#compositores argentinos

[golloarchive]

"ARTAUD" (1973), Pescado Rabioso.

Contenido del tercer y último álbum (editado del LP original cuya forma de un octágono irregular resulta cuanto menos llamativa) de Pescado Rabioso: banda liderada por Luis Alberto Spinetta, publicado en octubre de 1973. La agrupación ya se había separado para su lanzamiento, sin embargo, el nombre permaneció y asimismo el crédito a sus compositores (señalados en la tercera imagen acá referida). Este disco es considerado como una de las influencias más importantes de la conformación, desarrollo y expresión del rock argentino.

[moochilatv]

Fito del Rio y La Granja presentan: Espiral

Fito del Rio es un músico, compositor e intérprete habanero, de formación autodidacta.

La base lírica de sus composiciones está apoyada en la cancionística cubana de la Nueva Trova y el Movimiento del Rock Nacional Argentino como referencia. La Granja surge como respuesta al medio social y artístico, dándole contemporaneidad y riqueza tímbrica/rítmica a sus canciones, rompiendo las fronteras genéricas que le circundan. En sus canciones se mezclan elementos como samples, drums pad y loops con la instrumentación clásica de una banda de rock.

Las letras pintan un cuadro vívido de una experiencia emocional y física intensa, llena de movimiento, transformación y conexión. Utilizando metáforas de la naturaleza y el cuerpo humano, el autor transmite un viaje que va desde la desorientación y el caos hasta un momento de conexión profunda y transformación.

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La narrativa fluye como una danza, llevando al oyente a través de un ciclo de desorden y calma, dejando espacio para la interpretación y la reflexión personal sobre las experiencias de cambio y conexión en la vida.

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[waltfrasescazadordepalabras]

-Atahualpa Yupanqui

"Muchos me preguntan por qué me levanto a las cuatro de la mañana desde hace más de 20 años. ¿Sabe por qué elijo esa hora?... Porque el hombre aún no ha empezado a sufrir. A esa hora estoy puro, limpio, en silencio, y escribo mientras la familia duerme. Entonces, todo yo soy una esponja que absorbe. Leo idiomas, gramáticas, filosofía o escribo mis propios asuntos. La noche no me gusta. Quizás porque los fantasmas vienen al anochecer. Con esto quiero decir que los fantasmas vienen después que el hombre sufrió. Y el hombre empieza a sufrir cuando sale a la calle a ganarse el pan de sus hijos... y se topa con el otro hombre. Entonces, recién entonces, comienzan a salir los lobos que cada cual tiene adentro".

-Atahualpa Yupanqui

El 23 de mayo de 1992

Aniversario Luctuoso de Atahualpa Yupanqui

Atahualpa Yupanqui, nombre artístico de Héctor Roberto Chavero, nació el 31 de enero de 1908 en el Campo de la Cruz, Buenos Aires, Argentina. Fue un cantautor, guitarrista, poeta y escritor argentino. Ampliamente considerado como el músico argentino más importante de la historia del folklore. 

Su seudónimo de Atahualpa nació en 1913 durante un trabajo escolar en homenaje al último soberano Inca, y años más tarde le agregó el Yupanqui. La traducción de su nombre significa el que vino de lejanas tierras a contar; derivado de los siguientes términos quechuas: Ata "venir", Hu "de lejos", Alpa "tierra" y Yupanqui "contar". En 1917 se mudó a Tucumán junto a su familia y a los 19 años compuso su popular canción "Camino del indio". Durante su juventud, recorrió gran parte de la Argentina experimentando costumbres y sonidos que luego plasmó en sus composiciones.

Hacia fines de la década de los treinta, realizó sus primeras grabaciones para el sello RCA Víctor, en las que incluyó parte de su propio cancionero. En los años cuarenta, sumó a su actividad como compositor e intérprete la de escritor y publicó el libro Piedra Sola (1941) y la novela Cerro Bayo (1947), en la que se basó el guion de la película Horizontes de Piedra (1956).

En la década del '60 se consolidó en el ámbito internacional, ofreciendo conciertos en Colombia, Japón, Marruecos, Egipto, Israel, España y Francia donde finalmente se estableció. Si bien visitó esporádicamente el país, con el regreso de la democracia presentó varias obras en el famoso café concert y galería La Capilla. A lo largo de su carrera, tocó con innumerables músicos y compartió créditos con grandes compositores grabando más de 1200 canciones y cerca de 300 canciones registradas como propias.

Uno de los dúos más importantes de su carrera fue el que conformó con Pablo del Cerro, seudónimo artístico que utilizaba su esposa, Antonieta Paula Pepín Fitzpatrick, conocida como Nenette.

Don Ata, como era conocido cariñosamente, falleció el 23 de mayo de 1992 en Nimes, Francia. Dos semanas después, el 7 de junio, sus cenizas fueron entregadas a la tierra del Cerro Colorado, provincia de Córdoba.

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¿Quién soy?

Atahualpa Yupanqui

¿Quién soy? Mitad criollo, mitad indio

“Soy un argentino, cantor de artes olvidadas, que se desvela caminando por el mundo, para que los pueblos de la tierra no olviden el mensaje severo y fraternal de los hombres de mi Patria”.

“Yo quisiera expresar la voz de los tres misterios argentinos: el misterio de la pampa, el misterio de la selva, y el misterio de los Andes, del hondo valle, de las montañas donde vagan libremente vicuñas y guanacos, y el cóndor rubrica la historia de los siglos indios sobre la mañana azul del territorio”.

“Amo la naturaleza, amo a Juan Sebastián Bach. Amo al árbol, al viento y al caballo. Y abrigo un anhelo para mí, profundo y soñado: el de sumarme un día a la legión de los Anónimos, sin nombre, sin imagen, sin historia personal. Solo un canto de amor y de paz que el viento lleva hacia un mundo de hermanos”.

-Atahualpa Yupanqui

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Preguntitas Sobre Dios

Atahualpa Yupanqui

Un día, yo pregunté

Abuelo, ¿Dónde está Dios?

Mi abuelo se puso triste

Y nada me respondió

Mi abuelo murió en los campos

Sin rezos, ni confesión

Y lo enterraron los indios

Flauta de caña y tambor

Al tiempo, yo pregunté

Padre, ¿qué sabes de Dios?

Mi padre se puso serio

Y nada me respondió

Mi padre murió en las minas

Sin doctor, ni protección

¡Color de sangre minera

¡Tiene el oro del patrón!

Mi hermano vive en los montes

Y no conoce una flor

Sudor, malaria y serpiente

Es vida del leñador

Y que nadie (nadie) le pregunte

Si sabe dónde está Dios

¡Por su casa no ha pasado

¡Tan importante señor!

Yo canto por los caminos

Y cuando estoy en prisión

Oigo las voces del pueblo

Que canta mejor que yo

Hay un asunto en la tierra

Más importante que Dios

Y es que nadie escupa sangre

Pa' que otro vivo mejor

¿Que Dios vela por los pobres?

Tal vez sí y tal vez no

¡Pero es seguro que almuerza en la mesa del patrón!

Un día, yo pregunté

Abuelo, ¿Dónde está Dios?

Mi abuelo se puso triste

Y nada me respondió

Mi abuelo murió en los campos

Sin rezos, ni confesión

Y lo enterraron los indios

Flauta de caña y tambor

Al tiempo, yo pregunté

Padre, ¿qué sabes de Dios?

Mi padre se puso serio

Y nada me respondió

Mi padre murió en las minas

Sin doctor, ni protección

¡Color de sangre minera

¡Tiene el oro del patrón!

Mi hermano vive en los montes

Y no conoce una flor

Sudor, malaria y serpiente

Es vida del leñador

Y que naidie (nadie) le pregunte

Si sabe dónde está Dios

¡Por su casa no ha pasado

¡Tan importante señor!

Yo canto por los caminos

Y cuando estoy en prisión

Oigo las voces del pueblo

Que canta mejor que yo

Hay un asunto en la tierra

Más importante que Dios

Y es que nadie escupa sangre

Pa' que otra viva mejor

¿Que Dios vela por los pobres?

Tal vez sí y tal vez no

¡Pero es seguro que almuerza en la mesa del patrón!

-Atahualpa Yupanqui

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El Poeta

Atahualpa Yupanqui

Tú piensas que eres distinto

porque te dicen poeta,

y tienes un mundo aparte

más allá de las estrellas.

De tanto mirar la luna

ya nada sabes mirar,

eres como un pobre ciego

que no sabe adónde va...

Vete a mirar los mineros,

los hombres en el trigal,

y cántale a los que luchan

por un pedazo de pan.

Poeta de tiernas rimas,

vete a vivir a la selva,

y aprenderás muchas cosas

del hachero y sus miserias.

Vive junto con el pueblo,

no lo mires desde afuera,

que lo primero es ser hombre,

y lo segundo, poeta.

[trastornadosrevista]

MOTHER MOTHER VUELVE A BUENOS AIRES

Después de su primer desembarco en la edición 2023 de Lollapalooza, la banda volverá a pisar suelo argentino con la gira internacional que acompaña su noveno disco de estudio y que también los llevará a distintas ciudades de América Latina.

Después de haber dado un show contundente en el Lollapalooza el año pasado, Mother Mother vuelve a Buenos Aires el 25 de octubre, con producción de DF Entertainment. La cita será en el C Complejo Art Media y la venta general de entradas comenzará el jueves 18 de abril a las 10:00hs, únicamente a través de la plataforma All Access.

“Nuestros fans en América Latina siempre han sido increíbles con nosotros, en las redes y también cuando hemos tenido la suerte de verlos en persona en Corona Capital o Lollapalooza. Estamos más que emocionados de anunciar estas fechas en octubre, dijo Ryan Guldemond, vocalista, compositor y guitarrista de Mother Mother. “Nos sentimos muy afortunados de contar con el apoyo de nuestros fans y de poder recorrer el mundo haciendo lo que amamos. Tenemos muchas ganas de crear más recuerdos con nuestros fans latinoamericanos”.

La banda conformada por Ryan Guldemond, Molly Guldemond, Ali Siadat, Jasmin Parkin y Mike Young está en un momento de ebullición creativa: acaba de sacar su noveno disco, Grief Chapter, un trabajo muy sólido que se explaya y reflexiona sobre el amor, la pérdida, los duelos y la cualidad fugaz de la vida en doce canciones que despliegan los distintos matices de la banda. Antes de la salida del álbum habían lanzado cuatro singles: "Normalize", una canción dedicada a los fans que según Ryan Guldemond es una forma de decirles que sean ellos mismos; "To My Heart", una canción sobre la sanación de los traumas; "The Matrix", que combina detalles futuristas y oníricos; y "Nobody Escapes”, una meditación sobre el estado del mundo.

Mother Mother se formó en 2005 y tiene varios discos en su haber, pero comenzó a experimentar un resurgimiento significativo en 2020 cuando algunas canciones de su segundo álbum, O My Heart, de 2008, se hicieron virales en TikTok, sumando nuevos fans de todas las edades, y convirtiendo a “Hayloft” y “Verbatim” en verdaderos himnos.

TICKETS A LA VENTA A PARTIR DEL DÍA 18 DE ABRIL A LAS 10 HORAS ÚNICAMENTE A TRAVÉS DE ALLACCESS.

[grupomusic]

Charly García

Carlos Alberto García, más conocido como Charly García, es un músico, cantautor, multinstrumentista, compositor y productor discográfico argentino, considerado una de las figuras más importantes y vanguardistas de la música popular argentina y latinoamericana.

Carlos Alberto García nació en la ciudad de Buenos Aires, el 23 de octubre de 1951, en el seno de una familia de clase media alta, siendo el primogénito de Carmen Moreno y de Carlos Jaime García Lange, un empresario que era dueño de la primera fábrica de formica de la Argentina

En 1967 conoció a Nito Mestre, también alumno del Dámaso Centeno, que formaba parte de la banda The Century Indignation, junto a Carlos "Piraña" Piegari. Hacia la segunda mitad de 1968 ambas bandas se unieron para formar Sui Géneris, un nombre elegido por García para denotar no solo la originalidad musical que ambicionaba, sino también una defensa de lo freak, de lo raro, de lo nerd y del camino propio, frente a los señalamientos peyorativos que él y sus compañeros recibían en aquellos años.

La formación inicial fue un sexteto integrado por Charly (canto, teclados y guitarra), Nito (canto y flauta), Piegari (guitarra), Beto Rodríguez (batería) y Juan Bellia (guitarra), Alejandro Correa (bajo).

De esa época existen cuatro grabaciones de Sui Generis, registradas en dos discos simples de acetato Minisurco, realizadas en 1969 y 1970. el primero de los discos contiene las canciones «De las brumas regresaré», compuesto por Charlie García y Alejandro Correa, y «Escuchando al juglar en silencio», de Correa.​ El segundo disco contiene dos temas pertenecientes a la ópera Teo: «Marina» y «Grita», ambas registradas como pertenecientes a Charly García y Carlos Piegari.

Mientras tanto la banda seguía recorriendo discográficas, sin ningún resultado. León Gieco los invitó a participar en un concierto en el Teatro de Luz y Fuerza. ​Se conocieron, la admiración fue mutua y a partir de allí Gieco y García se convirtieron en «amigos del alma»

A fines de 1971, Charly fue enrolado por el Ejército para cumplir un año de servicio militar obligatorio, una institución por entonces era tradicional, pero que era rechazada por una parte considerable de la juventud, entre ellos quienes habían hecho del pelo largo un símbolo de rebeldía y cambio. Los jóvenes recurrían a los más variados artilugios para «salvarse de la colimba». Charly García no fue la excepción. Luego de ver frustrada su expectativa de salvarse por «número bajo» (en el sorteo preliminar), Charly recurrió a todas las artimañas posibles: recurrir a «acomodos» con funcionarios conocidos por sus padres (que al menos lograron que fuera enviado al regimiento de Campo de Mayo, en el conurbano de Buenos Aires); simular enfermedades y desmayos, físicas y mentales; desobedecer las órdenes; hacerle la vida imposible a los militares; etc. Como resultado de esas simulaciones, fue enviado al Hospital Militar, donde para hacer creíble su «personaje», tomó un frasco de anfetaminas que su madre le había llevado al hospital. La sobredosis le produjo un estado extremo de excitación, que lo hizo pensar que iba a morir. En esas condiciones, escribió de un tirón la canción que se convertiría en su primer éxito masivo apenas unos meses después: «Canción para mi muerte». Un incidente adicional sucedió de manera más o menos simultánea: Charly debía llevar una camilla con un cadáver a la morgue, pero en lugar de ello lo llevó al Casino de Oficiales generando un escándalo. Los militares entonces lo mandaron a su casa y pocos días después lo dieron de baja por padecer «neurosis histérica, personalidad esquizoide». Charly contó en detalle aquella experiencia en «Botas locas»

Finalmente, en febrero de 1973, Sui Generis lanzó su primer álbum, Vida, bajo el sello Talent Microfón y con la producción de Jorge Álvarez. Álvarez no estaba convencido del valor de grabar el disco y fue Billy Bond quien influyó decisivamente, haciendo la grabación en forma cuasi secreta.​ El dúo contó con el acompañamiento de los ex Manal, Claudio Gabis (guitarra eléctrica y armónica) y Alejandro Medina (bajo), Carlos "Lito" Lareu (guitarra), Jorge Pinchevsky (violín) y Francisco Prati (batería), quien venía de la banda Sui Generis, previa a la formación del dúo. Entre las principales canciones se encuentran «Canción para mi muerte» (lanzado también como simple), «Dime quién me lo robó» (sobre su crisis religiosa), «Necesito», «Quizás porque», «Natalio Ruiz» (letra de Carlos Piegari), «Mariel y el capitán», «Estación» y «Cuando comenzamos a nacer». Toda una serie de canciones que quedarían en el cancionero popular durante décadas, en especial «Canción para mi muerte», que fue elegida por la revista Rolling Stones (edición argentina) y la cadena MTV, como la canción #11 entre las 100 canciones más destacadas del rock argentino

J.Huancayo

[elimoris]

¿Charly y Fito, los Mozart y Beethoven de nuestra época?

 Ayer terminé la serie sobre la vida de Fito Páez en Netflix, y no se preocupen este post no será para «spoilear» a aquellos que aún no la han visto, sin embargo me quedé pensando en la línea delgada entre la rivalidad y la complicidad de ambos personajes.

Debo confesar que hace más de 20 años Charly y las bandas que había tenido no eran de mi más mínimo conocimiento, lo único que escuché de él eran las canciones que pasaban por la radio, me parecía un tipo pedante y egocéntrico, es más cuando Sui Generis tocó en Perú en 2001 fui al Estadio Monumental pero a vender cola, en esa época mi economía no era de las mejores y me acababa de enterar por toda la movida que Sui Generis había ocasionado en los fans de mi país, que «Rasguña las Piedras» era una canción de ellos y no el «Ave María» que se cantaba en las misas de mi colegio con otra letra, ya que solo por eso conocía la melodía y después de 20 años supe que la original era de Charly y Nito.

Y sobre Fito desconocía su pasado, eso sí cuando escuché «Mariposa Technicolor» y «El amor después del amor» de inmediato se posicionaron entre mis canciones preferidas de esa época, pero no era para comprarme el álbum entero ya que coleccionar discos no era una de mis prioridades.

Con el tiempo y las amistades que fui forjando conocí más del rock argentino y con ello toda la onda de Charly, Fito, Almendra y sus derivados, despertando en mi un gusto musical que se mantiene en la actualidad, no podía creer lo perdida que estaba sin conocer la maravillosa música de los papás del rock gaucho.

Con estos conocimientos previos me atreví a formular un pensamiento, comparé a Charly con Mozart y a Fito con Beethoven, si nos ponemos a realizar algunas comparaciones Ludwig era admirador de Amadeus así como Páez de García, el autor de Elisa era 14 años menor que Mozart y Fito 12 años menor que «El bigote bicolor» 

Aunque hay varias teorías acerca del encuentro entre Mozart y Beethoven y otros dicen que nunca ocurrió me quisiera quedar con una anécdota la cual recita el biógrafo del siglo XIX Otto Jahnque, ambos se conocieron en Viena cuando Ludwig viajó como un prometedor músico, le presentaron a Mozart y el discípulo interpretó para él, sin embargo Amadeus no le tomo importancia porque era un tema que Beethoven ya había estudiado, al darse cuenta de su indiferencia, el joven músico pidió improvisar inspirado en Mozart, captando en ese momento la atención del experimentando compositor a lo que éste dijo «Recuerden su nombre, este joven hará hablar al mundo»

Me imagino a un Charly viendo a Fito por primera vez y pensando que sería útil para su banda, sin esconder un poco sorpresa y cierto recelo al ver a un tecladista que tocaba tan bien como él y sobre todo que lo imitaba. Al inicio es conocido que Charly ponía a Fito de espaldas en los conciertos porque ya era conocido en el círculo musical pero da a entender que tal vez no quería que tome mayor protagonismo que el mismo Charly, sin embargo con el tiempo éste admitió que debía tomar su propio camino dejándolo recorrer las sendas musicales que hoy conocemos y que estoy segura tiene mucho más que ofrecer.

¿Qué hubiera pasado si Mozart y Beethoven hubieran tocado juntos? ¿Sería la misma complicidad que tienen Charly y Fito? o ¿Los egos de Mozart y Beethoven hubieran sido un impedimento ya que en el siglo XVIII quien componía para las cortes era el más beneficiado económicamente? Lamentablemente no lo sabremos, no hay registros de sus encuentros y si los hubo me quisiera imaginar que tuvieron mucho de que hablar o que estuvieron enfrentados en algún duelo de pianistas como se solía acostumbrar en la época.

Y vale más que decir que Charly y Fito aprendieron a tocar con las partituras de estos ídolos que a finales de 1700 y principios de 1800 fueron como los reyes del rock and roll de la música clásica.

¿Y ustedes como creen que hubiera sido el encuentro de ambos compositores de la época barroca? ¿Tienen alguna otra comparación entre Charly/ Fito y Mozart/ Beethoven o lo consideran algo descabellado? Me gustaría saberlo.

[camigvu]

Biografía. BIZARRAP

El manierista musical.

Gonzalo Julián Conde, universalmente conocido como Bizarrap, a.k.a "el Biza", es un joven productor musical, DJ y compositor argentino, que para mi, ha marcado un antes y un después en la industria musical, al menos en el ámbito urbano, produciendo lo que sea porque quiere y puede. Nació el 29 de agosto de 1998 en Ramos Mejía, provincia de Buenos Aires. Desde muy pequeño mostró interés por la música y comenzó a producir beats y bases musicales en FL Studio a los 14 años. En 2015, con apenas 17 años, lanzó su primer EP "El Principito" bajo el sello JZA Music. Rápidamente comenzó a ganar popularidad en la escena underground argentina. En 2018 creó su propio sello discográfico, Dale Play Records, y lanzó su primer disco "Bzrp Music Sessions". Este álbum contenía sesiones de freestyle con raperos underground argentinos sobre beats producidos por él mismo.

Sin embargo, su gran salto a la fama llegó en 2019 cuando lanzó "BZRP Music Sessions #1" con el rapero argentino WOS. Este tema se volvió viral y lo consagró como uno de los productores más importantes de la música urbana latinoamericana. Desde entonces, el Biza, a quien solo debe conocerle los ojos y el pelo la madre, porque para quien no lo sepa, verlo sin sus lentes y gorra es un delito de segundo grado, ha lanzado exitosas sesiones, entre ellas mis favoritas: Nicky Jam, la canina sorprendente, curvilínea y elocuente Nathy Peluso, la mexicana con tremendo flow Snow Tha Product, Duki, Tiago PZK, Arcángel el bicho, Residente, Quevedo, la que viene pesa´ita Villano Antillano, incluso raperos venezolanos como Neutro Shorty y Big Soto, y la más importante, la diosa, la loba: Shakira, a la que claramente apoyamos y amamos.

Con tan solo 24 añitos, mi amigo, el Biza, ha conseguido trabajar con una cantidad enorme de artistas que podrían considerarse algunos hasta "inalcanzables", y a su vez, posicionarse como un referente de la música urbana hispanohablante con un estilo fresco y versátil, podríamos describirlo realmente como un máquina, un mostro, considerando que cuenta con millones y millones de reproducciones en YouTube y Spotify. Además ha realizado giras por Argentina, España, México, Colombia, Chile y Estados Unidos. Sin dudas es uno de los productores más prometedores de su generación. No sé ustedes, pero yo siempre estoy a la espera de ver con quién será el próximo "BZRP Music Sessions", quiénes serán los primeros streamers en reaccionar al video (que probablemente sea Ibai Llanos, como siempre), ya que es parte de la tradición cada que sale una nueva sesión, y por cuánto tiempo estará pegada la canción en todos lados.

Fuentes y Referentes:

- https://www.cmtv.com.ar/biografia/show.php?bnid=2610&banda=Bizarrap_(BZRP)

- https://mag.elcomercio.pe/fama/quien-es-bizarrap-biografia-carrera-y-fotos-del-dj-y-productor-de-las-bzrp-music-sessions-celeb-de-argentina-nnda-nnlt-noticia/

-https://www.semana.com/gente/articulo/quien-es-bizarrap-esta-es-la-historia-del-artista-argentino/202322/

Camila Villalba | Historia de la Arquitectura II | Prof. Rebeca Tineo

@lonuevodenuevo

[jaylatinroll]

Radiografía Gustavo Santaolalla

Entrevista especial con el compositor y productor argentino, desandamos su camino y trayectoria profesional, desde sus orígenes, su aporte como productor musical para múltiples proyectos, su obra solista y su gran legado como compositor para obras audiovisuales. Ademas nos contó la actualidad de Bajofondo, cuyo nuevo álbum esta por publicarse y se llamara OHM. Mira el video y escucha la…

[dolceminerva97]

¿cómo haces tus playlists de personajes? o qué consejos tienes para los que quieran hacer playlists de sus ocs países. estoy intentando hacer la playlist de mi oc país (cofcofvenezuelacofcof) pero no sé cómo o dónde empezar 😭

La verdad es que no podría hacer playlists para otro personaje que no sea Tina o Arthur por la música que escucho jsjs, pero mi criterio para armar mis playlists tiene que ver con música que refleja la cultura y el estilo musical de los personajes (salvo algunas excepciones, toda la música de mi playlist de Tina está compuesta por argentinos) y también las ordeno con una cierta coherencia temporal.

En el caso de Tina, mucha de la música es instrumental y tiene un dejo de tristeza y melancolía que permean su carácter y lo que me inspira su historia. Las primeras canciones, composiciones de Santaolalla, me transportan con sus instrumentos andinos a la infancia desolada y humilde de Agustina en el norte y centro del país. Más adelante hay unas canciones de orquesta más dramáticas y oscuras que las asocio con su época de guerra civil y sus conflictos con sus vecinos en el siglo XIX. Luego comienzan a aparecer muchos tangos de Piazolla (AMO a Piazolla y a Santaolalla, los declaro oficialmente los compositores oficiales del soundtrack de Argentina) que me llevan a la época de transición de esas guerras civiles a la Argentina de fines del siglo XIX y del siglo XX.

Algunas composiciones dramáticas de Bajofondo las relaciono con la Argentina más reciente, desde las dictaduras hasta la actualidad. Y otras canciones extra que agregué a la playlist porque las escucho para imaginar animatics de ella jsjs

En el caso de la playlist de mi otp, está mucho más variada en estilos musicales pero también ordené las canciones más o menos siguiendo la narrativa que armé sobre ellos, así que cuando la escucho, cada canción me va contando una partecita de sus sentimientos o de cómo fue evolucionando su relación :B

Por cierto, si Tina tuviese su propia serie/anime (?) esta sería su canción principal y su leivmotiv 😩👌 te amo Piazolla

[amormusicamuerte]

Más me preocupan tus ojos que el odio del enemigo

Nunca perdí por la fuerza, solo el amor me ha vencido

Facundo Cabral; cantante, compositor y filósofo argentino

[sheetmusiclibrarypdf]

Libertango (partitura Piano Solo) - Astor Piazzolla

https://vimeo.com/469843019

Libertango (Piano Solo) - Astor Piazzolla sheet music (partitura)

Libertango es una composición del compositor de tango Astor Piazzolla, grabada y publicada en 1974 en Milán. El título es un acrónimo que fusiona 'Libertad' (español para 'libertad') y 'tango', que simboliza la ruptura de Piazzolla del tango clásico al tango nuevo. Astor Piazzolla grabó y publicó Libertango en 1974 en Milán, simbolizando su ruptura del tango clásico al tango nuevo (ver más abajo los detalles de la grabación). El violonchelista YoYo Ma tocó Libertango en su álbum de 1997 Soul of the Tango: The Music of Astor Piazzolla. Fue presentado por el guitarrista Al Di Meola en su álbum de 2000 The Grande Passion. En 2002, Libertango apareció en el segundo álbum de Bond del cuarteto de cuerdas clásico australiano / británico, 'Shine'. En 2017, apareció en el álbum colaborativo en vivo de la pianista de jazz japonesa Hiromi y el arpista colombiano Edmar Castaneda, grabado en Montreal. Si bien Libertango nació como una pieza instrumental, en 1990 el poeta uruguayo Horacio Ferrer incorporó una letra en idioma español basada en el tema de la libertad. Según la base de datos de interpretación de All Music Guide, la composición ha aparecido en más de 500 lanzamientos separados. La canción de Grace Jones I've Seen That Face Before (Libertango) usa la misma música, al igual que la canción 'Jungle Tango' de Jazz Mandolin Project, la canción 'Moi je suis tango' de Guy Marchand y la canción Hívlak de Kati Kovács. En 1997, la música folklórica irlandesa Sharon Shannon grabó una versión de I've Seen That Face Before (Libertango) de Grace Jones para su tercer álbum, Each Little Thing. Con la voz de sesión de Kirsty MacColl, también apareció en 2001 en The One and Only, un álbum recopilatorio lanzado después de su muerte. Shannon relanzó la grabación como la canción principal de su compilación de 2005. La cantante y compositora cubanoamericana Luisa Maria Güell agregó letras al tema del título 'Libertango' y las grabó para su álbum Una de 2007. Una versión más reciente en español de la letra de Libertango pertenece a la cantante, letrista y compositora argentina Lilí Gardés, quien describe la soledad de la vida en la ciudad. Esta versión fue aprobada por Edizione Cursi/Pagani SRL, y formó parte del espectáculo Zombitango. En la serie de anime Prince of Tennis, Atobe Keigo y Sanada Genichirou asistieron a una interpretación de esta canción. Lo usaron más tarde para marcar el ritmo de su partido de dobles. En el fandom estos personajes son conocidos como la 'Pareja de Tango'. Libertango fue la música de fondo en el anuncio de Tarot para el sedán ejecutivo compacto S60 de Volvo. La música se utilizó en la película Frantic (1988) de Roman Polanski, así como en la película Le Pont du Nord (1981) de Jacques Rivette.

Astor Piazzolla

Astor Piazzolla (11 de marzo de 1921-4 de julio de 1992) fue un compositor, bandoneonista y arreglista argentino de tango. Sus obras revolucionaron el tango tradicional en un nuevo estilo denominado Nuevo tango, incorporando elementos del jazz y la música clásica. Bandoneonista virtuoso, interpretó regularmente sus propias composiciones con una variedad de conjuntos. En 1992, el crítico musical estadounidense Stephen Holden describió a Piazzolla como 'el compositor de música de tango más importante del mundo'. Después de dejar la orquesta de Troilo en la década de 1940, Piazzolla dirigió numerosos conjuntos, comenzando con la Orquesta de 1946, el Octeto Buenos Aires de 1955, el 'Primer Quinteto' de 1960, el Conjunto 9 de 1971 ('Noneto'), el 'Segundo Quinteto' de 1978 y el 1989. Nuevo Sexteto de Tango. Además de aportar composiciones y arreglos originales, en todos ellos fue director y bandoneonista. También grabó el álbum Summit (Reunión Cumbre) con el saxofonista barítono de jazz Gerry Mulligan. Sus numerosas composiciones incluyen obras orquestales como el Concierto para bandoneón, orquesta, cuerdas y percusión, Doble concierto para bandoneón y guitarra, Tres tangos sinfónicos y Concierto de Nácar para 9 tanguistas y orquesta, piezas para guitarra clásica solista – las Cinco Piezas ( 1980), así como composiciones en forma de canción que aún hoy son muy conocidas por el gran público de su país, como 'Balada para un loco' y Adiós Nonino (dedicada a su padre), que grabó muchas veces con diferentes músicos y conjuntos. Los biógrafos estiman que Piazzolla escribió unas 3.000 piezas y grabó unas 500. En 1984 se presentó con su Quinteto Tango Nuevo en West-Berlin, Alemania y para televisión en Utrecht, Holanda. En el verano de 1985 actuó en el Almeida Theatre de Londres durante una semana. El 6 de septiembre de 1987, su quinteto dio un concierto en el Central Park de Nueva York, que fue grabado y, en 1994, lanzado en formato de disco compacto como The Central Park Concert.

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[cffabioblog]

Media Hora: Muestra científica 1+ Concierto Sandro

Desde El FAMOSO Estudio 1 de "Prado Del Rey", En una increíble replica exacta tamaño real del patio del "Lester B. Pearson Middle School", se realiza supuestamente una feriacientífica con cualquier clase de estudiantes. Copete y Hill tratan de ganar USD $10.000. Los Dr. Profesor Fetuchinni (Jorge Porcel) y el Prof. Olmedo (Alberto Olmedo) ven lostrabajos de los estudiantes. Despues de ver el trabajo conjunto de Miriam y Tyler (DelFilm de Pixar Turning Red), ellos ven sobre química (Honey Lemon y Varian)... Dentro de ese episodio, de larga duración, incluye con un conjunto de orquestas dediferentes escuelas, bajo la dirección musical de Joe Gardner, la extraordinaria presentacióndel compositor, actor y cantante Argentino Sandro. Copyrights Miriam and Tyler© Pixar / Domee S. All Rights Reserved. Varian© Disney. All Rights Reserved. Honey Lemon© Disney / Marvel / Man Of Action. All Rights Reserved.

[casi-indestructible]

Fito Páez - Al lado del camino

Rodolfo Páez, más conocido como Fito Páez, ​​ es cantante, compositor, músico y director de cine argentino. Integrante de la llamada trova rosarina, ​ es apodado como El trovador del rock argentino y uno de los más importantes exponentes del rock de ese país

Incluida como segundo track en el disco Abre de 1999. En Los Grammy Latino del años 2000, la canción ganó Mejor Canción Rock, Mejor Interpretación Rock Masculina y estuvo nominada a Canción del Año.

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[radioeuroextasis]

Gaston Locampo Niña

Gastón Locampo es un cantante y compositor argentino que aporta al pop una profundidad única, ofreciendo canciones que nacen desde lo auténtico y que hablan directamente al corazón. Su música es un homenaje a lo cotidiano, pensada para quienes encuentran belleza en los detalles y valoran la conexión genuina. Actualmente radicado en Miami, Gastón convierte sus experiencias personales en arte, donde cada letra y acorde reflejan momentos y emociones sinceras. Su estilo es una extensión de su propia vida, creando un puente real entre el artista y el oyente, que se siente invitado a explorar lo esencial a través de cada canción. Con una voz cálida y letras que relatan historias comunes a todos, Gastón ofrece una experiencia musical que va más allá de la escucha. Su música se vive y se siente, como un acompañante cercano en el recorrido de cada día, evocando una conexión profunda y humana en cada nota. Read the full article

[elmartillosinmetre]

Un imaginario libro de vihuela en Guatemala

[Los argentinos Jonatan Alvarado y Ariel Abramovich /��Albirú Muriel Photography]

En su tercer disco conjunto para el sello Glossa, Jonatan Alvarado y Ariel Abramovich viajan hasta Huehuetenango

En The Josquin Songbook, publicado en 2021, coincidiendo con el quinto centenario de la muerte del gran Josquin Desprez, el vihuelista argentino Ariel Abramovich, muy vinculado a España y a Sevilla, donde residió muchos años, se reunió por primera vez en disco con su compatriota Jonatan Alvarado, un tenor que también es tañedor de instrumentos de cuerda pulsada. El disco contenía reducciones de música de Josquin para vihuela y hasta dos voces, además de la de Alvarado, la de otra insigne argentina, la soprano Maria Cristina Kiehr, con la que Abramovich llevaba tiempo colaborando. Fue su primera publicación para el sello alemán (español, en origen), Glossa.

En 2023, el inquieto vihuelista sudamericano hizo un acercamiento singular al Cancionero de Palacio, también para Glossa, esta vez tañendo un laúd y añadiendo a la voz de Alvarado las de la mezzo Florencia Menconi y el bajo Breno Quindere. La tercera colaboración para Glossa acaba de salir al mercado (está en plataformas desde el 1 de octubre) y es una fantasía en torno a la música preservada en una serie de manuscritos guatemaltecos del siglo XVI, que se presenta como una imaginaria publicación vihuelística en tres libros.

En tres pequeñas localidades indígenas de la cordillera de Chuchumatanes, en el departamento de Huehuetenango (Santa Eulalia, San Mateo Ixtatán y San Juan Ixcoi), al noroeste de Guatemala, se conservaron durante siglos una serie de libros de coro, diecisiete de los cuales terminaron en la década de 1960 en bibliotecas estadounidenses (quince en la Universidad de Indiana, uno en la de Princeton y otro en la de Tulane) y uno más en una parroquia de otra localidad guatemalteca, la de Jacaltenango. Según información del musicólogo giennense Javier Marín, que firma las notas al CD, investigaciones recientes de Kristian Haag han desvelado que esos volúmenes eran sólo una parte de una colección original mucho mayor, en torno a los cincuenta tomos.

Destinados al consumo de las comunidades locales, esos libros incluyen música europea de la época, pero en versiones propias, llenas de detalles originales, con ornamentos anotados o variaciones textuales. Dos nombres aparecen vinculados a la colección, los de Francisco de León y Tomás Pascual, respectivos maestros de capilla en Santa Eulalia y San Juan Ixcoi, acaso autores de algunas piezas, pero con seguridad de los arreglos y la copia.

Destinados al consumo de las comunidades locales, esos libros incluyen música europea de la época, pero en versiones propias

La extraordinaria diversidad de la música preservada en estos manuscritos (canciones francesas, madrigales italianos, villancicos españoles, misas y motetes latinos, antífonas gregorianas, danzas de diverso tipo) sugiere que el uso que se hacía de ella era considerablemente amplio e incluía su empleo didáctico para la enseñanza musical. Habida cuenta de que hay muchas obras sin texto, se piensa que parte de ellas pudieran estar destinadas también a conjuntos de ministriles, una actividad bien conocida en España y que pudo llegar tempranamente a América.

La inmensa mayoría de las obras aparecen sin mención de autoría, pero se han podido identificar concordancias con piezas de compositores muy diversos entre los que son mayoritarios los de origen español (Juan de Anchieta, Cristóbal de Morales, Martín de Rivaflecha, Juan Vásquez, Johannes Urrede, Alonso de Ávila, Francisco de Peñalosa, Pedro de Escobar) y franco-flamenco (Josquin Desprez, Heinrich Isaac, Jean Mouton, Loyset Compère, Tilman Susato, Claudin de Sermisy, Philippe Verdelot). La complejidad contrapuntística de mucha de esta música desvela el alto nivel de ejecución musical que se alcanzó en estas comunidades indígenas.

Este repertorio no era ni mucho menos desconocido y de hecho existían ya grabaciones desde antiguo, aunque en la mayor parte de los casos orientadas hacia los villancicos españoles, las obras de tono popular y las piezas más exóticas, aquellas que presentan los textos en lenguas indígenas. Ariel Abramovich y Jonatan Alvarado han buscado ir más allá y han creado una auténtica fantasía en diecinueve cortes, distribuidos en tres libros en imitación de las ediciones vihuelísticas españolas del tiempo. Sus versiones eluden además una literalidad que, dada la naturaleza de los manuscritos, es por otro lado imposible, por lo que incluye recreaciones y reelaboraciones propias, en ocasiones incluso mediante la técnica del contrafactum.

El primer libro (En el qual se ponen algunas partes de misa, un magnificat y otras cosas para cantar tenor) incluye fragmentos de misas, un soberbio Magnificat de 8º tono, la obra más extensa y desarrollada de todo el CD, y algunos otras piezas pensadas para la liturgia. En el segundo libro (El cual contiene motetes a cuatro de muy excelentes autores) hay un Pater Noster anónimo, un Agnus Dei (de una misa de Morales) y motetes a partir de música de Sermisy, Anchieta y Escobar, cuyo Clamabat autem mulier cananea es, en mi opinión, otra de las joyas del álbum. El libro tercero (El cual contiene un estrambote y un romance viejo a cuatro; villancicos a tres y a cuatro en letra castellana, assi mismo una canción en lengua francesa para tañer) es el de las canciones, con contrafacta y la presencia de nombres como Pierre Moulu, Sebastiano Festa, Juan Vásquez, el famoso romance De Antequera sale el moro, dudosamente de Morales, aunque a él lo atribuye Fuenllana, más un anónimo del Cancionero de Belem que Abramovich aprovecha para acompañar con música del libro de vihuela de Esteban Daza. Un trabajo original y sugerente que mezcla erudición, imaginación y rigor.

[Diario de Sevilla. 3-11-2024]

La ficha THE HUEHUETENANGO SONGBOOK. Music from 16th Century Guatemala Primer Libro. En el qual se ponen algunas partes de misa, un magnificat y otras cosas para cantar tenor Virgen Madre de Dios Introito: 'Salve Sancta Parens' Kyrie eleison Pleni sunt (de la 'Misa sine nomine') Antiphona ad Magnificat: 'Gloriose Virginis' Magnificat 8 toni Benedicamus Domino. Deo Gratias. Segundo Libro. El cual contiene motetes a cuatro de muy excelentes autores Paratum cor meum [Claudin de Sermisy: 'Le content est riche'] Pater Noster Hic solus [dolores nostors] Agnus Dei [Cristóbal de Morales, de la Missa La Caça] O bone Jesu [Juan de Anchieta] Cananea [Pedro de Escobar: 'Clamabat autem mulier cananea'] Tercer Libro. El cual contiene un estrambote y un romance viejo a cuatro; villancicos a tres y a cuatro en letra castellana, assi mismo una canción en lengua francesa para tañer Salamanca [Pierre Moulu (?): 'Amy souffrez'] Edmini [Sebastiano Festa: 'Amor che mi tormenti'] Con qué la lavaré? [Juan Vásquez: 'Morraleos'] Mulier quit ploras [Juan Vásquez: 'Puse mis amores en Fernandino'] Romance ['De Antequera sale el moro'] Dame acojida en tu hato Jonatan Alvarado, tenor Ariel Abramovich, vihuelas en sol y en la Glossa

EL CD EN SPOTIFY

[trastornadosrevista]

GAL GO, el músico argentino que colabora con King Krule y anuncia show en Artlab

GAL GO vuelve a casa. El multinstrumentista y compositor argentino  que supo hacerse un lugar en la escena británica a partir de su inclusión en la banda de King Krule regresa a Buenos Aires con su proyecto personal para presentar su último EP 'A deshacer', parte de un proyecto creativo que culminará en 2025.  La cita será el sábado 16 de noviembre en Artlab.  Las entradas ya están disponibles.

Ignacio Salvadores es un multiinstrumentista nacido en Argentina y radicado en Londres. Salvadores produce música bajo el pseudónimo GAL GO, grabando y mezclando sus propios sonidos desde su estudio en Londres. GAL GO ha sido un colaborador clave de Archy Marshall y una de las personas clave detrás de ‘The Ooz’, el álbum de King Krule nominado al Mercury Prize, y ha sido mencionado como una de las influencias centrales para la creación de ‘Man Alive’ y ‘Space Heavy’, los discos más recientes de King Krule. 

Pitchfork ha descrito la música de GAL GO como "una explosión de pasión que resulta misteriosa e impactante". En 2024 vieron la luz las dos primers partes de una trilogía que finalizará en 2025, la cual lo ha llevado a presentar el nuevo material en diversos escenarios a lo ancho del mundo incluyendo Glastonbury Festival, entre otros.