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La regla de 180˚
En una grabación o filmación es insoportable escuchar a los camarógrafos, técnicos o hasta al script decir “¿pero eso no sería saltar el eje?”, “Pero ahí estas rompiendo los 180 grados amigo”, “El plano me gusta pero sería saltar el eje, colócate de este lado mejor”.
Probablemente de las primeras cosas que aprendes en las escuelas de cine es “la regla de los 180 grados”, esta regla lo que implica es que deberías crear una línea imaginaria y la cámara no debería cruzarla, de manera que tienes 180 grados para colocar y mover libremente la cámara, y nunca saltar al otro lado de la línea imaginaria porque desubicas al espectador, a menos que un movimiento de cámara lo sugiera.
En términos más sencillos aún, permanece en esta mitad del Set y no se te ocurra pasar al lado oscuro.
El realidad si tienes una simple escena de un dialogo de 2 sujetos con planos “Por encima del hombro (OTS)”, esta regla es bastante acertada, pero en muchas ocasiones la regla de 180 grados simplemente no aplica, sobre todo en planos secuencias, en algunas escenas en exteriores, escenas con movimiento del sujeto o simplemente donde desees incomodar o desubicar a la audiencia. Muchas películas no respetan esta regla, sobre todo los directores mas arriesgados e interesantes como:
Terry Gilliam – 12 Monkeys
Stanley Kubrick – The Shinning
Hermanos Wachosky – The Matrix
Lans Von Trier – Todas sus películas
Ridley Scott – Aliens
Martin Scorsese – Raging Bull
Hay que tener en cuenta que la regla de 180 grados es solo una guía para cuando comienzas como videografo o cineasta, una vez que conoces este principio no te preocupes por reglas ni ejes ni nada, simplemente cuenta tu historia de la manera mas interesante posible.
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Cámara en mano
¿Cuándo es conveniente? •Filmar sin trípode, carro de tráveling o grúa puede sonar un tanto casero, pero ciertamente no lo es. •Si prestamos atención, muchas películas dejaron de lado la “suavidad” de los movimientos para romper con la estabilidad de los espectadores. •La película de Daniel Burman protagonizada por Antonio Gasalla y Graciela Borges, Muestra la relación amor – odio entre dos hermanos muy diferentes entre sí. •En Rescatando al Soldado Ryan, las escenas de acción suelen realizarse con cámara en mano para integrar al espectador en la adrenalina del cuadro provocando vértigo y desesperación. Al comienzo de la película, el director Steven Spielberg revive el desembarco de Normandía. •En Blair Witch Project, la cámara en mano genera un efecto rústico o casero que permite dar veracidad al testimonio de los actores. La saga Actividad Paranormal también aplicó éste recurso para la realización de sus películas. TIPS PARA TENER EN CUENTA A LA HORA DE FIRLMAR CON CÁMARA EN MANO •Los movimientos no deben distraer la atención de lo que está ocurriendo. •Debe estar justificado: su uso excesivo resulta molesto para el espectador. •El espectador debe mantener la ilusión de realidad y no darse cuenta de los movimientos. •Es recomendable utilizar éste recurso a lo largo de un plano secuencia. Si se lo combina con otros planos “estables” parecerá desprolijo.
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Grabar audio en DSLR
Problemas
•La calidad de audio es muy mala. •Los pre amplificadores de la cámara son muy ruidosos. •En muchos modelos no tenemos control de los niveles de audio. •No tienen entradas XLR de micrófono. •Cuentan con un solo circuito de ganancia automática (AGC). •El movimiento del lente es muy ruidoso.
Solución
•Grabar a doble sistema utilizando una grabadora externa. •En cámara tener un micrófono de referencia ya que el interno registra cualquier movimiento. •Conocer el posicionamiento de los micrófonos. •Llevar registro sobre las tomas.
Como sincronizar el audio
•Usar una claqueta o CLAPER. •Referencia en la toma ejemplo: escena dos, toma dos, acción!. •Sincronizar el audio en pos - producción. •Tener siempre de referencia el audio de la cámara directo.
Recomendaciones
•Grabar siempre en un lugar donde no haya mucho ruido. •Un buen posicionamiento del micrófono. (elemental) •Silencio en set solo el actor y la escena tienen que escucharse. •Revisar el audio una ves grabado. •Tener en cuenta la necesidad siempre de ADR (Aditional Audio Recorded).
Tips de Microfoneo o microfonear
•Al momento de grabar es importante tener la ubicación del actor dentro del set y estudiar el sonido ambiental de la locación. •Revisar baterías y tarjetas de memoria de los equipos. •Posicionar el micrófono cercano al a fuente y buscando grabar con la mejor calidad posible. •Seleccionar entre micrófono sobre el actor o micrófono ambiental.
Microfoneo distante
•El microfoneo distante se refiere al posicionamiento de uno o más micrófonos, a un metro o más de la fuente sonora. Esta técnica cumple dos funciones: - Ubica el micrófono a una distancia a la cual el instrumento o ensamble es tomado de manera tal que preserva su balance tonal general. - Ubica el micrófono a una distancia a la cual el ambiente acústico está incluido y combinado con la señal directa de la fuente sonora.
•Utilizado generalmente para una orquesta o en una sala de ambiente acústico •Desventaja es la existencia de una mala acústica se tendrá un diseño pobre.
Microfoneo cercano
•Una distancia de entre 25mm y 1m de la fuente •Crear una calidad de sonido clara y presente e Independizar el instrumento del medio ambiente acústico. •Aunque el microfoneo cercano ofrece varias ventajas, un micrófono debería ser ubicado tan cerca como sea necesario, y no tan cerca como sea posible. •Trabajando con distancias tan pequeñas, mover el micrófono sólo unos pocos centímetros puede cambiar el balance tonal de manera drástica. •Si este instrumento es tomado desde muy cerca, sonaría demasiado presente y fuera del contexto del microfoneo distante.
Microfoneo ambiental
•Cuando un micrófono es ubicado a una distancia tal, que el campo reverberante o sonido de la sala predomina sobre el sonido directo, ese micrófono se conoce como micrófono ambiental. •Un micrófono ambiental puede ser utilizado básicamente en tres situaciones: •En una grabación en vivo, pueden ser ubicados en la sala para agregar la reverberación natural que se pierde con el microfoneo cerrado. •En una grabación en vivo, pueden ubicarse sobre la audiencia para captar sus reacciones y los aplausos. •En una grabación de estudio, pueden ser empleados para añadir la acústica del estudio al sonido grabado. El microfoneo ambiental, utilizado como efecto, puede agregar profundidad al sonido.
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Eje narrativo
Que es el eje narrativo
•Se llama así al hilo conductor de los sucesos y sus protagonistas. •En una novela se suma otras historias pequeñas y otros personajes pero el tema principal no se abandona hasta el final de la obra. Lo demás completa y enriquece el texto pero todo ayuda a construir la historia principal.
Particularidades de la narración fílmica
•La narración fílmica reposa grandemente en la muestra de los hechos, apela mas a la percepción audiovisual directa que a la evocación imaginativa de la palabra. •Se presta mas a la acción y sobre todo a la acción interactiva entre personajes. •Tiene dificultades para la presentación de los estados interiores, para jugar con los matices evocativos de la palabra hablada.
La acción
•Son presentadas azarosamente y organizadas en diferentes modelos de causalidad que son formas de interpretar el mundo o la vida. •Modelo Reuter: se centra en las acciones mismas. •Esquema de Greimas: se centra en los personajes.
Esquema actancial
•Greimas propone seis categorías fundamentales de acción desencadenadas por los actores. •Estas categorías se denominan “actantes” en base a ellas, elabora un modelo actancial para explicar las relaciones que estos actantes contraen en todo relato. •La noción del actante esta en función del diseño de la acción por lo tanto puede ser desempeñada por persona/animados u objetos.
A) sujeto y objeto unido por el eje del deseo “querer”, así en todo relato, tenemos primariamente alguien, un héroe o una heroína que busca algo o alguien.
B) roles del Destinador y destinatario, unidos por el eje de la comunicación o del saber. El Destinador es quien encomienda o posibilita la búsqueda. El destinatario es el beneficiario ultimo del éxito. C) pareja secundaria sirve como dinamismo para expandir y complejizar la acción. ayudante y oponente unida por el eje del poder. Los ayudantes y ponentes facilitan o dificultan, respectivamente, el éxito de la búsqueda del sujeto.
El tiempo
•El tiempo de las acciones es representada en una narración que también opera en el tiempo. •Tiempo significante es el tiempo de la narración •Tiempo significado el tiempo “original” de las acciones representadas. •Entre estos niveles puede existir coincidencias “linealidad” o discontinuidad “asincronicidades”
Asincronicidades
•La forma mas usual es el “Flash–Back” o retroceso en el tiempo. •“Flash Forward” (ir al futuro) •Tiempo circular: se comienza donde se termina. •In–Media–Res: comienzo de la acción a media de la trama. •Historia paralelas: Fluye mas de una línea narrativa.
Narrador y el punto de vista
•En el cine la imagen habla por ella misma no necesita ser hablada. •Existe “voz en Off” la voz no procede de un protagonista de la acción representada. En contados casos, sin embargo podemos encontrar a un personaje que habla directamente a la cámara. •Todo film construye un narrador implícito, que es el punto de vista desde donde se percibe la acción. Este no será un narrador verbal, sino visual.
Relato hollywood
•Busca la ilusión de realidad, de transparencia. •La acción fluye desde las motivaciones y deseos de personajes con metas claras y definidas. Las acciones son consonantes de sus deseos. •El final debe desencadenar en algo no ambiguo, donde se resuelven los conflictos y las tensiones planteados durante el discurso. •La percepción de los hechos, se combinan miradas objetivas y subjetivas, pero al final el espectador puede establecer la verdad
Otras narrativas
•Realismo: establece que hay un punto de vista desde donde se puede representar objetivamente la realidad. •Individualismo: estable que el eje de la vida e interacción social son los individuos. •Cine ruso: Los agentes de acción no son individuos sino situaciones. •Cine francés: La objetividad de la imagen es siempre una ilusión, determinada por deseos e intereses.
Cine documental
•No todo el cine es narrativo, esto es documentar la realidad de asumirla o relacionarla con la ficción. •Cine no-ficcional o cine no-narrativo, es conocido como cine documental. •Genero abierto que permite interacciones con otras formas de organizar el discurso: el reportaje periodístico y el argumento ideológico.
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Movimientos de cámara
Encuadre: Se llama encuadre a la selección de la realidad que realiza el fotógrafo o el operador de cámara. Según la situación en que se coloque la cámara, distancia o ángulo de mira, la selección realizada.
MOVIMIENTOS
PANEO: Giro de la cámara sobre su eje de izquierda a derecha. PAN RIGHT: Paneo a la derecha. PAN LEFT: Paneo a la izquierda. TILT: Es el movimiento de la cámara de abajo hacia arriba o de arriba hacia abajo sobre su eje. TILT UP: Hacia arriba. TILT DOWN: Hacia abajo. TRAVEL: Consiste en desplazar el transporte con la cámara horizontalmente y en línea recta, puede hacerse hacia la derecha o izquierda. TRAVEL LEFT: Hacia la izquierda. TRAVEL RIGHT: Hacia la derecha. TRAVELING: Es el desplazamiento del transporte con la cámara sin dirección definida. DOLLY: La cámara con su transporte se desplazan hacia delante o hacia atrás, en línea recta. DOLLY IN: Desplazamiento hacia delante.
DOLLY OUT O DOLLY BACK: Desplazamiento hacia atrás. PEDESTAL: Es el movimiento de elevar la cámara por medio del pistón del transporte. PEDESTAL UP: Elevar la cámara. PEDESTAL DOWN: Bajar la cámara. ZOOM: Aunque no es un verdadero movimiento de cámaras, se le considera como tal, pero en realidad es el cambio de distancia que se hace por medio de la lente. ZOOM IN: Acercamiento óptico del objeto. ZOOM OUT: Alejamiento óptico del objeto. ANGULACIONES
Normal o neutro: El ángulo de la cámara es paralelo al suelo y se encuentra a la altura de los ojos o, en caso de ser un objeto, a su altura media. Picado: es una angulación oblicua superior, es decir, por encima de la altura de los ojos o la altura media del objeto y está orientada ligeramente hacia el suelo. Contrapicado: Opuesto al picado. Suele representar un personaje psíquicamente fuerte, dominante o superior. Nadir: La cámara se sitúa completamente por debajo del personaje, en un ángulo perpendicular al suelo. Cenital: La cámara se sitúa completamente por encima del personaje, en un ángulo también perpendicular. Plano holandés: Cuando la cámara está ligeramente inclinada, por lo regular a un ángulo de 45 grados. Esto demuestra inestabilidad. Subjetiva: La cámara nos muestra lo que el personaje está viendo, es decir, toma por un momento la visión en primera persona del personaje. Semisubjetiva: La cámara nos muestra parte del personaje (Generalmente desde detrás de este) además de lo que está viendo. Lateral: La cámara se encuentra a 90º grados mostrando una vista “de lado”, muchas veces utilizado como plano subjetivo. Plano americano: Se toma de la cintura hacia abajo mostrando a lo que el personaje ve en segundo plano.
ENCUADRES
Extreme long shot XLS: Se toma desde mas de un cuarto de milla de distancia, usualmente para establecer lugares, edificios o panorámicas. Médium shot MS: Realizado con el sujeto desde las rodillas/cintura hacia arriba, normalmente utilizado en escenas de dialogo, o para mostrar el detalle de la acción. Two shot TS: Contiene a dos personajes en el mismo encuadre tomado de la cintura/rodillas hacia arriba. Over the shoulder: Se toma sobre el hombro del sujeto A hacia el B. Medium close-up: Es el punto medio entre medium shot y close up. Muestra reacciones o expresiones en el actor. Close-up: Muestra poco background y se concentra en la cara y el detalle de la escena, esta toma magnifica la importancia del dialogo ya sea en papel o hablado. Usualmente es una toma muy intima. Extreme close-up: Es la versión extrema del close up, utilizado para magnificar la realidad mas haya de lo que el ojo humano puede ver.
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Grabar usando cámara réflex
Se puede grabar con una réflex?
•Una cámara Réflex ofrece la posibilidad de grabar en HD y full Frame HD. •Muchos profesionales escépticos con su uso para video, ya que las características para video son muy diferentes a las de imagen fija . •El modo de video fue bien aceptado y tanto camarógrafos, fotógrafos y artistas las adoptaron.
Una réflex capas de grabar? •Cuando el video se comenzó aplicar a las réflex la reacción fue negativa. •Ya que el usuario de Réflex es un fotógrafo no un camarógrafo, con un perfil difícil de convencer. •Problemas con el usuario: •Imagen fija, encuadre fotográfico y ajustar exposición controlando parámetros. •El video en cámaras de fotos estaba dirigido para aficionados, grabar vacaciones o eventos no para crear productos audiovisuales con fines mas haya del entretenimiento propio.
Diferencias entre réflex y video
•Cámara de video: creada para filmar, ergonomía creada para filmar imágenes continuas, opciones para tratar la imagen mas adaptada en movimiento (estabilizador, enfoque automático, balance, exposición,) •Formato para filmar video en digital y film, control de audio interno. •Réflex: destinada para captar imagen fija, acceso rápido a todos los ajustes de exposición. Visor de macro y pantalla. •Lentes intercambiables para profundidad de campo o variable del objetivo.
Adaptación de la réflex
•Su sensor (APS-C o Full Frame) y la posibilidad de encuadrar directamente sobre la pantalla fue la clave de su aceptación, algo que una cámara de video cuenta a precio muy alto. •Mejor calidad por menor precio en relación a imagen. •Practicidad y versatilidad en un dispositivo. •Nitidez en la imagen y mejor control con los diferentes objetivos. •El videasta encuentra la cámara réflex lo que buscaba desde hace mucho obtener, un contraste y una saturación muy parecida a cine.
Lentes intercambiables
•Los lentes de las cámaras réflex son muy diferentes a los de las cámaras de video. •Los objetivos mas especializados ofrecen una calidad inigualable. •Gran apertura (F/1.2 a f/2.8) zoom a apertura constante, distancia focal larga, estabilización óptica eficaz, buen picado con detalles finos …. •Zooms con la habilidad de ir de gran angular a teleobjetivo. •Gran Angulo para paisaje, teleobjetivo para animalista, estándar para retrato….
Principal problema
•Hacer que el sujeto se vea nítido y el fondo borroso es el efecto estético favorito de fotógrafos y videastas. •Debido a su sensor pequeño su óptica se abre menos, la cámara no logra siempre obtener una pequeña profundidad de campo. •Se tiene que aumentar zoom y que el sujeto este mas cerca de la toma para lograr este efecto. •Solución utilizar un objetivo mini 35 o el pro 35 o edición.
Configuración manual
•La réflex no es una videocámara. •Réflex no ofrece un enfoque automático en video. •Ejemplo: Al filmar un documental o un reportaje, donde la cámara debe seguir rápidamente la acción el uso del visor de la réflex es mas difícil y la disminución de la profundidad de campo se distorsiona rápidamente la nitidez.
Enfocar
•Al ser pequeña la pantalla, habrá que aumentar el zoom en la imagen sobre el sujeto filmado, luego ajustar el enfoque. Disminuir el zoom para hacer el encuadre. •Problema si el sujeto se mueve no se puede verificar el enfoque haciendo zoom durante la grabación. •Usar lupa de visor sobre la pantalla, permite aislar la luz exterior y ver la imagen mas grande, además de ofrecer un punto de apoyo suplementario cuando se observa a través del visor. •Conectar a un monitor. •Ejemplo: conectar a una pantalla entre 7” a 10” al dispositivo, así se tiene una imagen directa del objetivo filmado, el problema es el costo ya que la pantalla tiene que ser de alta calidad y con conexión HDMI.
Un Control difícil
•Contrariamente a las cámaras de video, Réflex no tienen un estabilizador integrado. Por lo tanto, los temblores de la mano se pueden sentir, sin un tripié y sin un estabilizador los videos son captados con movimiento. •Con la experiencia las vibraciones serán menos, especialmente cuando se enfoca y se filma al mismo tiempo. •Existen accesorios para evitarlo como el mono tripié o steadycam. •El problema es el elevado costo de estos equipos de filmación.
Cual elegir?
•Voy a tomar a tomar fotos? Estoy dispuesto a utilizar un equipo voluminoso para filmar? Si la respuesta es no entonces no convendrá una réflex. •Pero si se quiere filmar y tomar fotos y no importa el volumen del equipo, la cámara réflex es una buena opción para los videastas. •Estética de la imagen indiscutible, contraste y textura propias de la fotografía en video. •Control de todos los parámetros de exposición.
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Eje narrativo
Que es el eje narrativo
•Se llama así al hilo conductor de los sucesos y sus protagonistas. •En una novela se suma otras historias pequeñas y otros personajes pero el tema principal no se abandona hasta el final de la obra. Lo demás completa y enriquece el texto pero todo ayuda a construir la historia principal.
Particularidades de la narración fílmica
•La narración fílmica reposa grandemente en la muestra de los hechos, apela mas a la percepción audiovisual directa que a la evocación imaginativa de la palabra. •Se presta mas a la acción y sobre todo a la acción interactiva entre personajes. •Tiene dificultades para la presentación de los estados interiores, para jugar con los matices evocativos de la palabra hablada.
La acción
•Son presentadas azarosamente y organizadas en diferentes modelos de causalidad que son formas de interpretar el mundo o la vida. •Modelo Reuter: se centra en las acciones mismas. •Esquema de Greimas: se centra en los personajes.
Esquema actancial
•Greimas propone seis categorías fundamentales de acción desencadenadas por los actores. •Estas categorías se denominan “actantes” en base a ellas, elabora un modelo actancial para explicar las relaciones que estos actantes contraen en todo relato. •La noción del actante esta en función del diseño de la acción por lo tanto puede ser desempeñada por persona/animados u objetos.
A) sujeto y objeto unido por el eje del deseo “querer”, así en todo relato, tenemos primariamente alguien, un héroe o una heroína que busca algo o alguien.
B) roles del Destinador y destinatario, unidos por el eje de la comunicación o del saber. El Destinador es quien encomienda o posibilita la búsqueda. El destinatario es el beneficiario ultimo del éxito. C) pareja secundaria sirve como dinamismo para expandir y complejizar la acción. ayudante y oponente unida por el eje del poder. Los ayudantes y ponentes facilitan o dificultan, respectivamente, el éxito de la búsqueda del sujeto.
El tiempo
•El tiempo de las acciones es representada en una narración que también opera en el tiempo. •Tiempo significante es el tiempo de la narración •Tiempo significado el tiempo “original” de las acciones representadas. •Entre estos niveles puede existir coincidencias “linealidad” o discontinuidad “asincronicidades”
Asincronicidades
•La forma mas usual es el “Flash–Back” o retroceso en el tiempo. •“Flash Forward” (ir al futuro) •Tiempo circular: se comienza donde se termina. •In–Media–Res: comienzo de la acción a media de la trama. •Historia paralelas: Fluye mas de una línea narrativa.
Narrador y el punto de vista
•En el cine la imagen habla por ella misma no necesita ser hablada. •Existe “voz en Off” la voz no procede de un protagonista de la acción representada. En contados casos, sin embargo podemos encontrar a un personaje que habla directamente a la cámara. •Todo film construye un narrador implícito, que es el punto de vista desde donde se percibe la acción. Este no será un narrador verbal, sino visual.
Relato hollywood
•Busca la ilusión de realidad, de transparencia. •La acción fluye desde las motivaciones y deseos de personajes con metas claras y definidas. Las acciones son consonantes de sus deseos. •El final debe desencadenar en algo no ambiguo, donde se resuelven los conflictos y las tensiones planteados durante el discurso. •La percepción de los hechos, se combinan miradas objetivas y subjetivas, pero al final el espectador puede establecer la verdad
Otras narrativas
•Realismo: establece que hay un punto de vista desde donde se puede representar objetivamente la realidad. •Individualismo: estable que el eje de la vida e interacción social son los individuos. •Cine ruso: Los agentes de acción no son individuos sino situaciones. •Cine francés: La objetividad de la imagen es siempre una ilusión, determinada por deseos e intereses.
Cine documental
•No todo el cine es narrativo, esto es documentar la realidad de asumirla o relacionarla con la ficción. •Cine no-ficcional o cine no-narrativo, es conocido como cine documental. •Genero abierto que permite interacciones con otras formas de organizar el discurso: el reportaje periodístico y el argumento ideológico.
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Grabar audio en DSLR
Problemas
•La calidad de audio es muy mala. •Los pre amplificadores de la cámara son muy ruidosos. •En muchos modelos no tenemos control de los niveles de audio. •No tienen entradas XLR de micrófono. •Cuentan con un solo circuito de ganancia automática (AGC). •El movimiento del lente es muy ruidoso.
Solución
•Grabar a doble sistema utilizando una grabadora externa. •En cámara tener un micrófono de referencia ya que el interno registra cualquier movimiento. •Conocer el posicionamiento de los micrófonos. •Llevar registro sobre las tomas.
Como sincronizar el audio
•Usar una claqueta o CLAPER. •Referencia en la toma ejemplo: escena dos, toma dos, acción!. •Sincronizar el audio en pos - producción. •Tener siempre de referencia el audio de la cámara directo.
Recomendaciones
•Grabar siempre en un lugar donde no haya mucho ruido. •Un buen posicionamiento del micrófono. (elemental) •Silencio en set solo el actor y la escena tienen que escucharse. •Revisar el audio una ves grabado. •Tener en cuenta la necesidad siempre de ADR (Aditional Audio Recorded).
Tips de Microfoneo o microfonear
•Al momento de grabar es importante tener la ubicación del actor dentro del set y estudiar el sonido ambiental de la locación. •Revisar baterías y tarjetas de memoria de los equipos. •Posicionar el micrófono cercano al a fuente y buscando grabar con la mejor calidad posible. •Seleccionar entre micrófono sobre el actor o micrófono ambiental.
Microfoneo distante
•El microfoneo distante se refiere al posicionamiento de uno o más micrófonos, a un metro o más de la fuente sonora. Esta técnica cumple dos funciones: - Ubica el micrófono a una distancia a la cual el instrumento o ensamble es tomado de manera tal que preserva su balance tonal general. - Ubica el micrófono a una distancia a la cual el ambiente acústico está incluido y combinado con la señal directa de la fuente sonora.
•Utilizado generalmente para una orquesta o en una sala de ambiente acústico •Desventaja es la existencia de una mala acústica se tendrá un diseño pobre.
Microfoneo cercano
•Una distancia de entre 25mm y 1m de la fuente •Crear una calidad de sonido clara y presente e Independizar el instrumento del medio ambiente acústico. •Aunque el microfoneo cercano ofrece varias ventajas, un micrófono debería ser ubicado tan cerca como sea necesario, y no tan cerca como sea posible. •Trabajando con distancias tan pequeñas, mover el micrófono sólo unos pocos centímetros puede cambiar el balance tonal de manera drástica. •Si este instrumento es tomado desde muy cerca, sonaría demasiado presente y fuera del contexto del microfoneo distante.
Microfoneo ambiental
•Cuando un micrófono es ubicado a una distancia tal, que el campo reverberante o sonido de la sala predomina sobre el sonido directo, ese micrófono se conoce como micrófono ambiental. •Un micrófono ambiental puede ser utilizado básicamente en tres situaciones: •En una grabación en vivo, pueden ser ubicados en la sala para agregar la reverberación natural que se pierde con el microfoneo cerrado. •En una grabación en vivo, pueden ubicarse sobre la audiencia para captar sus reacciones y los aplausos. •En una grabación de estudio, pueden ser empleados para añadir la acústica del estudio al sonido grabado. El microfoneo ambiental, utilizado como efecto, puede agregar profundidad al sonido.
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Cámara en mano
¿Cuándo es conveniente? •Filmar sin trípode, carro de tráveling o grúa puede sonar un tanto casero, pero ciertamente no lo es. •Si prestamos atención, muchas películas dejaron de lado la “suavidad” de los movimientos para romper con la estabilidad de los espectadores. •La película de Daniel Burman protagonizada por Antonio Gasalla y Graciela Borges, Muestra la relación amor – odio entre dos hermanos muy diferentes entre sí. •En Rescatando al Soldado Ryan, las escenas de acción suelen realizarse con cámara en mano para integrar al espectador en la adrenalina del cuadro provocando vértigo y desesperación. Al comienzo de la película, el director Steven Spielberg revive el desembarco de Normandía. •En Blair Witch Project, la cámara en mano genera un efecto rústico o casero que permite dar veracidad al testimonio de los actores. La saga Actividad Paranormal también aplicó éste recurso para la realización de sus películas. TIPS PARA TENER EN CUENTA A LA HORA DE FIRLMAR CON CÁMARA EN MANO •Los movimientos no deben distraer la atención de lo que está ocurriendo. •Debe estar justificado: su uso excesivo resulta molesto para el espectador. •El espectador debe mantener la ilusión de realidad y no darse cuenta de los movimientos. •Es recomendable utilizar éste recurso a lo largo de un plano secuencia. Si se lo combina con otros planos “estables” parecerá desprolijo.
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La regla de 180˚
En una grabación o filmación es insoportable escuchar a los camarógrafos, técnicos o hasta al script decir “¿pero eso no sería saltar el eje?”, “Pero ahí estas rompiendo los 180 grados amigo”, “El plano me gusta pero sería saltar el eje, colócate de este lado mejor”.
Probablemente de las primeras cosas que aprendes en las escuelas de cine es “la regla de los 180 grados”, esta regla lo que implica es que deberías crear una línea imaginaria y la cámara no debería cruzarla, de manera que tienes 180 grados para colocar y mover libremente la cámara, y nunca saltar al otro lado de la línea imaginaria porque desubicas al espectador, a menos que un movimiento de cámara lo sugiera.
En términos más sencillos aún, permanece en esta mitad del Set y no se te ocurra pasar al lado oscuro.
El realidad si tienes una simple escena de un dialogo de 2 sujetos con planos “Por encima del hombro (OTS)”, esta regla es bastante acertada, pero en muchas ocasiones la regla de 180 grados simplemente no aplica, sobre todo en planos secuencias, en algunas escenas en exteriores, escenas con movimiento del sujeto o simplemente donde desees incomodar o desubicar a la audiencia. Muchas películas no respetan esta regla, sobre todo los directores mas arriesgados e interesantes como:
Terry Gilliam – 12 Monkeys
Stanley Kubrick – The Shinning
Hermanos Wachosky – The Matrix
Lans Von Trier – Todas sus películas
Ridley Scott – Aliens
Martin Scorsese – Raging Bull
Hay que tener en cuenta que la regla de 180 grados es solo una guía para cuando comienzas como videografo o cineasta, una vez que conoces este principio no te preocupes por reglas ni ejes ni nada, simplemente cuenta tu historia de la manera mas interesante posible.
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Grabar usando cámara réflex
Se puede grabar con una réflex?
•Una cámara Réflex ofrece la posibilidad de grabar en HD y full Frame HD. •Muchos profesionales escépticos con su uso para video, ya que las características para video son muy diferentes a las de imagen fija . •El modo de video fue bien aceptado y tanto camarógrafos, fotógrafos y artistas las adoptaron.
Una réflex capas de grabar? •Cuando el video se comenzó aplicar a las réflex la reacción fue negativa. •Ya que el usuario de Réflex es un fotógrafo no un camarógrafo, con un perfil difícil de convencer. •Problemas con el usuario: •Imagen fija, encuadre fotográfico y ajustar exposición controlando parámetros. •El video en cámaras de fotos estaba dirigido para aficionados, grabar vacaciones o eventos no para crear productos audiovisuales con fines mas haya del entretenimiento propio.
Diferencias entre réflex y video
•Cámara de video: creada para filmar, ergonomía creada para filmar imágenes continuas, opciones para tratar la imagen mas adaptada en movimiento (estabilizador, enfoque automático, balance, exposición,) •Formato para filmar video en digital y film, control de audio interno. •Réflex: destinada para captar imagen fija, acceso rápido a todos los ajustes de exposición. Visor de macro y pantalla. •Lentes intercambiables para profundidad de campo o variable del objetivo.
Adaptación de la réflex
•Su sensor (APS-C o Full Frame) y la posibilidad de encuadrar directamente sobre la pantalla fue la clave de su aceptación, algo que una cámara de video cuenta a precio muy alto. •Mejor calidad por menor precio en relación a imagen. •Practicidad y versatilidad en un dispositivo. •Nitidez en la imagen y mejor control con los diferentes objetivos. •El videasta encuentra la cámara réflex lo que buscaba desde hace mucho obtener, un contraste y una saturación muy parecida a cine.
Lentes intercambiables
•Los lentes de las cámaras réflex son muy diferentes a los de las cámaras de video. •Los objetivos mas especializados ofrecen una calidad inigualable. •Gran apertura (F/1.2 a f/2.8) zoom a apertura constante, distancia focal larga, estabilización óptica eficaz, buen picado con detalles finos …. •Zooms con la habilidad de ir de gran angular a teleobjetivo. •Gran Angulo para paisaje, teleobjetivo para animalista, estándar para retrato….
Principal problema
•Hacer que el sujeto se vea nítido y el fondo borroso es el efecto estético favorito de fotógrafos y videastas. •Debido a su sensor pequeño su óptica se abre menos, la cámara no logra siempre obtener una pequeña profundidad de campo. •Se tiene que aumentar zoom y que el sujeto este mas cerca de la toma para lograr este efecto. •Solución utilizar un objetivo mini 35 o el pro 35 o edición.
Configuración manual
•La réflex no es una videocámara. •Réflex no ofrece un enfoque automático en video. •Ejemplo: Al filmar un documental o un reportaje, donde la cámara debe seguir rápidamente la acción el uso del visor de la réflex es mas difícil y la disminución de la profundidad de campo se distorsiona rápidamente la nitidez.
Enfocar
•Al ser pequeña la pantalla, habrá que aumentar el zoom en la imagen sobre el sujeto filmado, luego ajustar el enfoque. Disminuir el zoom para hacer el encuadre. •Problema si el sujeto se mueve no se puede verificar el enfoque haciendo zoom durante la grabación. •Usar lupa de visor sobre la pantalla, permite aislar la luz exterior y ver la imagen mas grande, además de ofrecer un punto de apoyo suplementario cuando se observa a través del visor. •Conectar a un monitor. •Ejemplo: conectar a una pantalla entre 7” a 10” al dispositivo, así se tiene una imagen directa del objetivo filmado, el problema es el costo ya que la pantalla tiene que ser de alta calidad y con conexión HDMI.
Un Control difícil
•Contrariamente a las cámaras de video, Réflex no tienen un estabilizador integrado. Por lo tanto, los temblores de la mano se pueden sentir, sin un tripié y sin un estabilizador los videos son captados con movimiento. •Con la experiencia las vibraciones serán menos, especialmente cuando se enfoca y se filma al mismo tiempo. •Existen accesorios para evitarlo como el mono tripié o steadycam. •El problema es el elevado costo de estos equipos de filmación.
Cual elegir?
•Voy a tomar a tomar fotos? Estoy dispuesto a utilizar un equipo voluminoso para filmar? Si la respuesta es no entonces no convendrá una réflex. •Pero si se quiere filmar y tomar fotos y no importa el volumen del equipo, la cámara réflex es una buena opción para los videastas. •Estética de la imagen indiscutible, contraste y textura propias de la fotografía en video. •Control de todos los parámetros de exposición.
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Historia del cine
EL teatro de las sombras
•Proveniente del continente asiático •Se trata de un arte que combina la mitología y la religión con la tradición popular. •Invocar un mundo mágico entre lo etéreo e intangible. •La palabra «sombra» tiene también el sentido de alma, espíritu, de muerto. •La expresión «el reino de las sombras» se utiliza para hablar de la residencia de los antepasados, de los difuntos. Se encuentra a medio camino de la vida terrenal y del más allá, entre la luz y la oscuridad. •En occidente los protagonista eran identificados por el espectador y tenían un tomo mas humorístico.
Evolución de las sombras
•Siglo XIX se crean los teatrillos para niños con figuras mediante la sombras de las manos
Linterna mágica
•XVIII se crea la linterna mágica. •Mecanismos de una caja, con lentillas donde se coloca una fuente de luz que proyecta la imagen. •Su evolución fue rápida, creando placas de vidrio, linternas mas avanzadas para su uso en teatros o funciones privadas.
Los juguetes de óptica
•El Taumatropo: consiste en un circulo o rectángulo de cartón dibujado por ambas caras y sujeto a los extremos de manera que si se hace girar rápidamente se crea una tercera imagen. •Zootropo: Los dibujos se situaban en unas bandas de papel longitudinal y se colocaban en el interior de un tambor de metal con ranuras verticales dando la sensación del movimiento continuo de la imagen.
Comienzo del cine
•Paris 28 de diciembre de 1895 los hermanos Louis y Auguste Lumiere realizaron la primera proyección publica de imágenes en movimiento
El cinematógrafo
•El particular invento fue distribuido por todo el mundo, a través de la compra de la patente, o bien mediante la copia del artilugio. •La maquina: impresionaba la película, proyectaba la cinta y funcionaba accionando una manivela que arrastraba el filme a 15 imágenes por segundo
Le France
•Los primeros temas comenzaron aburrir por sus escenas reales y cotidianas, pronto surgió la fantasía, la ficción, los efectos especiales. •George Melies: Pasa a la historia como el creador del cine como espectáculo. Sus historias tienen argumento. Es el inventor de los efectos especiales.
La caída de Francia.
•En Francia, metida de lleno en la Primera Guerra, dejaron de producirse películas entre 1914 y 1918, hecho que aprovecharon los norteamericanos para hacerse con la hegemonía del cine. •El cine como negocio se creo en una poderosa industria “Hollywood” se conformo como la elite del a producción, distribución y exhibición. •En los años 30, se comenzaron a forjar la personalidad del cine Hollywoodiense. •El “star system” o el cine de géneros respondía a lo que el público reclamaba, historias fácilmente reconocibles, atractivas y con el magnetismo que aportaban las glamorosas estrellas cinematográficas. •Emergen estrellas como: Charles Chaplin, Buster Keaton, Harold Lloyd o Rodolfo Valentino. •En esta década de los veinte, marcada por la calidad de muchas de las producciones realizadas, se aprecia un notable cuidado en la “imagen”. •“que se quiere transmitir al espectador”
El sindicato
•LA United Artist (UA) fue fundada el 5 de febrero 1919 por cuatro grandes de Hollywood: Charles Chaplin, Douglas Fairbanks, Mary Pickford y David Wark Grifith. •El motivo era desafiar el poder de los grandes estudios de la época.
David w. Grifith
•Creador del modelo americano de representación cinematográfica (o montaje invisible) por lo que fue llamado. •“El padre del cine moderno” •Algunas de las películas rodadas durante las tres primeras décadas marcaron inexorablemente la evolución del lenguaje cinematográfico.
Europa 20
•Se caracterizaron por su experimentación y reivindicando el cine como arte. •Algunos de los carteles eran creados por los artistas plásticos de la época, la influencia del expresionismo alemán.
Rusia
•Cineastas rusos de esta época Kulechov, Vertov, Pudovkin y Einsenstein. •En los 20, Einsenstein alcanzo extraordinarios éxitos y produjo una serie de obras maestras. •El Acorazado Potemkin es considerada una de las películas propagandísticas mas influyentes de todos los tiempos.
El sonido y el color en el cine
•Los espectadores podían entender mejor las historias y potencio, por lo tanto, la importancia de los guionistas en la industria del cine. •El cine norteamericano muchos actores de origen extranjero vieron reducidas sus posibilidades de triunfar. •Los estudios se vieron obligados a realizar grandes inversiones para adaptarse al registro del sonido.
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Movimientos de cámara
Encuadre: Se llama encuadre a la selección de la realidad que realiza el fotógrafo o el operador de cámara. Según la situación en que se coloque la cámara, distancia o ángulo de mira, la selección realizada.
MOVIMIENTOS
PANEO: Giro de la cámara sobre su eje de izquierda a derecha. PAN RIGHT: Paneo a la derecha. PAN LEFT: Paneo a la izquierda. TILT: Es el movimiento de la cámara de abajo hacia arriba o de arriba hacia abajo sobre su eje. TILT UP: Hacia arriba. TILT DOWN: Hacia abajo. TRAVEL: Consiste en desplazar el transporte con la cámara horizontalmente y en línea recta, puede hacerse hacia la derecha o izquierda. TRAVEL LEFT: Hacia la izquierda. TRAVEL RIGHT: Hacia la derecha. TRAVELING: Es el desplazamiento del transporte con la cámara sin dirección definida. DOLLY: La cámara con su transporte se desplazan hacia delante o hacia atrás, en línea recta. DOLLY IN: Desplazamiento hacia delante.
DOLLY OUT O DOLLY BACK: Desplazamiento hacia atrás. PEDESTAL: Es el movimiento de elevar la cámara por medio del pistón del transporte. PEDESTAL UP: Elevar la cámara. PEDESTAL DOWN: Bajar la cámara. ZOOM: Aunque no es un verdadero movimiento de cámaras, se le considera como tal, pero en realidad es el cambio de distancia que se hace por medio de la lente. ZOOM IN: Acercamiento óptico del objeto. ZOOM OUT: Alejamiento óptico del objeto. ANGULACIONES
Normal o neutro: El ángulo de la cámara es paralelo al suelo y se encuentra a la altura de los ojos o, en caso de ser un objeto, a su altura media. Picado: es una angulación oblicua superior, es decir, por encima de la altura de los ojos o la altura media del objeto y está orientada ligeramente hacia el suelo. Contrapicado: Opuesto al picado. Suele representar un personaje psíquicamente fuerte, dominante o superior. Nadir: La cámara se sitúa completamente por debajo del personaje, en un ángulo perpendicular al suelo. Cenital: La cámara se sitúa completamente por encima del personaje, en un ángulo también perpendicular. Plano holandés: Cuando la cámara está ligeramente inclinada, por lo regular a un ángulo de 45 grados. Esto demuestra inestabilidad. Subjetiva: La cámara nos muestra lo que el personaje está viendo, es decir, toma por un momento la visión en primera persona del personaje. Semisubjetiva: La cámara nos muestra parte del personaje (Generalmente desde detrás de este) además de lo que está viendo. Lateral: La cámara se encuentra a 90º grados mostrando una vista "de lado", muchas veces utilizado como plano subjetivo. Plano americano: Se toma de la cintura hacia abajo mostrando a lo que el personaje ve en segundo plano.
ENCUADRES
Extreme long shot XLS: Se toma desde mas de un cuarto de milla de distancia, usualmente para establecer lugares, edificios o panorámicas. Médium shot MS: Realizado con el sujeto desde las rodillas/cintura hacia arriba, normalmente utilizado en escenas de dialogo, o para mostrar el detalle de la acción. Two shot TS: Contiene a dos personajes en el mismo encuadre tomado de la cintura/rodillas hacia arriba. Over the shoulder: Se toma sobre el hombro del sujeto A hacia el B. Medium close-up: Es el punto medio entre medium shot y close up. Muestra reacciones o expresiones en el actor. Close-up: Muestra poco background y se concentra en la cara y el detalle de la escena, esta toma magnifica la importancia del dialogo ya sea en papel o hablado. Usualmente es una toma muy intima. Extreme close-up: Es la versión extrema del close up, utilizado para magnificar la realidad mas haya de lo que el ojo humano puede ver.
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Profundidad de campo y nitidez
La nitidez es cuando más cerrado el diafragma, mayor deberá ser la nitidez y por lo contrario a más abierto, menos es la nitidez. La mayor nitidez se produce con los diafragmas que están uno o dos pasos más abiertos que el máximo del objetivo.
La profundidad de campo es cuanto más abramos el diafragma, menos profundidad de campo tendremos y viceversa, cuanto más lo cerremos, más profundidad de campo.
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Iluminación
La luz natural proviene del mismo sol y es influida por su paso en la atmósfera. Dependiendo de la hora del día puede dar diferentes matices de intensidad, dirección, dureza y color.
La luz artificial proviene de lámparas, spots y flashes. Se puede controlar los aspectos técnicos para manipular la dirección, color e intensidad.
La luz frontal se halla a espaldas del fotógrafo y de frente al objeto.
La luz lateral es cuando el resplandor baña el sujeto de lado, en torno a los 90 grados con respecto a la línea imaginaria entre el objeto y la cámara.
La contraluz convierte los motivos en siluetas, lo cual puede resultar conveniente para simplificar un tema conocido y lograr su abstracción.
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