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exococina · 6 years ago

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Mis almuerzos con gente alucinante I: Juan Carlos Olaria: El platillo de alioli perseguido por un hombre.

Sostiene la voz en off en los alucinógenos títulos de crédito de El hombre perseguido por un OVNI (Juan Carlos Olaria, 1976) que «el hombre vive apegado a la tierra y en raras ocasiones alza su vista a los cielos». El director tomó prestada la cita de Giordano Bruno, y no seré yo quien le devuelva a las brasas, pero opino que el astrónomo hereje no tuvo en cuenta a los catalanes. El catalán amb els peus plantats a terra camina mirant al cel: los castellers, la sardana, Montserrat, el porró i la calçotada, todo ello íntegramente elevado, bailado, enaltecido, empinado o engullido en pleno ejercicio de alzar la mirada al espacio y más allá. Y no quiero sacudirme la caspa de la barretina enarbolando los símbolos de la catalanidad más ortodoxa. Es que el símil va al pelo para introducir a un cineasta que, por heterodoxo, le ha tocado lidiar con la etiqueta de “el Ed Wood catalán”. Puede que igual que el director de Plan 9 from Outer Space, Olaria se interesara por el cine cuando le regalaron una cámara de 8mm a los doce años. Como su homólogo americano, escribió, produjo, dirigió y co-protagonizó su primera película. También se asemejan en los trucajes pedestres, el presupuesto escaso y en aquello de incluir en sus montajes los metrajes sobrantes de otras películas (en el caso de Olaria, las filmaciones de la NASA que fue a pedir al consulado estadounidense de Barcelona). Y puede también que, como al director de Glen or Glenda, les una el gusto por vestir alguna prenda femenina (cuando, al despedirnos, le elogie sus zapatillas negras con tachuelas plateadas, Olaria me confesará que son un modelo de señora que compró de oferta). Por mucho que tengan en común ambos directores, el sambenito que le compara con “el peor director de la historia del cine” es injusto: de no haber sido rechazado en la Escuela Oficial de Cinematografía de Madrid, quien sabe si sería conocido como “el Ray Harryhausen español” o estaría al nivel de todo un Gil Parrondo.

El hombre perseguido por un OVNI transpira una profunda sensibilidad artística que se manifiesta ya en los créditos, en sus solarizados y virajes de color, así como en los trucajes y ambientes que consiguen capturar el Zeitgeist de aquella Barcelona. Sirva de ejemplo el platillo sobrevolando un bloque de viviendas de Oriol Bohigas, esos que rompieron con la arquitectura monumentalista de posguerra. También en la sabrosa escena del Simca 1000 que los mutantes roban al protagonista (el actor Richard Kolin, nombre artístico de José Coscolín Martínez) flotando en el hiperespacio. Este coche se lanzó con fuerza al mercado español bajo el eslogan “cinco plazas con nervio”, que la picaresca popular enseguida transformó en “El filete del pobre, porque es para cinco, y con nervio”. Olaria lleva más de cinco décadas en la brecha más orillada de un cine insobornable y periférico en todos los sentidos, cuyas tramas son una excusa para recrearse en los trucajes artesanales.

Es un viernes de febrero y el cineasta ha elegido los manteles del Café Padilla, en el 387 de la calle del mismo nombre. Pese al apelativo “café”, el Padilla es una de esas casas de comidas, de menú a 9'90 €, que por fortuna resisten en barrios por romanizar como el Baix Guinardó. En la entrada, un letrero escrito a tiza asegura “Hacemos la mejor tortilla del mundo. Supérala si tienes huevos”.

–Crema de mariscos, por favor, y cordero a la brasa. A mí me gusta bastante hecha. O sea, medio cruda no me va. ¡Y vino tinto! Y un poco de pan.

Yo pido calçots de primero y secundo a Olaria con el cordero y el vino, maridaje bíblico que anticipa cierto regusto a herejía en estos altares del ateo que son todos los bares de bien. Le expongo mis intenciones: componer un retrato suyo a través del placer de comer, beber y hablar de la vida extraterrestre en la cultura popular mientras relajamos los esfínteres del espíritu. Siempre ha habido una amistosa relación entre el diálogo más o menos filosófico y la buena mesa.

–La verdad es que he copiado la idea de este libro.

Saco del bolsillo un ejemplar reeditado por Diario Público de Mis almuerzos con gente inquietante, una colección de entrevistas en restaurantes a personajes de la vida pública, casi todos políticos, editado en 1984.

–Vázquez Montalbán... ¡Me encantaban sus artículos en los periódicos! Coincidía con él en todo. Era muy equilibrado, muy prudente y progre. Veo que entrevista a Carmen Romero, al Duque de Alba, a Fraga... me huelo que esto debe de ser entretenido, mejor que su ficción. Y el título, lo de la gente inquietante, es muy agudo: en vez de llamarles “gente importante” va el tío y les dice “inquietantes”. Porque ya veo que todos son bastante franquistas.

––Es que él respondió a su vez a la idea de otro libro: Mis almuerzos con Gente Importante. Ese lo escribió José Mª Peman, que era muy facha.

–¡Hombre, si era franquista! Además, cuando yo era joven, este tenía la puerta abierta de Televisión Española. Obras de Peman, entrevistas a Peman, todo era Peman.

Decía Peman que «el almuerzo produce la benevolencia» y Olaria es de por sí un hombre bueno, extremadamente afable. Parlanchín y muy cuidadoso en la expresión, tanto en el lenguaje oral como en el no verbal. Unta de misterio cada palabra entornando sus ojillos tras unas gafas futuristas, como talladas a láser. Con frecuencia, alza la vista a los cielos y mueve las manos a lo Bela Lugosi, como intentando atraer o dirigir sus ideas mediante telequinesis. Nos sirven los primeros platos.

–¡Has pedido calçots! Están riquísimos, pero pide guantes de plástico, que se te va a quedar todo negro.

En efecto, me doy cuenta de la incompatibilidad de comer calçots y tomar notas en mi libreta al mismo tiempo. No importa. No traigo preguntas preparadas, tengo buena memoria y mi intención es literaturizar este almuerzo-entrevista sin menoscabo de la veracidad.

–¿Cocinas?

–Intenté cocinar hace ya un tiempo, pero soy un desastre. Ocurre que cuando cocino me entra el hambre. Me pongo nervioso, quiero acabar pronto, empiezo a probar... y para mí es un tormento. Envidio a la gente que tiene paciencia cocinando y se aguantan las ganas de comer. Yo ya me lo comería, ya lo veo acabado. O sea, padezco mucho cocinando. Me pone negro. Ahora tienes que poner sal, ahora el cubito de Avecrem... es todo un trabajo. Así que decidí dejar de cocinar e ir siempre de restaurantes. Me gusta comer lo bueno que cocinan los demás.

–Pues es curioso, porque con los platillos y los trucajes artesanales eres muy paciente.

–Sí, es curioso, porque a mi la cosa manual me va mucho. Pero es que eso no repercute en una sensación como es la del hambre.

Llegan los segundos: dos generosas raciones de cordero a la brasa con su bien de patatas cortadas a mano y alioli. Le comento que me parece que se come muy bien en el Padilla, teniendo en cuenta el precio del menú, que incluye una botella de vino aceptable y café o postre.

–No se come mal, no –contesta.

Me alegra comprobar que, como yo, Olaria es de buen apetito y mejor beber.

–¿Dónde rodaste los exteriores de El hombre perseguido por un OVNI?

–En el Parque del Garraf.

–¿Recuerdas lo que comíais durante el rodaje? ¿Dónde ibais a restauraros?

–Eso es algo que debo agradecer a los Ibáñez, dos hermanos que tenían mucho que ver con el Festival de Sitges. Ayudaban en el festival a su director de aquél entonces, Antonio Ráfales ––que por cierto era franquista– a ir por diferentes países buscando películas de terror para incluirlas en el festival. Ramon Ibáñez, uno de los hermanos, era cocinero además de muy aficionado al cine. Acabábamos un rodaje y Ramon nos decía. «Veníos a Sitges. Al meu restaurant, que menjarem allà!». Se lucía y nos hacía unos platillos fabulosos, tú.

El menú de la Semana Internacional de Cine Fantástico y de Terror de 1976, además de los foráneos pasteles de sangre en competición, incluyó un Mercado del Filme en el Hotel Calípolis, dirigido a profesionales, donde pudieron verse diferentes películas españolas en busca de algún incauto distribuidor extranjero. Fue el caso de El hombre perseguido por un OVNI, junto a otros títulos como Vudú Sangriento (Manuel Caño, 1974), Kilma Reina de las amazonas (Miguel Iglesias, 1975), La maldición de la bestia (Manuel Iglesias, 1975) o La noche de las gaviotas (Amando de Osorio, 1975). El único producto ibérico que consiguió colarse entre las pantallas oficiales del festival fue El jovencito Drácula, de Carlos Benpar. Sin embargo, para su exhibición comercial, se exigió el corte de una sicalíptica secuencia en la que Verónica Miriel y Susana Estrada jugaban a darse mutuamente chocolate con churros con los ojos vendados. Cabe también señalar que la empresa Santiveri, quizá para compensar tanto sang i fetge, repartió ese año productos dietéticos entre la crítica vegetariana.

Cartel del Festival de Sitges de 1976.

–Platillos...

–Sí. Platillos de comer y platillos volantes.

–Hay quien dice que los platillos volantes son solo una de las formas que podrían elegir las entidades que vienen de fuera o de otras dimensiones para manifestarse. Me parece curioso eso de que se presenten así, como mendigando comida desde el cielo... ¿Quizá es que quieren comernos?

–Muy buena la comparación. Muy buena.

–Tú, de hecho, las maquetas las haces a partir de moldes sacados de platos, ¿verdad?

–Sí, aunque para la última película (Se refiere a El hijo del hombre perseguido por un OVNI, la secuela de su primer largometraje que lleva unos años rodando y de la que ya tiene muchas secuencias montadas) ya me había olvidado de cómo había hecho exactamente los OVNIS. Sabía que eran platos pero no recordaba exactamente cómo los había hecho. Pues bien, me encontré con que ahora hay muchos tipos de platos y no todos te dan la forma, la corbatura que tú quieres. Ya no todos pasan por platillos volantes. Después de mucho buscar, los encontré en “los chinos”.

–¿Y en esta nueva película, se come?

–Hay una escena en la que Toni Junyent (el actor protagonista) está dentro del platillo volante, y los alienígenas le dicen «Terrestre, es nuestro huésped. Pídanos lo que quiera, ¿tiene apetito?» A lo que Toni responde «No puedo ocultarlo, espero que no me alimenten con pastillas» y ellos le dicen «Seguro que no» y le invitan a comer. Y en una mesa le sirven paella, bogavante y champán que han preparado ellos, aprendiendo recetas de la Tierra, para satisfacer al invitado. Yo creo que me podrán decir de todo pero, la película, curiosa será.

Olaria nació un día de 1942 en Zaragoza, pero, como podría decir Javier Pérez Andújar en un pregón, esto no importa porque cuando lo hizo era muy pequeño. De padres catalanes, volvieron a Barcelona al poco de nacer y se crió en el barrio del Guinardó. Explica Juan Marsé en Últimas tardes con Teresa que «En los grises años de la posguerra, cuando el estómago vacío y el piojo verde exigían cada día algún sueño que hiciera más soportable la realidad, el Monte Carmelo fue predilecto y fabuloso campo de aventuras de los desarrapados niños de Casa Baró, del Guinardó y de La Salud». Las precoces aventuras fílmicas que Olaria rodaba de niño, con la ayuda de sus amigos, tenían lugar en el Monte Carmelo o la Muntanya Pelada, como se le conoce popularmente por su escasa vegetación. Le pregunto por esa Barcelona gris que buscaba el color en los kioscos, de ¡OVNI! de Curtis Garland y demás bolsilibros de Bruguera. El protagonista de El hombre perseguido por un OVNI es un escritor, en horas bajas, de este tipo de novelas. Las ilustraciones en las portadas de estas publicaciones tenían también mucho en común con el cartel de la película.

¡Ovni! (1976) de Curtis Garland, uno de sus pseudónimos más conocidos de Juan Gallardo Muñoz (Barcelona, 1929-2013).

–¿Cómo recuerdas esos años? ¿Cómo saciabas las hambres, ya fueran de entretenimiento o de ganas de comer?

–Lo que más me inspiraban eran las películas. Cuando vivía mi madre, comíamos siempre en casa. Fue a raíz de su muerte que voy a restaurantes. Recuerdo comidas sencillas y apetitosas. Verdurica con patatas, sopitas... –Nos interrumpen para cantarnos los postres: melón, pudding, flan, macedonia o yogur. Olaria elige la macedonia y yo el flan– ...huevos fritos, costillas con alioli, conejo con alioli. El alioli siempre con mortero, eso nunca lo encontrarás en un restaurante. El alioli hecho a mano es fantástico, no hay color, es una cosa deliciosa.

«¿Van a tomar café?» La camarera no da tregua. Yo pido café solo, Olaria «un cortadito».

–En la posguerra, yo había llegado a comer borrajas, sopa de borrajas. Cuando crecí un poco, ya empezó a reponerse la cosa, pero se pasó hambre. Con el dichoso Plan de Desarrollo de López Rodó empezó a mejorar un poco la cosa, pero antes... todo fueron estrecheces. Mi padre era proletario, comunista, pero en ese momento tuvimos que comportarnos como burgueses. Él tenía buena carrera, era ingeniero, así que no sufrimos la miseria que les tocó a otros. Mi padre fue teniente del ejército republicano, pero curiosamente no le vinieron a buscar, ni necesitó exiliarse. Cuando entraron las tropas en Barcelona, vio entrar a los tanques vestido de uniforme desde su piso de la Gran Vía, con una rabia inmensa. Después, por lo que yo noté, aceptó la derrota. Creyó merecerla por haber perdido, lo cual no quiere decir que renunciara a sus ideas. Muchos años después, ya jubilado, seguía leyendo El Capital de Carlos Marx desde su despacho. Y mira que el El Capital es un rollo de mil pares de huevos, muy complicado de leer. Les debía pasar lo mismo a tantos otros.

Juan O. Olaria, que así se llamaba su señor padre, aparece doblemente acreditado en El hombre perseguido por un OVNI: de un lado ejerció de productor asociado, costeando la película. Del otro, dio vida al flemático Comisario Duran, un tipo de investigador a lo Poirot difícil de asociar al vernáculo y franquista Cuerpo General de Policía.

Apuramos la botella de vino, que nos empieza a chispar.

–Si ahora mismo aterrizara una nave espacial, tripulada por ovninautas hambrientos tras el viaje, sobre la Montaña Pelada o el Parc de les Aigües, ¿adónde les llevarías a comer?

–Hmm... al Botafumeiro o al Rosalert. Eso si les gusta el marisco, claro. En caso que no, a Can Culleretes, que me dejó asombrado. Tienen mucha variedad de platos y, personalmente, me parece mejor que el 4Gats o el 7 Portes, ya ves. En cambio, te dan una dorada muy buena por los restaurantes de la Barceloneta.

Desde luego, Olaria es todo un bon vivant capaz de destinar el mismo presupuesto en una comida que a producir una película. Pero, como si a unos seres que han recorrido una distancia sideral les fueran a importar unas paradas en metro, le replico que esos restaurantes están muy lejos. La primera opción está en Gràcia, la segunda en el Eixample Dret y la tercera en el Gòtic. Le hablo de Can Ginés, una propicia marisquería de su barrio a precios populares.

–¡Bueno, leñe, pues a Can Ginés! Pero pasa una cosa, a lo mejor los extraterrestres bajan y lo que dicen es «¡Quiero un brazo de gitano!» y tú se lo vas a comprar a la mejor pastelería y te dicen «no, no, de ese no...». Y claro, no se los vas a reprochar, a lo mejor en su planeta cuando ven a un gitano... ¡se lo comen!

–O imagínate que tienen forma de cefalópodos, como en La guerra de los mundos de Orson Welles y les das un pulpo a la gallega. Te lo tiran por la cabeza.

–Pues claro, hay que ir con cuidado.

–Alomejor ya lo conocen todo y vienen aquí de turismo gastronómico. Si nos llevan millones de años de ventaja evolutiva, tendrán acceso a TripAdvisor.

–Quizá sí, a lo mejor vienen expresamente a conocer a Ferran Adrià. Aunque no sé si deben tener las mismas antenas parabólicas. A mí lo que me deprime es pensar que todo el Universo sea un desierto, que no haya vida y todo sea polvo y gases. Qué asquerosidad. Ya nos podemos conformar con encontrar unas bacterias. O dinosaurios y aun gracias. Oye, te invito a un chupito, los chupitos los pago yo.

–Camarera, dos chupitos de orujo blanco bien frío, por favor.

Tras casi cuatro horas de agradable sobremesa, nos despediremos al caer la tarde sobre el cruce de las calles Sardenya y Camèlies, entre abrazos y promesas de ir pronto a comer una caldereta de llamàntol a Can Ginés. Como regalo de despedida, Olaria me entregará un DVD con su cortometraje de 1995 Encuentro inesperado. A llegar a casa y reproducirlo, veré lo siguiente: una niña (Ángela Ulloa) se encuentra, in fraganti en la cocina, con un luminoso y pequeño objeto volador que al ser descubierto emprende la huida. Intenta atraparlo sin éxito y al volver a la nevera descubre, entre el tarro de anchoas y un sobre de beicon, un diminuto mensaje: SENTIGK MOLESTAGK, NESEZCITAGK BIANDAS. Lo cual, entre los efluvios de orujo y el poco marciano que yo sé, tardaré en descifrar: Sentimos molestar, necesitábamos viandas.

#olaria #ovni #padilla #cordero #alioli

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hedonismoaudiovisual · 6 years ago

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Un gran espectáculo sobre un artista espectacular

Bohemian Rhapsody: la historia de Freddy Mercury (Bryan Singer, 2018) no es ajena a los lugares comunes de las películas biográficas súper producidas. Recreación de la vida del personaje retratado explotando los aspectos más significativos de su existencia, una trama novelada con conflictos resaltados, protagonistas maniqueos que encarnan el bien o el mal y un punto de vista que reverencia al héroe que da vida al film conforman el discurrir dramático de la obra, sin demasiadas sorpresas desde su contenido. Sin embargo, lo que conmueve, lo que asombra, de esta pieza se arraiga en el despliegue colosal de los recursos cinematográficos y en las actuaciones excepcionales de sus intérpretes con Ramy Malek en un protagónico superlativo.

Singer provine del mundo de los Superhéroes (dirigió varias X-Men y alguna de Superman) y si bien no hay trucajes en Bohemian Rhapsody la atmósfera épica, heroica, para el tratamiento estético de la historia, especialmente en la emoción que transmiten las reproducciones de los recitales, constituye un mérito insoslayable de la película junto con una edición fluida y grácil que potencia el entretenimiento y vuelve atractivo el derrotero de las acciones que se van suscitando. Un gran espectáculo, preocupado por honrar y celebrar a su artista y con un desenlace tan arriesgado como espectacular. Intentar calcar (en duración, en repertorio, en el juego de planos) la mítica presentación de Queen en Wembley era una decisión osada que podía volverse trivial o clisé pero el resultado es prodigioso, mágico, casi metafísico. Una algarabía de recuerdos que vuelven presentes a Freddy y su banda pero no por mera alusión o alegoría. Durante esa media hora, uno siente fascinado que los actores son Queen. Que Malek es Mercury. Magia del cine, arte mimético llevado a la perfección y la sensibilidad de una superproducción que no pierde el alma ni la audacia más allá de sus fines comerciales. Un artista espectacular, con una biopic a su altura.

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Por Gabriel Yurdurukian.

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dannzarcar-blog · 8 years ago

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Berlín, sinfonía de una ciudad (1927)

Bajo la dirección de Walter Ruttman, este film es una obra de arqueología cinematográfica. Aunque no posee diálogos, la sucesión de imágenes así como los trucajes usados por el director, nos permiten conocer las características de la ciudad de Berlín en un ambiente común.

Este film mudo, concebido para ser acompañado por una partitura de Edmund Meisel, estuvo desaparecida durante décadas hasta que se recuperó en 2007. Es de admirar la gran labor estética realizada por Ruttman y sus colaboradores a la hora de filmar la cinta. Podemos ver como la narrativa es enriquecida con variedad de planos, movimientos y encuadres que le dan un toque bastante moderno con relación a la época en la que hizo.

Un aspecto interesante de esta obra, es ver como el director nos muestra en cinco actos los momentos del día y la cotidianidad de la ciudad. Maneja las características del cinema Vérite o cine de realidad. Cada uno de los episodios o actos en los que esta divida esta obra, nos muestra cada uno de los momentos del día, partiendo del tranquilo amanecer hasta lo caótica que puede llegar a ser en horas pico.

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Aunque puede llegar a ser excesivo y agotador, tras ver los primeros actos, siempre hay un detalle adicional que hacen que sea una obra particular. Claramente esta película no serviría de entretenimiento actualmente, debido a todos los aspectos del cine actual al que estamos acostumbrados.

Por otro lado puede resultar atractivo como objeto de análisis y nos aportará si nos situamos ante ella como estudiosos o arqueólogos del cine.

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rudyroth79 · 5 years ago

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Duminică, 13 septembrie 2019, într-o atmosferă incendiară, pe ”stadionul” din cartierul Obor Brăila s-a desfăşurat, puţin spus ”desfăşurat”, meciul de fotbal dintre echipele Pisicoasele şi Zburlitele, în cadrul Cupei Nino Nino. Scorul final a fost de 1-1 în favoarea lui ”Nino Nino”.

Cupa a fost topită imediat, dar imediat, de toţi participanţii la joc, inclusiv părinţii.

Tortul ”Cupa Nino Nino” a rămas o amintire, atât în gustul delicios al frişcăi cu multe fructe, cât şi în bătaia cu frişcă din timpul premierii.

O amintire plăcută care se va duce ca un tăvălug de joc pe drumul nostalgiilor din viaţa copiilor.

Filmuleţul prezent în acest articol, realizat de Lică Barbu, vă redă toată nebunia frumoasă a chiotelor de copii veniţi la un joc inocent, nu ca o obligaţie a activităţilor ”Nino Nino”, ci ca o dorinţă, mereu proaspătă, de a ţopăi fericiţi lăsând pentru o clipă tastele calculatorului, sau vizionările interminabile la filmele cu desene animate. Păi, ce meci de fotbal au jucat toţi membrii grupului ”Nino Nino” e mai ceva ca un film de desene animate!

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Cât de curând, ”Nino Nino” este invitat miercuri, 23 octombrie 2019, ora 16.00, la Casa de Ajutor Reciproc a Pensionarilor ”Ana Aslan” Brăila, mai precis este invitat de către Cenaclul Literar ”Casa Speranţei”.

Pentru acest eveniment, copiii se străduiesc să prezinte un spectacol, să-i spunem ”debut” şi vineri, 18 octombrie 2019, ora 16.00 şi sâmbătă, 19 octombrie 2019, ora 11.00, vor avea loc intense repetiţii atât la momentele artistice aflate în lucru cât şi la cele pe care unii copii le au în repertoriul lor.

Intenţia nu este neapărat ca ”Nino Nino” să prezinte un spectacol, mai e drum lung până la unul de calitate, ci de a se întâlni cu personalităţi culturale brăilene, de a comunica despre carte, despre literatură, într-un cadru specific cultural, adică într-un cenaclu.

Nu se vor pregăti întrebări speciale pe care copiii să le pună scriitorilor şi poeţilor prezenţi. Aşa cum s-au obişnuit la ”Nino Nino”, prin testele-joc pe care Lică Barbu le propune permanent, cât şi la întâlnirile pe care le-au avut cu personalităţi culturale brăilene, membrii grupului artistic vor fi spontani şi inspiraţi, ca de fiecare dată.

Şi chiar nu ne facem fac griji! Mai mult, mă întreb cât de receptivi şi cum vor reuşi să răspundă membrii cenaclului ”Casa Speranţei” în faţa avalanşei de întrebări ale copiilor.

Nino Nino a fost şi este mereu surprinzător în a comunica fără inhibiţii. Libertatea pe care le-o oferă activitatea proiectului ”Zâmbetul uneşte” este exact modul de receptare cât mai intens al copiilor la educaţie şi cunoaştere.

Nu spunem vorbe mari ca să ne lăudăm. E adevărul şi asta se poate dovedi răsfoind această rubrică din revista ”Leviathan” unde puteţi viziona filmuleţele cu copiii de la ”Nino Nino” în care totul este spontan, fără indicaţii de pe margine, fără trucaje.

Într-un cuvânt, ”Nino Nino” înseamnă Libertate. Libertate deplină oferită copiilor.

Depunem eforturi voluntare, absolut gratuit pentru toți copiii înscrişi în acest grup, fără a pune condiţii speciale de participare. Fiecare copil poate veni sau pleca din acest grup oricând. Poarta este deschisă oricărui copil între 7 şi 14 ani.

Copiii sunt cei care dau viaţă grupului ”Nino Nino”, nu noi.

Şi pentru asta le mulţumim, pentru că ne oferă posibilitatea de a ne trezi inimile râzând, pentru că ne lasă să-i iubim necondiţionat, pentru că ne putem regăsi bucuria în ochii lor minunaţi!

Vă aşteptăm la ”Nino Nino”, dragi copii – pofta voastră de zâmbet!

Vezi arhiva Proiect Zâmbetul unește

Pagina Zâmbetul unește

Pagina de facebook a proiectului.

Vezi și: arhiva rubricii Lumea lui Licuță de Lică Barbu

Arhiva rubricii Proză scurtă

Hai, ”Nino Nino!” Duminică, 13 septembrie 2019, într-o atmosferă incendiară, pe ”stadionul” din cartierul Obor Brăila s-a desfăşurat, puţin spus ”desfăşurat”, meciul de fotbal dintre echipele…

#Asociația Culturală Leviathan #Biblioteca Judeţeană ”Panait Istrati” Brăila #Casa de Ajutor Reciproc a Pensionarilor ”Ana Aslan” Brăila #copilărie #cultură #eveniment #fotbal #Lică Barbu #Nino-Nino #Proiect Zâmbetul unește #societas #sport

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locojoc · 7 years ago

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The Picture (2014)

Cine, sudor y lágrimas

Fue en una particularmente aburrida reunión social que Juan Francisco Pineda me invitó a dirigir un video para su clase de ingles. “Solo imagínese a Juan José Betancourt tocando chelo en la mitad de la raqueta mientras ocurre un robo en el edificio principal…” me decía emocionado, posando su mano sobre el hombro del chelista en ciernes. Aquella imagen me cautivó. Decidí aceptar el proyecto sin imaginarme las implicaciones que éste tendría en mi vida.

A la semana siguiente ya habíamos empezado un trabajo de campo. Sin presupuesto alguno, la idea era escribir una historia que calzara perfecto con las locaciones del Gimnasio Moderno, así nos ahorraríamos el trajín de recrear espacios inexistentes. Haciendo un barrido por el edificio principal en busca de objetos dignos de ser robados, nos encontramos con una vitrina llena de medallitas y el cuadro de Don Agustín Nieto Caballero en la muestra principal de la Biblioteca Los Fundadores.Procedimos entonces a pedir permiso para robar alguno de esos elementos (en la ficción de la historia, claro está). Por ser Don Agustín, una figura tan representativa para el Gimnasio Moderno, jamás imaginamos que se nos permitiría tomarla con ese fin. Así que comenzamos preguntando por las medallitas, a lo que obtuvimos un rotundo “NO” por parte del procurador. Nos explicó que abrir aquella vitrina era realmente complicado. La memorabilia exhibida en ella databa de los primeros años del colegio y el paradero de las llaves de las chapas y candaditos de época era un misterio sin solución. Esperando una respuesta un poco mas enfática que la anterior, preguntamos entonces por el cuadro de Don Agustín. Para sorpresa nuestra la respuesta no fue un rotundo “NO”, pero tampoco un rotundo “SÍ.” El procurador nos explicó que debíamos consultarlo con el rector; y cuando lo hicimos el rector, a su vez, nos dijo que debíamos consultarlo con el procurador. Así que terminamos interpretando eso como un “SÍ.”

¿Pero, por qué diablos querrían unos ladrones robarse un cuadro de Don Agustín Nieto Caballero? Fue ahí donde empezamos a replantear los íconos del colegio en función de la película: para nuestra trama, no se trataría del fundador del Gimnasio Moderno, sino de un millonario excéntrico cuyo retrato, realizado por encargo, habría sido donado por el artista a un museo en Cambridge. Obsesionado por recuperar para sí esta obra invaluable, el millonario -interpretado por el profesor de Biología Carlos Arturo Mejía- contrata entonces a dos avezados ladrones de arte para recuperar su retrato.

Afinando la historia, casualmente nos encontramos con la providencial coincidencia de un viaje a Nueva York de los actores principales, con relación a un modelo de Naciones Unidas. Me apresuré entonces a enviar indicaciones precisas para la grabación de una escena introductoria en Central Park. Dicho material fue incorporado consecuentemente en la trama, que los tres amigos de aquella aburrida reunión social habíamos preconcebido; pero finalmente fue Pineda quien lo plasmó todo en un guión preliminar. Armados con este primer guión, procedimos a realizar nuestro segundo trabajo de campo. Fue ahí cuando -viendo las locaciones a la luz del guión- se me ocurrió que los ladrones bien podrían sacar el cuadro del museo, infiltrados como meseros, en un evento programado.

Ya teniendo una vaga claridad sobre cómo quería grabar, procedí a realizar un storyboard de trabajo.Este fue de gran utilidad para definir la planimetría de las escenas y el orden en el cual debían ser grabadas. En esas descubrimos que los ensayos de la Banda de Guerra, limitarían nuestros espacios de grabación a solo los lunes y viernes y, bueno, siempre habría una que otra clase que podíamos “capar”. Por lo tanto, decidimos grabar primero todos aquellos insertos y secuencias que no contemplaban sonido. Seguimos luego, con el rodaje de las pocas escenas de diálogos en locaciones distintas al colegio. Finalmente, grabamos las locuciones en offen el estudio insonorizado de la emisora del colegio. Fue cuando culminamos esta etapa, que iniciamos un ciclo “soporífero” en el que solo podíamos grabar en esos reducidos espacios de la semana que la Banda de Guerra no ensayaba. Este obstáculo comprometió seriamente la continuidad de la narrativa que, a ese paso, jamás pudo estar lista para la revisión del profesor de Inglés, quien cerró el corte de notas y abandonó el colegio de manera definitiva mucho antes de que la película estuviera terminada. Fue ese, sin duda, el momento en el cual deje de hacerles un favor a mis compañeros y ellos terminaron haciéndome el favor a mi, comprometiéndose en la terminación de esa película con la que ya me había obsesionado. Resultaba bastante difícil coordinar a todo el equipo, con horarios tan limitados, mas aún, cuando -como era de esperarse- la motivación ya no era la misma del comienzo. Pero nunca faltó disposición para terminar el cortometraje. Me encerraba durante horas para diseñar planes de trabajo que ayudaran a agilizar el proceso de grabación. Así y todo, podían pasar semanas sin lograr concretar a todos los participantes de una escena. Faltaba mucho por grabar y, en más de una ocasión, me asaltó la tentación de tirar la toalla; pero -al ver todo lo realizado hasta entonces- me obligaba a seguir adelante. Ya me encontraba en un camino sin retorno.

Recuerdo que, tras un intento fallido de grabar la primera escena con “Caturro” (Carlos Arturo Mejía) porque la Banda de Guerra había ahogado los diálogos por completo, logré concertar una nueva cita con él y al resto del equipo para grabar la escena de nuevo. A falta de la locación inicial, terminamos grabando en la oficina del rector. Los resultados fueron mucho mas exitosos de lo esperado. Hicimos una toma que fue un verdadero “cabezazo.” Se trataba de una disolvencia entre la calva de Don Agustín y la del profesor “Caturro.” Aún no sé si el fundido reveló o recreó un increíble parecido entre los dos.

Harto de los los horarios impuestos por la Banda de Guerra, opté por recurso del doblaje. Grabábamos con el ruido de la banda al fondo, procurando que nuestro micrófono captara un registro audible de voz que sirviera luego como referencia para el doblaje en la emisora. Ruido de ambiente, pasos y efectos eran añadidos en postproducción para completar la ilusión. Nos amparamos en ese mismo recurso para grabar la aparición del maestro Leal, quien no hablaba ingles, y fue doblado por mi padre, profesional actor angloparlante. Posteriormente -para dar uniformidad al sonido- doblamos las demás voces en escena, con un efecto de eco, tal como el que se hubiera producido en la iglesia. Así redondeamos el trucaje.

Era una película sobre un robo y habíamos grabado absolutamente todo menos el robo. Tal como lo habíamos planeado en el guión, el golpe se daría en medio de un evento programado. Se trataba de una charla de Friedrich Dïaß van Granaaiyd(Federico Diaz Granados) sobre la Batalla de Waterloo. Pero, como evidentemente el “presupuesto” no contemplaba la contratación de extras, hicimos unas tomas de los asistentes al evento Las líneas de su Mano en su sexta edición. Valiéndonos de ese material de apoyo podríamos, dar la ilusión de que Federico estaba realmente dirigiéndose a una audiencia, aun cuando el auditorio se encontraba vacío.

Por esos días, fue mucho lo que me tocó importunar a Libardo Amaya, el operario de la Biblioteca, para resolver cualquier cantidad de inconvenientes técnicos y logísticos en dicha locación que era, nada mas ni nada menos, la del robo. Como si nuestro cronograma de trabajo se hubiera sincronizado con el académico, el último día de clases del 2013 terminamos el rodaje. Pasé mis vacaciones editando y buscando a la persona idónea para la musicalización de los últimos ocho minutos del cortometraje. Una vez confiado este trabajo al chelista Carlos Pantoja en Popayán, quien tenia experiencia previa en cinematografía, me dediqué a pulir las minucias del sonido. Solo días antes de un concierto pro-excursión, que mi curso había programado, recibí desde Popayán el profesional ensamble musical. Lo incorporé en el cortometraje, como quien añade por fin la última pieza de un rompecabezas. The Pictureera un corto hecho realidad. Con el fin de promocionar la proyección del cortometraje en el día del concierto realice un tráiler, que desde entonces esta disponible en YouTube.

El día del pre-estreno se percibía la expectación del público. Al acercarse el momento de la proyección me encontraba mas ansioso de lo que estaría normalmente si estuviera por salir a escena en una obra de teatro. Vagamente, recuerdo haber dirigido al publico algunas palabras que seguramente ya mencioné en alguna parte de esta narración. Luego las luces y los murmullos se apagaron… la proyección empezó…. Tomé asiento como un espectador más y traté de apreciar con desprendimiento aquellas imágenes que ya había visto tantas veces hasta el cansancio… Experimentaba la extraña sensación de ver en pantalla gigante, tanto los mas infantiles errores como las secuencias mejor logradas… Los escasos veinte minutos del cortometraje se pasaron como un flash. Con el primer despliegue de créditos finales, el público rompió en aplausos, gritos y chiflidos de reconocimiento que retumbaban con la acústica del recinto. A mi paso, camino del escenario, trataba de encontrar en la penumbra rostros conocidos para darme valor, entre quienes se iban poniendo de pie redoblando los aplausos. Cuando las luces volvieron a encenderse las palabras se ahogaron en mi garganta. Solo atiné a responderles con un gesto, lo grato que se sentía el recibir toda esa energía de vuelta, luego de este largo, sufrido y aleccionador año de cine, sudor y lágrimas.

Julian Ospina Córdoba

Revista El Aguilucho No. 235 (2014)

Blood, Sweat and Film (Traducción de Sebastián Ospina)

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hueleapalomitas69 · 7 years ago

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L'insaisissable pickpocket 1908 El escurridizo carterista - Silent Short Film - Segundo de Chomón from Vicente Lacorzana on Vimeo.

L'insaisissable pickpocket 1908 El escurridizo carterista - Silent Short Film - Segundo de Chomón

youtu.be/cKFskleHr6Y

imdb.com/title/tt1802159/combined A pickpocket in a plaid suit is constantly on the run from the police. He doesn't have any trouble evading the cops, as his magic powers can get him out of the tightest situations. Using special effects, the pickpocket can jump into tight suitcases, unravel into a plaid rug, and disappear into thin air, among other things.

filmaffinity.com/es/film668910.html Un fugitivo escapa constantemente de la policía usando su particular predisposición al camuflaje.

fr.wikipedia.org/wiki/L%27Insaisissable_Pickpocket

commons.wikimedia.org/wiki/File:L%27insaisissable_pickpocket_(1908)_-_yt.webm

es.wikipedia.org/wiki/Segundo_de_Chom%C3%B3n Segundo Víctor Aurelio Chomón y Ruiz, conocido como Segundo de Chomón (Teruel, 17 de octubre de 1871-París, 2 de mayo de 1929), fue un cineasta español. Destacó como director pionero del cine mudo y técnico de trucajes en películas como Cabiria (1914), de Giovanni Pastrone —conocido por su seudónimo Piero Fosco—, o Napoleón (1927), de Abel Gance. Frecuentemente comparado con Méliès, por su gran calidad técnica y creatividad fue considerado uno de los grandes hombres del cine de su tiempo, siendo contratado por las más importantes empresas cinematográficas de la época, como la Pathé Frères o la Itala Films.

es.wikipedia.org/wiki/Path%C3%A9 Pathé o Pathé Frères (pronunciación francesa: {pate f???}) es el nombre de varias empresas francesas dedicadas a la industria del cine y discos fonográficos, fundadas y originalmente dirigidas por los hermanos Pathé de Francia.

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erikhbfoto · 7 years ago

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Ensayo comparativo y reflexión sobre la obra cinematográfica de los hermanos Lumiére, Georges Méliès y Edison.

El inicio del cine en el mundo no fue constituido solo por la aportación de una sola persona, desde Marey y de Muybridge los artilugios para lo que legaría a ser el cine y las nuevas necesidades de concebir ciertos aspectos de la realidad en un plano temporal.

El comienzo del cine, tanto en el equipo necesario como en el nuevo lenguaje que se estaba gestando, tal como lo es hoy fue posible a varías personas, en las que destacan hermanos Lumiére, Georges Méliès, y Thomas Alva Edison.

Entre ellos hubo más personas que se dedicaron al cine, entre ellos asociados o los mismos operadores de los Lumiére, entre ellos Dickson, quienes se dedicaron a sus propias películas y a aportar cosas como los primeros trucajes o travelings.

Si bien el cinematografo fue inventado por los hermanos Lumiére, su aportación principal fue justo esa, y el inicio de pequeños momentos de la vida cotidiana que captaba la atención porque nunca se había visto algo así, sin ser dibujos o proyecciones estáticas. El espectáculo se volvió una industria, dedicada a realizar diferentes proyecciones. Sin embargo las tomas no dejaban de ser segmentos de la vida cotidiana, el encanto que podría adquirir el cine llegó hasta que a Georges Méliès se le ocurrió contar una historia.

Georges Méliès fué un director de teatro, y justo eso fue lo que le impulso a interesarse en la narrativa dentro del cuadro que se proyectase. Las historias eran más largas que las de los Lumiére, y más interesantes, el hecho de utilizar trucajes, maquetas, dobles o múltiples exposiciones, el estudio con paredes de vidrio. Muchas mímicas venidas del teatro, especialmente visto en el plano, en donde todos los personajes se amontonan en uno solo.

Por ultimo Edisón, a quien ademas de diversas películas se le atribuye el film en su estructura definitiva, de 35mm que se usó con bastante regularidad. Al igual que inventar otras cosas, como el Kinetoscopio, y junto con Thomas Armat, el inventor del vitascope.

La obra cinematográfica, las aportaciones y las discusiones entre los norteamericanos y los franceses que generaron los diferentes autores forman los primeros pasos del cine moderno, para su transformación en un lenguaje, tanto en el uso del equipo, en los planos, en los trucajes, o en la narración. Las aportaciones y las discusiones entre los norteamericanos y los franceces generaron

Fuentes:

Capítulo II. Los Films de Lumiére y Meliès. Georges Sadoul, Historia del Cine Mundial. Capítulo II. El Primer Estreno del Cine. (La historia de la máquina y del Film). 28 de Diciembre de 1895. Roberto Paolella, Historia del Cine Mudo.

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elojocritico-blog1 · 8 years ago

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La Sinfonía de una gran Ciudad

La Sinfonía de una Gran Ciudad es un documental dirigido por Walter Ruttmann que se estrenó el 23 de septiembre de 1927, en el Tauentzien-Palast y que en poco tiempo impacto mundialmente. La película consta de cinco actos que muestran la vida y el día a día en la ciudad de Berlín así como las actividades y el arte que se vive y hace latente en la ciudad al llegar la noche.

La música de Edmund Meisel armoniza cada uno de los actos aportándole mayor significado a lo que sucede en la ciudad. La excelente fotografía en blanco y negro, utilización de diversos planos y movimientos de cámara hacen que la obra cinematográfica muestre una versión más profunda y personal de las características de la cotidianidad en Berlín.

La película no consta de un actor principal debido a que solo muestra el día y la noche de la ciudad en general. Los cinco actos del documental muestran respectivamente el amanecer de Berlín, como el comercio empieza a abrir sus puertas, la hora en la que Berlín tiene más movimiento, la tarde en los cafés y la noche que se convierte en lugar destinado a la diversión en cabarés y disfrute del deporte como por ejemplo el boxeo. Además muestra a Berlín como paradigma de la modernidad.

Este audiovisual, utiliza la ficción como estrategia narrativa para hacer una radiografía sociológica de Berlín, puesto que la grabación del filme se tomó 15 días y sin embargo la obra lo muestra como si fuese uno solo. La Sinfonía de una Gran ciudad, consta de exactamente 1009 planos o escenas de 1 a 3 segundos aproximadamente para los cuales utiliza un trabajo de montaje por contraste y analogía y trucaje.

Aunque ver esta película actualmente, puede convertirse en una tarea un poco tediosa debido a la repetición de las personas realizando la misma acción o acciones de la cotidianidad, se rescata de sobremanera la excelente labor de montaje teniendo en cuenta el ritmo y musicalización de la película, que en la época, apenas surgía por lo que es considerado como la película más influyente e imitada en este campo. La película Sinfonía de Berlín de Thomas Schad, le hace una continuación a esta famosa película empezando de donde Ritman finalizó, los juegos artificiales estallando.

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miguelmarias · 2 years ago

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Sexto sentido (Nemesio M. Sobrevila, 1926)

Este es el título de una sorprendente película española, realizada y escrita por Nemesio M. Sobrevila, arquitecto vasco que se interesó por el cine y dirigió dos films que no llegaron a estrenarse comercialmente: Sexto sentido (1926) y Al Hollywood madrileño (1927), película esta última que desearíamos ver a toda prisa, dada la insólita modernidad de la primera, cuyo asesor técnico fue Eusebio F. Ardavín.

El Sexto sentido es, ni más ni menos, el cine. Esta película se presenta, por tanto, como una de las primeras reflexiones cinematográficas hechas mediante el cine, posterior al Kino Glaz (Cine-ojo, 1924), de Vertov, pero anterior a The cameraman (El cameraman, 1928), de Keaton, y a Tcheloviek kinoapparatom (El hombre de la cámara, 1929), del mismo Vertov.

El profesor Kamus, de aspecto vagamente stroheimiano (interpretado magistralmente por el pintor y escritor Ricardo Baroja), presenta el cine como un sexto sentido que puede permitir el descubrimiento de la verdad objetiva y decidir así quién tiene razón, si el pesimista León (que lo ve todo negro y se dedica a estudiar con su novia Luisa, desdeñando las diversiones) o el optimista Carlos, cuya novia, Carmen, es bailarina de revista. Las dos parejas nos son presentadas en una ingenua e idílica escena que evoca a Griffith: en un parque, los optimistas bailan ante la mirada severa de los pesimistas.

Carmen promete a Carlos guardar toda la vida, como símbolo del amor que les une, el anillo que le regala, pero su padre, para irse a los toros —su gran pasión—, la obliga a empeñar la preciada joya.

Mientras tanto, León va a ver a Kamus, que le hace una demostración de las posibilidades del cine: "Este ojo extrahumano nos traerá la verdad. Ve más profundamente que nosotros, más grande, más pequeño, más de prisa, más despacio. Lo han prostituido haciéndole ver como nosotros pensamos, pero yo lo dejo solo, libre, y ve con una precisión matemática", dice abrazado a una cámara. Kamus llama a su ayudante (un muchacho que lee "comics" con gran entusiasmo, representando lo que lee, y que recuerda al de La muñeca, 1919, de Lubitsch) y empieza la proyección, de forma que evoca el inicio de Persona. Así, este defensor del cine objetivo, del "cinéma-vérité", de la "candid camera" y del "cine-ojo", va comentando diversos experimentos: trucajes ("una sencilla paradoja óptica"), animación abstracta a lo McLaren ("sinfonía en blanco y negro"), gran panorámica sobre calles y edificios ("éste es el verdadero Madrid, visto sin ninguna deformación literaria"), sobreimpresiones, planos rodados con cámara oculta, etc., todo ello mientras bebe abundantemente y explica la supremacía del cine sobre la literatura. Sin embargo, la objetividad de Kamus empieza a resultar dudosa, pues elige complicados ángulos en contrapicado para filmar a mujeres que suben o bajan escaleras ("y qué cosas he visto sin que ellas se enteraran"). Ante los ojos de León aparece Carmen recibiendo dinero de un señor mayor, y besándole. Después, Kamus le ofrece la visión del "monstruo materno" que es la furibunda progenitora de su ayudante, pero ésta, descontenta de la "verdad científica", apalea a Kamus, mientras éste abraza su botella y exclama "aquí está la verdad, la que no falla".

León dice a Carmen que no volverá a ver a Carlos, y mientras ella llora y recuerda (en breve flashback) su felicidad, el padre ha decidido buscar trabajo y aparece uniformado de portero, dándose grandes aires entre el vecindario (muy El último, de Murnau). León dice a Carlos que él tenía verdad, que todo es negro, y que Carmen le engaña ("conocer es sufrir"). Carlos, incrédulo, va a ver al escayolado y maltrecho Kamus, que les dice que "la verdad irrita a todo el mundo, ya veis los resultados, cada uno prefiere su mentira a la verdad de los otros"), y les proyecta la película: Carlos se da cuenta de que el "amante" es el padre de Carmen, y de que con su pesimismo León deformó el sentido objetivo de las imágenes. Pero Kamus, después de recibir tantos golpes, no quiere saber más: "Buscar la verdad es un desatino, y enseñarla, una locura". Carlos y Carmen se besan, mientras el padre les guiña un ojo y desaparece discretamente.

Esta película, bien fotografiada e interpretada, con un ritmo excelente y una trama compleja, pero claramente narrada, se presenta como una de las mejores que se han hecho en el país, y, dentro del período mudo, supera incluso a la muy notable La aldea maldita (1929), de Florián Rey. Es, por tanto, una película que debería alcanzar la mayor difusión posible, y no permanecer maldita para siempre.

Miguel Marías

Publicado en el nº 97 de Nuestro Cine (mayo de 1970)

#miguel marías #sexto sentido #nemesio m. sobrevila #cine español #cine mudo #cine mudo español #cine silente #1926 #nuestro cine

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miguelmarias · 4 years ago

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Poltergeist (Tobe Hooper, 1982)

Poltergeist (1982) es un film de Steven Spielberg realizado por Tobe Hooper; aunque en su «coda» final, lo menos logrado y original, reaparezca la imaginería truculenta y cadavérica que puede asociarse con la pesadilla titulada The Texas Chain Saw Massacre (La matanza de Texas, (1974), y su sostenida tensión se aproxime más a la de esta película —pobre pero imaginativa— que al ritmo más pesado y remolón de las recientes superproducciones de Spielberg, es a este director, sin duda, al que nos remite el mundo que presenta Poltergeist, y no por casualidad: argumento, guion —en colaboración— y producción son del joven artífice de Jaws (Tiburón, 1975), Close Encounters of the Third Kind (Encuentros en la tercera fase, 1977) o E.T. - The Extra-Terrestrial (1982).

Tenemos, pues, una simpática familia media, de lo más normal que cabe imaginar, confortablemente instalada en una urbanización residencial de California. Tienen una casa agradable, llena de aparatos electrónicos, niños de varia edad, un perro. De pronto empiezan a suceder cosas raras; muy divertidas al principio, más molestas después, pronto inquietantes y, finalmente, horribles, pero siempre inexplicables. Nuestro asombro se ve reforzado por la habilidad de los trucajes: realmente, si algo avanza hoy en el cine son los efectos especiales, que nos hacen ver, sin que se note la trampa, auténticos prodigios; asistimos encantados a esta exhibición de magia y prestidigitación, dispuestos al «más difícil todavía» y totalmente indiferentes a la verosimilitud de lo que sucede: no necesitamos que nos expliquen lo que vemos con nuestros propios ojos, conscientes de que es un truco; es decir, disfrutamos más de la magia que de la representación. No creo que se viesen de otro modo, hacia 1905, las películas de Georges Méliès, y tengo la impresión de que Spielberg, Lucas, Trumbull y otros recientes cineastas americanos parecen empeñados en recuperar la inocencia de los espectadores de aquella época. No son, realmente, narradores o fabuladores —como Walsh, Hawks, Ford o Dwan—, y si recurren a una trama es porque las condiciones de producción, distribución y exhibición actuales requieren un metraje lo bastante largo como para que sea necesario, más que contar una historia, contar con ella como soporte.

Así que más vale no pedir peras al olmo y olvidarse de ella: cuando la magia pasa a primer plano, lo único que suele funcionar es la introducción, la presentación del escenario y los personajes, tan cotidianos y corrientes como sea posible, tan simpáticos como puedan imaginarlos los autores, para que nos sintamos a gusto en su compañía, levemente identificados, «de su parte». De ese modo, los seguiremos en las peripecias a que se vean sometidos; además, esta introducción, a menudo luminosa y en tono de comedia intimista, servirá de contraste a las catástrofes más o menos graves que caerán sobre ellos. Se trata de un mecanismo clásico, que encontramos en Hitchcock (recuérdese Los pájaros), que Polanski conservó (La semilla del diablo) y que el propio Spielberg explotó ingeniosamente en Tiburón. Lo curioso es que, con ser auténticamente maravillosos los variados, divertidos y espeluznantes efectos especiales de Poltergeist, lo más logrado e interesante es el tiempo de planteamiento y espera, cuando aún no ha pasado nada, o no se sabe bien qué, o no es muy terrible o grave, sino simplemente desconcertante. En parte, porque está muy bien rodado, con un prodigioso sentido del ritmo, con mucho humor y con una autenticidad que nada debe al naturalismo, pero, sobre todo, porque los actores —para mí desconocidos, desde luego, no «estelares»— son espléndidos y están dirigidos con una precisión de la que no hubiese creído capaz a Tobe Hooper. En particular, encuentro una absoluta revelación como actriz a la madre, Jobeth Williams, que espero corra mejor suerte que otras prometedoras presencias recientes del cine americano, tan a menudo desaprovechadas.

Miguel Marías

Revista “Casablanca” nº 23, noviembre-1982

#miguel marías #poltergeist #tobe hooper #steven spielberg #casablanca

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hueleapalomitas69 · 7 years ago

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L'iris fantastique 1908 El iris fantástico - Silent Short Film - Segundo de Chomón from Vicente Lacorzana on Vimeo.

L'iris fantastique 1908 El iris fantástico - Silent Short Film - Segundo de Chomón

youtu.be/JdYwBhGyrbk

imdb.com/title/tt0449985/combined This film from Segundo de Chomón looks very old fashioned today and I wonder if this is what audiences also thought in 1912 when it debuted. While this sort of fantasy film would have worked very well in the previous decade, by 1912 more and more films were being made outside in the real world and stagey sets were becoming less and less popular. So, when you see that Segundo has all of the film take place on a stage, it seems like a nod to the past--and the same can be said for most of his film tricks (though the use of water was good for a change of pace). There isn't a lot of story to this one--just pretty girls by 1912's standards moving about with arched backs in various tableaux with a theme of flowers. Not particularly enjoyable when seen today--I do wonder what folks in the day thought of this one.

filmaffinity.com/es/film775273.html Un hada surge de una flor y se une con otras criaturas florales.

filmographie.fondation-jeromeseydoux-pathe.com/10470-iris-fantastique-l

commons.wikimedia.org/wiki/File:L%27iris_fantastique_(1912).ogv

mubi.com/films/liris-fantastique

archive.org/details/LirisFantastique

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hueleapalomitas69 · 7 years ago

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Cauchemar et doux rêves 1908 - Silent Short Film - Segundo de Chomón from Vicente Lacorzana on Vimeo.

Cauchemar et doux rêves 1908 Sweet Dreams Intermingled with Nightmares - Silent Short Film - Segundo de Chomón

youtu.be/c4-qoaTjcew

imdb.com/title/tt0449867/combined

filmaffinity.com/es/film335482.html Una mujer se queda dormida junto a un estanque, y tiene dos sueños. El primero es una pesadilla en la que es atormentada por los trolls. El segundo la lleva a un país de hadas donde es cortejada por un rico cortesano.

archive.org/details/CauchemarEtDouxReves

letterboxd.com/film/sweet-dreams-intermingled-with-nightmares/

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hueleapalomitas69 · 7 years ago

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La maison hantée 1908 La casa embrujada - Silent Short Film - Segundo de Chomón from Vicente Lacorzana on Vimeo.

La maison hantée 1908 La casa embrujada - Silent Short Film - Segundo de Chomón

youtu.be/29bsxv6uFmI

imdb.com/title/tt0449308/combined Three friends go on a trip and decided to rest at an abandoned house. Everything seems pretty normal until really weird things start to happen.

filmaffinity.com/es/film895743.html Refugiándose de la lluvia, un grupo de personas llega a una aislada casa en medio del campo en la que pretenden pasar la noche.

en.wikipedia.org/wiki/The_House_of_Ghosts The House of Ghosts (French: La maison ensorcelée, also known as The Witch House) is a 1908 French short film directed by Segundo de Chomón. The film features stop-motion animation and is considered to be one of the earliest cinematic depictions of a haunted house premise.

es.wikipedia.org/wiki/La_casa_encantada La casa encantada (también conocida como La casa hechizada y en francés La maison ensorcelée) es un cortometraje frances mudo de 1907 dirigido por Segundo de Chomón donde se utiliza la animación de objetos mediante la técnica del paso de manivela. José María Candel Crespo afirma que el éxito en el país galo de la película de 1907 de James Stuart Blackton Haunted hotel fue el motivo de la realización del cortometraje.1 Manuel Rodríguez Bermúdez data el filme de Blackton en abril de 1907, producido en la sucursal de la Vitagraph (de la que era copropietario junto con Albert E. Smith) en París, y titulado L'hôtel hanté: fantasmagorie épouvantable ('El hotel embrujado: fantasmagoría espantosa') que fue comercializado con el nombre de The haunted hotel. Uno de los rasgos más relevantes de esta película es el uso de la técnica del paso de manivela, que había sido inventada y patentada en 1898 por el pionero británico G. A. Smith, aunque en su momento no se le había dado mayor importancia.2 Fernando Martín Peña, sin embargo, señala que Albert Smith y Stuart Blackton inauguraron en Estados Unidos el cine de efectos especiales tras la observación minuciosa de los fotogramas de las películas de Georges Méliès y que, en realidad, Blackton solo perfeccionó en La maison hanté ('La casa encantada') y luego en su copia titulada The haunted hotel ('El hotel embrujado), ambas de 1907, la técnica del paso de manivela (llamada en países anglosajones stop-motion) o animación fotograma a fotograma, que había sido desarrollada anteriormente por Segundo de Chomón.3 El cineasta turolense realizaría, un año más tarde, su película más conocida, basada también en el desarrollo de la técnica del paso de manivela: El hotel eléctrico, que habitualmente había sido datada en 1905

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hueleapalomitas69 · 7 years ago

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1908 - The Electric Hotel 1908 Silent Film Segundo de Chomón - HD - 24p from Vicente Lacorzana on Vimeo.

Hôtel électrique 1908 El hotel eléctrico - Silent Short Film - Segundo de Chomón

youtu.be/EBAZy66n4rA

imdb.com/title/tt0000516/combined According to the rapid strides that electricity is making in this wonderful age we are not surprised to see in this picture an ideal hotel of the future in which everything is done by electricity. We see a couple entering the hostelry and, after registering, the clerk touches a button and away goes the baggage on to the elevator, which stops at the proper floors and the grips enter the room without the aid of anyone. Many amusing incidents follow. Finally they pay the penalty for all the latest improvements, for something goes wrong with the electric plant in the cellar and mixes the whole place up. We see all the furnishings start to turn in all directions and the unfortunate guests find themselves in the midst of the affray. They manage to get to the door and are tumbled out and rolled across the street till out of the reach of the magnetic force, where they pick up their belongings and hurry home, vowing never to enter another electric hotel.

filmaffinity.com/es/film125740.html Una pareja llega a un hotel donde todo funciona mecánicamente. Considerada una de las primeras películas con la técnica del Stop-motion, realizado por uno de los directores más importantes del cine mudo, el español Segundo de Chomón.

es.wikipedia.org/wiki/El_hotel_el%C3%A9ctrico El hotel eléctrico es un cortometraje francés de 1908 dirigido por Segundo de Chomón. Se empleó para este cortometraje el procedimiento del paso de manivela, propio de los primeros años del siglo XX. En los títulos de crédito aparece este rótulo: Primera película en el mundo sirviéndose del sistema de paso de manivela, inventado por Chomón. Posiblemente esta declaración era una frase propagandística, muy habitual en los primeros tiempos del cine para publicitar su producto. El año anterior, James Stuart Blackton (1875-1941) había realizado la película El hotel encantado (The Haunted Hotel, 1907), que había obtenido un rotundo éxito comercial gracias a este procedimiento, por el que se animaban los objetos y cobraban vida propia. La casa Pathé, para la que en ese momento trabajaba Chomón, decidió hacer una versión propia con los mismos ingredientes, y se encargó al aragonés del proyecto. Chomón tuvo que trabajar meticulosamente para imitar y aún superar a la película norteamericana, pues se mejoró la puesta en escena y añadió unos efectos de rayos dibujando sobre el propio fotograma. El resultado fue un éxito aún mayor que el que obtuvo la cinta de Blackton.

en.wikipedia.org/wiki/El_hotel_el%C3%A9ctrico El hotel eléctrico (Spanish: The Electric Hotel) is a 1908 silent Spanish comedy-fantasy film directed by Segundo de Chomón, It was thought to be lost but was later recovered.

archive.org/details/El_Hotel_Electrico_1908

thecult.es/Cine-clasico/el-hotel-electrico-segundo-de-chomon-1908.html

letterboxd.com/film/the-electric-hotel/

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