta con una fotografía espectacular, donde cada encuadre es una composición naturalista, que usa elementos japoneses tradicionales, como el vestuario, creando una armonía visual que le dan mucha fuerza a la historia.

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37- O Lucky Man (Lindsay Anderson, 1973)

Filme del director inglés Lindsay Anderson narra la historia de un joven ingles, Mick Travis (Malcolm McDowell) quien esta determinado a ser exitoso, por lo comienza haciendo trabajos pequeños, como vender cafe a manera de salesman, para luego ser promovido por la propia compañía. Más adelante las cosas comienzan a convertirse en extrañas, ya que Mick pasa por una serie de situaciones que lo llevarán a moverse por Inglaterra de manera aleatoria. Mick es secuestrado por una agencia militar, es sujeto de pruebas de un laboratorio dudoso, conoce a una banda (misma que hace la música del filme), empieza a salir con un Patricia (Helen Mirren), y termina trabajando con el padre multimillonario de la anterior Sir James Burgess (Ralph Richardson) donde termina yendo a la carcel, al estar envuelto en un sinfín de situaciones que se van volviendo más y más extrañas.

Un elemento interesante del filme que utiliza Anderson es el reciclaje de los actores para hacer diferentes papeles, ya que le da un toque bizarro y diferente al filme, además de que al principio del filme presenta a la banda, para luego meterla literalmente en la narrativa de la historia. Asimismo, otro aspecto curioso del filme es la manera de hacer una alegoría al capitalismo de la sociedad, ya que muestra diferentes situaciones y aspectos de la vida inglesa.

Es un filme que contiene de todo, y que cuenta con una producción bastante mayor, en donde Mick Travis tiene esta odisea única en el sentido fílmico y narrativo.

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36-  Kes (Ken Loach, 1969)

Basado en el libro con el titulo de ´A Kestrel for a Knave´ escrito por Barry Hines, narra la historia de Billy Casper (David Bradley), un niño de atormentado de la clase trabajadora de la zona minera de Yorkshire.

Billy Casper es víctima de los abusos no sólo de sus compañeros y maestros, sino que también de su medio-hermano mayor Jud (Freddie Fletcher) quien lo molesta constantemente cuando se encuentran juntos. La vida de Casper se muestra bastante mundana y cotidiana, hasta que encuentra un nido en una granja cercana, y decide entrar al halcón que habita en ella, dándole así cierto sentido a su batallosa vida. Casper nombra al halcón Kes, y desarrolla con este una buena relación, sin embargo las diferentes dificultades de la vida de Casper llevan ambos a un ambiente difícil dandole un fin triste a ambos.

Este filme de Ken Loach me pareció bastante bello, ya que muestra una relación entre niño y el halcón de una manera bastante simple y bella, ya que Loach hace que el personaje de Casper encuentre cierta seguridad y confort cuando esta con el animal, aal mostrarse como algo que ha hecho bien en su vida. Cada toma se muestra preciosista de una manera sutil al retratar al niño en el campo ingles, haciendo al filme como una obra intima y con la que nos podemos acercar, ademas de mostrar una relación con su entorno de una manera bastante realista, y hasta cierto punto triste, al mostrar este abuso que a veces existe entre hermano mayor y menor.

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35- De parte de la costa (Agnes Varda, 1958)

Cortometraje de tan solo 25 minutos de la directora belga Agnès Varda, realizado a manera de travelogue, ya que fue un video documental con un tono cómico para promocionar la Riviera francesa.

Influenciada por ´A Propos De Nice´ de Jean Vigo, en este cortometraje, Varda hace un juego de colores y composiciones fotográficas preciosistas mostrando el lado turista y exótico de la Riviera, al igual que sacando este lado irónico y simpático. Detalles desde el vestuario hasta la composición en la que decide retratar la naturaleza vacacional del lugar, hacen énfasis en el fin promocional del corto, provocando en el espectador las ganas excesivas de encontrarse en el lugar y formar parte de el.

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34-  Pather Panchali (Satyajit Ray, 1955)

Bandopadhyay, Pather Panchali es el primer filme de la trilogía Apu.
Pather Panchali narra la historia e infancia del protagonista Apu (Subir Banerjee) y de su hermana mayor Durga (Uma Dasgupta) en donde vemos un poco de las aventuras cotidianas de ambos, al igual de que se le muestra al espectador el cómo es la vida en su aldea, siendo una familia bastante pobre.

Es un filme que fue inspirado en el neorrealismo italiano, y que por ello utiliza elementos similares, como el de usar actores sin experiencia, mostrando visualmente un estilo de vida bastante realista y aterrizado de la situación de muchas familias de las aldeas pobres de la India, enseñando a su vez algunos de los pequeños placeres de la vida cotidiana de los personajes, embelleciendo a esta familia, al tener aspectos de unión y familiaridad. Asimismo, este filme contiene momentos de gran tristeza, aunque en la mayor parte se enfoca en la belleza del mundo que nos rodea creando un sentimiento de nostalgia y cariño hacía el filme y hacia los personajes. Siendo una persona con una buena relación familiar, puedo afirmar que Ray es capaz de transmitir el amor que hay entre los miembros de la familia, así como poner la relación entre hermano y hermana como una complicidad muy bella.

Es un filme que a pesar de haber tenido muchos problemas con la producción (por el lado económico), es un filme que tuvo mucho éxito y que le dio el renombre a Satyajit Ray como uno de los grandes directores del país, mismo éxito que le permitió continuar con la trilogía y poder finalizarla.